Mi semana en Florencia (VIII) - (III) Galería Uffizi - Botticelli - La Tribuna de los Uffizi

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Sala 10-14 Botticelli

La gran sala, derivada del precedente del antiguo teatro de los Medici, mantiene la cubierta original. Es una de las más famosas de la galería, ya que alberga algunas de las obras maestras del Renacimiento realizadas en las últimas décadas del Quattrocento.

Entre las quince obras de Sandro Botticelli las más conocidas son La Primavera y El nacimiento de Venus, las primeras pinturas de tema profano de grandes dimensiones del Renacimiento italiano, que atestiguan el clima cultural de Florencia en la época de Lorenzo el Magnífico.

De extraordinaria intensidad son también sus pinturas de temas sagrados como el Retablo de San Bernabé, o la maravillosa Virgen del Magnificat.

Un lado de la gran sala está ocupada por una de las obras maestras de la pintura flamenca, el Tríptico Portinari de Hugo van der Goes, una obra que llegó a Florencia en 1483, y ejerció una gran influencia en los artistas florentinos, desde el mismísimo Botticelli.

La influencia de las culturas nórdicas también se nota en Domenico Ghirlandaio, quien es representado por tres pinturas en esta sala.

Virgen del Magnificat
Se trata de un tondo o cuadro circular, con un diámetro de 118 centímetros. Este formato da lugar a experimentaciones compositivas. La escena se enmarca sin problemas gracias al ritmo de la línea, siendo una obra en la que predominan las curvas (en los rizos, los brazos, las manos, el río). No obstante, sí aparece un poco forzada la introducción del ángel de la extrema izquierda, que corona a la Virgen.
La pintura representaría a la familia de Pedro de Cosme de Médici, señor de Florencia desde 1464. Su esposa, Lucrezia Tornabuoni como María, Lorenzo de Médici como el joven con el tintero, flanqueado por su hermano Juliano de Médici quien sostiene un libro. Detrás de estos dos chicos estaría María, mientras que las dos hermanas mayores estarían sosteniendo la corona en la parte trasera: Blanca a la izquierda y Nannina a la derecha. El recién nacido sería la hija de Lorenzo, Lucrecia de Médici.
En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad.

Virgen de la granada (Botticelli)
Es un tondo que mide 143,5 cm. de diámetro. Fue pintado en 1487, como encargo de una prestigiosa institución, los Magistrados de Cámara, para el Palacio Viejo. 

El nacimiento de Venus (en italiano, La Nascita di Venere) es un cuadro realizado por el pintor renacentista Sandro Botticelli, una de las obras cumbre del maestro florentino y del Quattrocento italiano. Está ejecutado al temple sobre lienzo y mide 278,5 cm de ancho por 172,5 cm de alto.

El nacimiento de Venus (en italiano, La Nascita di Venere) es un cuadro realizado por el pintor renacentista Sandro Botticelli, una de las obras cumbre del maestro florentino y del Quattrocento italiano. Está ejecutado al temple sobre lienzo y mide 278,5 cm de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería Uffizi, en Florencia, donde está expuesto en la sala 10-14, llamada «de Botticelli».Este cuadro fue en su momento una obra revolucionaria por cuanto presentaba sin tapujos un desnudo no justificado por ningún componente religioso, así como un tema mitológico procedente de la cultura clásica grecorromana anterior al cristianismo, lo que suponía la plena aceptación —al menos por parte de las élites culturales— del nuevo humanismo renacentista alejado del oscurantismo medieval. Su interpretación iconográfica se vincula con la Academia Platónica Florentina, un círculo intelectual patrocinado por la familia Médici que se desarrolló tanto en el terreno de la filosofía como de la literatura y el arte.

Cabe señalar que esta obra estaba dedicada a glosar el amor imposible que profesaba el noble Giuliano de Médici por la bella y virtuosa Simonetta Vespucci, quien fue la modelo para la figura de Venus. Tradicionalmente se creía que el encargo del cuadro había procedido de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, primo de Lorenzo el Magnífico, según un comentario realizado por el historiador renacentista Giorgio Vasari, pero no existen pruebas documentales de tal hecho, por lo que hoy día se desconoce el comitente del cuadro así como la fecha exacta de su realización.

Sandro Botticelli, Retrato di Juliano de Medici, h. 1478
Florencia, 26 de marzo de 1453 - ídem, 26 de abril de 1478) fue un político italiano del Renacimiento. Hermano del estadista Lorenzo de Médici, murió durante la conjura de los Pazzi.

Simonetta Vespucci retrato póstumo (c. 1476-80) por Sandro Botticelli.
(c. 28 de enero de 1453 - 26 de abril de 1476) llamada Simonetta Vespucci después de su matrimonio, fue una musa y modelo de los artistas del Renacimiento italiano. Fue retratada por Sandro Botticelli en varias ocasiones: la más célebre en el famoso cuadro El nacimiento de Venus. «La bella Simonetta» fue considerada «Reina de la Belleza», y sus rasgos se convirtieron en un prototipo de la belleza femenina que primaría en el primer Renacimiento.En abril de 1469, con 16 años de edad, contrajo matrimonio con su coetáneo florentino Marco Vespucci, un familiar del futuro explorador florentino Américo Vespucio, en la iglesia de San Torpete, Génova, en presencia de los Dogos y la nobleza genovesa. Simonetta la noche del 26 de abril de 1476, presuntamente de tisis. Apenas tenía 23 años de edad. A pesar de lo dramático de la muerte de Simonetta tan joven, su esposo contrajo nuevas nupcias muy pronto. Botticelli necesitó nueve años más para acabar su obra maestra El nacimiento de Venus, en 1485. Entre tanto, todas las mujeres de las obras de Botticelli conservaron los rasgos de Simonetta, como se ve en los numerosos retratos póstumos que él le pintó.

Alegoría de la primavera (en italiano, Allegoria della primavera), más conocido simplemente como La primavera, es un cuadro realizado por el pintor Sandro Botticelli, una de las obras maestras del artista renacentista italiano. Está realizado al temple sobre tabla y mide 203 cm de alto por 314 cm de ancho. Su fecha de realización fue probablemente entre 1477 y 1482.
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli (Florencia, 1445-ibídem, 1510) fue un pintor del Quattrocento italiano, miembro de la llamada «segunda generación florentina
Fue discípulo de Filippo Lippi, cuya influencia se denota en sus primeras obras. Sin embargo, por su temperamento se enmarcó en un estilo derivado del gótico trecentista italiano —el llamado estilo italo-gótico—, en contraposición al naturalismo científico liderado por Masaccio
Esta obra está impregnada de la cultura humanística y neoplatónica de la corte de Lorenzo el Magnífico. Presenta una atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano, que rompe con la pintura religiosa cristiana propia de la Edad Media. La crítica no se muestra de acuerdo sobre su exacta alegoría y se debate sobre su significado y, por consiguiente, su título.
Algunas teorías sostienen que el dios Mercurio —el personaje situado más a la izquierda— representa a Giuliano de Médici, el hermano de Lorenzo el Magnífico, y que la gracia que mira al dios representa a su amante, Simonetta Vespucci.

La calumnia de Apeles es una obra pictórica de Sandro Botticelli realizada en 1495. Se trata de una pintura al temple sobre madera que mide 62 por 91 centímetros

Esta obra se produjo después de la caída de los Médicis, en plena época de la República. Se considera que es fruto del ambiente religioso que dominó Florencia durante la época de dominio de Savonarola.Incluye diez figuras: a la derecha del espectador, el rey Midas, el Juez malo, es entronizado entre la Sospecha y la Ignorancia, representadas como mujeres de rostros crispados que están susurrándole malos consejos a sus orejas de asno. El trono está sobre un podio decorado con relieves en grisalla. Ante este Juez se encuentra una figura masculina, con hábito de monje, en quien se cree ver representado el Rencor (o la Envidia o la Ira) que conduce a una joven (la Calumnia) a la que están adornando los cabellos la Envidia y el Fraude. La Calumnia, indiferente a cuanto sucede, arrastra a la víctima, un hombre prácticamente desnudo que junta las manos en ademán de pedir clemencia. A la izquierda está la Penitencia, vestida de negro con ropa pesada y andrajosa, que se vuelve hacia la figura que está desnuda detrás de ella. Este último personaje es la Verdad desnuda que resplandece, señalando al cielo con el dedo.
Pintado en la época de predicación de Savonarola en Florencia, se ha interpretado como una defensa de Savonarola frente a los ataques que se consideraban calumnioso del papa Alejandro VI.
La reputación póstuma del artista disminuyó notablemente en los siglos siguientes, pero fue recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado exponente máximo de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento. El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas. Se expusieron por primera vez en la galería de los Uffizi, Florencia, en 1815.

El tema es alegórico; se basa en una descripción literaria sobre una pintura de Apeles, pintor de la antigüedad.

Apeles fue uno de los más queridos y afamados pintores de la Edad Antigua. Nació en Colofón, en el año 352 a. C.; y falleció en Cos el 308 a. C.

La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.
Brígida Birgersdotter, conocida como Santa Brígida de Suecia (Skederid, actual municipio de Norrtälje, Uppland, Suecia, 1303 - Roma, 23 de julio de 1373), fue una religiosa católica, mística, escritora y teóloga sueca. Fue declarada santa por la Iglesia católica en 1391; es considerada además la santa patrona de Suecia, una de los patronos de Europa y de las viudas.
En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra acompañados de sus santos patronos. En el ala izquierda del retablo está representado Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio y Tomás; el paisaje del fondo representa el viaje a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra a la esposa, María Portinari, con la hija, y las santas Margarita y María Magdalena; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal.

Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari) es la denominación historiográfica de un tríptico del pintor flamenco Hugo van der Goes, cuya tabla central es la Adoración de los Pastores. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, en panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141.

No debe confundirse con un cuadro del mismo autor, datado en 1480 -Adoración de los pastores

El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco. Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas.

Hugo van der Goes (Gante, h. 1440 – Auderghem, 1482) fue un pintor flamenco, de la pintura gótica del siglo XV, estilo flamenco.

Retrato de hombre con la medalla de Cosme el Viejo --57,5 cm × 44 cm
Por el tiempo en que Botticelli acabó este retrato, la inspiración de Pollaiolo se había hecho más precisa, y a través de la vibración de la línea, expresa una tensa inquietud de espíritu.
Se trata de una obra que deja sentir la influencia de la escuela flamenca, en particular por lo que se refiere al paisaje que se ve en el fondo.
El pobre dibujo de sus manos evidencia aún más la naturaleza experimental de este retrato. Es uno de los primeros retratos italianos que hace de las manos una parte del tema retratado.
La medalla conmemorativa de Cosme data de alrededor de 1465-1470, después de que le fuera otorgado el título de Pater Patriae en 1465. Ha suscitado toda una serie de teorías sobre la identidad del hombre aquí representado. Hasta ahora no hay ninguna respuesta definitiva a la cuestión. La pintura formaba parte de la colección del cardenal Carlos de Médicis.

La Tribuna de los Uffizi es una sala octogonal de la Galería de los Uffizi de Florencia. Fue diseñada por Bernardo Buontalenti para Francisco I y Cosme I de Médici en 1584. En ella se exhibieron las más importantes piezas de la colección Médici, tanto antigüedades como obras del Alto Renacimiento y la escuela boloñesa, trasladadas desde el studiolo del Palazzo Vecchio para darles más accesibilidad y una disposición más sistemática, superando los criterios meramente coleccionísticos.

El ambiente simboliza el cosmos y los elementos: la linterna, que recuerda a la de la cúpula de Brunelleschi, simboliza el aire; las conchas que revisten el interior de la cúpula, el agua; las paredes, color escarlata, el fuego; y las pietre dure y mármoles del pavimento, la tierra.

Vista interna. En primer plano, el Arrotino, detrás la Venus Médici, a la izquierda Los luchadores.
Arrotino ("afilador" en lengua italiana), anteriormente denominado Escita, es una figura que representa a un hombre parcialmente arrodillado y alzando la mirada (en una postura esforzada), mientras afila un cuchillo sobre una piedra de afilar. Formaba parte de un grupo escultórico con el tema del desollamiento de Marsias. Aunque en la actualidad se reconoce como una copia romana (del siglo I a. C.) de un original griego (de época helenística, en el estilo de la escuela de Pérgamo), durante mucho tiempo se creyó que era una escultura griega original, una de las más finas que habría sobrevivido.
Es un grupo escultórico que representa una escena de combate deportivo en la modalidad denominada pancracio (παγκράτιον pankrátion). Uno de los luchadores ha conseguido reducir a su oponente, sobre el que está montado a horcajadas, apresando su brazo derecho. El perdedor está casi caído, arrodillado y con la espalda muy inclinada mientras el brazo izquierdo se apoya sobre el suelo, volviendo el rostro hacia ese lado. Las estructuras musculares están exageradamente definidas, marcando un gran esfuerzo físico.

En 1737 la gran duquesa Ana María Luisa de Médici cedió la colección al Estado, que la abrió al público, convirtiendo este lugar el uno de los puntos de atracción más importante para el Grand Tour.

La reina Carlota de Inglaterra encargó a Johann Zoffany en 1772, por la exorbitante cantidad de trescientas libras, una famosa pintura que representa la sección noreste de la Tribuna, pero en la que se acumulan las piezas en una posición distinta a la habitual, e incluso aparecen otras que normalmente no se exhibían en ella, como la Virgen de la silla de Rafael (a la izquierda de la imagen). Admirando las obras se retratan connoisseurs, diplomáticos y vistantes de Florencia, todos identificables. El lienzo que aparece en primer plano, abajo, en el centro, es la Venus de Urbino de Tiziano.
Carlota de Mecklemburgo-Strelitz (Mirow, 19 de mayo de 1744 - Surrey, 17 de noviembre de 1818) fue una duquesa alemana de la casa de Mecklemburgo y Reina consorte de Jorge III del Reino Unido.
Johann Zoffany, Zoffani or Zauffelij (13 de marzo de 1733-11 de noviembre de 1810) fue un pintor neoclásico alemán, que estuvo activo principalmente en Inglaterra. Sus obras están expuestas en varias galerías nacionales inglesas como la National Gallery, Londres y la Tate Gallery.