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Francisca Bartolozzi Sánchez, conocida como Piti/Pitti o Francis Bartolozzi, (Madrid, 6 de septiembre de 1908–Pamplona, 8 de noviembre de 2004) fue una grabadora, cartelista, dibujante, pintora, escritora e ilustradora de cuentos infantiles española.
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Madre del artista Rafael Bartolozzi, del periodista y escritor Pedro Lozano Bartolozzi y de la historiadora y profesora María del Mar Lozano Bartolozzi, fruto de su matrimonio con el también pintor, dibujante y cartelista Pedro Lozano de Sotés, también abuela del artista Nil Bartolozzi. Como indica el Museo de Navarra, fue una artista nieta, hija, esposa, madre y abuela de artistas.
Fue hija del historietista Salvador Bartolozzi y de Angustias Sánchez y según contaba ella misma, creció en un ambiente de arte rodeada de dibujantes, pinceles y lápices.
En 1925, se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando donde conoció al que posteriormente fue su marido, Pedro Lozano de Sotés
Pedro Lozano Sotés (Pamplona, 19 de febrero de 1907-ibid., 11 de junio de 1985) conocido como Pedro Lozano de Sotés, fue un pintor, escenógrafo, dibujante, cartelista, ilustrador, figurinista y profesor de dibujo español.
Rafael Bartolozzi, nacido Rafael Lozano Bartolozzi (Pamplona, 15 de marzo de 1943 - Tarragona, 22 de marzo de 20092), fue un escultor y pintor español.
Bartolozzi estaba vinculado con Cataluña desde 1962, ya que estudió en la Escuela de la Lonja y a la Escuela de Pintura Mural de San Cugat del Vallés. Pertenece a la generación de los artistas del 60, que se caracteriza por su adscripción genérica a la recuperación de la figuración, al Pop Art, la Escuela de Bellas Artes de San Jordi de Barcelona y la revuelta continua estudiantil que ya entonces se gestaba en los nuevos locales de Pedralbes.
Ha realizado diferentes tipos de obra, desde edificios pintados cómo es el caso de Magaluf, la casa de Camilo José Cela en Palma de Mallorca; la Plaza de la Paz, en Pamplona (1989) o la serie de esculturas-fuente (1985) realizadas por encargo del Ayuntamiento de Barcelona, una de las cuales se ubica en el Parque de la Trinidad (1993).
Francis Bartolozzi: Tuvo como profesores entre otros a Julio Romero de Torres, Cecilio Pla, Moreno Carbonero.
Bartolozzi inició su actividad laboral colaborando en la ilustración de cuentos de la Editorial Calleja. A partir de 1930, publicó historietas en la revista Crónica, dentro de la sección Cuentos para niños, junto con Antonio Robles y Elena Fortún. Allí creó los personajes de Canito y la Gata Peladilla que estuvieron presentes en sus historietas.
En 1939, a punto de ser madre, se mudó con su marido en Pamplona donde nacieron sus cuatro hijos.
Durante la década de los 40, ejecutó varias obras en colaboración con su marido, trabajar juntos sería la práctica habitual aunque en muchas ocasiones ella permaneció en segundo plano.
En 1965, por encargo de Santos Beguiristáin decoró, junto con Pedro y todos sus hijos, el mural de la Sala de Juntas de la Hermandad de Ermitaños, un edificio anexo a la ermita de Santa María de Arnotegui en Obanos.
Algunos expertos en Historia del arte la consideran la primera referencia femenina del arte navarro del siglo XX, que por su educación y formación pertenecía a la vanguardia española de antes de la guerra civil y que había recibido influencias de artistas como Pablo Picasso, Joan Miró, Marc Chagall o Antoni Tàpies.
https://www.museoreinasofia.es/coleccion/edificio-sabatini-2
EPISODIO 1:
https://www.youtube.com/watch?v=rBxq3t2qlpU
EPISODIO 2:
https://www.youtube.com/watch?v=k8W5FgnpMJI
EPISODIO 3:
https://www.youtube.com/watch?v=Qs5R167w9s4&t=14s
EPISODIO 6:
https://www.youtube.com/watch?v=B-PaPNrEPEw
4 Planta Sabatini:
Campo cerrado
La autarquía en España, que abarca desde el fin de la Guerra Civil en 1939 hasta 1953 con la firma de los Pactos de Madrid, es una época marcada por la coexistencia de dos visiones, la de la realidad de las dificultades cotidianas y la del relato del arte oficial. La victoria del bando nacional provoca una ruptura con la vanguardia y la modernidad alcanzadas en las décadas anteriores, sustituida por la retórica triunfalista del nacionalcatolicismo que, a finales de años cuarenta, ante la situación de aislamiento internacional, da un giro para transmitir una imagen más moderna y positiva del país. En este recorrido, más centrado en materiales del ámbito cotidiano y de la cultura popular, la arquitectura ocupa un lugar destacado, ya que descubre nuevas líneas de investigación sobre el periodo y su producción artística, relacionándolos con la economía y los cambios sociales que se produjeron entonces, como el fenómeno de la emigración. Finalmente, y enlazando con el discurso de la Guerra Fría en la misma planta, incidimos en las exposiciones como armas de poder y propaganda destacando la del Pabellón Español de la IX Trienal de Milán (1951) y la Exposición de Arte Abstracto de Santander (1953).
«El barco ebrio» («Le Bateau ivre» en el original francés) es un poema en verso de 100 líneas escrito por el poeta francés Arthur Rimbaud, a los diecisiete años en el verano de 1871 en la casa de su niñez en Charleville, en el norte de Francia.
Rimbaud incluyó el poema en una carta enviada a Paul Verlaine en septiembre de 1871 para presentarse ante él. Poco después, se unió a Verlaine en París donde se convirtió en su amante
Jean Nicolas Arthur Rimbaud (Charleville, 20 de octubre de 1854-Marsella, 10 de noviembre de 1891), conocido como Arthur Rimbaud, fue un poeta francés simbolista, célebre por su poesía transgresiva y temáticas surreales que influyeron en la literatura y artes modernas como el decadentismo, la prefiguración del surrealismo y la generación beat. Es considerado por el Nobel de Literatura Albert Camus como «el más grande de todos los poetas».
Paul Marie Verlaine (Metz, 30 de marzo de 1844-París, 8 de enero de 1896), conocido como Paul Verlaine, fue un poeta francés, perteneciente al movimiento simbolista
Uno de los más largos poemas en la obra de Rimbaud, abre con la siguiente estrofa de cuatro versos:
Mientras descendía por Ríos impasibles,
sentí que los remolcadores dejaban de guiarme:
Los Pieles Rojas gritones los tomaron por blancos,
clavándolos desnudos en postes de colores.
El biógrafo de Rimbaud, Enid Starkie, describe el poema como una antología de memorables imágenes y líneas. La voz es la misma de un bote ebrio. El bote habla de cómo se llena de agua, y por lo tanto navega «ebrio». Hundido a través del mar, el bote describe un viaje de variadas experiencias que incluyen vistas de lo más puras y trascendentales (« l’éveil jaune et bleu des phosphores chanteurs », «y el despertar amarillo y azul de los fósforos cantores») y al mismo tiempo de lo más repelente (« nasses — Où pourrit dans les joncs tout un Léviathan », «trampas en las que se pudre en los juncos todo un Leviatán»).
El matrimonio entre el júbilo y la decadencia, la sinestesia, y el elevado asombro convirtió a este poema de 100 líneas en la materialización de la teoría juvenil de que el poeta se convierte en profeta, un ser vatídico, a través del desorden de los sentidos
Un barco ebrio: eclecticismo, institucionalidad y desobediencia en los ochenta
En la década de los ochenta, varias exposiciones conformaron las sensibilidades del momento. Rudi Fuchs, comisario de la Documenta de Kassel de 1982, contempló la posibilidad de titular dicha muestra El barco ebrio. Este poema de Arthur Rimbaud aludiría a la deriva de un arte que navega sin un rumbo fijo, al margen de las «guerras de estilo». Esta ausencia de hegemonías terminó por traducirse en un eclecticismo de las formas que definieron las prácticas artísticas de aquellos años. Una parte de la historiografía lo interpretó como un giro hacia valores conservadores, donde la ausencia de la historia y de la crítica, así como la recuperación del individualismo artístico, se correspondían con una realidad social y política dominada por la era Reagan-Thatcher.
En España, la joven democracia impulsaba una institucionalización del arte que reemplazase las luchas sociales contra el franquismo. En este contexto, la creación de la feria ARCO o del Centro de Arte Reina Sofía se acompañó de una intensa política de exposiciones nacionales e internacionales, con el retorno a la pintura como lengua franca.
Frente a este aparente conservadurismo, surgen una serie de prácticas de desobediencia que expresan su descontento con las instituciones y se enfrentan a crisis como la pandemia del sida. Un arte que apostará por actitudes postpunk, nuevas versiones del feminismo y de la subversión de los cuerpos.
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