Los seis artistas vivos mejores pagados

01—Damien Hirst

El artista británico es el autor de la obra mejor pagada de la historia, For the Love of God. Pionero en realizar piezas que confrontan al espectador, su trabajo se cotiza en un billón de dólares.

For the Love of God (en español: Por el Amor de Dios) es una escultura del artista Damien Hirst, producida en 2007. Se trata de un molde de platino de una calavera humana incrustada con 8.601 diamantes sin defectos, entre ellos un diamante rosa en forma de pera ubicado en la frente. El costo fue de £ 14 millones para producirlo, el trabajo fue en la exhibición en la galería White Cube de Londres en una exposición Beyond belief con un precio de £ 50 millones. Esto habría sido el precio más alto jamás pagado por una sola obra de un artista vivo.
El cráneo humano utilizado como base para el trabajo, fue comprado en una tienda en Islington, se piensa que es el de un europeo que vivía entre 1720 y 1810.1​ El título de la obra se inspiró supuestamente por la madre de Hirst, quien una vez le preguntó: "Por el amor de Dios, ¿qué vas a hacer ahora?".

Damien Hirst Steven​ (n. 7 de junio de 1965) es un empresario inglés y coleccionista de arte. Es el miembro más prominente de The Young British Artists (o YBAs), quienes dominaron la escena del arte en Reino Unido durante la década de 1990. Su trabajo es reconocido a nivel internacional,​ es considerado, también, el artista vivo más rico del Reino Unido, con aproximadamente 215 millones de libras según el Sunday Times Rich List de 2010.
Durante la década de los 90 su carrera estuvo estrechamente vinculada con el coleccionista Charles Saatchi, pero crecientes problemáticas entre los dos llegaron a un punto crítico en 2003 y la relación terminó.
Provocar y escandalizar es el tema central en la obra de Hirst.

Charles Saatchi (Bagdad, 9 de junio de 1943) es el co-fundador junto con su hermano Maurice Saatchi de la agencia de publicidad Saatchi & Saatchi. Dirigió ese negocio, siendo la agencia de publicidad más grande del mundo en la década de 1980, hasta ser expulsados ​​en 1995. En el mismo año los hermanos Saatchi formaron un nuevo organismo llamado M&C Saatchi. Charles también es conocido en todo el mundo por ser coleccionista de arte y propietario de la Saatchi Gallery, y en particular por su patrocinio de los Young British Artists (YBAs), entre ellos Damien Hirst y Tracey Emin.

02—Jeff Koons

Considerado pionero del arte kitsch por sus esculturas en gran formato, el estadounidense fue el primer artista en contratar una agencia de publicidad para promover su imagen. Está cotizado en 500 millones de dólares.

Jeff Koons (York, Pensilvania, 21 de enero de 1955) es un artista estadounidense. Su obra se destaca por el uso del kitsch y su frecuente monumentalidad.
Trabajó como corredor de bolsa en Wall Street antes de establecerse como artista. Comenzó a hacerse notar en los años 1980 y abrió un taller con un personal de 30 ayudantes manejado de modo similar al célebre estudio de Andy Warhol conocido como The Factory.

JBigPinkHeart, el gran corazón rosa convertido en cojín, un objeto pionero en la mentalidad consumista del kitsch.
El kitsch  es un estilo artístico considerado «cursi», «adocenado», «hortera» o «trillado» y, en definitiva, vulgar aunque pretencioso y por tanto no sencillo ni clásico, sino de mal gusto.
Fue definido en el campo de la estética en los años treinta por Hermann Broch (1886-1951), Walter Benjamin (1892-1940), Theodor Adorno (1903-1969) y Clement Greenberg (1909-1994), con el propósito de definir lo opuesto al arte de Vanguardia o avant-garde. En aquella época el mundo del arte percibía la popularidad de lo kitsch como un peligro para la cultura. Más tarde fue definido sobre todo en Alemania en los años setenta.

Casado en 1991 con la actriz pornográfica italiana Ilona Staller (Cicciolina), ambos tuvieron un hijo al año siguiente llamado Ludwig. La pareja se disolvió​ y la madre huyó a Europa donde aún vive con el hijo de ambos a pesar de que las cortes estadounidenses hayan fallado la custodia del infante a favor de Koons. Jeff Koons está entre los artistas vivientes más cotizados de los Estados Unidos. Trabajó con Lady Gaga diseñando la portada de ARTPOP. 

Clasificada a veces como minimalista y Neo-pop, su obra consistía inicialmente en escultura conceptual que fue adquiriendo monumentalidad (Puppy). A la fecha, Koons ha incursionado en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía.
La mayoría de sus obras van al corriente del arte conceptual, minimalista y pop. Aunque muchos críticos lo han denominado como el principal artista kitsch.

Balloon Dog (Amarillo). Una de las cinco versiones únicas (naranja, amarillo, azul, magenta y rojo)
La obra más conocida de las esculturas globo es Balloon Dog. Las esculturas de globos de animales son su mayor creación sobre todo la que representa a un perro de globo inflado en color naranja, está realizada en acero y según Koons: “Es un símbolo, como el caballo de Troya, tiene algo mítico”. $58.405.000 (43.400.000 €) es la cantidad que alcanzó la escultura "Balloon Dog" (Naranja) del provocador artista Pop-art, Jeff Koons; superando las expectativas más optimistas que creían que podría venderse por entre 35 y 55 millones de dólares, se subastó en una subasta de Christie's en la ciudad de Nueva York. Esta escultura rompió el récord mundial de la obra de arte más cara vendida de un artista en vida. De 12 pies de altura es un juguete infantil de gran tamaño, es una de 5 exclusivas piezas de perro metálicas hechas por Jeff Koons (las otras cuatro son de color amarillo, azul, magenta y rojo), propiedad de los mega millonarios financistas y coleccionistas de arte: Steven A. Cohen, Eli Broad (cuyo “Balloon Dog (Azul)” está en exhibición en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, Francois Pinault y Dakis Joannou. La escultura de acero inoxidable con recubrimiento de color transparente es uno de los primeros perros del globo, que se parecen el tipo de souvenires payasos hacen en fiestas de cumpleaños.

03—Takashi Murakami

El trabajo del artista japonés abarca desde la pintura, hasta los medios digitales y comerciales. Su obras mezclan la tradición nipona del manga con el por art norteamericano. La obra del conocido “Andy Warhol japonés” se valora en 100 millones de dólares.

Takashi Murakami (1 de febrero, 1962) es un artista contemporáneo japonés. Trabaja en medios involucrando bellas artes, como pintura, escultura y arquitectura , así como lo que convencionalmente considerado: moda, medios comerciales, mercancía y animación. Es conocido por difuminar la línea entre arte alto y bajo. Acuñó el término superflat, que describe características estéticas de la tradición artística japonesa y la naturaleza de la cultura posguerra. Superflat también se utiliza para describir el estilo artístico propio de Murakami y de otros artistas japoneses que han sido influenciados por él.
En noviembre de 2003, ArtNews reportó el trabajo de Murakami como uno de los más deseados del mundo. Hiropon, una escultura satírica de tamaño natural de un carácter anime con pechos gigantescos lactando, fue vendido por 427,500 dólares en la casa de subasta Christie's en mayo de 2002. Un año más tarde una segunda escultura, Miss Ko2, fue vendida por 567,500 dólares. Su trabajo ha seguido elevándose en valor y en mayo de 2008, My Lonesome Cowboy (1998), una escultura inspirada en anime, de un muchacho que se masturba, fue vendida en 15 millones de dólares en Sotheby's.
En septiembre de 2010, Murakami se hizo el tercer artista contemporáneo, y el primer japonés, en exponer sus trabajos en el Palacio de Versalles en Francia, llenando 15 espacios y el parque con sus esculturas, pinturas, una alfombra decorativa, y lámparas.

La escultura My lonesome Cowboy, de 1998, un joven masturbándose y eyaculando en forma de manguera o surtidor, se vendió por 15 millones de euros en Sotheby's en mayo del 2008, triplicando el precio previsto por los tasadores

Takashi Murakami nació y creció en Tokio, Japón. Fue un seguidor entusiasta de animación y manga (tiras cómicas japonesas), aspirando a un trabajo en la industria de la animación. 

Murakami estaba insatisfecho con el arte contemporáneo en Japón, asegurando que era "una apropiación profunda de tendencias Occidentales."

Japanese artist Takashi Murakami gets a grand show at the Palace of Versailles.

Así, la mayor parte de su trabajo temprano fue hecho como crítica social y sátira. Las obras de este período incluyen el performance (Osaka Mixer Project, 1992), parodia del "mensaje" del arte popular en Japón a principios de los años 90, (DOBOZITE DOBOZITE OSHAMANBE, 1993) y trabajos conceptuales (p.ej. Randoseru Project, 1991). Murakami comenzó, también, a desarrollar su propio icono pop: "Sr. DOB" que más tarde se convertiría en una forma de autoretrato, el primero de varios morphing y adornos que se repiten en su trabajo. Aunque llamó la atención, su arte temprano no fue bien recibido en Japón.

El arte de Murakami abarca una amplia gama de medios y generalmente es descrita como el SUPERFLAT. Su trabajo ha sido notado por su empleo del color, incorporación de adornos de la cultura japonesa tradicional y popular, superficies planas/brillantes y un contenido que podría ser descrito como "lindo", "psicodélico" o "satírico". Entre sus adornos más famosos están flores riendo, setas, cráneos, iconografía budista, y los complejos sexuales de la cultura otaku.(El término otaku (se emplea popularmente en Japón y se ha adquirido en otros países como sinónimo de persona con aficiones apasionadas al anime y/o manga.

En 2002, como invitación por parte del diseñador Marc Jacobs, Murakami comenzó una duradera colaboración con la marca Louis Vuitton. Comenzó contribuyendo con material gráfico que fue usado en el diseño de una serie de bolsos. La serie revivió el famoso monograma de la casa de moda, convirtiéndose en un enorme éxito comercial. A pesar de haber colaborado con diseñadores como Issey Miyake por Naoki Takizawa, su trabajo con Louis Vuitton le ganó fama extendida y notoriedad como artista que enturbia la línea entre el arte 'alto' y el mercantilismo. Esto también lo elevó a celebridad en su país de origen, Japón.

30/07/2015
El artista japonés Takashi Murakami y la firma de lujo Louis Vuitton han puesto punto final a 13 años de colaboración, que más que la larga duración en el tiempo ha constituido la primera gran alianza entre un artista y una firma comercial de las características de la que aquí se trata. En el 2003 la marca comercializó el bolso it con el logotipo de colores creado por Murakami y convertido en todo un icono de la creación del japonés y del comercio del lujo. Las siglas LV en multicolor.
Por el tono de los comunicados de prensa anunciando la ruptura del acuerdo, no ha sido precisamente amistoso.
A sus 55 años de edad se ha consolidado como artista y escultor de alcance internacional. Su obra se presentó en el 2009 en el museo Guggenheim de Bilbao, pero donde hizo más ruido fue en el 2007 en el museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, allí fue donde los críticos le calificaron de "tienda de Louis Vuitton".

04—Anish Kapoor

Uno de los escultores indios más reconocidos del mundo, cuyo trabajo se caracteriza por el uso de espejos y tendencias arquitectónicas en sus obras. El ganador del premio Turnes se cotiza en 85 millones de dólares.

Anish Kapoor es uno de los escultores más influyentes de la época, creando esculturas abstractas con diferentes materiales tales como concreto, tiza, fibra de vidrio, pigmentos, piedra, fieltro y acero inoxidable.
De padre hindú y madre judía, Anish Kapoor tuvo una educación india-judía. Debido al antisemitismo islámico, la familia de su madre emigró de Bagdad a Pune cuando ella tenía dos meses de edad.
De 1971 a 1973 se mudó a Israel con uno de sus hermanos. Empezó a estudiar Ingeniería mecánica, pero decidió abandonar la carrera después de 6 meses​ y decidió estudiar arte.
En 2002 cuando Cecil Balmond trabajó con Kapoor para crear la escultura Marsyas lo ayudó a refinar sus "ideas aesteticas", transmitiendo conocimiento acerca de técnicas de construcción, resistencia de materiales entre otros aspectos técnicos.

Tall Tree and the Eye. Museo Guggenheim, Bilbao

Obra titulada Sky Mirror, se encuentra en los jardines Kensigton

05—Antony Gormley

Los temas centrales en las obras de Gormley son el cuerpo como sujeto, objeto y lugar. Las siluetas del escultor inglés, elaboradas en concreto, fierro o plomo, buscan materializar el lugar del otro lado de las apariencias. Sus piezas alcanzan los 50 millones de dólares.

Sir Antony Gormley, OBE (nacido el 30 de agosto de 1950) es un escultor británico.
Sus trabajos más conocidos incluyen Angel of the North, una escultura pública en Gateshead encargada en 1995 y erigida en febrero de 1998, y Another Place, en Crosby Beach cerca de Liverpool. Por encargo de la ciudad de Leeds, diseñó la escultura Brick Man. También ha realizado una serie de piezas titulada Columna rota con un número consecutivo de elementos. Ejemplo de ello es la piscina municipal de Stavanger, en Noruega, donde se encuentra la "Columna rota nº9".

Horizon Field, en los Alpes austriacos, a 2.039 metros sobre el nivel del mar.

Tal y como el nombre sugiere, es una escultura de un ángel de dimensiones gigantescas, hecha en acero y con una altura de 20 metros. Las alas miden 54 metros de extremo a extremo de la estatua. Las alas no son perpendiculares al perfil de la estatua, sino que forman un pequeño ángulo de 3,5 grados con idea de crear sensación de brazo. El lugar donde se encuentra la estatua es una colina al sur de Newcastle upon Tyne en la confluencia de la autopista A1 con la carretera A-167.

Iron: Man

06—David Hockney

Pintor, fotógrafo y diseñador gráfico inglés es uno de los exponentes del por art. Entre su trabajo destacan collages e ilustraciones con elementos expresionistas, que se valoran en 40 millones de dólares.

David Hockney, (Bradford, 9 de julio de 1937) es un pintor, proyectista, escenógrafo, impresor, y fotógrafo inglés. Vive en Bridlington, Yorkshire del Este, y Kensington en Londres. Hockney mantiene dos residencias en California donde vivió por temporadas durante 30 años: una en Nichols Canyon, Los Ángeles, y una oficina en Santa Monica Boulevard en West Hollywood.
Fue un importante contribuyente del movimiento de Arte Pop en la década de 1960, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.

1995 BMW 850 CSi by David Hockney

David Hockney's 1995 BMW 850CSi at a London show of the BMW Art Car Collection 1975-2010 (Hackney, London 2012)

Una visita a California, lugar en el que ha vivido muchos años, le inspiró a realizar una serie de pinturas de albercas utilizando pintura acrílica (relativamente nueva) de colores vibrantes, con un renderizado altamente realista. El artista se mudó a Los Ángeles en 1964, regresó a Londres en 1968, y de 1973 a 1975 vivió en París. Regresó a Los Ángeles en 1978 y rentó una casa a la orilla de un cañón, años después adquirió la propiedad y la expandió para incluir su estudio.9​ También tenía una casa de playa de 1,642 pies cuadrados en el 21039 de la Costa Pacífico en Malibú, la cual vendió en 1999 por alrededor de $1.5 millones de dólares.

Hockney es abiertamente homosexual, y a diferencia de Andy Warhol, de quien se hizo amigo, él exploraba abiertamente la naturaleza del amor gay dentro de sus retratos. Algunas veces representa su amor por el hombre a través de sus obras como en su pintura de 1961: "Nostros Dos Muchachos Juntos y Apegados"

"Nostros Dos Muchachos Juntos y Apegados"

A principios de 1980, Hockney comenzó a producir "joiners", que son collages hechos de fotografías, primero empezó usando impresiones de Polaroid y subsecuentemente estampados de 35mm procesados comercialmente. Hockney creaba imágenes compuestas utilizando fotografías hechas con película instantánea o fotografías reveladas de un sólo sujeto ordenadas de manera irregular.

En 1967, la pintura de Hockney, Pedro saliendo de la alberca de Nick, ganó el John Moores Painting Prize en la Walker Art Gallery en Liverpool. A Hockney se le ofreció el título de caballero en 1990 pero lo rechazó, hasta que en enero del 2012 aceptó la Orden de Mérito del Reino Unido.

El 21 de junio de 2006, la pintura "El chapuzón" de Hockney se vendió por £2.6 millones de libras. 

Desde 1963, Hockney ha sido representado por el marchante de arte, John Kasmin y por Annely Juda Fine Art en Londres. El 21 de junio de 2006, la pintura "El chapuzón" de Hockney se vendió por £2.6 millones de libras. Un Gran Cañón, una serie de 60 pinturas combinadas para crear una sola imagen, fue comprada por la National Gallery of Australia en $4.6 millones. Beverly Hills Housewife (1966–67) es un acrílico de 12 pies de largo que representa a la coleccionista Betty Freeman parada junto a su alberca en un vestido largo y rosa; se vendió por $7.9 millones de dólares en Christie's Nueva York en el 2008 y fue el precio más alto del lote, además de un precio récord para Hockney.

A Bigger Grand Canyon, 1998 by David Hockney

Beverly Hills Housewife (1966–67)