(VIII). (II). 10 artistas que deberíamos conocer - Jenny Saville - Damien Hirst - Banksy - Lucian Freud - Auerbach

(VIII). 10 artistas que deberíamos conocer - Jenny Saville (Conocida por sus monumentales cuadros de desnudo femenino) - La Nueva figuración - Paula Figueiroa Rego, pincha aqui

'Propped' (1992), de Jenny Saville. SAATCHI GALLERY

El cuerpo de la mujer ha sido una conquista que los artistas han ejecutado en nombre de la pintura. Cuando hablamos de “desnudos gratuitos” disimulamos el alto precio que supone que sus cuerpos hayan estado callados y sometidos a los deseos masculinos. Durante siglos, los han construido a imagen y semejanza de su objeto de deseo. Los han reducido a su apetito sexual, con la excusa de la belleza, listos para ser consumidos. Por eso la irrupción de Jenny Saville cayó como una bomba en el canon que excluye a las mujeres: la pintora británica les expropió los desnudos en 1992, cuando presentó en sociedad Propped (Apoyada), un lienzo de dos metros de alto, protagonizado por una mujer de cuerpo desbordante, ajeno a la domesticación y al espanto de la idealización. Todo lo políticamente modélico fue sustituido por lo políticamente audaz, y se vetó el paso al machismo y a la sexualización. No fue una victoria baladí, porque como escribe Gilles Lipovetsky, el arte no ha sido nunca un entretenimiento puro, sino que “ha desempeñado un papel mayor en el orden imaginario y simbólico de las sociedades”.

CORDON PRESS
Charles Saatchi (Bagdad, 9 de junio de 1943) es un empresario iraquí-británico, cofundador junto con su hermano Maurice Saatchi de la agencia de publicidad Saatchi & Saatchi. Dirigió ese negocio, siendo la agencia de publicidad más grande del mundo en la década de 1980, hasta ser expulsados en 1995. En el mismo año los hermanos Saatchi formaron un nuevo organismo llamado M&C Saatchi. Charles también es conocido en todo el mundo por ser coleccionista de arte y propietario de la Saatchi Gallery, y en particular por su patrocinio de los Young British Artists (YBAs), entre ellos Damien Hirst y Tracey Emin.
Su habilidad para la publicidad elevó a los altares a artistas como Damien Hirst, pero en su vida privada Saatchi prefiere la discreción.
Paradójicamente, Saatchi, famoso por la galería homónima que abrió en Londres, se hizo un hombre en el mundo de las relaciones públicas gracias a la agencia de publicidad que fundó en los años setenta, Saatchi and Saatchi. Suyo fue, por ejemplo, el eslogan con el que Margaret Thatcher llegó al número 10 de Downing Street: “Labour isn’t working” (un juego de palabras que podría traducirse como “los laboristas no están funcionando”). Fue sin embargo en el mundo del arte donde grabaría su apellido con letras de oro.

(17 DE JUNIO DE 2019) El coleccionista Charles Saatchi es tan poco sociable que ni siquiera asiste a las inauguraciones de su propia galería de arte. “No voy a las inauguraciones de los demás, así que me aplico esa misma cortesía”, contestó en 2009 durante una de las escasas entrevistas que ha concedido a lo largo de su dilatada carrera.La semana pasada, sin embargo, abandonó por una vez su torre de marfil para asistir a la boda de su hija, Phoebe, que se casaba con el diseñador Arthur Yates en el ayuntamiento de Chelsea. El magnate, una de las mayores fortunas británicas además del coleccionista de arte más importante de Reino Unido, se ausentó eso sí, de la segunda boda que su única hija y su yerno celebraron este fin de semana en el lago de Como. En su lugar, asistió su actual novia, la presentadora Trinny Woodwall. Dos fiestas en un solo mes eran demasiado para alguien tan recluido que en su día solía esquivar a sus clientes en su propia oficina.

La Galería Saatchi (en inglés, Saatchi Gallery) es una galería de arte contemporáneo en Londres
Fue fundada por Charles Saatchi en 1985 para exponer su colección de arte al público. Ha ocupado diversas sedes, la primera en el norte de Londres, después en el South Bank junto al río Támesis, y finalmente en Chelsea, su ubicación actual. Tiene una fuerte presencia en los medios de comunicación

En 1985, inauguró en el barrio londinense de Chelsea la famosa galería Saatchi Gallery con el propósito de mostrar su colección de arte contemporáneo al público, que en ese momento componía obras de artistas fundamentalmente norteamericanos como Andy Warhol o Donald Junn. Con el tiempo, no obstante, empezaría a centrar su colección en los talentos emergentes de Reino Unido. Artistas tan cotizados ahora mismo como Damien Hirst despuntaron en su galería gracias a su buen ojo, mientras que la Saatchi Gallery nutría de noticias a la prensa a cuenta de la extravagancia de algunas de las obras expuestas.

 La cama deshecha de Tracey Emin se subasta por el récord de 3,2 millones de euros

El artista Damien Hirst frente a una de sus obras más polémicas. MATT DUNHAM (AP)

 ¿Recuerdan si no lo que mucho dio que dio que hablar en 1999 aquella cama deshecha de Tracey Emin? ¿O aquel tiburón –entre otros animales– conservado en formol de Damien Hirst? Se expusieron en la Saatchi Gallery, hoy una de las galerías de arte contemporáneo más visitadas de todo el mundo.

El poder de Saville fue despertar las sospechas en los hechos consumados y sembrarlas en los demás. Quizá esa sea el objetivo del artista, hacerse un hueco en la mente del que mira. También se lo hizo en las cuentas del mercado, cuando en octubre de 2018 la pintura salió a subasta en Sotheby’s y reventó los precios la misma noche en la que Banksy montó el número del cuadro que se tritura después de venderse, que lejos de destruir nada o denunciar algo creó una obra cuyo valor se multiplicó después del espectáculo. Propped se vendió por 10,8 millones de euros (más del doble de lo esperado) y se convirtió en el precio más alto jamás pagado en subasta —hasta hoy— por una artista viva. La obra no se había vuelto a ver en público desde la mítica exposición Sensation, celebrada en 1997, en la Royal Academy of Arts, en Londres, cuya inauguración supuso el origen de los Young British Artists, los artistas canallas protegidos por el magnate de la publicidad Charles Saatchi.

Banksy (Yate, Gloucestershire, 1974) es el seudónimo de un artista de arte urbano británico, conocido por su misteriosa identidad. Estuvo en el documental llamado "Salida por la tienda de regalos" pero se desconocen otros detalles de su biografía. Según un estudio de la Universidad Queen Mary de Londres, publicado en marzo de 2016, Banksy podría ser Robin Gunningham, residente de Brístol.
Banksy oculta su identidad real a la prensa general.
Simon Hattenstone, del periódico The Guardian, una de las pocas personas en entrevistarlo cara a cara, lo describe como «una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero Mike Skinner», y «un varón de 28 años que se presentó en jeans y con una camiseta con un diente, cadena y arete de plata».​ También se cree que es blanco, de pelo rubio y alto.

Ataque floral. Una imagen famosa de Banksy, pintada en una pared en Cisjordania. / AFP
Más se oculta, más visible: claves y contradicciones de Banksy, el artista anónimo que marca el pulso del presente
Sus pinturas aparecen en distintos lugares del mundo. Lo suyo es la denuncia pero sus obras son compradas por millonarios. ¿Ya es parte del sistema?

Se vio implicado en el grafiti durante el boom del aerosol de esta ciudad a finales de los 80. Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina la escritura con grafitis, estarcidos y plantillas. Su técnica de estarcido es similar a la de Blek le Rat y a la de los miembros de la banda de anarco-punk Crass. Banksy reconoció la influencia de Blek le Rat, diciendo: "Cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes". Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.

¿El primer 'banksy' en España? ¿Ha estado Banksy en Ferrol? 2018

(Recomendado) El cuatro de Banksy ‘Girl With Balloon’ se troceó automáticamente tras venderse por 1,18 millones, pincha aqui

Jenny Saville, Aleppo 2017-2018 - Scottish National Gallery

La pintora siempre ha reconocido en Rembrandt (como en Velázquez, Lucian Freud y Francis Bacon) una referencia para “subir el volumen” de sus retratos, con pinceladas abstractas y cargadas de pintura, contrapuestas con las más austeras. Aprendió de Tiziano y de Tintoretto, de los maestros antiguos con su tío, y un día, cursando sus estudios artísticos, se preguntó: “¿Dónde están todas las mujeres en el pasado del arte?”. “Solo entonces, cuando se desveló la verdad, empecé a sentirme cabreada”, ha dicho Saville. Si como escribe Marta Sanz, en el lúcido Monstruas y centauras (Anagrama), “representar sea siempre una forma de usurpar”, Saville rescata y libera el cuerpo femenino del control masculino.

Fuente: El País - PEIO H. RIAÑO 2020

Lucian Freud (Berlín, 8 de diciembre de 1922 – Londres, 20 de julio de 2011)​ fue pintor y grabador.

Lucian Freud es uno de los artistas figurativos más importantes de la segunda mitad del XX. Su expresionismo lo acerca a autores como Bacon o Auerbach, con los que formó la llamada Escuela de Londres (paradójicamente, ninguno de los tres era de Londres, ni siquiera británicos), Aunque Freud era uno de los más «naturalistas» al mostrar la «realidad».

Girl with a Kitten - Tate Gallery, Londres (Reino Unido) 1947

Escrito por: Fulwood LampkinLucian Freud realizó ocho retratos de su primera esposa, Kathleen “Kitty” Garman (hija mayor del escultor Jacob Epstein (escultor americano que trabajó en Inglaterra a principios del siglo XX y se vinculó al llamado vorticismo, único movimiento artístico significativo en el Reino Unido de la época. El vorticismo es una especie de cubo–futurismoinglés, sobre todo por su intento de plasmar  la edad de la máquina. La escultura de Epstein es una de las pioneras del arte moderno. En París conoce a Brancusi, Picasso y Modigliani).En este retrato, el pintor de Nueva Figuración inglesa la muestra con un gatito (“Kitten” en inglés) cogido por el cuello en lo que parece ser una amenazante escena. Hasta casi parece que lo va a estrangular. Garman mira afuera, pero el gato nos mira directamente, y es a sus ojos a donde nos guía Freud a los espectadores cuando miramos este cuadro. Es una obra de los primeros años de Freud (tenía 25) y esta primera etapa artística del nieto del creador del psicoanalisis evoca la tradición de la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad): Hay algo frío e implacable en estos cuadros, con las miradas fijas, sin parpadear, de sus personajes. E esas narrativas que sugieren algo más allá de lo que muestran.

Especializado en retratos, sus cuadros son fríos, sin expresar apenas sentimientos, pero tratando de enfatizar la carnalidad y la materia (otra vez, como Bacon o Auerbach), sobre todo en sus excelentes desnudos.

Night Portrait

Escrito por: Miguel Calvo Santos
Uno de los magníficos desnudos de Freud (nieto del psicoanalista), uno de los estandartes de la Nueva Figuración Británica junto a Bacon y Auerbach.
Freud pinta a familiares y amigos desnudos y vulnerables. El artista prescinde de comunicar sentimientos: busca sobre todo la carnalidad.
Como sus colegas de la Escuela de Londres, el pintor consideraba al ser humano poco más que un montón de carne, que en pintura se traduce como un montón de materia, casi una escultura.
Los desnudos de Freud son perturbadores. Dejando de lado sus poses exageradas, los defectos y las imperfecciones del retratado son más que visibles. Es casi hiperrealismo, aunque el artista deja claro que lo que hace es pintura.
Además el pintor usa un punto de vista alto, colocando al espectador de alguna manera en una posición de superioridad, entre el voyeur y la imagen reflejada en el espejo. Después de todo, Freud pinta humanos, que es lo que somos… algunos.

Fue nieto de Sigmund Freud, por lo que al inicio de su carrera abrazó el surrealismo. Como sucedió con muchos artistas, la llegada de Hitler al poder hizo que su familia emigrara y se instalara en Londres. En los años 40 ya asentaría su figuración, huyendo de la abstracción de moda en la época.

También trabajó el retrato de animales como mascotas y caballos, a veces acompañando a sus dueños, en algunas escenas de una poética sutileza en algunos casos.

Grey Gelding Colección particular - 

Freud mostrando el retrato a su modelo

Escrito por: Miguel Calvo Santos
Lucian Freud adoraba los caballos (y apostar en las carreras, por cierto…). Cuando llegó al Reino Unido y empezó los estudios en la escuela en Dartington, prefería montar los caballos en vez de ir a clases, y a veces llegó a dormir en los establos.
Por ello, cuando se convirtió en uno de los pintores más importantes de Gran Bretaña no dejó de realizar bastantes retratos de caballos (y demás mascotas) pintados con el mismo cariño, calidad y personalidad que si fueran retratados humanos. Tan importante era para él este retrato de un Gray Gelding como el que hizo de la mismísima Isabel II de Inglaterra.
Además se sabe que Freud era muy estricto con sus modelos, fueran humanos o equinos, exigiendo sacrificios de las personas que posan. Las sesiones de posado podían ser a diario durante años, con sesiones que llegaban a las seis horas seguidas por la mañana o por la tarde, después de un descanso para el almuerzo. Es así que conseguía rascar el alma de sus retratados por medio de su particular y matérica figuración, como ya había intentado rascar almas su ilustre abuelo.
Dicen que tenía un gran sentido del humor y atenuaba el sufrimiento de sus pobres e inmóviles víctimas con conversaciones de lo más inteligentes.

Casi exclusivamente trabajó el retrato: gente conocida como amigos, familia, colegas artistas, amantes… Tuvo la suerte de poder rechazar lucrativos retratos por encargo. Siempre buscó de alguna manera nutrirse de lo autobiográfico.

Y el Esposo, 2001 de Lucian Freud (1922-2011, Germany) | | ArtsDot.com

Fuente: (CC) Miguel Calvo Santos 2016

La reina posó 76 sesiones para una obra que ha desató opiniones encontradas en el Reino Unido (2001)

La reina posó 76 sesiones para una obra que ha desatado opiniones encontradas en el Reino Unido

El más grande de los artistas figurativos contemporáneos, con una tendencia a explayar su mirada en cuerpos desnudos, había fijado su objetivo en la reina Isabel y muchos se temían un indignante resultado. El lienzo de Freud ofrece, en cambio, un retrato realista de la monarca absorta en sus pensamientos.Freud atraviesa con frecuencia la piel de sus retratados hasta descubrir facetas ocultas de sus personalidades. Con Isabel II también lo consigue. Captura a la reina en expresión seria, mirada alejada de la brocha y del espectador, sugiriendo un mundo interno repleto de preocupaciones. No cae en la adulación ni la perspectiva favorece los rasgos físicos de la modelo. Es simplemente un efectivo busto de una mujer desempeñando su función como jefa del Estado. (Fuente El País)

Frank Auerbach

Reino Unido, 1931

Natural de Alemania, los nazis hicieron que el judío Auerbach abandonara su país y se refugiara en el Reino Unido de muy niño. Sus padres no corrieron la misma suerte y morirían en campos de concentración.

Cabeza de J.Y.M. IV - Colección particular

Escrito por: Miguel Calvo Santos
Cuarta versión del retrato de la cabeza de Juliet Yardley Mills, una de las tres modelos que Frank Auerbach utilizó a lo largo de su carrera (las otras fueron su esposa Julia y su amiga Stella).
En su nuevo país, se unió a la Escuela de Londres junto a Bacon y Freud (casualmente ninguno era natural del Reino Unido), que como vemos se caracterizaba por su profundo interés en el estudio de la figura humana.
Utilizando una técnica empastada que además de dar una gran tridimensionalidad a los cuadros, enfatiza la gestualidad de las pinceladas. Auerbach, como buen alemán, abraza claramente el expresionismo.
Sus retratos eran «una esencia física en carne viva» y son pintura pura y dura.
Su arte puede parecer improvisado, pero sus obras necesitaban cientos de sesiones y según dicen sus escasos modelos, había que estar sentados durante horas.
El propio autor afirmó: «Todas mis pinturas son resultado de centenares de transmutaciones».

Representante de la Escuela de Londres junto a Bacon o Freud (casualmente ninguno era natural del Reino Unido), se nota en su profundo interés por el estudio de la figura humana. Utilizando una técnica empastada que además de dar una gran tridimensionalidad a los cuadros, enfatiza la gestualidad de las pinceladas. Auerbach, como buen alemán, abraza claramente el expresionismo.

Son las suyas figuras deformadas, repitiendo modelos constantemente para sugerir tonos autobiográficos. Son retratos o paisajes que tienden a una extraña abstracción, y desde luego que buscan ante todo la expresión.

En buena medida sus trabajos están inspirados en Goya y Giacometti, grandes expresionistas, o en sus paisanos Constable o Turner, al que descubrió de niño en una reproducción en blanco y negro de su obra «El temerario» y que según dice le marcó para siempre.

El «Temerario» remolcado a su último atraque para el desguace es un conocido cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner. Se trata de un óleo sobre tela que mide 91 centímetros de alto por 122 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).
La pintura representa una escena de la que el propio Turner fue testigo en 1838: el destino final del HMS Temeraire, en el momento en el que fue remolcado desde la base de la flota, Sheerness, en la desembocadura del Támesis, hasta su destino final: el desguace.

Turner Joseph Mallord William - Monet - Whistler James Abbott McNeill, pincha aqui

Sus imágenes (según él, «una esencia física en carne viva») la forman la materia amontonada sobre el lienzo, con una apariencia espontánea, como sugiriendo la improvisación, que como bien saben sus estudiosos, no es nada improvisada. Un cuadro suyo conlleva cientos de sesiones y según dicen sus escasos modelos, les exige estar sentados durante horas. El propio autor afirmó: «Todas mis pinturas son resultado de centenares de transmutaciones».

(CC) Miguel Calvo Santos,2016