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Susana Solano (Barcelona, 25 de julio de 1946) es una escultora española y artista contemporánea de proyección internacional, conocida por sus esculturas en chapa y malla de alambre.
De Juan García - Institut Valencià d'Art Modern, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=102146438
Las obras de Susana Solano forman parte de una tradición abstracta, entendida como una dirección escogida, una propuesta matizada a lo largo de los años en oscilaciones de alejamiento y proximidad a los referentes de sus obras. Algunas obras rozan las alusiones directas a la realidad, mientras otras se encierran en una apariencia de extrema opacidad. Ella misma habla de su trabajo con cierta reserva, pues rechaza radicalmente la retórica que desdibuja la fuerza de la intención. A la escultura le pide que no sea inmediata en su lectura ni en su proceso y que mantenga en ella lo indescifrable, pues su trabajo no pretende narrar.
Serie la lluna n.º4 (The Moon No. 4 Series)
Fecha: 1984 Material: Hierro, malla metálica y yeso Dimensiones: 95 x 160 x 140 cm
Su trabajo es multidisciplinar y se mueve con total naturalidad de la escultura al papel, pasando por la fotografía, el vídeo y el formato digital. Reside en Sant Just Desvern y tiene su taller en Gélida
Intervención en Munster
Es una de las escultoras más completas y consolidadas del panorama creativo nacional e internacional heredera de la tradición escultórica española de Julio González, Jorge Oteiza o Eduardo Chillida. Con reminiscencias que recuerdan a las figuras trágicas de Rodin y, de manera tangencial, los móviles de Calder, Solano trabaja con brillante soltura la escultura en metal
Susana Solano, Jasokor, 1997, cordón de PVC de hierro y fotografía, 113 x 424 x 398 cm, Museo Guggenheim Bilbao, © ADAGP, París
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Jeff Koons (York, Pensilvania, 21 de enero de 1955) es un escultor, empresario y pintor estadounidense. La mayoría de sus obras van al corriente del arte conceptual, minimalista y pop. Muchos críticos lo denominan como el principal artista kitsch. Clasificada a veces como minimalista y neo-pop, su obra consistía inicialmente en escultura conceptual que fue adquiriendo monumentalidad. A la fecha, Koons ha incursionado en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía. Jeff Koons está entre los empresarios vivientes más cotizados de los Estados Unidos.
De Fred Romero from Paris, France - Bilbao - Guggenheim Bilbao Museoa, CC BY 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=65735795
El 15 de mayo de 2019 su escultura Conejo (Rabbit) en acero inoxidable alcanzó el precio más alto de una obra de un artista vivo al ser vendida en una subasta de la casa de subastas Christie's, por la suma de U$ 91 millones de dólares.
Haim Steinbach: el artista y el objeto
Todos nosotros vivimos en un caos más o menos ordenado de objetos que forman parte de nuestra cotidianeidad, objetos a los que apenas si prestamos más atención de la necesaria para utilizarlos cuando los necesitamos o para echarlos de menos cuando los hemos perdido y notamos, por lo que sea, su ausencia. Objetos que nos hacen la vida algo más sencilla.
HAIM STEINBACH (N. 1944) exuberante pariente #1 - firmado, fechado e inscrito 'Haim Steinbach '86 V-I EI' (en la parte posterior del estante) - estante de madera laminada recubierta de plástico, dos escobillas de inodoro de plástico, dos cascos de plástico y cuatro latas de cerveza - de 64,5 x 139,6 x 40,6 cm. (25 3/8 x 55 x 16 pulgadas) Terminado en 1986.
Objetos fruto de nuestro consumismo, testigos de una cultura del tener, de una cultura, en ocasiones, de la sensación de necesitar tener sin pararnos a reflexionar acerca de si realmente lo necesitamos o no.
Haim Steinbach - Palazzo Grassi, foto de Matteo De Fina
De ahí que cuando nos encontramos con artistas como Haim Steinbach (Rehovot, Israel, 1944), de padres judíos huidos de la Alemania nazi y luego instalados en Estados Unidos en los años 50, sentimos una extraña desazón. Encontrarnos cara a cara con objetos totalmente reconocibles, con juguetes que podrían ser los de nuestros hijos, lámparas que pueden estar en nuestros salones, en fin, objetos definitorios de nuestro día a día, no podemos evitar una cierta sensación inquietante.
Esos objetos han cambiado los armarios de la cocina por unas estanterías colocadas en las paredes de una sala de exposiciones, cambiando así radicalmente su contexto y, por tanto, la percepción que tenemos de ellos, se han convertido en símbolos, nos están mirando desde la altura y nos señalan con el dedo, nos hablan a las claras de nuestra sociedad de consumo muchas veces irracional.
Los objetos no los haces, los encuentras o te los dan, pero una cosa que sí haces son los estantes. ¿Es importante el aspecto de las estanterías?
Mira sí, la mirada tiene mucho que ver con el deseo/atracción. Este tipo de estante evolucionó a mediados de los 80 y lo importante es cómo funcionan porque definitivamente se juega con el aspecto. Por ejemplo, tienen superficies hechas de laminado y esas superficies tienen colores, a veces se convierten en la piel del objeto.
Conceptual, filosófica y perceptualmente hablan del objeto.
Eso es algo más que solo 'Look' en términos de referencias, de hecho, los ángulos de los estantes son de 90/50/40 grados, siempre son los mismos, el estante puede hacerse más grande o más pequeño, pero los ángulos siempre son los mismos.
Expositor #15 – Diseño para una barra de yogur 1981 / 2017 Estructura de acero
galvanizado; tacos de aluminio; Cartón yeso; pintura de látex; pintura en aerosol; cortina de PVC serigrafiada; anillos metálicos para cortinas de ducha; Estantería con cafetera marroquí, silla y flor
en maceta Dimensiones variables Foto: White Cube (George Darrell)
Su primera instalación se tituló Display #7, realizada en 1979 en Nueva York e inmediatamente llamó la atención del público. Ese fue el primer paso en su trayectoria apropiacionista, en presentar objetos a los que la sociedad de consumo apenas si presta atención pero que de su mano muestran unas cualidades realmente extraordinarias. ‘Mi trabajo no trata sobre la representación, es acerca de la presentación.
El apropiacionismo es un movimiento artístico en el que el artista usa para elaborar su obra elementos de otras ajenas. Se aplica a la pintura, escultura o incluso poesía y literatura.
Llegados a estas alturas del artículo cabe empezar a pensar que la base del trabajo de Steinbach tiene que ver con el concepto de ready-made de Duchamp, del objeto construido convertido en obra de arte por el simple hecho de que el artista estampa en él su firma. Sin embargo, Steinbach tiene en cuenta algo más, valora el contenido estético de los objetos que utiliza (comprados en tiendas o mercadillos o prestados por amigos o encontrados en las calles), potencia ese contenido y propone un acercamiento estético a esos objetos.
Fuente: Alfredo Rodríguez Iglesias
Barry Flanagan
De Jim Linwood - Leaping Hare On Crescent And Ball, Broadgate Arena, City of London., CC BY 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=9853539
Leaping Hare on Crescent and Bell, Londres (1988)
El artista galés Barry Flanagan fue un escultor del siglo XX conocido por sus estatuas de bronce de formas biomórficas que aluden a animales, figuras humanas y criaturas mitológicas. Sus obras son lúdicas y subversivas, sin dejar de ser intuitivas y accesibles. Su carrera ha sido de particular interés para coleccionistas e historiadores debido al contraste de sus formas antropomórficas con las formas severas y pulidas de sus contemporáneos en el movimiento minimalista.
Nacido en 1941 en Prestatyn, Gales del Norte, Flanagan estudió arquitectura en el Birmingham College of Arts and Crafts y escultura en la Saint Martin's School of Art de Londres. Muchos de los miembros de su familia eran artistas de music hall, especialistas o acróbatas, lo que sentó las bases para la naturaleza imaginativa de las composiciones figurativas de Flanagan y las interpretaciones.
Recibió impresionantes premios por su trabajo y carrera, incluida la elección a la Royal Academy of Arts y la OBE en 1991.
Bill Woodrow (nacido en 1948) ha sido uno de los escultores más influyentes y prolíficos que han trabajado en Gran Bretaña durante los últimos 35 años. Una parte crucial del grupo de la "Nueva Escultura Británica" de la década de 1980, que también incluía a Tony Cragg, Richard Deacon, Antony Gormley, Anish Kapoor y Richard Wentworth, el trabajo de Woodrow fue visto como sucesor de la escultura de la "Nueva Generación" de Anthony Caro y otros al reintroducir la narrativa en la escultura a través de la incorporación y remodelación de materiales encontrados.
Enjambre de relojes, 2001 - Pan de bronce y oro, fundición número 1 de una edición de 8 más 4 AC - 23 x 35 x 11 cm - 9 1/16 x 13 3/4 x 4 5/16 pulgadas - Cortesía de Waddington Custot.
Sus esculturas "recortadas" crearon un nuevo léxico para la escultura, compuesto por objetos domésticos cotidianos y materiales industriales. Estas preocupaciones continuaron en las obras posteriores de Woodrow, que ocasionalmente fueron fundidas en bronce. Sin embargo, su método de recuperación de materiales desechados proporciona una imprevisibilidad y vitalidad a sus obras. La primera exposición individual de Woodrow se montó en la Whitechapel Art Gallery de Londres.
Ha representado a Gran Bretaña en las Bienales de Sydney (1982), París (1983) y Sao Paulo (1986). Su obra está representada en colecciones públicas de todo el mundo, como el MoMA, el Museo Metropolitano y el Moderna Museet de Estocolmo.
Richard Deacon nació en Bangor, Gales, Reino Unido en 1949 y vive y trabaja en Londres, Reino Unido.
Arte Para Otras Personas #19 - 1985
Las voluptuosas formas abstractas de Richard Deacon lo han colocado a la vanguardia de la escultura británica desde la década de 1980 y, enormemente influyente, sus obras son visibles en importantes encargos públicos de todo el mundo. Su voraz apetito por los materiales le ha llevado a moverse entre la madera laminada, el acero inoxidable, el hierro corrugado, el policarbonato, el mármol, la arcilla, el vinilo, la espuma y el cuero. Como él mismo explica: "Cambiar los materiales de una obra a otra es una forma de volver a empezar cada vez (y por lo tanto de terminar lo que había pasado antes)".
Después 1998 - Madera, acero inoxidable y aluminio 169 x 960 x 346 cm 66 9/16 x 377 15/16 x 136 1/4 pulg.
Deacon se describe a sí mismo como un "fabricante", haciendo hincapié en la construcción detrás del objeto terminado, aunque muchas de las obras están fundidas, modeladas o talladas a mano, y en consecuencia la lógica de la fabricación a menudo queda expuesta: las formas curvas sinuosas pueden estar unidas por pegamento que rezuma entre las capas de madera o tener tornillos y remaches que sobresalen de láminas de acero. llevando el corazón en la manga.
Flat 56 - 018 - Glazed ceramic 86 x 143.5 x 3.5 cm / 33 3/4 x 56 1/2 x 1 3/8 in
Ante el mástil 2015 Fresno, plástico 286 x 99 x 53 cm / 112 5/8 x 39 x 20 7/8 in
Asociado 2014
Acero inoxidable con pintura 410 x 340 x 300 cm 161 7/16 x 133 7/8 x 118 1/8 pulg.
Ángeles Marco nació en Valencia en 1947, estudió en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos y obtuvo el doctorado en 1987 en la que fue profesora desde 1989. Durante dos décadas compaginó la docencia con la creación escultórica. El hierro se convirtió, a lo largo del tiempo, en su material preferido aunque también trabajó el caucho, el cristal o la cera.
Ángeles es uno de los grandes referentes de la escultura moderna en el País Valenciano y en España. Personal e innovadora, abrió caminos y nuevos lenguajes tanto en su obra como en su labor pedagógica, generando influencia en toda una generación de jóvenes artistas que se dedicaron a la escultura. Por ello es una de las más importantes de la generación de creadores que protagonizó la renovación de la escultura en España entre las décadas de los años ochenta y noventa del siglo XX. Vinculada a los principios teóricos del postminimalismo y el arte conceptual internacional, su figura y su legado no han sido suficientemente estudiados desde su fallecimiento.
«Serie Suplemento (Sin título VII)», (2008) - Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
En el 2018, con motivo del 40 aniversario de la Constitución española, su escultura “Serie Suplemento, Sin título VII” de 1990 fue seleccionada entre las obras procedentes del Museo Centro de Arte Reina Sofía para estar representada en la exposición “El poder del arte”. Esta exposición se ubicó, por primera vez, en los edificios del Congreso de los Diputados y del Senado.
El reconocimiento al trabajo de Ángeles Marco se basó en un principio en su producción de pequeñas piezas escenográficas cuya acentuada perspectiva alteraba la percepción visual y conceptual del espacio. Pero su trabajo evolucionó hacia un planteamiento más ambicioso de esa equivocidad perceptiva y simbólica, a través de piezas que concretaban campos de evocación formal y funcional más extensos o, mejor dicho, que abrían en dichos campos situaciones de inestabilidad y contradicción.
Fuente: Por Concha|octubre
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