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Muchachas de Burriana | Hispanic Society of America
Anglada Camarasa nació el 11 de septiembre de 1871 en Barcelona, hijo de un artista comercial que fue su primer maestro. En 1885 ingresó en la academia La Llotja (Escola de Belles Arts), donde fue discípulo de Modest Urgell (1839-1919). En 1894 marchó a París, y allí asistió a la Académie Julian y absorbió las influencias vanguardistas del simbolismo internacional y el modernismo, y posteriormente la del fauvismo; alternó las estancias en París con los viajes por España.
La composición de la Hispanic Society revela una clara influencia de Gustav Klimt (1862-1918). Es casi seguro que Anglada conociera la pintura de Klimt, porque el español expuso en la Secesión de Viena en 1904 y al lado de Klimt en la Esposizione Internazionale de Roma en 1911, donde Klimt bien pudo ver este lienzo. Al mismo tiempo Muchachas de Burriana, con sus vibrantes armonías de color, se adelanta al cubismo órfico (desde 1912), a la abstracción no figurativa emergente en las obras de artistas alemanes y rusos como Vassily Kandinsky (1866-1944), y a las composiciones de un contemporáneo de Anglada en París, František Kupka (1871-1957).
Arabesco y seducción - Colección Fundación "la Caixa"
Isidre Nonell en su taller con dos de sus modelos y una de sus obras a medio hacer, en una imagen de Joan Vidal Ventosa.
Arxiu fotogràfic del consorci del patrimoni de Sitges
Isidre Nonell Monturiola (Barcelona, 30 de noviembre de 1872-Barcelona, 21 de febrero de 1911) fue un pintor y dibujante español, perteneciente al modernismo catalán.
“Nonell es un pintor único en el panorama catalán, tiene una tradición propia sin precedentes en Cataluña y en España, solo bebe de una tradición de episodios aislados que había tratado Diego Velázquez, José de Ribera y Francisco de Goya. Y eso hace que sea uno de los pocos artistas catalanes que resisten la comparación con los grandes genios de la pintura"
'Pobres esperando la sopa' (1899), de Isidre Nonell.
Admirado por Picasso, fue sin embargo autor de una obra colorida y de pincelada suelta, que abarca desde los tonos oscuros, ocres, marrones hasta los tonos más intensos en sus gitanas, mujeres y bodegones. Su amante Consuelo fue la protagonista de varias de sus obras, como un óleo sobre cartón en el retrató su rostro de perfil u otro sobre tela en el que la modelo aparece sentada y arropada. Este último cuadro, al contrario de la mayoría de sus obras, aparece fechado, posiblemente porque lo realizó el mismo mes del fallecimiento de Consuelo.
De Isidre Nonell - Ciudad de la Pintura, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=10783747Consuelo (1905)
Marcado por el impresionismo, se le adscribe al modernismo. También se le ha considerado en cierto modo continuador de la visión de la llamada España negra con Regoyos y Solana. De ese capítulo son sus retratos de cretinos y gitanas, mostrando en su miseria y dolor las clases más bajas de la sociedad.
Tiene obra representada en varias importantes pinacotecas, y muy especialmente en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.
Miguel Nieto, Anselmo. Valladolid, 1.IV.1881 – Madrid, 4.XI.1964. Pintor.
En 1900 viajó a Madrid, estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y asistió a las clases del Círculo de Bellas Artes. Dos años después, la Diputación de Valladolid le pensionó para estudiar primero en Roma y poco después en París, donde permaneció de 1903 a 1905. En la capital francesa se vio influenciado por las escenas de la vida parisina del barcelonés Hermenegildo Anglada Camarasa.
Retrato de Margarita Miguel, hija del pintor 1936
Su carrera se afianzó al conseguir en 1910 la 1.ª Medalla en la VI Exposición Internacional de Barcelona por su retrato modernista La dama de la rosa (Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona).
En 1922 marchó a Argentina junto a su amigo Julio Romero de Torres, ambos artistas representados por los hermanos Bou, marchantes. Tras obtener un rotundo éxito de ventas en las exposiciones allí celebradas, regresó a Madrid a fines del año siguiente. Desde 1933 pasó también largas temporadas en su casa de campo de Ibiza.
En 1937 viajó de nuevo a América, permaneció hasta 1946 en Argentina y Chile.
De entre su fecunda producción cabe destacar sus retratos de escritores y amigos contertulios, en especial los dedicados a su amigo y mentor Valle-Inclán; los aristocráticos de elegantes damas de la alta sociedad, y sobre todo, los de las más célebres bellezas de Madrid de las primeras décadas del siglo XX (bailarinas, majas con mantilla, tonadilleras, etc.). Deben recordarse sus retratos de Tórtola Valencia o de la bailarina Anita Delgado, luego maharaní de Kapurtala.
Carmen Tórtola Valencia con Mantilla
Carmen Tórtola Valencia, nacida el 18 de junio de 1882 en Sevilla, fue una destacada bailarina española. Su estilo único, inspirado en figuras como Isadora Duncan y Loie Fuller, la convirtió en una figura rompedora en la danza del siglo pasado. Además de su pasión por la danza, también se interesó por la música y el dibujo. Tórtola Valencia fue musa de intelectuales como Pío Baroja y Valle-Inclán. A lo largo de su vida, su fama trascendió los límites profesionales debido a sus innumerables amantes, su belleza andaluza y sus extensos conocimientos fruto de sus numerosos viajes y su pasión por la vida. Convertida en maharaní de Kapurthala tras su matrimonio en 1908 con el maharajá de este principado indio, en un giro del destino propio de los cuentos de hadas
El desnudo femenino fue otro de los logros del artista, género en el que se le puede considerar uno de los más sugestivos intérpretes de la pintura española de su época; entre otros, destaca por su sensualidad el panel que decora el Salón Real del Casino de Madrid titulado La Aurora (Alegoría del Amanecer), lienzo de 1918 que forma serie con otras tres alegorías de Las Horas, pintadas respectivamente por Julio Romero de Torres, Manuel Benedito y Fernando Álvarez de Sotomayor.
El Retrato de Santiago Ramón y Cajal pintado en 1934 por Anselmo Miguel Nieto
El desnudo femenino fue otro de los logros del artista, género en el que se le puede considerar uno de los más sugestivos intérpretes de la pintura española de su época; entre otros, destaca por su sensualidad el panel que decora el Salón Real del Casino de Madrid titulado La Aurora (Alegoría del Amanecer), lienzo de 1918 que forma serie con otras tres alegorías de Las Horas, pintadas respectivamente por Julio Romero de Torres, Manuel Benedito y Fernando Álvarez de Sotomayor.
Fuente: José Carlos Brasas Egido
El Salón Real del Casino de Madrid es un lugar emblemático, también conocido como “Salón de Baile”. De estilo neorrococó, alberga obras de arte como las lámparas de la casa Mansard, vidrieras de Maumejean, lienzos del techo de Emilio Sala y Cecilio Pla, y un friso corrido de mármol de Mariano Benlliure. En este salón, destacan cuatro lienzos de pintores contemporáneos españoles, entre ellos Julio Romero de Torres. La obra que mencionas, “La Aurora”, es parte de esta serie de alegorías de Las Horas. Si deseas saber más sobre el Casino de Madrid, puedes visitar su sitio web1. Además, el artista Anselmo Miguel Nieto también es conocido por su sensualidad en el desnudo femenino en la pintura española de su época, y su obra “La Aurora” es una parte importante de su legado artístico
De Hugorech099 - Trabajo propio, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=47949735
Fachada del Casino de Madrid en la calle de Alcalá, este tramo de apenas treinta metros de longitud muestra un bello trazado. La fachada es de estilo modernista
El Real Casino de Madrid es un club social, cultural y recreativo español ubicado en Madrid. Situado actualmente en la calle Alcalá número 15 de Madrid, nace como club social en el año 1836, al margen de la política y con ánimo de ser un lugar donde poder congregarse sus miembros con sosiego.
De Max Alexander / PromoMadrid - https://www.flickr.com/photos/promomadrid/5787154936/, CC BY-SA 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=25237201Terraza del restaurante
El Casino de Madrid es un club social creado en 1836 situado en plena calle de Alcalá. Ubicado en un edificio histórico de 1910 es un ejemplo de la arquitectura ecléctica madrileña en el cual se mezclan tendencias francesas y barrocas.
En su interior encontramos elementos de gran valor artístico y decorativo, donde intervinieron los mejores artistas y casas de artesanos
El surrealismo (del francés surréalisme) fue un movimiento cultural desarrollado en Europa tras la Primera Guerra Mundial, influenciado en gran medida por el dadaísmo. La RAE lo describe como «movimiento artístico y literario que intenta sobrepasar lo real impulsando lo irracional y onírico mediante la expresión automática del pensamiento o del subconsciente».
Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4530370
Philippe Halsman, Dali Atomicus (1948).
Philippe Halsman (Riga, 2 de mayo de 1906-25 de junio de 1979) fue un fotógrafo letón estadounidense muy conocido por sus retratos de personajes célebres.
Si por algo se caracterizó Halsman fue por su ingenio, materializado sobre todo a través de la técnica del jumping style o jumpology, a la que él dio origen. Se trataba de retratar a la persona saltando, para así conseguir una imagen de ésta mucho más real, más verdadera, sin artificio ninguno, sin que el cerebro pudiera controlar la expresión del rostro. «En un salto, la máscara se cae. La persona real se hace visible», explicaba Halsman. El resultado era una imagen de la persona bien distinta a como solía aparecer, y por ello con gran atractivo para el público, estas «imágenes de saltos» se publicaron en 1949 alcanzando gran éxito.
El movimiento es conocido por sus artes visuales y su escritura mezclado a una imaginación inusual. Los artistas pintaban imágenes desconcertantes e ilógicas, a menudo con una precisión fotográfica, creando extrañas criaturas de objetos cotidianos y desarrollando técnicas pictóricas que permitían desvelar el subconsciente. El objetivo era, según André Breton, «convertir las contradicciones de los sueños y la realidad en una realidad absoluta, una súper realidad».
Fotomatón de André Breton (1924)
Un fotomatón es una cabina automática para obtener fotografías de forma instantánea.
André Breton (Tinchebray, 19 de febrero de 1896-París, 28 de septiembre de 1966) fue un escritor, poeta, ensayista y teórico francés del surrealismo, reconocido como el fundador y principal exponente de este movimiento
Salvador Dali, genio loco TVE, pincha aqui Escuela de París (arte)
Se denomina Escuela de París a un grupo heterodoxo de artistas que trabajaron en París (Francia) en el periodo de entreguerras (1915-1940), vinculados a diversos estilos artísticos como el posimpresionismo, el expresionismo y el surrealismo. El término engloba a una gran variedad de artistas, tanto franceses como extranjeros, que residían en la capital francesa en el intervalo entre las dos guerras mundiales. En aquella época la ciudad del Sena era un fértil centro de creación y difusión artística, tanto por su ambiente político, cultural y económico, como por ser el origen de diversos movimientos de vanguardia como el fauvismo y el cubismo, y lugar de residencia de grandes maestros como Picasso, Braque, Matisse y su discípulo japonés Yoshio Aoyama, Léger, etc. También era un notable centro de coleccionismo y de galerías de arte.
Tía Lola 1930 - Roberta González
Roberta González (París, 1909 - Neufmontiers, 1976), fue una pintora franco-española.
Femme assise effrayée - 1939
1937 - “La Daphne de Julio González
La sombra de la guerra (1946-1950), Leda (1948-1953) y Las nuevas máscaras (1955). En esta última, las máscaras de la pintora se entienden mejor al lado del retrato que Julio González hizo de su hija (una máscara también) tres años después de salir del hospital donde permaneció cinco largos años para recuperarse de una importante enfermedad infantil. “La Daphne de Julio González ayuda a entender” la mitológica Leda, de Roberta González, representativa de toda una época de la artista.
Nació en París en 1909, hija de Jeanne Berton y del escultor catalán Julio González Pellicer. En 1912 sus padres se separaron y se quedó con su padre. A lo largo de su vida desarrolló una sensibilidad especial para entender el arte que se vio influida por grandes figuras de la pintura contemporánea.
De Emmy Andriesse para Anefo Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=144590987
La Montserrat 1937
Julio González Pellicer (en catalán Juli Gonzalez i Pellicer) (Barcelona, 1876-Arcueil, 1942) fue un escultor español.
Fue uno de los artistas modernos más importantes de la primera mitad del siglo xx. Nacido en Barcelona, una gran parte de su vida transcurrió en París, como contemporáneo y amigo de Pablo Picasso.
Quedó marcada por la relación con su padre, su esposo y el arte de postguerra
Dentro de este ambiente, rodeada de artistas como Picasso, Torres-García y Brâncuși, comenzó a desarrollar sus capacidades siguiendo el estilo por el que se guiaba su padre.
Como hija de Julio González preservó y difundió el legado de su padre. Asumió la responsabilidad de custodia de sus obras y no se limitó solo a ello, sino que luchó para que fuesen mundialmente reconocidas, esta obligación extra, autoimpuesta, no perjudicó su producción artística y su crecimiento en el mundo del arte.
Su obra va a sufrir distintos cambios a lo largo del tiempo, pues una de las características de esta artista es su capacidad de adaptación a las distintas corrientes que van a ir surgiendo con el correr del siglo xx en el mundo occidental. En primer lugar, destacamos el carácter naturalista de sus primeras obras, siendo así por la influencia que la obra de su padre ejerció sobre ella. Posteriormente, durante la década de los treinta y los cuarenta Roberta comenzará experimentar con nuevos estilos, destacando el estilo Arte abstracto en el que más destacaba su marido, y que durante el periodo en el que estuvieron juntos jugó un papel fundamental en la superación de la influencia naturalista de su padre.
A su vez superó la influencia de su marido y creó una obra con estilo propio, centrada en la figura femenina.
Ensayo sobre el acercamiento
En 1956, se divorció y se volvió a casar diez años después con un ingeniero electrónico. Roberta dividió entonces su vida entre Hay-les-Roses y Bormes-les-Mimosas, donde en 1958 diseñó y construyó su casa en las alturas del pueblo, una verdadera obra maestra cubista, con vistas al Lavandou y a las islas del Levante. Carmen Martínez y Viviane Grimminger, legatarias de Roberta González, donaron la casa y el terreno a la municipalidad en 1996. A petición suya, el municipio dejó el parque abierto al público y creó un jardín con vegetación australiana.
Bormes-les-Mimosas, ubicado en la Costa Azul de Francia, es conocido como la capital de la mimosa. Este pintoresco pueblo medieval, que data del siglo XII, se encuentra en la provincia de Var. Durante los meses de enero a marzo, Bormes-les-Mimosas se llena de un “manto de oro” gracias a la explosión de flores amarillas y su embriagador perfume de mimosas. Además, sus famosas playas de arena blanca
“El gran cambio se produce en torno a 1950. Dos tablas negras al óleo, a modo de pizarras, sobre las que bosqueja con líneas blancas su autorretrato en el estudio, marcan una etapa en la que se abrirá al diálogo con creadores y tendencias coetáneas, siempre desde una mirada propia que aglutina el espectro parisino, del informalismo al surrealismo: desde los rostros enyesados y arañados de los rehenes de Jean Fautrier al laconismo de los cuadros grises de Giacometti y los trazos de la abstracción lírica, que ella convierte en sus composiciones en grandes franjas verticales de color sobre las que esquematiza sus figuras femeninas. La experimentación es máxima en este periodo, probando su independencia con múltiples técnicas mixtas, aguadas y esgrafiados, collages, plumas, acrílicos y pasteles sobre soportes variados, papeles con rejilla, madera, lienzo y yeso. Donde siempre se impone la depuración en el concepto y en su expresión”
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