(18) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - EL INFORMALISMO - La Escuela de Altamira - Dau al Set - Antoni Tàpies - Arthur Dubuffet, PINCHA AQUI
El informalismo es un movimiento artístico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia, España e Italia durante la segunda posguerra mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. El movimiento fue bautizado por Juan Eduardo Cirlot, quien fue su principal ideólogo.Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la Nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut.
EL PASO - MADRID
EN 1957 SE FUNDA EL QUE SERÁ EL COLECTIVO QUE VENDRÁ A REFRENDAR LA APUESTA ABSTRACTO-EXPRESIONISTA QUE SE VIENE PLANTEANDO DESDE MEDIADOS DE LOS AÑOS CUARENTA. SE TRATA DE EL PASO, FUNDADO OIRIGINARIAMENTE POR RAFAEL CANOGAR, LUIS FEITO, JUANA FRANCÉS, MANOLO MILLARES, MANUEL RIVERA.
- DIPLOMACIA ARTÍSTICA DEL GOBIERNO
- COOPERACIÓN COMERCIAL Y POLÍTICA ENTRE ESTADOS UNIDOS Y ESPAÑA
- COTIZACIÓN MERCANTIL DE LOS ARTISTAS
- FORTALECIMIENTO DE LAS ESTRUCTURAS COMERCIALES DEL ARTE EN EL INTERIOR DEL PAIS
- REMARCAR ASPECTOS NACIONALISTAS E HISTORICISTAS A FIN DE REFORZAR LA AUTONOMÍA DE LA PRÁCTICA ESPAÑOLA
Rafael Canogar
(Toledo, 1935) es un pintor español, uno de los principales representantes del arte abstracto en España.
Firmado zona inferior izda.: “Canogar 66” "El abrazo"
MUJER CON SOMBRERO (DESPUÉS DE RUBENS), 1966
Usó inicialmente una técnica escultopictórica: con sus manos arañaba o exprimía la pasta que hacía vibrar sobre fondos de colores planos. Era una pintura en la que el gesto inicial sale directamente del corazón. En este punto Canogar encarnó lo mejor de la pintura matérica.
El informalismo fue para Canogar algo sustancial y místico, autoafirmación y autorrealización. Pero ese posicionamiento radical no podía, según Canogar, mantenerse indefinidamente sin «academizarse» e insuficiente para comunicar y expresar la tensión de la realidad, de la nueva conciencia social y política que despertaba en el mundo.
La tercera dimensión dio finalmente solución a la nueva obra, a su segundo período que, a partir de 1963 va, progresivamente, volviendo a la realidad de una figuración compleja cada vez más narrativa. La incorporación de nuevos materiales le permite su proyección en la realidad del espectador, con referencia explícita e ineludible intento de hacer participar a ese espectador de un drama colectivo. El crítico Vicente Aguilera Cerní escribió a propósito de estas obras de Canogar «Los temas no expresan opiniones, reflejan hechos, pero los hechos son dramas humanos, son imágenes cosificados donde lo humano, objeto y cantidad, adquieren jerarquía simbólica….»
Antonio Saura Atarés
(Huesca, 22 de septiembre de 1930-Cuenca, 22 de julio de 1998) fue pintor y escritor, considerado como uno de los grandes artistas españoles del siglo XX.
24 cabezas (1957), una muestra de su serie “Multitudes”
Esta obra de Antonio Saura está realizada en papel y tiene unas dimensiones de 71x103,6x5,5 centímetros. Un dibujo que muestra la pericia de Saura como dibujante, siendo el dibujo su principal herramienta para explorar las distintas variaciones de un motivo o tema a estudiar.
24 cabezas pertenece a la serie “Multitudes”, una serie en la que se volcó desde finales de la década de los 50 hasta su muerte. En esta serie, Saura nos muestra rostros sin cuerpo entrelazados que ocupan casi toda la superficie del lienzo o el papel. De esta manera, el pintor crea composiciones amplias y complejas con cabezas de tonos tierra, empleando también el collage en algunas de las obras.
Creció durante la Guerra Civil Española en Madrid, Valencia y Barcelona en compañía de sus padres, Antonio Saura Pacheco, abogado del Estado y técnico del Ministerio de Hacienda, y Fermina Atarés Torrente, pianista. Fue el primogénito de cuatro hermanos: María del Pilar, el director de cine Carlos Saura y María de los Ángeles. Debido a una tuberculosis ósea que lo mantuvo cinco años en cama a partir de 1943 empezó a pintar y a escribir en 1947.
Crucifixión (1959-1963), una de las obras más impactantes Antonio Saura
Es un óleo sobre lienzo, de 133x164,6 centímetros. Esta obra es una de las más destacadas de la serie Crucifixiones. Este tema también acompañó a Saura hasta su muerte. Una obra frenética en la que el pintor toma como modelo la Crucifixión de Velázquez y la reinterpreta de una manera llena de fuerza e intensidad, siguiendo las tendencias modernas e intentado abrir un debate sobre ese símbolo cristiano.
Un símbolo que pasa a ser en la obra de Saura todo un emblema de la tragedia de la condición del ser humano. Así, la obra es una protesta artística y política contra la violencia y la tensiones que se vivían en aquellas décadas. No es una obra religiosa que trate de dar una nueva versión de este episodio de la vida de Jesucristo sino el dolor y el sufrimiento de una persona.
Sin educación académica, comienza su carrera artística como autodidacta. Expone por primera vez en 1950 en la librería Libros de Zaragoza y en 1952 en la librería Buchholz de Madrid, donde presenta pinturas oníricas y surrealistas.
Tras su vuelta a España funda junto a Manolo Millares, Pablo Serrano, Rafael Canogar, Luis Feito y otros artistas el grupo El Paso (1957-1959). Expone por primera vez en París en la Galería Stadler en 1957. El año siguiente, 1958, participa junto con Antoni Tàpies y Eduardo Chillida en la Bienal de Venecia y en 1959 es invitado a la segunda edición de Documenta en Kassel (Alemania).
Retrato imaginario de Goya (1985): la fascinación de Saura por la obra de Goya
Este es una obra realizada en técnica mixta sobre papel y tiene unas dimensiones de 83,5x125x5,5 centímetros. Saura, fascinado por las pinturas negras de Goya, realiza este retrato en el que nos muestra a Goya contemplando la realidad, tratando de mostrar ese momento de surgimiento o nacimiento de la obra artística y los estados de ánimo que acompañan a ese momento.
Para esta obra, Saura se inspira en la obra Perro semihundido, una pieza muy enigmática de Goya en la que representa la cabeza de un perro emergiendo de un montón de tierra. De ahí, el pintor creó una serie de retratos y, entre ellos, el Retrato imaginario de Goya, un cuadro en el que el vacío ocupa la mayor parte de la composición, siendo el vacío un elemento importante y previo a la creación.
En 1958 pinta sus primeros Retratos Imaginarios de entre los cuales surge la serie Brigitte Bardot. Entre 1957 y 1960 realiza varias series de pinturas de gran formato cuyos temas serán recurrentes a lo largo de su obra: Crucifixiones, Damas, Sudarios, Retratos, Retratos imaginarios, Desnudos, Desnudos-Paisaje, Curas, El Perro de Goya y Multitudes. A partir de esta época el cromatismo de su pintura se limitará, durante largo tiempo, al uso de negros, grises y tierras. Asumidas las tendencias del informalismo europeo y el expresionismo abstracto estadounidense, seguirá una trayectoria personal que hunde sus raíces en la herencia de Velázquez, la pintura barroca española en general, y Goya.
Karl-Johann Strasse II (1997), una de las últimas obras de Antonio Saura
Esta obra es un óleo sobre lienzo y constituye la obra más monumental del pintor. Concretamente, Karl-Johann Strasse II es una obra que pintó antes de su muerte y que forma parte de la serie “Multitudes”. Esta obra está inspirada en un cuadro de Munch, Atardecer en el Paseo Karl-Johann de Oslo (1892). Una obra en la que se puede apreciar un grupo de personas caminando por la ciudad con rostros que asemejan máscaras.
Saura pinta una masa concentrada de cabezas con rasgos muy marcados y que parecen una especie de muro construido con piedras ciclópeas o incluso cráneos apilados en un osario. El pintor trata de mostrarnos rostros sin cuerpo coordinados de manera dinámica como si fueran algo orgánico. En esta serie se aprecia también la influencia de Jackson Pollock y de las obras de Goya y James Ensor.
La mayor parte de la obra de Antonio Saura es figurativa y se caracteriza por el conflicto con la forma. Sus cuadros son expresivos y dan la impresión de ser obsesivos en su franqueza pictórica. Es un conflicto con un mundo lleno de contradicciones y falto de seguridad, en el que impera el pesimismo.
En Cuenca, en la histórica Casa Zavala, está ubicada la Fundación Antonio Saura
Plaza de San Nicolás s/n - 16004 Cuenca, Castilla-La Mancha
Mi recorrido por España - Cuenca (II) - Colección Roberto Polo (Imprescindible), PINCHA AQUI
Manuel Rivera Hernández
(Granada, 23 de abril de 1927 - Madrid, 2 de enero de 1995) fue un pintor español, miembro fundador del Grupo El Paso.
Paisaje (Castillo de Lanjarón), 1946 - Óleo sobre lienzo - Colección particular, Granada
Desde su infancia mostró gran disposición para la pintura y la escultura, por lo que su padre lo envió al taller del imaginero, Martín Simón, con el que aprende el oficio, trabajando la madera y el yeso. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Granada.
Toro (1951). Planteamiento cromático diferente, el fondo es como una continuación de la figura principal, debido a que, a través de la pincelada y la textura representa los contornos, por decirlo de alguna forma, expandidos, otorgándole mucha mas vida. El color es muy significativo, debido a que no existen los toros rojos. Esto evoca a la sangre, la tensión, el peligro, etc. Nos puede recordar a los bisontes de las cuevas de Altamira. Un claro referente es Benjamin Palencia.
Benjamín Palencia Pérez (Barrax, Albacete, 7 de julio de 1894-Madrid, 16 de enero de 1980) fue un pintor e ilustrador español, fundador de la Escuela de Vallecas. En el amplio conjunto de su obra sobresale la poética del paisaje castellano definida por la generación del 98.
Cuando Manuel solo tenía nueve años estalla la Guerra Civil española. Al poco de terminar el conflicto, fallece su madre, acontecimiento que marcará de forma irremediable su vida, y también su trayectoria, ya que su obra se tornaría melancólica e introspectiva. A los quince años, realizó su primer viaje a Madrid, quedando deslumbrado en su visita al Museo del Prado.
Albaicín 3, 1952-1953
En 1959, realizó su primera exposición individual en Madrid, en las salas del Ateneo. En 1965, participó en la exposición Adquisiciones recientes en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y expuso en diversas ciudades de Estados Unidos, así como de Marruecos y Sudáfrica.
Composición, 1956-1957
A partir de este momento se produce una consolidación de la expresión plástica de Rivera. Ya desde 1956, el artista comienza a moverse dentro de la experimentación tangible de la materia. Las posibilidades de ofrecer un tacto real, significan la apropiación poética del espacio físico. Pero su lenguaje acapara también los principios básicos del movimiento y la luz dependiendo de cómo se sitúe el espectador frente a la obra.
Rivera no se sintió del todo cómodo dentro de su producción hasta que inicia la búsqueda de nuevos materiales en los años 1956-57.
Composición, 1957
Técnica mixta sobre tablero aglomerado
Colección Familia Rivera
Esto supone que quien contempla la obra deja de ser simplemente un observador, y se transforma en sujeto activo. Aquí radica un rasgo fundamental en la obra que produce Rivera a partir de este momento. En algo como lo que cifraba Delacroix, en una página de su diario de 1850, lo esencial del hecho artístico:
Me he dicho cien veces que la pintura, la pintura material, no era más que el pretexto, un puente entre el espíritu del pintor y el del espectador
Variaciones sobre un gris, 1958 - Técnica mixta (tela metálica y alambre) sobre bastidor de madera
En 1967 inició la que sería su segunda etapa pictórica, con la serie Papeles japoneses, en la que accedió a nuevos procedimientos técnicos, con una gran influencia del arte oriental y una intensificación del color. En 1985, realizó conjuntamente con el dramaturgo Antonio Gala y el músico Manolo Sanlúcar, El testamento andaluz, realizando una pintura y tres dibujos de cada una de las capitales andaluzas, en los que se recoge lo más significativo de cada una de ellas.
"yo no soy un pintor abstracto porque toda mi pintura parte de la realidad"
Metamorfosis (guardián), 1960
Técnica mixta (tela metálica, alambre y metal) y óleo sobre chapa metálica
Colección particular. Cortesía Galería Arnés y Röpke
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