Balthus - EL RESPLANDOR DE CHASSY

Balthus en su casa en 1999
El pasado 2018 se cumplieron  cien años del nacimiento del Conde Balthasar Klossowski de Rola, que de conde no tenía nada (París, 1908-Rossinière, Suiza, 2001). Balthus, uno de los pocos artistas que en vida tuvo obras en la colección del Museo del Louvre, será recordado este año más por su controversial biografía que por su carrera. Las polémicas cubrieron con su invencible sombra la obra de quien fuera un creador alejado de toda norma y convención.
Balthus fue, hasta su muerte, el pintor, vivo, más cotizado de finales del siglo XX. Su obra, excepcional, sólo es comparable a la de los más grandes, Picasso, Matisse, Bonnard, y muy pocos más.

Nunca fue a una escuela de arte. Su universidad fueron los museos. Copiaba a los grandes maestros, con especial predilección por Piero Della Francesca, cuya obra vio en 1926 en una visita a Florencia. Hijo de Erich Klossowski, un historiador del arte, y Baladine Klossowska, artista, tuvo en París un entorno privilegiado y culto que le permitió volcarse en el dibujo sin tener que cumplir con los compromisos escolares. Sus años de formación fueron acompañados por el poeta Rainer María Rilke –de quien se dice era amante de Baladine–, una influencia que le marcaría para siempre. Pierre, su hermano mayor, fue un apasionado por el arte, pero también por la filosofía y la literatura (era fanático del Marqués de Sade, y llegó a publicar una nueva edición de sus «120 días de Sodoma». Al público chileno le puede sonar su apellido: fue autor de la novela en la que se basó Raúl Ruiz para su filme «La vocación suspendida», de 1978). Jean Cocteau, amigo de la familia, se inspiró en este peculiar hogar para concebir su «Les Enfants Terribles» (1929).

Rainer Maria Rilke --(Praga, 1875 - Valmont, 1926) Escritor checo en lengua alemana. Fue el poeta en lengua alemana más relevante e influyente de la primera mitad del siglo XX; amplió los límites de expresión de la lírica y extendió su influencia a toda la poesía europea.
En 1900 se instaló en Worpswede, y un año después contrajo matrimonio con la escultora Clara Westhoff, con la que tuvo a su única hija, Ruth, y a cuyo lado escribió las tres partes del Libro de horas. Tras su separación se instaló en París, donde durante ocho meses trabajó como secretario privado de Auguste Rodin. Allí compuso Canto de amor y muerte del alférez Cristobal Rilke
Aquejado por una crisis interior, empezó de nuevo a viajar mucho: primero a África del Norte (1910-1911) y luego a España (1912-1913). En 1911 y 1912, invitado por la princesa Marie von Thurn und Taxis, residió en el castillo de Duino (Trieste), escenario en el que surgieron las que denominó precisamente Elegías de Duino.
Durante la Primera Guerra Mundial vivió la mayor parte del tiempo en Munich. En 1916 fue movilizado y tuvo que incorporarse al ejército en Viena, pero pronto fue licenciado por motivos de salud. De esos años es la intensa relación amorosa con la polaca Baladine Klossowska, madre del escritor Pierre Klossowski y del pintor Balthus, presuntos hijos naturales nunca reconocidos por el poeta. Tras la guerra residió en Suiza, y en 1922 vivió en el castillo de Muzot, donde finalizó las Elegías. Tras una larga y dolorosa agonía, Rainer Maria Rilke murió de leucemia en el sanatorio suizo de Valmont.

Jean Cocteau, por Amedeo Modigliani.
Jean Cocteau (Maisons-Laffitte, Francia; 5 de julio de 1889 – Milly-la-Forêt, Francia; 11 de octubre de 1963) fue un poeta, novelista, dramaturgo, pintor, ocultista, diseñador, crítico y cineasta francés.

Durante sus años de formación, estuvo patrocinado por Rainer Maria Rilke y Pierre Bonnard.

Pierre Bonnard (Fontenay-aux-Roses, isla de Francia, 3 de octubre de 1867 - Le Cannet, Provenza, 23 de enero de 1947) fue un pintor, ilustrador y litógrafo francés que dedicó su talento a la publicidad y a la producción artística.
Se le suele considerar líder del movimiento de los Nabis, grupo del que también formaron parte Paul Sérusier, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Xavier Roussel o Félix Vallotton. Todos fueron influidos por Paul Gauguin y el japonismo. La producción tardía de Bonnard se considera precursora de la pintura abstracta, al menos en alguna de sus variantes.

Cinq peintres ("Cinco pintores"), 1902-1903. De izquierda a derecha, de pie, el autor (Félix Vallotton), sentados, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard y Charles Cottet, y de pie Ker-Xavier Roussel.
Nabis es la denominación de un grupo de artistas franceses de finales del siglo XIX, caracterizados por su preocupación por el color. Por lo diverso de sus actividades, llegaron a convertirse en una influencia principal sobre el arte de la época.

Como maduró a principios de la década de 1930, muchas de las pinturas de Balthus representan a jóvenes mujeres en posiciones eróticas y voyeurísticas. Una de sus obras más notables, La lección de guitarra 1934, causó una gran controversia en París debido a su descripción de una escena explícita de lesbianismo caracterizada por una joven y su profesora.

Lejos de amilanarse tras el escándalo que generó ese trabajo, Balthus ahondó en esa dirección: de entre 1936 y 1939 datan los retratos de Thérèse Blanchard, una vecina del artista que posaba para él con tan sólo once años. 

La lección de guitarra 1934

En 1937 se casó con Antoinette de Watteville, a quien había conocido en 1924, que fue su modelo para una serie de retratos.

Balthus (1908-2001) y Antoinette de Watteville (1912) se conocieron en la ciudad suiza de Berna, antes de la Primera Guerra Mundial, siendo estudiantes. La primera amistad infantil y adolescente se transformó, con los años, en una apasionada complicidad espiritual y cultural, que concluyó en un matrimonio feliz, cuando el pintor comenzaba a ser reconocido y su antigua amiga terminó por rechazar su matrimonio, convenido, con un diplomático belga.
La «Correspondencia Amorosa» (Ed. Buchet-Chastel) entre Balthus y Antoinette, su primera esposa, es un acontecimiento muy mayor porque desvela misterios, secretos y páginas desconocidas sobre las raíces más íntimas y turbadoras del más grande de los pintores figurativos del siglo XX, explicando la aspiración espiritual de una obra profundamente erótica.

A Balthus se le conocieron muchas amantes, Lena, Fréderique, Lawrence Bataille (la hija de Georges, el filósofo y de Silvia, la futura esposa de Jacques Lacan, el fundador de una secta psiquiátrica). Retrató a un número impresionante de señoras, niñas y adolescentes. Y terminó por casarse, en segundas nupcias, en 1967, con una japonesa, Stsuko Ideta, de la que tuvo dos hijos, Fumio (1968-70), que murió muy pronto y Harumi (1973), que hoy ocupa un puesto capital en la gestión del patrimonio paterno, en Suiza, en una legendaria residencia.

«La montaña» (1937), obra donde Balthus recreó a su primera esposa, Antoinette, ABC -- Metropolitan Museum of Art, Nueva York

Un año antes de que pintara la obra polémica de Thérèse, su galerista le encargó un retrato de Joan Miró y su hija Dolores para celebrar el 45 artista del artista catalán. Para el retrato posaron más de cuarenta sesiones y el cuadro entró a formar parte de la colección del MoMA de Nueva York.

Joan Miró y su hija Dolores, cuadro de 1937

«Thérèse dreaming». -- La obra del MET que molesta a algunos visitantes.
Una campaña en internet reúne 10.000 firmas para que el Metropolitan de Nueva York retire el cuadro 'Thérèse Dreaming', por ser considerado como "sexualmente sugerente". El museo responde que prefiere debatir a censurar. (6 diciembre, 2017)

Thérèse retratada en 1938

Pronto su trabajo comenzó a ser admirado por escritores y seguido por pintores, especialmente por André Breton y Pablo Picasso. Su círculo de amigos en París incluía al novelista Pierre-Jean Jouve, los fotógrafos Josef Breitenbach y Man Ray, Antonin Artaud, y los pintores André Derain, Joan Miró y Alberto Giacometti. En 1948, Albert Camus, otro de sus amigos, le pidió que diseñara los decorados y el vestuario para su obra L'État de siège , dirigida por Jean-Louis Barrault.

The White Skirt by Balthus (1937)

Balthus, Self-portrait (1940)

Paysage de Champrovent by Balthus (1942-1945)

Balthus pasó la mayor parte de su vida en Francia. En 1953 se mudó a Chateau de Chassy en donde terminó su obra maestra El cuarto (1952), influido por las novelas de Pierre Klossowski, y La calle (1954). En 1964 se mudó a Roma, en donde presidió la Academia francesa en Roma e hizo amistad con el realizador de cine Federico Fellini y el pintor Renato Guttuso.

Great Works: The Room (1952-54), Balthus
Pierre Klossowski (París, 9 de agosto, 1905—12 de agosto, 2001) fue un artista y filósofo francés, hijo mayor de Erich Klossowski y Baladine Klossowska., hermano de Balthus

Cruza la calle el carpintero con una tabla dorada sobre el hombro, como carga con su vida. De blanco atuendo, débil sólo ante la tentación, está construyendo otro muro que lo proteja.
La niña golpea una y otra vez la díscola pelota roja con su raqueta azul. Tiene que enseñarle las reglas a que deben atenerse las pelotas, y se enfurece al ver que le lanza una mirada lasciva y un guiño.
La pareja oriental desearía danzar así siempre: girando por una calle concurrida, con la mano de él tomándola de la cintura mientras ella se deja caer y la música
(Ravel, Bizet…) se eleva desde los adoquines.
Al panadero se le ha ocurrido a medias una idea y se yergue como un pilar a la espera de otra. Ve harina cayendo como nieve y cubriendo a la gente, que intenta andar, luego gatear y al final se transforma en redondas rebanadas de pan blanco.
En brazos de su cruel madre va el viejo bebé,  durante años protagonista de películas mudas. Quiere explicar que en el autobús lo recogieron confundiéndolo con otro, pero no encuentra palabras, y otra vez tendrá que soportar que en casa le den un baño horrible.
Nueve personas ajenas entre sí que miran sólo lo que tienen delante, y no ven que en esta callejuela sus prójimos dan vueltas en círculos exactamente diferentes, exactamente iguales: idénticas vidas iniciadas a solas, transcurridas a solas, concluidas a solas, aisladas como puntos en el firmamento, como estrellas en el inmenso espacio negro.

Como existe oscuridad en todo lo concerniente a su obra. Algunos críticos hablan de enigma a la hora de abordar sus cuadros, en los que siempre hay una narración, una acción que ocurrirá momentos después de que el espectador gire su cabeza. Hay una amenaza latente e inminente, algo trágico que va a suceder. Muchos han interpretado esa sensación de peligro cercano como metáfora del descubrimiento de la sexualidad, y como el paso de la infancia a la pubertad. El caso es que Balthus nunca alentó tal incógnita, sino más bien al contrario. Para él, no había ningún rompecabezas que completar. Esa tozudez es similar a su constancia estilística: fue fiel a su estilo, desapegado de las modas, hasta el final.

Balthus. Las tres hermanas, 1955 (Les Trois soeurs). Colección Patricia Phelps

EL RESPLANDOR DE CHASSY

En 1953 decidió instalarse en el Château de Chassy, en un entorno montañoso de la Francia de interior. Casi no volvió a aparecer por París, a la que había dejado de entender. La naturaleza y Frédérique Tison, su sobrina, eran sus musas. El paisaje de Chassy, desde entonces, sería una constante en su imaginario. 

Balthus con Setsuko y su hija, Harumi, Rossinière, 1995

En 1964 fue nombrado director de la Real Academia de las Artes en Roma. Allí residió en el palacio de la Villa Médici, y se dedicó a restaurarlo. En esta época pintaba en forma esporádica a otras dos pequeñas infantes: Katia y Michelina. Se divorció de Antoinette en 1966 y se volvió a casar, en Japón, con la artista Setsuko Ideta (1943), en 1967 (año en el que su hermano Pierre fue arrestado por traficar droga junto con Brian Jones, el músico de los Rolling Stones). Balthus y Setsuko se mudaron a Rossinière, en Suiza, a mediados de los 70, donde el artista residiría hasta su muerte, en 2001.

El juego de cartas, 1948-50

En 2013, el periódico alemán «Die Zeit» calificó la muestra de 2.000 Polaroids tomadas por Balthus en sus últimos años como “documentos de una codicia pedófila”. En 2014, la muestra, que debía viajar a Essen para su exposición, fue cancelada. Las Polaroids eran tomadas para que fueran base de sus cuadros, y en ellas aparece Anna, su última modelo, en posiciones eróticas, a menudo sin ropa. En algunas fotos, Anna tenía ocho años.

Nu Allongé, 1960

A pesar de que Balthus, en vida, siempre había condenado la pedofilia, y que sus modelos siempre le defendieron (Michelina afirmaba que el interés del artista por las niñas era con la intención de acercarse al misterio de la vida, al paso de niña a adulta), su nombre siempre será acompañado desde entonces por la etiqueta de “degenerado”. Él, quien consideraba a las niñas criaturas angelicales y sagradas (en una ocasión dijo: “Las niñas son las únicas criaturas que todavía pueden pasar por pequeños seres puros y sin edad. Las jóvenes adolescentes nunca me interesaron más allá de esta idea”. También afirmó: “Las niñas para mí son sencillamente ángeles y en tal sentido su inocente impudor es propio de la infancia. Lo morboso se encuentra en otro lado”), y quien se acercaba a ellas más como otro niño que como un adulto, pasaría a la historia con la duda de la moralidad.

Japanese Girl with by the Red Table, 1967

Le Peintre et Son Modèle, 1980-81

(II) Gerhard Richter

La sombra del pasado - Lothar Wolleh.- Joseph Beuys - Gerhard Richter, pincha aqui

Richter creó un estilo característico con sus cuadros abstractos de gran formato. Su Pintura abstracta (750-1) de 1991, por ejemplo, es un enorme lienzo lleno de colores luminosos que se han aplicado o untado en la superficie con una espátula. Al rellenar algunas zonas y dejar otras sin cubrir (desvelando el pasado y mostrando que el resto de la pintura es una revisión de algo ya pintado), el artista crea un efecto jaspeado que se vuelve más y más complejo a medida que añade capas de color. El resultado es lo que podríamos llamar un palimpsesto (un manuscrito que conserva huellas de una escritura anterior borrada artificialmente), algo así como una pared publicitaria expuesta a la acción de los elementos, donde puedes ver partes de carteles pegados hace ya tiempo. La diferencia con respecto a la arqueología pintada de Richter es que en esta última todas las superficies son de color puro, y la mezcla de lo viejo y lo nuevo obedece a un propósito.

(750-1) de 1991

En los 70 hizo una serie que titulo “Cage” por el compositor estadounidense John Cage, a quien nunca conoció en persona, pero que tuvo un impacto en el por su arte y por su modo de pensar, en especial una frase que Richter se apropio para su arte: “No tengo nada que decir y lo estoy diciendo”. Para Richter, esta frase te lleva a seguir adelante, a seguir haciendo obra. 

John Milton Cage Jr. (Los Ángeles, 5 de septiembre de 1912 - Nueva York, 12 de agosto de 1992) fue un compositor, instrumentista, filósofo, teórico musical, poeta, artista, pintor, aficionado a la micología y recolector de setas estadounidense. Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación con el coreógrafo Merce Cunningham, quien fue su compañero sentimental la mayor parte de su vida.
Cage es conocido principalmente por su composición de 4′33″, tres movimientos que se interpretan sin tocar una sola nota. Otra famosa creación de Cage es el piano preparado, para el que escribió numerosas obras relacionadas con la danza y varias piezas para concierto.

El dice que la obra se hace sola, uno puede ir con una idea pero la obra hace lo que quiere. A veces las deja colgadas, reposando varios días o a veces las da vuelta y luego las vuelve a mirar y ahí sabe si las tiene que seguir o no. Luego la obra llega a un punto en el cual el sabe que esta terminada intuitivamente. El dice que todos los artistas saben cuando su obra llega a ese punto.

El trabajo actual de Richter es una serie de obras de este tipo, lineas horizontales de colores creando estos patrones basados en la repetición. Las criticas que recibió ante estas obras fue que parecen papel de regalo. Cuando le preguntaron que pensaba de esa critica el dijo que podía ser que parecieran papel de regalo, que el hace lo que le sale hacer y no esta pensando en eso. 

Una vela pintada con un estilo fotorrealista

El fotorealismo (que no hiperrealismo) es un movimiento artístico nacido a finales de los años 60 y principios de los 70 en Estados Unidos como un paso más allá del Pop Art. Entre sus «mandamientos», se pueden contar los siguientes:

• El foto-realista usa la cámara y fotografía para reunir información.
• El foto-realista usa métodos mecánicos o semi mecánicos para plasmar dicha información en el lienzo.
• El foto-realista debe tener la habilidad técnica para hacer que el trabajo final parezca fotográfico.
• Esta gente pretendía por tanto plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, llevado al cuadro, es manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, y de ahí el aspecto de irrealidad que tienen muchas obras del fotorrealismo.

Aquí Richter, en su etapa pre-abstracta, pinta una vela encendida, un poco difuminada, y muy evocadora. La vela es un motivo recurrente en su trabajo y realizó una serie de más de 20 obras similares, que pueden simbolizar tanto la protesta silenciosa en contra de la represión en la República Democrática Alemana como una tradición dentro de la pintura occidental.
El arte cristiano utilizó durante siglos las velas como símbolos de fe y luz.
Quizás esta obra os suene de la portada del «Daydream Nation» del grupo Sonic Youth, cuyos componentes probablemente jamás imaginarían que la obra original se subastaría en 2011 por 12 millones de euros.

Realismo - Bodegón -  Fotorrealismo - Alemania, 1983
Título original: Kerze - Colección particular - Técnica: Óleo ( 95 cm x 90 cm.) - Escrito por: Fulwood Lampkin

EL PAÍS - Madrid 25 MAY 2018 -- Gerhard Richter, junto a una de sus obras el pasado septiembre en Berlín. SEAN GALLUP GETTY IMAGES
El artista alemán Gerhard Richter ha donado 18 obras para contribuir a un fondo con el que el Estado de Renania del Norte-Westfalia comprará viviendas para personas sin hogar. En el mercado del arte, la obra de Richter es una de las más cotizadas de un artista vivo. Con la iniciativa se espera recaudar alrededor de un millón de euros, con el que se podrán adquirir unos 100 pisos
.

Gerhard Richter - Pintura figurativa 1994

(2013)'La plaza del Duomo de Milán', óleo que el pintor alemán Gerhard Richter pintó en 1968, se ha convertido esta madrugada en el cuadro más caro vendido en subasta perteneciente a un artista vivo. La obra, vendida en la sede de Sotheby's en Nueva York, ha alcanzado el precio de 37,1 millones de dólares (28,85 millones de euros). El anterior 'campeón' en a categoría de artistas vivos era otro cuadro de Richter, 'Abstraktes Bild', que el año pasado encontró dueño por 25,1 'kilos'.
El nuevo propietario de 'La plaza del Duomo de Milán' es Donald Bryant, un empresario de las finanzas de Nueva York que también tiene intereses en el sector del vino en California. "La obra me golpea", ha dicho Bryant, según reproduce la web de la BBC. Dentro del mundo del arte, Bryant es conocido por su colección de pintura expresionista abstracta y por ser uno de los ángeles de la guarda del MoMA de Nueva York.

Abstraktes Bild  1994

La sombra del pasado - Lothar Wolleh.- Joseph Beuys - Gerhard Richter

El verdadero arte sobrevive al totalitarismo y nunca se deja doblegar por el conformismo, siempre que el artista mantenga su libertad de perspectiva. Este es el mensaje de La sombra del pasado, de Florian Henckel von Donnersmarck, que vuelve a la gran pantalla ocho años tras la decepcionante The Tourist y 12 años después del extraordinario logro La vida de los otros, que le valió el Óscar a mejor película extranjera.

La idea de la cinta, que compite en el Festival de Venecia, procede de un libro sobre Gerhard Richter, famoso por sus fotografías pintadas y su arte abstracto, en el que von Donnersmarck descubrió un hecho especialmente escalofriante sobre la vida del artista nacido en Dresde: el padre de la chica con la que se casó fue el doctor de las SS a cargo del programa de eutanasia del Tercer Reich que ejecutó a la querida tía de Richter. A pesar de que los nombres se han cambiado, el film cuenta en definitiva la vida de este artista alemán, desde el nazismo hasta el régimen comunista de Alemania Oriental.

Kurt crece y observa los horrores de la guerra (Dresde fue completamente destruida por los bombardeos aliados). Entonces decide convertirse en pintor, asiste a la academia y aprende en la nueva república socialista que los cuadros de Picasso son decadentes y antidemocráticos porque el arte debería servir al pueblo.

Tráiler español de "La vida de los otros". pincha aqui

LA SOMBRA DEL PASADO - tráiler español VE, pincha aqui

Sebastian Koch (Karlsruhe, Baden-Wurtemberg, 31 de mayo de 1962) es un actor alemán, el único ganador de dos premios Adolf Grimme en un mismo año (2002), conocido internacionalmente por su papel en La vida de los otros y Zwartboek.

Florian Maria Georg Christian Graf Henckel von Donnersmarck (2 de mayo de 1973 ) es un director de cine alemán, conocido por escribir y dirigir la película La vida de los otros, ganadora en 2006 del Óscar a la mejor película de habla no inglesa, y en 2010 la tres veces nominada a los Globos de Oro The Tourist, protagonizada por Angelina Jolie y Johnny Depp.
Donnersmarck nació en 1973 en Colonia, Alemania Occidental, en la familia de la aristocracia católica Henckel von Donnersmarck, y creció en Nueva York, Bruselas, Frankfurt, y Berlín Occidental. Habla tanto inglés como alemán, francés, ruso, italiano y español de manera fluida.
Henckel von Donnersmarck está casado con Christiane Asschenfeldt, ex directora ejecutiva de Creative Commons. Tienen tres hijos y actualmente residen en Los Ángeles. Mide 205 cm.

Gerhard Richter h. 1970, fotografía de Lothar Wolleh.
Lothar Wolleh (20 de enero de 1930 – 28 de septiembre de 1979) fue un fotógrafo alemán.
A lo largo de su carrera profesional fotografió a personalidades de la talla de Georg Baselitz, Joseph Beuys, Dieter Roth, Jean Tinguely, René Magritte, Henry Moore, Günther Uecker y Gerhard Richter.

Beuys Filtz TV von Lothar Wolleh.
Joseph Beuys (Krefeld, 12 de mayo de 1921 - Düsseldorf, 23 de enero de 1986) fue un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación y perteneció al grupo fluxus.
Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales en especial, pero también de la música, la literatura y la danza. Tuvo su momento más activo entre la década de los 60 y los 70 del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como un movimiento artístico sociológico. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.

Beuys combatió como piloto de la Luftwaffe en la Segunda Guerra Mundial. El 16 de marzo de 1944 su Stuka se estrelló cerca de la aldea Známenka del Raión de Krasnogvardeyskiy de Crimea. A punto de morir congelado, unos nativos tártaros lo rescataron y lo envolvieron con un par de prendas para evitar su muerte.[cita requerida] En cualquier caso, ambos elementos aparecerán constantemente en su obra,tales como el textil de origen animal.

Trabajó de profesor universitario hasta que fue expulsado años después. La obra realizada en su tiempo de profesor, se refiere a la relación de la pedagogía con el estudio del arte, ya que Beuys cambió totalmente el enfoque de enseñanza que se tenía hasta el momento.

De 1946 a 1951 estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde más tarde fue profesor de escultura.

En 1979, el Museo Guggenheim de Nueva York exhibió una retrospectiva de su obra desde los años 1940 hasta 1970.

En Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta 1965 se puso miel y pan de oro en la cabeza y le hablaba sobre su obra a una liebre muerta que tenía entre sus brazos. En esta obra vincula factores espaciales y escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su gestualidad corporal, a su conciencia de comunicador que tenía como receptor a un animal. Beuys asumía el papel de chamán con potestad de curar y salvar a una sociedad que él consideraba muerta.

La primera performance americana del artista conceptual.
En 1974 llevó a cabo la acción Me gusta América y a América le gusto yo donde Beuys, un coyote y materiales como papel, fieltro y paja, constituyeron el vehículo de su creación. Convivió tres días con el coyote. Apilaba periódicos estadounidenses, símbolo del capitalismo de ese país. Poco a poco el coyote y Beuys se van acostumbrando uno a otro y al final Beuys abraza al coyote

La obra comenzó justo en el momento del viaje desde Düsseldorf a Nueva York. Al llegar al aeropuerto, Beuys se envolvió en una manta de fieltro —material fetiche del artista— y se apoyó en un gran bastón de pastor, siendo conducido en una ambulancia hasta una galería donde compartió habitación durante 3 días con un Coyote salvaje.

Los espectadores observaban a los dos especímenes tras una malla metálica y fueron viendo como el artista hablaba con el animal, le ofrecía diversos objetos e interactuaban juntos. El coyote mordía el fieltro, rodeaba al artista o se meaba en el Wall Street Journal, todo un símbolo del capitalismo.

Dresde -  Gottfried Semper, pincha aqui

Dresde (II) - Porcelana de Meissen, pincha aqui

Dresde - Príncipe Ernst Heinrich de Sajonia, pincha aqui

Viena - Adolf Loos - Museo Leopold - Egon Schiele, pincha aqui

Arte degenerado, pincha aqui

Viena - Berlín - Arte de las dos ciudades (Hannah Höch - Jeanne Mammen - Otto Rudolf Schatz - Franz Lerch - Max Oppenheimer - Oskar Kokoschka - Schiele - Conrad Felixmüller...., pincha aqui

Gustav Klimt y Oskar Kokoschka - Alma Mahler, pincha aqui

Gerhard Richter 

(Dresde 9 de febrero de 1932)
Richter se casó con Marianne "Ema" Eufinger en 1957. Años más tarde descubrió que su suegro, Heinrich Eufinger, había sido uno de los responsables del programa de esterilización y eutanasia que ocasionó la muerte de 250,000 personas durante el Tercer Reich4. Nueve años más tarde, ella tuvo a su primera hija, Betty.
Se casó por segunda vez con la escultora Isa Genzken, en 1982. Richter tuvo a su hijo, Moritz, con su tercera esposa, Sabine Moritz, el año en que se casaron, 1995. Un año más tarde nació su segunda hija, Ella Maria.

Gerhard Richter es uno de los artistas más cotizados de la actualidad. Entre la figuración y la abstracción, su obra es extensa y variada, y muy considerada a nivel crítico. De hecho, es considerado el «Picasso del Siglo XXI» (según The Guardian).

Además es uno de los artistas vivos más cotizados en la actualidad: su obra ha aumentado exponencialmente diez veces su valor en dos décadas, cosa que a él le parece «irreal» y «repugnante», por lo que está fuera del candelero artístico y se dedica exclusivamente a pintar.

Nacido en Dresde, nace con el ascenso del partido Nazi. Su padre fue obligado a unirse al partido y enviado al frente oriental y el mismo se enroló en la Pimpfe, las juventudes de las Juventudes Hitlerianas, que a final de la guerra sería la última reserva de resistencia.

Gerhard Richter, 2017

Dresde fue una de las ciudades más bombardeadas de la II Guerra mundial, y no es que fuera un punto excesivamente estratégico a nivel militar. Gerhard y parte de su familia tuvieron la suerte de escapar a tiempo a Walterstorf.

Ahí comenzó su carrera como pintor de publicidad y escenarios, pero volvería a Dresde (la Florencia alemana) y empezó su trabajo como muralista. Aún así al levantarse el telón de acero huyó de Alemania Oriental.

«Lebensfreude»
En estos primeros días de su carrera, preparó un mural («Comunión con Picasso», 1955) para el refectorio de esta Academia de Arte como parte de su licenciatura. Le siguió otro mural en el Hygienemusem (Museo Higiénico Alemán) con el título de «Lebensfreude», que significa «Alegría de la vida», para su diploma. Ambas pinturas fueron repintadas por cuestiones ideológicas después de que Richter se escapara de la Alemania Oriental para ir a la Occidental, dos meses antes de la erección del muro de Berlín; después de la unificación de ambos estados alemanes, el mural «Alegría de la vida» (1956) fue descubierto en dos lugares en la escalera del Museo Higiénico Alemán, y después del milenio estas dos imágenes descubiertas fueron nuevamente tapadas por obras.

En el Düsseldorf de 1967 empieza con sus foto-pinturas inspirado en el movimiento Fluxus, y dando un pasó más allá de lo que hacía Warhol en cuanto a la apropiación de la iconografía de los medios de comunicación. Estas imágenes están desenfocadas, pero ganan en nitidez en cuanto a concepto y que fueron calificadas de «realismo capitalista».

Richter empezó pintando cuadros encima de fotografías en blanco y negro, no con la intención de imitarlas, sino porque la cotidianeidad de una instantánea familiar, por ejemplo, la convertía en un punto de partida neutro sobre el que aplicar capas de pintura. En lugar de una “realidad” compuesta por el artista, las fotos (muchas de ellas sacadas de libros y periódicos) ofrecían una imagen más objetiva de la vida. Además, pintando encima de fotos Richter conseguía un aspecto usado con el que daba a entender que la realidad siempre está reciclada. Las capas que aplica también contribuyen a esta impresión.
Richter acostumbra a difuminar las imágenes, tanto la imagen de base como las nuevas. “Difumino para hacer que las cosas sean iguales en su importancia e iguales en su falta de ella”, declaró. Difuminar las imágenes también sugiere que los límites de las personas y los objetos son imprecisos y están abiertos a la interpretación.
Incluso al ir añadiendo capas, Richter arranca parte de la pintura nueva para dejar a la vista los estratos inferiores. De esta forma da a entender que lo viejo no desaparece, sino que tan solo se reelabora.

Herr Heyde - 1965 55 cm x 65 cm Catalogue Raisonné: 100 - Oil on canvas

Tante Marianne - 1965 100 cm x 115 cm - Catalogue Raisonné: 87 - Oil on canvas

En los 70 empieza su etapa abstracta basándose en Pollock para utilizar la mancha y la falta de definición de los contornos para alterar la imagen de sus cuadros, creando obras de un alto poder psíquico y físico.

Tourist 1975

Tourist 1975

September 2005
Cuando fue el impacto a las Torres Gemelas en el World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, Richter tras ese evento, hizo esta pintura titulada “Septiembre”.

La producción artística de Gerhard Richter puede clasificarse en tres categorías: figurativa, esto es, todas las pinturas se basan en la fotografía o la naturaleza; constructivista, trabajo más teórico como tablas de color, paneles de vidrio y espejos; y abstracta, casi todo el trabajo realizado desde 1976 excepto bodegones y paisajes.
Ha ganado, entre otros, el Praemium Imperiale en 1997, el Premio Wolf de las Artes en Jerusalem en 1995, el Premio Kokoschka en París, el de la Academia de Artes y Letras en Nueva York, el Arnold Bode Preis de Dokumenta y el León de Oro de la Bienal de Venecia.

El caminante sobre el mar de nubes, del pintor romántico alemán Caspar David Friedrich, ha sido considerada como una de las obras maestras y más representativas del romanticismo. Data del año 1818. Se trata de un óleo sobre tela que mide 74,8 centímetros de ancho por 94,8 centímetros de alto. Actualmente se conserva en el museo de arte en Kunsthalle de Hamburgo (Alemania).
Caspar David Friedrich (Greifswald, 5 de septiembre de 1774 - Dresde, 7 de mayo de 1840) fue un pintor paisajista del romanticismo alemán del siglo XIX, generalmente considerado el artista alemán más importante de su generación.
Es conocido por sus paisajes alegóricos de su periodo medio que muestra figuras contemplativas opuestas a cielos nocturnos, nieblas matinales, árboles estériles o ruinas góticas. Su interés primario como artista era la reflexión de la naturaleza, su trabajo a menudo simbólico y anti clásico intenta dar una respuesta subjetiva y emocional al mundo natural. Las pinturas de Friedrich establecen la presencia humana en una perspectiva disminuida en contraste a extensos paisajes, reduciendo las proporciones a una escala que, según el historiador de arte Christopher John Murray «dirige la mirada del espectador hacia su dimensión metafísica»

Paul Jackson Pollock (Cody, 28 de enero de 1912-Springs, 11 de agosto de 1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento del Expresionismo abstracto. Pollock alcanzó reconocimiento por su estilo único de fama por sus cuadros de dripping.

Durante su vida, Pollock tuvo fama y mucha notoriedad siendo uno de los artistas principales de su generación. Pollock era una persona aislada y con una personalidad volátil. Tenía problemas de alcoholismo a los cuales se enfrentó durante toda su vida. En 1945, se casó con la artista estadounidense Lee Krasner, quien se convirtió en una influencia importante en su carrera y en su legado.

 Pollock y su esposa, la artista Lee Krasner.
Lee Krasner (27 de octubre de 1908 - 19 de junio de 1984) fue una influyente artista del expresionismo abstracto en la segunda mitad del siglo XX. Nació en Brooklyn, Nueva York. Su verdadero nombre era Lena Krasner, y era la sexta hija de un matrimonio de inmigrantes judíos procedentes de Rusia.
A pesar de ser una artista del impresionismo abstracto, su obra contiene diversas variaciones, motivadas por su estilo crítico y la negativa a centrarse en un estilo único.  Estas variaciones ayudaron a crear un estilo propio y a diferenciarla de artistas de su época, entona una simbología propia que define a través de su propia vida personal. En 1942, comienza a seguir el trabajo de Jackson Pollock, más afín a su naturaleza crítica, y rechazó el cubismo que aprendió de Hoffman. Se produce entonces un choque, entre lo aprendido y lo que realmente busca en la pintura, llevándola a una inversión de tiempo considerable en sus obras y posterior destrucción de la mayoría.

Lucio Fontana, 1970
Lucio Fontana (Rosario, provincia de Santa Fe; 19 de febrero de 1899-Comabbio, Lombardía, Italia; 7 de septiembre de 1968) fue un pintor, ceramista y escultor italo-argentino.
Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes de más de cien museos de todo el mundo. Es suyo el busto del periodista y fundador del periódico 'La Capital', obra en mármol de Carrara.
En España el escultor Pablo Serrano, quien entabló amistad con Fontana en sus años en Rosario, es considerado uno de los artistas que más ha aplicado y difundido las ideas de Fontana en la Península ibérica a través del manifiesto del Intraespacialismo.
Pablo Serrano Aguilar (Crivillén, Teruel, 10 de febrero de 1908 – Madrid, 26 de noviembre de 1985) fue un escultor español. Es considerado uno de los artistas españoles más importantes del siglo XX.

'Un arte para la era espacial' fue el nombre con el que denomino Lucio a esta serie de cuadros, en los cuales hacia tajos en ellos, sin mas dificultad ni adorno.

Robert Rauschenberg Storyline I from the Reels (B + C) series 1968 National Gallery of Australia, Canberra Purchased 1973 © Robert Rauschenberg. Licensed by VISCOPY, Australia, 2007
Robert Rauschenberg (Port Arthur, Texas; 22 de octubre de 1925-Captiva Island, Condado de Lee (Florida); 12 de mayo de 2008)​ fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 durante la transición del expresionismo abstracto al Pop-Art, del cual fue uno de los principales representantes en su país.

The Nun, Ingrid Bergman 314 by Andy Warhol
Andrew Warhola (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

• Influenciado por: Caspar David Friedrich, Jackson Pollock, Lucio Fontana, Robert Rauschenberg, Andy Warhol
• Influenciado en: Ellsworth Kelly, Wolfgang Tillmans, Arte Conceptual
• Maestros: Karl Otto Götz
• Institución de arte: Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, Escuela Superior de Bellas Artes de Dresde

Karl Otto Götz (Aquisgrán, 22 de febrero de 1914-Wolfenacker, 19 de agosto de 2017)​ fue un artista visual, cineasta y escritor alemán, conocido sobre todo por su pintura informalista inscrita en el movimiento de la action painting, que él concebía al modo surrealista, dejando que aflorasen automatismos espontáneos mediante la aplicación de pinceladas rápidas sobre un fondo claro, de modo que acababa en ocasiones sus pinturas en pocos minutos aunque fuesen precedidas de larga premeditación.​ 

En el 2008 se exhibió en el Museum Ludwig-Köln, sus trabajos para los vitrales de la catedral de Colonia. Tuvo retrospectivas en el 2009 en el Albertina de Viena, Haus der Kunst, München, Tate Modern, Neue Nationalgalerie, Berlin y el Musée national d'art moderne Centre Georges Pompidou, Paris.
 25/08/2007 -- En la catedral de Colonia, la máxima expresión del arte gótico en Alemania, fue descubierto hoy un vitral diseñado por el prestigioso pintor contemporáneo alemán Gerhard Richter .La vidriera de 113 metros cuadrados y 20 de altitud fue inaugurada con una misa solemne a la que acudieron mil invitados a la catedral.
El vitral está compuesto por miles de cuadrados de una gama de 80 colores que están también presentes en otros del templo, algunos de los cuales datan del Medioevo.
Richter, cuyos cuadros alcanzan sumas siderales, obsequió el diseño a la catedral de su ciudad natal. El artista de 75 años es ciudadano de honor de Colonia.
Los costes del vitral, del orden de los 370. 000 euros (500. 000 dólares), fueron recaudados a través de donaciones. El vitral diseñado por Richter reemplaza a uno instalado en el lugar después de la Segunda Guerra Mundial del que emanaba demasiada luz.

La catedral de Colonia es un templo católico de estilo gótico, comenzó a construirse en 1248 y no se terminó hasta 1880. Está situada en el centro de la ciudad de Colonia. Con sus 157 metros de altura fue el edificio más alto del mundo hasta la culminación del Monumento a Washington en 1884, de 170 metros. Es el monumento más visitado de Alemania.
En los bombardeos efectuados por los aliados durante la Segunda Guerra Mundial la catedral sufrió graves destrozos, aunque su estructura se mantuvo intacta
Pese a los destrozos, la estructura continuó dominando la silueta de la ciudad en ruinas. Son memorables las imágenes de la procesión del Corpus en 1946, por entre la ciudad en ruinas, hacia la catedral.

El relicario de los Tres Reyes (en alemán Dreikönigsschrein) es un relicario del que se dice contiene los huesos de los Reyes Magos, también conocidos como los Tres Sabios o los Magos. El relicario es un gran sarcófago triple, dorado y ricamente decorado colocado encima y detrás del altar mayor de Catedral de Colonia. Se considera el punto culminante del arte mosano y el relicario más grande en el mundo occidental.
Las reliquias de los Magos fueron saqueadas de Milán por el emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Federico Barbarroja, que se las entregó al arzobispo de Colonia, Reinaldo de Dassel en 1164. Desde entonces las reliquias de los Tres Reyes atrajeron una corriente constante de peregrinos a Colonia
Federico I de Hohenstaufen, llamado Barbarroja por el color de su barba; Barbarossa, en italiano, Rotbart, en alemán; (cerca de Ravensburg, 1122-Río Saleph, 10 de junio de 1190) fue desde 1147 duque de Suabia con el nombre de Federico III, desde 1152 rey de los Romanos y a partir de 1155 emperador del Sacro Imperio Romano Germánico.
Partes del relicario fueron diseñadas por el famoso orfebre medieval, Nicolás de Verdún, que empezó el trabajo en el año 1180 o 1181. Tiene esculturas de oro elaboradas de los profetas y apóstoles, y de las escenas de la vida de Cristo. El relicario se completó cerca de 1225.
Nicolás de Verdún (¿Lorena? hacia 1130 - 1205) fue un orfebre, esmaltador y escultor francés, uno de los más famosos de la Edad Media y de los pocos artistas medievales cuyo nombre es recordado y reconocido. Considerado uno de los grandes nombres del Arte románico, junto a Hugo d'Oignies y Renier de Huy, era un auténtico ingeniero y autor de toda una revolución estética: la perfección de sus trabajos en metal y esmalte, un estilo nuevo, que trataba el oro y el esmalte del modo como un pintor aplica los colores al lienzo.