(46) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - UN SISTEMA DEL ARTE ESPAÑOL - (3) GALERIAS Y GALERISTAS - Juana de Aizpuru (La creadora de ARCO) - Cristina de Middel - José Manuel Broto Gimeno - Miquel Barceló Artigues - pincha aqui
LA SEGUNDA GENERACIÓN DE LA ABSTRACCIÓN GEOMETRICA.
Desde 1957 algunos creadores y colectivos artísticos (entre los que podríamos citar a Eusebio Sempere, Pablo Palazuelo, Equipo 57 o Equipo Córdoba habían encontrado en el arte normativo una alternativa crítica al predominio informalista. si bien es cierto que el declive del informalismo podría haber sido una buena ocasión para que las corrientes geométricas se impusieran en el panorama nacional (tal y como estaba ocurriendo, de hecho, en el internacional), en España la «conversión» de una parte importante de los artistas geométricos al realismo crítico y la disgregación de los colectivos más destacados dentro del arte normativo relegaron a las tendencias analíticas a un lugar marginal.
Habrá que esperar a 1965, cuando empiece a darse a conocer el trabajo de una segunda generación de artistas geométricos y la crítica española se haga más permeable a la influencia de las nuevas corrientes —como el minimalismo, el arte cinético o el op art- que se desarrollaban con éxito en Europa y Estados Unidos, para que resurja con fuerza la abstracción geométrica en nuestro país.
La necesidad de afirmar la «españolidad» de las propuestas geométricas explica, asimismo, la animadversión que suscitó, entre la crítica española, el op art. En marzo de 1966 la galería Edurne de Madrid presentaba la exposición «Op Art», que reunía un amplio elenco de obras: pinturas del Equipo 57 y de Adolfo Estrada, móviles de Enrique Gómez Acebo, una vidriera de Rafael Leoz, un relieve y gouaches de Eusebio Sempere, serigrafías de Abel Martín, tapices y alfombras de Carolina Torres y lámparas de Briones.
Durante la exposición, Edurne organizó desfiles de moda inspirados en las obras expuestas, en donde se mostraron los vestidos creados por Griff (María Dolores Gracia), los accesorios de Maya y los maquillajes de Helena Rubinstein. La osadía de introducir la moda en el «templo» del arte fue muy comentada en la prensa de la época y mal recibida, en general, por la crítica especializada.
La relación entre arte, ciencia y técnica será explorada a fondo en el Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, que durante unos años fue uno de los espacios de encuentro y de experimentación más fecundos para los artistas analíticos españoles.
Desde el principio, los responsables del CCUM (los matemáticos Florentino Briones y Ernesto García Camarero y el informático Mario Fernández Barberá) manifestaron su intención de no limitarse a estos objetivos iniciales y de imprimirle al Centro una orientación nada convencional, convirtiéndolo en un espacio de creación e intercambio intelectual pionero en su época.
La iniciativa de fundar el Seminario, por el que pasaron algunos de los artistas más innovadores de la época, partió de Mario Barberá, que había tenido ocasión de entrar en contacto, través de José Luis Alexanco, con la obra de Manuel Barbadillo.
Manuel Barbadillo Nocea (Cazalla de la Sierra, provincia de Sevilla, 1929-Málaga, 2003) fue un pintor español
Desde principios de 1955 hasta marzo de 1957, además de algunos meses entre 1958-59, reside en Marruecos, lugar donde su obra deja de ser figurativa para convertirse en abstracta, en gran parte como consecuencia del fuerte impacto que le produce la civilización del país magrebí.
Cuando ya entrado el año 1959 se traslade a Nueva York, ciudad en la que vivirá hasta el otoño de 1962, su obra hace ya varios meses que discurre por la senda de la abstracción informalista, al principio dominada por un expresionismo abstracto de gran variedad cromática que, en poco tiempo, verá drásticamente reducido el color hasta derivar en cuadros muy sobrios, monocromos, densos en materia pictórica y de un acentuado carácter experimental.
En esta etapa iniciada en 1963 abandonada de manera definitiva la materia, hace una obra abstracta geométrica, generalmente sobre papel o cartulina, de la que lo más destacado es el hallazgo de «una silueta como de media ojiva, que permitiría una estructura menos estática». Además de la eliminación de la materia, el otro avance fundamental de esta etapa, en rigor una fase protomodular, es la correcta comprensión y posterior utilización de la naturaleza binaria de la forma.
En cualquier caso, del intercambio de ideas entre Barbadillo y los responsables del Centro surgió la iniciativa de poner en marcha el Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas, cuyos años más fructíferos fueron los dos primeros cursos (1968-1969 y 1969-1970).
Además de alentar el trabajo experimental de los artistas, el Seminario dio lugar a un extraordinario conjunto de exposiciones y actividades culturales: en 1969, el ciclo de conferencias y la exposición «Formas computables» dan a conocer por primera vez en España las posibilidades del ordenador en el terreno de la creación plástica
JOSÉ LUIS ALEXANCO pionero de la creación por ordenador (Madrid, 1942-2021)
"CON LO QUE ME PAGARON POR LA PRIMERA EDICIÓN DE LA CONSTITUCIÓN PUDE VIVIR UN AÑO", PINCHA AQUI
El artista José Luis Alexanco, de 76 años, ideó la edición príncipe de la Constitución de 1978. En este vídeo desvela los secretos de su diseño.
A Alexanco, uno de los creadores españoles de vanguardia más rigurosos y originales de su generación, no le interesaba tanto el resultado, las cosas en sí, como el proceso de realizarlas. Quizá por esa razón, pocas carreras como la suya reflejan el proceso, captan el movimiento. Toda su trayectoria está marcada por esa voluntad decidida y algo quimérica, no ya de representar el movimiento a la manera en que lo habían hecho antes Giacomo Balla o Muybridge, sino de serlo.
'Bat' (1977), técnica mixta sobre lienzo, obra de Alexanco. CORTESÍA GALERÍA MAISTERRAVALBUENA Y JOSÉ LUIS ALEXANCO
La llegada la democracia le cogió viviendo en Nueva York, y por la movida pasó de puntillas, más por cercanía personal con alguna de sus piezas clave que por afinidad artística, aunque formó parte de la selecta escuadra del galerista Fernando Vijande, para quien diseñó la icónica escalera que daba acceso a su local en un garaje de la calle Núñez de Balboa. Cuando se le encargó otro trabajo como diseñador, el de la edición príncipe de la Constitución Española, el resultado estaba trufado con tantos detalles –como que la preceptiva bandera rojigualda estuviera oculta y despeluchada en los hilos de la encuadernación, o que para sacar el libro de su estuche hubiera que oprimir el escudo, que acababa inevitablemente sucio y desgastado- que cuesta pensar que fueran una coincidencia.
Artista de formación autodidacta, Alexanco finalizó en 1965 un período dedicado a la pintura y al grabado en el que se ponen de manifiesto ciertas constantes que estarán presentes en los trabajos posteriores: aislamiento progresivo de una figura humana, repetición de determinadas posturas y estudio de estas posturas consideradas como principio de un movimiento. La siguiente etapa, entre 1965 y 1968, se distingue por el abandono de la pintura como un fin en sí mismo y su empleo como medio de estudio de realizaciones en dos y tres dimensiones, especialmente serigrafías sobre plástico y esculturas en plexiglás y poliéster. El origen de la etapa fue la realización de un film en ocho milímetros en el que se tomaban como motivo unas pequeñísimas maquetas de figuras humanas hechas en papier maché. La fase que se abre en 1968, cuyo eje sigue siendo la imagen antropomorfa, incluía una serie de trabajos corpóreos en los que Alexanco pretendía dar una idea de obra abierta, en el sentido de que, sin variar su estructura, las piezas ofreciesen diferentes aspectos y variaciones de orientación. Precisamente es en este momento de su investigación cuando su obra está predispuesta a ser tratada con la calculadora electrónica, lo que lo llevará a desarrollar un complejo trabajo de generación automática de formas plásticas hasta 1973 en el marco del seminario creado en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid en 1968.
Él se encargó de reclutar a los creadores que participaron en el experimento, un pequeño batallón de jóvenes turcos a la española que incluía a Elena Asins, Eusebio Sempere o Soledad Sevilla. Posiblemente ninguno se implicó tanto como él, que llegó a aprender el lenguaje de programación Fortran con el que desarrolló un software de nombre MOUVNT (por movimiento, claro).
Que a partir de ahí se generaran esculturas en distintos formatos y materiales a él le parecía lo de menos: era lo novedoso y fecundo de la experiencia lo que siempre destacaba.
Soledad Sevilla Portillo (Valencia, 1944) es una pintora española. Su obra son pinturas de gran formato e instalaciones que se sitúan entre las fronteras de la arquitectura, el land art y la escultura.
En 1968, momento en que la artista inicia su carrera artística, buscó encontrar un estilo de arte alternativo a los movimientos informalista y expresionista, predominantes en la escena española ya que, tras su paso por la Escuela de Bellas Artes de San Jorge, rechazaba toda enseñanza académica. En contra de lo académico, Sevilla adecuó su estilo a la influencia del Arte Normativo, movimiento que proponía un arte basado en la forma seriada, la pureza cromática y el atonalismo; siendo una de sus máximas el rehusar la intervención de la subjetividad. El Arte Normativo se caracterizó por confluir propuestas constructivistas, suprematistas y neoplasticistas. De esta manera absorbió la depuración del arte iniciada por Malevich, al ser su fin anular la presencia del objeto para obtener un arte que implicase una expresión pura de sensibilidad.
La abstracción geométrica en España (1957-1969) Paula Barreiro
Es muy frecuente [...] oír las alabanzas del expresionismo español, excelente en verdad, pero no monopolizador de nuestro genio artístico. Porque el arte español también ha tenido genios del arte racional, sereno, de exigente composición. Baste recordar dos ejemplos: en la época clásica Zurbarán; en la contemporánea, los fundadores españoles del cubismo, Picasso y Juan Gris.
Paula Barreiro López
Investiga intercambios artísticos, la crítica de arte, políticas y redes culturales en Europa y Latinoamérica durante la Guerra Fría, analizando los múltiples desarrollos de la modernidad dentro de un contexto ya globalizado.
Victor Vasarely, 9 de abril de 1906 - París, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del op art.
(II) Museo de Navarra - Encuentros de Arte Pamplona 1972 - Lorenzo Victoriano Aguirre Sánchez - Ignacio Zuloaga - Pedro Manterola - Leocadio Muro Urriza - Xabier Álvarez de Eulate..., PINCHA AQUI
Todo el arte es contemporáneo - Museo de Navarra Pamplona - Pedro Lozano de Sotes - Xabier Álvarez de ulate - Juliantxo Irujo - Fructuoso Orduna y Lafuente -Jesús Basiano Martínez- Emilio Sánchez Cayuela - Alfredo Felipe Sada Laguardia - Elena Asins Rodríguez, pincha aqui
ELENA ASINS (Madrid, 1940 - Navarra, 2015) Una pintura es simplemente un hecho, una acción o una intervención, en que sus elementos propios están relacionados de una determinada manera, y precisamente esta relación o conexión es lo que vengo denominando, desde hace muchos años atrás, estructura. Considerada una de las pioneras del arte cibernético en España, Asins creó sus propios sistemas gráficos para producir formas basadas en series numéricas, estructuras gramaticales y desarrollos musicales. Interesada también en los fundamentos de la semiótica, estudió con Max Bense en la Universität Stuttgart, Alemania, y con Noam Chomsky en Columbia University, Nueva York. Su trayectoria, marcada por estancias en universidades en Estados Unidos y en Europa donde investigó y estudió aspectos matemáticos y cibernéticos. En 2011 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas. La investigación de Asins estuvo determinada por su temprana experiencia en 1968 en el Centro de Cálculo de Madrid, donde formó parte del seminario Generación Automática de Formas Plásticas. Es en este entorno donde Asins comienza a explorar las bases matemáticas del arte y las posibilidades de las nuevas tecnologías. El arte cibernético en España tuvo su origen en este seminario. Durante estos años Asins participó en otros círculos experimentales como la Cooperativa de Producción Artística y Artesana - proyecto iniciado por Ignacio Gómez de Liañoy se rodeó de un entorno abierto a la conversación y el cruce entre diversas disciplinas: artes plásticas, las matemáticas, la poesía, la lingüística, la filosofía, la música o la arquitectura.
Entre los años 1987 y 1990 Asins reside y trabaja en Hamburgo, donde continúa su producción artística con formas generadas por ordenador y realiza dibujos en papel continuo con la ayuda de una impresora.
En 1990 Asins vuelve a Madrid después de 10 años y comienza sus investigaciones en torno al Canons 22. En ella, Asins parte visualmente de una melodía y desarrolla imitaciones, repitiendo obsesiva y minuciosamente elementos con leves variaciones. La música y el ritmo fueron una fuente de inspiración constante en su obra, presente en todas sus épocas. Elena Asins se muda a Azpiroz, Navarra, a mediados de los noventa. Desde aquí, la artista continuó su investigación sobre la eliminación de la materia y diseñó esculturas y relieves en diferentes escalas y materiales, como metacrilato, madera pintada o alabastro.
Este trabajo es el segundo de Elena Asins en posesión del Museo de Navarra ya que en 2007 adquirió directamente el autorrelieve blanco de la serie "Canons 22", que en la actualidad se exhibe junto a su pareja, el altorrelieve negro, en la cuarta planta del Museo.
Quizá el trabajo que mejor da cuenta de esa búsqueda sea Soledad interrumpida, realizada en colaboración con el músico vanguardista Luis de Pablo, obra total entre la escultura y la performance en la que 140 antropomorfos (“muñecos”, los llamaba él con menos pompa) se movían gracias a un sistema de aire comprimido y que se estrenó en Buenos Aires en 1971. Este proyecto tuvo un periplo internacional durante el que surgieron todo tipo de interpretaciones políticas por sus posibles paralelismos con las víctimas del régimen franquista, que él siempre negó. También junto a De Pablo organizó los primeros –y únicos- Encuentros de Pamplona de 1972, un festival de arte vanguardista concebido por la familia Huarte y su tarea de mecenazgo para seguir la estela de la Documenta de Kassel, y que se cerró entre escándalos varios, como era previsible que sucedería con aquel ovni aterrizado en medio de una conservadora ciudad del tardofranquismo.
¿QUE ES EL ARTE EXPERIMENTAL?
El arte experimental es una corriente artística que busca nuevas formas de expresión y comunicación, a través de la experimentación en el trabajo de taller. Esta corriente rompe con las estructuras convencionales del arte y busca transmitir nuevas experiencias al espectador. El artista experimental es aquel que no se conforma con las técnicas y estilos tradicionales del arte, y su trabajo se caracteriza por explorar nuevas formas de expresión y experimentar con diferentes materiales y técnicas.
IMPORTA MÁS LO QUE SE QUIERE DECIR QUE CÓMO SE DICE. LA IMAGEN, LOS ELEMENTOS "EXTRA-ARTÍSTICOS", LA INFLUENCIA DE OTRAS PROFESIONES Y EL IMPACTO MEDIÁTICO JUEGAN UN PAPEL FUNDAMENTAL EN ESTA CORRIENTE AÚN HOY DIFÍCIL DE DEFINIR Y CONCRETAR.
No hay comentarios:
Publicar un comentario