Mi semana en Florencia (IX) - (IV) Galería Uffizi - Rafael - La Anunciación (Leonardo da Vinci) - Tondo Doni (Miguel Angel) - Venus de Urbino (Tiziano)

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Retrato de Magdalena Doni o Retrato de Maddalena Strozzi  y  Agnolo Doni es una pintura realizada en óleo sobre tabla por el maestro del renacimiento Rafael entre 1506 y 1507.

El Retrato de Maddalena Strozzi, casada con Agnolo Doni el 13 de enero de 1504 con apenas quince años de edad, siguió la misma suerte que el de su marido y llegó en 1826 a las colecciones florentinas. La mujer se sitúa delante de un paisaje luminoso que resalta su rica y refinada vestimenta. Su rostro muestra la tranquilidad que podía venirle de su posición social y de la riqueza de su marido, riqueza que se deja ver también en las joyas, sobre todo en el colgante que lleva al cuello, compuesto por un enganche de oro en forma de unicornio en la parte superior, que engarza una esmeralda, mientras que debajo hay un rubí y un zafiro de los que pende una gran perla de forma irregular. Este collar recoge una serie de significados simbólicos: el unicornio remite a la castidad, la esmeralda posee poderes taumatúrgicos y alude asimismo a la virtud de la castidad, el rubí da fuerza al cuerpo y prosperidad a quien lo lleva, el zafiro simboliza la pureza y la perla la virginidad.

Posiblemente el retrato fue parte de un díptico, en el cual se encontraba el retrato de Agnolo Doni, un mercader florentino y esposo de Maddalena. Algunos historiadores indican que la obra fue encargada a Rafael para conmemorar la unión de la pareja, la cual se celebró en 1504. Sin embargo, se estima que los dos retratos fueron ejecutados por Rafael en 1506, fecha en la que se cree que el pintor de Urbino estudió de cerca la obra de Leonardo Da Vinci.

La composición de la pintura guarda numerosas semejanzas con La Gioconda. Una de esas similitudes es la postura de la modelo, por ejemplo, las manos de Maddalena mantienen la misma posición que las de la Mona Lisa, la mano derecha reposa sobre la mano izquierda.

La Virgen del jilguero (en italiano Madonna del cardellino) es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, datada hacia 1506. Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 107 centímetros de alto por 77 cm de ancho. Se conserva en la Galería Uffizi de Florencia, Italia.
La Virgen del jilguero fue realizada durante la estancia de Rafael en Florencia y fue un regalo de bodas para su amigo Lorenzo Nasi. El 17 de noviembre de 1548 la casa de Nasi quedó destruida por un terremoto, y la pintura se partió en diecisiete fragmentos. Del rápido daño, escribe Giorgio Vasari en el año 1568: «Encontraron las piezas entre el mortero de las ruinas fueron donde Battista, hijo de Lorenzo, muy amante del arte, para que la rehiciera de la mejor manera que pudiese». Fue restaurada poco después, pero el daño aún resulta visible.

La Virgen sostiene un libro, lo que permite identificarla como Sedes Sapientiae («Asiento de la Sabiduría»). El jilguero es un símbolo de la futura muerte violenta de Cristo. San Juan ofrece el jilguero a Cristo como advertencia en relación con su futuro.
La influencia leonardesca se evidencia en muchos rasgos de la obra, como la estructura piramidal y el claroscuro. También se nota en la oscuridad del terreno y en el tratamiento atmosférico del paisaje del fondo, que se pierde en las brumas del horizonte. Los rostros del Bautista y de Cristo tienen una impronta inconfundiblemente leonardesca en el esfumado que les rodea y en los rasgos somáticos.

Presunto Autorretrato de Rafael, Galería de los Uffizi, Florencia.
 (Urbino, 6 de abril de 1483-Roma, 6 de abril de 1520),​ también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael fue un pintor y arquitecto italiano del Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.

Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplía 37 años.

Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerada una de sus obras cumbre.

La escuela de Atenas es una de las pinturas más destacadas del artista Rafael Sanzio.​ Fue hecha en boceto entre 1509 y 1510 y pintada entre 1510 y 1512 como parte de una comisión para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano. La Stanza della Segnatura fue la primera en ser decorada, y La escuela de Atenas la segunda pintura en ser finalizada, tras La disputa del Sacramento.
Su base es de 7,70 m y su altura de 5,00 m. Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la filosofía a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresalientes.

1: Zenón de Citio o Zenón de Elea – 2: Epicuro – 3: Federico II Gonzaga – 4: Boecio o Anaximandro o Empédocles – 5: Averroes – 6: Pitágoras – 7: Alcibíades o Alejandro Magno – 8: Antístenes o Jenofonte – 9: Hipatia (pintada como Margherita o el joven Francesco Maria della Rovere) – 10: Esquines o Jenofonte – 11: Parménides – 12: Sócrates – 13: Heráclito (pintado como Miguel Ángel) – 14: Platón sosteniendo el Timeo (pintado como Leonardo da Vinci) – 15: Aristóteles sosteniendo la Ética – 16: Diógenes de Sinope – 17: Plotino – 18: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes (pintado como Bramante) – 19: Estrabón o Zoroastro – 20: Claudio Ptolomeo – R: Apeles como Rafael – 21: Protógenes como El Sodoma

La Anunciación  es uno de los cuadros más célebres del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está pintado al óleo sobre tabla (madera de álamo) que mide 98 cm. de alto y 217 cm. de ancho y data del periodo 1472-1475. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia.

Hay muy poca información cierta respecto al origen de esta obra; se sabe que es uno de los primeros encargos que Leonardo consiguió mientras estaba en el taller de Verrocchio. Se cree que es obra de colaboración con Domenico Ghirlandaio o alguno de los discípulos, por algunos rasgos: la Virgen está a la derecha y el ángel a la izquierda, característica de las pinturas florentinas; además, la cabeza del ángel carece del esfumado típico de Leonardo, apareciendo los cabellos compactos.

La Virgen María, a diferencia de lo que era habitual, no adopta la postura de sumisa aceptación de su destino cruzando los brazos. La hermosa joven, interrumpida en su lectura por este mensajero inesperado, pone un dedo de la mano derecha sobre la biblia para marcar el lugar, como si quisiera evitar que se cerrara, y alza la mano izquierda a modo de saludo. Esta serena joven acepta su papel como Madre de Dios no con resignación, sino con confianza. En esta pintura el joven Leonardo presenta la cara humanista de María, una mujer que reconoce el papel de la humanidad en la encarnación de Dios.

A primera vista parece tener tres piernas, ya que el borde del manto está sobre el brazo del sillón. Está situada junto a una especie de altarcillo o mesa de mármol en el que se evidencian las enseñanzas de Verrocchio. Esta mesa de mármol frente a la Virgen probablemente es cita de la tumba de Pedro y Juan de Médici en la sacristía basílica de San Lorenzo de Florencia de Brunelleschi, que fue esculpida por Verrocchio en esa misma época. Es un sarcófago con elementos broncíneos cincelados que recuerdan a las ornamentaciones de este altar.

Al fondo se ve un río con meandros y barcas, montañas y árboles. El paisaje del fondo muestra una escena de puerto que se cree que está en Roma. Usa perspectiva aérea, a la que Leonardo daba mucha importancia: pintaba los detalles más alejados como envueltos en una niebla, pues sabía que entre el ojo y un objeto visto a distancia se interponían capas de polvo atmosférico, de partículas y motas muy pequeñas, que hacen los contornos menos nítidos; Leonardo fue el primer pintor en preferir esta perspectiva atmosférica sobre la geométrica. 

El cuadro está caracterizado por un hecho curioso: Leonardo comete un error de perspectiva. Tal error se refiere al brazo de la Virgen. Analizando el cuadro con una simulación gráfica, y haciéndolo girar, se observa la desproporción en cuanto a la longitud del brazo. Este error no existe en la otra versión de la Anunciación de Leonardo que hoy en día está en el Louvre.

Anunciación (Leonardo, Louvre)16 cm × 60 cm
La tabla tiene unos dos centímetros de espesor. La madera es álamo. El cuadro constituye la parte central de la predela de un altar encargado en 1474 a Andrea del Verrocchio con destino a una de las capillas de la catedral de Pistoia.
La atribución a Leonardo ha sido siempre discutida. En el momento de su ingreso en el Louvre, en 1863 fue adjudicada a Ghirlandaio, y posteriormente a Lorenzo di Credi, antes de que se consignara definitivamente como de Leonardo. Ha habido intentos de atribuir la obra a la ejecución por parte de diferentes artistas del círculo de Verrocchio, de forma simultanea. Sin embargo, el pequeño tamaño de la obra hace difícil imaginar a varios pintores colaborando en su realización.

Leonardo da Vinci (Vinci, 15 de abril de 1452-Amboise, 2 de mayo de 1519) fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista. Murió acompañado de Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.​ Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.

La Sagrada Familia, conocida como Tondo Doni, es un cuadro del pintor renacentista italiano Miguel Ángel. Su diámetro es de 120 centímetros. Se considera que se ejecutó entre 1503 y 1504 o, con mayor probabilidad, en 1506. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), con su marco original, diseñado por el propio Miguel Ángel.
Miguel Ángel empleó dos técnicas para esta obra, temple y óleo.

Es el único panel de madera pintado por Miguel Ángel. Fue un encargo de Agnolo Doni, un rico tejedor, para conmemorar su matrimonio con Maddalena Strozzi, la hija de una poderosa familia de banqueros. Tiene forma de tondo, esto es, redonda, lo que se asociaba en el Renacimiento con el matrimonio.
En primer plano está la Virgen con el Niño y detrás, san José, de grandiosas proporciones y dinámicamente articulado. María y José presentan al Niño al espectador. Esta composición podría estar aludiendo al nombre del comitente de la pieza Doni, en italiano "regalos", y ayuda a fundamentar la tesis de que fuera él quien lo encargó.
Detrás de estas figuras principales, separados por una balaustrada, se distingue a san Juan y un grupo de ignudi. El significado de este añadido de figuras desnudas masculinas es objeto de debate, pues no hay ninguna relación obvia ni precedentes bíblicos que la relacionen con la escena que transcurre en el primer plano. No obstante, la inclusión de estas figuras desnudas no es de modo alguno inusual en la obra de Miguel Ángel, como puede verse en otras obras suyas, incluyendo el famoso techo de la Capilla Sixtina. Se cree que pueden ser ángeles ápteros, esto es, sin alas.

Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos.

Venus de Urbino

La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.

En la mitología griega, Pandora  fue la primera mujer, hecha por Hefesto debido a una orden de Zeus, después de que Prometeo, yendo en contra de su voluntad, le otorgara el don del fuego a la humanidad.

Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.
En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galleria degli Uffizi (Florencia).

Guidobaldo II Della Rovere (Urbino, 2 de abril de 1514 – Pésaro. 28 de septiembre de 1574) fue un condottiero del Renacimiento italiano, duque de Urbino. Hijo de Eleonora Gonzaga della Rovere, sucedió a su padre Francesco Maria I della Rovere en 1538 en el Ducado de Urbino.

Esta obra de Tiziano fue motivo principal de inspiración para la Olympia de Édouard Manet.

Olympia es un cuadro realizado por el pintor francés Édouard Manet en 1863. Mide 130,5 cm de altura y 190 de ancho. Manet comenzó a trabajar en él en 1863 para presentarlo en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) de ese mismo año. Sin embargo, la obra no se expuso hasta 1865, en el Salón de París, en donde causó un gran escándalo, ya que aunque el público y la crítica aceptaban los desnudos en obras mitológicas, no era así cuando se trataba de un desnudo realista. La modelo con su postura recuerda a obras de Tiziano (hacia 1485-1576), Velázquez, Goya y Jean Auguste Dominique Ingres. El nombre del cuadro no le fue dado por su realizador sino por Charles Baudelaire.
Explícitamente inspirada en la Venus de Urbino, de Tiziano, sin embargo el personaje central resulta ser una prostituta parisina, aunque esta visión también se discute
Édouard Manet (23 de enero de 1832-30 de abril de 1883) fue un pintor francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo.

Autorretrato del pintor italiano Tiziano Vecellio (c. 1490-1576)
Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente en español como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, Véneto, hacia 1477/1490-Venecia, 27 de agosto de 1576),​ fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.
Reconocido por sus contemporáneos como «el sol entre las estrellas», en homenaje a la línea final del Paraíso de La Divina Comedia de Dante Alighieri,​ Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. 

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Sala 10-14 Botticelli

La gran sala, derivada del precedente del antiguo teatro de los Medici, mantiene la cubierta original. Es una de las más famosas de la galería, ya que alberga algunas de las obras maestras del Renacimiento realizadas en las últimas décadas del Quattrocento.

Entre las quince obras de Sandro Botticelli las más conocidas son La Primavera y El nacimiento de Venus, las primeras pinturas de tema profano de grandes dimensiones del Renacimiento italiano, que atestiguan el clima cultural de Florencia en la época de Lorenzo el Magnífico.

De extraordinaria intensidad son también sus pinturas de temas sagrados como el Retablo de San Bernabé, o la maravillosa Virgen del Magnificat.

Un lado de la gran sala está ocupada por una de las obras maestras de la pintura flamenca, el Tríptico Portinari de Hugo van der Goes, una obra que llegó a Florencia en 1483, y ejerció una gran influencia en los artistas florentinos, desde el mismísimo Botticelli.

La influencia de las culturas nórdicas también se nota en Domenico Ghirlandaio, quien es representado por tres pinturas en esta sala.

Virgen del Magnificat
Se trata de un tondo o cuadro circular, con un diámetro de 118 centímetros. Este formato da lugar a experimentaciones compositivas. La escena se enmarca sin problemas gracias al ritmo de la línea, siendo una obra en la que predominan las curvas (en los rizos, los brazos, las manos, el río). No obstante, sí aparece un poco forzada la introducción del ángel de la extrema izquierda, que corona a la Virgen.
La pintura representaría a la familia de Pedro de Cosme de Médici, señor de Florencia desde 1464. Su esposa, Lucrezia Tornabuoni como María, Lorenzo de Médici como el joven con el tintero, flanqueado por su hermano Juliano de Médici quien sostiene un libro. Detrás de estos dos chicos estaría María, mientras que las dos hermanas mayores estarían sosteniendo la corona en la parte trasera: Blanca a la izquierda y Nannina a la derecha. El recién nacido sería la hija de Lorenzo, Lucrecia de Médici.
En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad.

Virgen de la granada (Botticelli)
Es un tondo que mide 143,5 cm. de diámetro. Fue pintado en 1487, como encargo de una prestigiosa institución, los Magistrados de Cámara, para el Palacio Viejo. 

El nacimiento de Venus (en italiano, La Nascita di Venere) es un cuadro realizado por el pintor renacentista Sandro Botticelli, una de las obras cumbre del maestro florentino y del Quattrocento italiano. Está ejecutado al temple sobre lienzo y mide 278,5 cm de ancho por 172,5 cm de alto.

El nacimiento de Venus (en italiano, La Nascita di Venere) es un cuadro realizado por el pintor renacentista Sandro Botticelli, una de las obras cumbre del maestro florentino y del Quattrocento italiano. Está ejecutado al temple sobre lienzo y mide 278,5 cm de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería Uffizi, en Florencia, donde está expuesto en la sala 10-14, llamada «de Botticelli».Este cuadro fue en su momento una obra revolucionaria por cuanto presentaba sin tapujos un desnudo no justificado por ningún componente religioso, así como un tema mitológico procedente de la cultura clásica grecorromana anterior al cristianismo, lo que suponía la plena aceptación —al menos por parte de las élites culturales— del nuevo humanismo renacentista alejado del oscurantismo medieval. Su interpretación iconográfica se vincula con la Academia Platónica Florentina, un círculo intelectual patrocinado por la familia Médici que se desarrolló tanto en el terreno de la filosofía como de la literatura y el arte.

Cabe señalar que esta obra estaba dedicada a glosar el amor imposible que profesaba el noble Giuliano de Médici por la bella y virtuosa Simonetta Vespucci, quien fue la modelo para la figura de Venus. Tradicionalmente se creía que el encargo del cuadro había procedido de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, primo de Lorenzo el Magnífico, según un comentario realizado por el historiador renacentista Giorgio Vasari, pero no existen pruebas documentales de tal hecho, por lo que hoy día se desconoce el comitente del cuadro así como la fecha exacta de su realización.

Sandro Botticelli, Retrato di Juliano de Medici, h. 1478
Florencia, 26 de marzo de 1453 - ídem, 26 de abril de 1478) fue un político italiano del Renacimiento. Hermano del estadista Lorenzo de Médici, murió durante la conjura de los Pazzi.

Simonetta Vespucci retrato póstumo (c. 1476-80) por Sandro Botticelli.
(c. 28 de enero de 1453 - 26 de abril de 1476) llamada Simonetta Vespucci después de su matrimonio, fue una musa y modelo de los artistas del Renacimiento italiano. Fue retratada por Sandro Botticelli en varias ocasiones: la más célebre en el famoso cuadro El nacimiento de Venus. «La bella Simonetta» fue considerada «Reina de la Belleza», y sus rasgos se convirtieron en un prototipo de la belleza femenina que primaría en el primer Renacimiento.En abril de 1469, con 16 años de edad, contrajo matrimonio con su coetáneo florentino Marco Vespucci, un familiar del futuro explorador florentino Américo Vespucio, en la iglesia de San Torpete, Génova, en presencia de los Dogos y la nobleza genovesa. Simonetta la noche del 26 de abril de 1476, presuntamente de tisis. Apenas tenía 23 años de edad. A pesar de lo dramático de la muerte de Simonetta tan joven, su esposo contrajo nuevas nupcias muy pronto. Botticelli necesitó nueve años más para acabar su obra maestra El nacimiento de Venus, en 1485. Entre tanto, todas las mujeres de las obras de Botticelli conservaron los rasgos de Simonetta, como se ve en los numerosos retratos póstumos que él le pintó.

Alegoría de la primavera (en italiano, Allegoria della primavera), más conocido simplemente como La primavera, es un cuadro realizado por el pintor Sandro Botticelli, una de las obras maestras del artista renacentista italiano. Está realizado al temple sobre tabla y mide 203 cm de alto por 314 cm de ancho. Su fecha de realización fue probablemente entre 1477 y 1482.
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli (Florencia, 1445-ibídem, 1510) fue un pintor del Quattrocento italiano, miembro de la llamada «segunda generación florentina
Fue discípulo de Filippo Lippi, cuya influencia se denota en sus primeras obras. Sin embargo, por su temperamento se enmarcó en un estilo derivado del gótico trecentista italiano —el llamado estilo italo-gótico—, en contraposición al naturalismo científico liderado por Masaccio
Esta obra está impregnada de la cultura humanística y neoplatónica de la corte de Lorenzo el Magnífico. Presenta una atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano, que rompe con la pintura religiosa cristiana propia de la Edad Media. La crítica no se muestra de acuerdo sobre su exacta alegoría y se debate sobre su significado y, por consiguiente, su título.
Algunas teorías sostienen que el dios Mercurio —el personaje situado más a la izquierda— representa a Giuliano de Médici, el hermano de Lorenzo el Magnífico, y que la gracia que mira al dios representa a su amante, Simonetta Vespucci.

La calumnia de Apeles es una obra pictórica de Sandro Botticelli realizada en 1495. Se trata de una pintura al temple sobre madera que mide 62 por 91 centímetros

Esta obra se produjo después de la caída de los Médicis, en plena época de la República. Se considera que es fruto del ambiente religioso que dominó Florencia durante la época de dominio de Savonarola.Incluye diez figuras: a la derecha del espectador, el rey Midas, el Juez malo, es entronizado entre la Sospecha y la Ignorancia, representadas como mujeres de rostros crispados que están susurrándole malos consejos a sus orejas de asno. El trono está sobre un podio decorado con relieves en grisalla. Ante este Juez se encuentra una figura masculina, con hábito de monje, en quien se cree ver representado el Rencor (o la Envidia o la Ira) que conduce a una joven (la Calumnia) a la que están adornando los cabellos la Envidia y el Fraude. La Calumnia, indiferente a cuanto sucede, arrastra a la víctima, un hombre prácticamente desnudo que junta las manos en ademán de pedir clemencia. A la izquierda está la Penitencia, vestida de negro con ropa pesada y andrajosa, que se vuelve hacia la figura que está desnuda detrás de ella. Este último personaje es la Verdad desnuda que resplandece, señalando al cielo con el dedo.
Pintado en la época de predicación de Savonarola en Florencia, se ha interpretado como una defensa de Savonarola frente a los ataques que se consideraban calumnioso del papa Alejandro VI.
La reputación póstuma del artista disminuyó notablemente en los siglos siguientes, pero fue recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado exponente máximo de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento. El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas. Se expusieron por primera vez en la galería de los Uffizi, Florencia, en 1815.

El tema es alegórico; se basa en una descripción literaria sobre una pintura de Apeles, pintor de la antigüedad.

Apeles fue uno de los más queridos y afamados pintores de la Edad Antigua. Nació en Colofón, en el año 352 a. C.; y falleció en Cos el 308 a. C.

La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.
Brígida Birgersdotter, conocida como Santa Brígida de Suecia (Skederid, actual municipio de Norrtälje, Uppland, Suecia, 1303 - Roma, 23 de julio de 1373), fue una religiosa católica, mística, escritora y teóloga sueca. Fue declarada santa por la Iglesia católica en 1391; es considerada además la santa patrona de Suecia, una de los patronos de Europa y de las viudas.
En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra acompañados de sus santos patronos. En el ala izquierda del retablo está representado Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio y Tomás; el paisaje del fondo representa el viaje a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra a la esposa, María Portinari, con la hija, y las santas Margarita y María Magdalena; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal.

Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari) es la denominación historiográfica de un tríptico del pintor flamenco Hugo van der Goes, cuya tabla central es la Adoración de los Pastores. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, en panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141.

No debe confundirse con un cuadro del mismo autor, datado en 1480 -Adoración de los pastores

El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco. Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas.

Hugo van der Goes (Gante, h. 1440 – Auderghem, 1482) fue un pintor flamenco, de la pintura gótica del siglo XV, estilo flamenco.

Retrato de hombre con la medalla de Cosme el Viejo --57,5 cm × 44 cm
Por el tiempo en que Botticelli acabó este retrato, la inspiración de Pollaiolo se había hecho más precisa, y a través de la vibración de la línea, expresa una tensa inquietud de espíritu.
Se trata de una obra que deja sentir la influencia de la escuela flamenca, en particular por lo que se refiere al paisaje que se ve en el fondo.
El pobre dibujo de sus manos evidencia aún más la naturaleza experimental de este retrato. Es uno de los primeros retratos italianos que hace de las manos una parte del tema retratado.
La medalla conmemorativa de Cosme data de alrededor de 1465-1470, después de que le fuera otorgado el título de Pater Patriae en 1465. Ha suscitado toda una serie de teorías sobre la identidad del hombre aquí representado. Hasta ahora no hay ninguna respuesta definitiva a la cuestión. La pintura formaba parte de la colección del cardenal Carlos de Médicis.

La Tribuna de los Uffizi es una sala octogonal de la Galería de los Uffizi de Florencia. Fue diseñada por Bernardo Buontalenti para Francisco I y Cosme I de Médici en 1584. En ella se exhibieron las más importantes piezas de la colección Médici, tanto antigüedades como obras del Alto Renacimiento y la escuela boloñesa, trasladadas desde el studiolo del Palazzo Vecchio para darles más accesibilidad y una disposición más sistemática, superando los criterios meramente coleccionísticos.

El ambiente simboliza el cosmos y los elementos: la linterna, que recuerda a la de la cúpula de Brunelleschi, simboliza el aire; las conchas que revisten el interior de la cúpula, el agua; las paredes, color escarlata, el fuego; y las pietre dure y mármoles del pavimento, la tierra.

Vista interna. En primer plano, el Arrotino, detrás la Venus Médici, a la izquierda Los luchadores.
Arrotino ("afilador" en lengua italiana), anteriormente denominado Escita, es una figura que representa a un hombre parcialmente arrodillado y alzando la mirada (en una postura esforzada), mientras afila un cuchillo sobre una piedra de afilar. Formaba parte de un grupo escultórico con el tema del desollamiento de Marsias. Aunque en la actualidad se reconoce como una copia romana (del siglo I a. C.) de un original griego (de época helenística, en el estilo de la escuela de Pérgamo), durante mucho tiempo se creyó que era una escultura griega original, una de las más finas que habría sobrevivido.
Es un grupo escultórico que representa una escena de combate deportivo en la modalidad denominada pancracio (παγκράτιον pankrátion). Uno de los luchadores ha conseguido reducir a su oponente, sobre el que está montado a horcajadas, apresando su brazo derecho. El perdedor está casi caído, arrodillado y con la espalda muy inclinada mientras el brazo izquierdo se apoya sobre el suelo, volviendo el rostro hacia ese lado. Las estructuras musculares están exageradamente definidas, marcando un gran esfuerzo físico.

En 1737 la gran duquesa Ana María Luisa de Médici cedió la colección al Estado, que la abrió al público, convirtiendo este lugar el uno de los puntos de atracción más importante para el Grand Tour.

La reina Carlota de Inglaterra encargó a Johann Zoffany en 1772, por la exorbitante cantidad de trescientas libras, una famosa pintura que representa la sección noreste de la Tribuna, pero en la que se acumulan las piezas en una posición distinta a la habitual, e incluso aparecen otras que normalmente no se exhibían en ella, como la Virgen de la silla de Rafael (a la izquierda de la imagen). Admirando las obras se retratan connoisseurs, diplomáticos y vistantes de Florencia, todos identificables. El lienzo que aparece en primer plano, abajo, en el centro, es la Venus de Urbino de Tiziano.
Carlota de Mecklemburgo-Strelitz (Mirow, 19 de mayo de 1744 - Surrey, 17 de noviembre de 1818) fue una duquesa alemana de la casa de Mecklemburgo y Reina consorte de Jorge III del Reino Unido.
Johann Zoffany, Zoffani or Zauffelij (13 de marzo de 1733-11 de noviembre de 1810) fue un pintor neoclásico alemán, que estuvo activo principalmente en Inglaterra. Sus obras están expuestas en varias galerías nacionales inglesas como la National Gallery, Londres y la Tate Gallery.

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El Ponte Vecchio  es un puente medieval sobre el río Arno en Florencia, (Italia). Es un símbolo de la ciudad y uno de los puentes más famosos del mundo. Atraviesa el río Arno en su punto más estrecho.

El puente se sostiene sobre tres arcos, el principal tiene una luz de 30 metros y los otros dos de 27 metros. El alzado de los arcos varía entre 3,5 y 4,4 metros.

Se cree que fue un puente construido inicialmente en madera por los romanos,​ poco después de la fundación de Florencia sobre el año 150 a. C. 2​ Esa pasarela se consolidó y amplió hacia el 123, cuando el emperador Adriano promovió la construcción de la via Cassia Nuova, que atravesaba la ciudad y que correspondía, se puede suponer, a las calles Bardi y San Niccolò.

Tras ser dañado en 1222 y 1322, fue destruido por una inundación en 1333.Fue reconstruido enteramente de piedra entre 1335 y 1345. Vasari atribuye su diseño al arquitecto y pintor italiano Taddeo Gaddi.

Desde siempre ha contenido distintas tiendas y gran actividad comercial; según la leyenda, porque en el puente había exención de impuestos. Los comerciantes eran autorizados antiguamente a mostrar sus mercancías sobre mesas, por el Bargello (una especie de magistrado comunal). Se cree además que el término Bancarrota se originó en este puente, debido a que cuando un vendedor no podía pagar sus deudas, su mesa o puesto para la venta, era rota por los soldados: banco+rotto, bancarrota. Al no disponer ya de una mesa el comerciante no podía vender sus mercancías.

En la actualidad, los joyeros ocupan la mayoría de las tiendas de Ponte Vecchio. De hecho, algunos de los mejores joyeros de Florencia venden sus creaciones en este puente medieval. 

Para conectar el Palazzo Vecchio (sede del gobierno de Florencia) con el Palazzo Pitti, el Gran Duque Cosimo I de Medici encargó a Giorgio Vasari que construyera el famoso Corredor vasariano sobre el puente, el cual se finalizó en 1565. Este corredor da una vuelta en torno a la Torre de Mannelli ya que los dueños de la misma no permitieron que fuera alterada o destruida para la construcción del corredor.

En 1593 el Gran Duque Fernando I decidió expulsar del puente a los carniceros, prohibiéndoles realizar sus actividades en el lugar. Se dice que no soportaba los olores de ese comercio, mientras él y sus visitantes extranjeros iban desde el Palazzo Vecchio, hasta la residencia de la familia Médici, en el Palazzo Pitti, pasando sobre el corredor vasariano. Además, para aumentar el prestigio del lugar, fomentó que el sitio vacante de los carniceros, fuera inmediatamente ocupado por orfebres, joyeros y comerciantes de oro, que actualmente siguen ocupando los voladizos y puestos del puente

Durante la Segunda Guerra Mundial, a diferencia de todos los demás puentes de Florencia, el Ponte Vecchio no fue destruido por los alemanes durante su retirada el 4 de agosto, de 1944. Según la tradición esto se debió a una orden expresa de Hitler. Sin embargo, su acceso quedó obstruido debido a la destrucción de los edificios a ambos lados del puente.

Puente Rialto, Venecia

El puente Rialto o “Ponte di Rialto” en italiano, es el más antiguo de los cuatro puentes que cruzan el Gran Canal de Venecia. El puente fue hecho originalmente de madera y fue construido en 1.255, en sustitución de un puente de barcas anterior que daba a las personas acceso al mercado de Rialto en la orilla oriental. El puente tenía dos rampas inclinadas que podrían ser levantadas para permitir el paso de buques de altura. Se añadieron las tiendas durante la primera mitad del siglo XV para generar ingresos para el Tesoro Público.

En 1444, se derrumbó por el peso de la multitud que se congregó para ver un desfile náutico, no siendo reconstruido otra vez hasta 1524, fecha en que volvió a derrumbarse.

La idea de una reconstrucción en piedra fue por primera vez propuesta en 1503. Diferentes proyectos se sucedieron en las siguientes décadas. En 1551, las autoridades venecianas pidieron propuestas para renovar el Puente de Rialto. Numerosos arquitectos famosos, como Miguel Ángel, Jacopo Sansovino, Andrea Palladio y Jacopo Vignola se ofrecieron, pero todos realizaron propuestas desde un enfoque clásico con diferentes arcos, que fueron juzgadas de inapropiadas para esta obra.

El actual puente de piedra está formado por un único arco, diseñado por Antonio da Ponte, y construido entre 1588 y 1591, basado en el diseño del anterior puente de madera: dos rampas inclinadas se cruzan en un pórtico central.

Otros puentes:

Puente Pulteney, Bath

Lleva su nombre por Frances Pulteney, heredera en 1767 de la finca Bathwick al otro lado del río de Bath. Bathwick era una simple aldea en un entorno rural, pero el esposo de Frances, sir William Pulteney, 5.º Baronet, supo ver su potencial e hizo planes para crear una nueva ciudad, que se convertiría en un suburbio de la ciudad histórica de Bath. En primer lugar necesitaba mejorar el cruce de río, que se hacía en ese entonces con transbordadores: de ahí el puente.

Es uno de los únicamente cinco puentes habitados existentes en el mundo, con tiendas a lo largo de ambas márgenes, como una floristería, una tienda de antigüedades, y un bar de zumos.

Pulteney se dirigió a los hermanos Robert y James Adam para que diseñasen su nueva ciudad, pero Robert Adam se vio comprometido también en el diseño del puente. En sus manos la simple construcción prevista por Pulteney se convirtió en una elegante estructura forrada con tiendas. Adam había visitado tanto Florencia como Venecia y conocía el puente Vecchio y el puente de Rialto. Pero el diseño de Adam se basó más en Andrea Palladio que en el modelo del Rialto.

Robert Adam (3 de julio de 1728 - 3 de marzo de 1792) fue un arquitecto británico, diseñador de interiores y también de muebles. Era hijo de William Adam (1689-1748), el arquitecto más importante de la época de Escocia, y aprendió el oficio con él. Tras la muerte de su padre, con su hermano mayor John, Robert se hizo cargo del negocio familiar que incluía lucrativos trabajos para el Board of Ordnance [Consejo de Artillería].

Andrea Palladio (castellanizado como Andrés Paladio), de nombre Andrea di Pietro della Góndola (Padua, 1508 - Maser, 1580) fue un importante arquitecto italiano de la República de Venecia. Trabajó fundamentalmente en la ciudad de Vicenza y sus alrededores, y también en la misma Venecia. Se le considera el arquitecto que tal vez «mejor supo actualizar la herencia de las formas clásicas con la realidad del momento central del Cinquecento». Sus villas campestres y otras obras han influido de manera importante en la arquitectura del Neoclasicismo.

El puente Pulteney permaneció menos de veinte años en la forma original en que había sido diseñado por Adams: en 1792, se hicieron unas modificaciones para ampliar las tiendas que empañaron la elegancia de las fachadas; en 1799 y 1800 unas inundaciones destruyeron el lado norte del puente, que había sido construido con un cimiento insuficiente. Fue reconstruido por John Pinch, un inspector de la finca Pulteney, en una versión menos ambiciosa del diseño de Adán. En el siglo XIX los comerciantes alteraron las ventanas e hicieron voladizos sobre el río. El pabellón del extremo occidental en el lado sur fue demolido en 1903 para ampliar la carretera y su sustitución no fue una réplica exacta.

La tendencia siguió en el siglo XX, con restauraciones en 1951 y 1975. Sin embargo, en los locales de Bath la leyenda sigue siendo que el puente fue diseñado teniendo en mente a una anciana —que ha lavado su cara, pero se ha olvidado de limpiar su trasero («had washed her face, but forgotten to wipe her arse»). Esta leyenda es debida a la apariencia prístina de la fachada principal, en contraste con la menos acertada fachada norte. Ahora es uno de los más conocidos edificios en una ciudad famosa por su arquitectura georgiana.