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martes, 26 de marzo de 2024

(47) ¿QUE ESTÁ PASANDO? -LA SEGUNDA GENERACIÓN DE LA ABSTRACCIÓN GEOMETRICA - Manuel Barbadillo - José Luis Alexanco - Eusebio Sempere - Soledad Sevilla Portillo - ¿Qué es el Op Art? - ELENA ASINS - ¿QUE ES EL ARTE EXPERIMENTAL? -

(46) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - UN SISTEMA DEL ARTE ESPAÑOL -  (3) GALERIAS Y GALERISTAS - Juana de Aizpuru (La creadora de ARCO) - Cristina de Middel - José Manuel Broto Gimeno - Miquel Barceló Artigues - pincha aqui

LA SEGUNDA GENERACIÓN DE LA ABSTRACCIÓN GEOMETRICA. 

Desde 1957 algunos creadores y colectivos artísticos (entre los que podríamos citar a Eusebio Sempere, Pablo Palazuelo, Equipo 57 o Equipo Córdoba habían encontrado en el arte normativo una alternativa crítica al predominio informalista. si bien es cierto que el declive del informalismo podría haber sido una buena ocasión para que las corrientes geométricas se impusieran en el panorama nacional (tal y como estaba ocurriendo, de hecho, en el internacional), en España la «conversión» de una parte importante de los artistas geométricos al realismo crítico y la disgregación de los colectivos más destacados dentro del arte normativo relegaron a las tendencias analíticas a un lugar marginal.

Habrá que esperar a 1965, cuando empiece a darse a conocer el trabajo de una segunda generación de artistas geométricos y la crítica española se haga más permeable a la influencia de las nuevas corrientes —como el minimalismo, el arte cinético o el op art- que se desarrollaban con éxito en Europa y Estados Unidos, para que resurja con fuerza la abstracción geométrica en nuestro país.

La necesidad de afirmar la «españolidad» de las propuestas geométricas explica, asimismo, la animadversión que suscitó, entre la crítica española, el op art. En marzo de 1966 la galería Edurne de Madrid presentaba la exposición «Op Art», que reunía un amplio elenco de obras: pinturas del Equipo 57 y de Adolfo Estrada, móviles de Enrique Gómez Acebo, una vidriera de Rafael Leoz, un relieve y gouaches de Eusebio Sempere, serigrafías de Abel Martín, tapices y alfombras de Carolina Torres y lámparas de Briones.

Durante la exposición, Edurne organizó desfiles de moda inspirados en las obras expuestas, en donde se mostraron los vestidos creados por Griff (María Dolores Gracia), los accesorios de Maya y los maquillajes de Helena Rubinstein. La osadía de introducir la moda en el «templo» del arte fue muy comentada en la prensa de la época y mal recibida, en general, por la crítica especializada. 

EL SEMINARIO DE GENERACIÓN AUTOMATICA DE FORMAS PLÁSTICAS DEL CENTRO DE CÁLCULO DE LA UNIVERSIDAD DE MADRID

La relación entre arte, ciencia y técnica será explorada a fondo en el Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, que durante unos años fue uno de los espacios de encuentro y de experimentación más fecundos para los artistas analíticos españoles.

Desde el principio, los responsables del CCUM (los matemáticos Florentino Briones y Ernesto García Camarero y el informático Mario Fernández Barberá) manifestaron su intención de no limitarse a estos objetivos iniciales y de imprimirle al Centro una orientación nada convencional, convirtiéndolo en un espacio de creación e intercambio intelectual pionero en su época.

La iniciativa de fundar el Seminario, por el que pasaron algunos de los artistas más innovadores de la época, partió de Mario Barberá, que había tenido ocasión de entrar en contacto, través de José Luis Alexanco, con la obra de Manuel Barbadillo. 

Manuel Barbadillo Nocea (Cazalla de la Sierra, provincia de Sevilla, 1929-Málaga, 2003) fue un pintor español

Desde principios de 1955 hasta marzo de 1957, además de algunos meses entre 1958-59, reside en Marruecos, lugar donde su obra deja de ser figurativa para convertirse en abstracta, en gran parte como consecuencia del fuerte impacto que le produce la civilización del país magrebí. 

Vajilla de Bidasoa

Cuando ya entrado el año 1959 se traslade a Nueva York, ciudad en la que vivirá hasta el otoño de 1962, su obra hace ya varios meses que discurre por la senda de la abstracción informalista, al principio dominada por un expresionismo abstracto de gran variedad cromática que, en poco tiempo, verá drásticamente reducido el color hasta derivar en cuadros muy sobrios, monocromos, densos en materia pictórica y de un acentuado carácter experimental.


En esta etapa iniciada en 1963 abandonada de manera definitiva la materia, hace una obra abstracta geométrica, generalmente sobre papel o cartulina, de la que lo más destacado es el hallazgo de «una silueta como de media ojiva, que permitiría una estructura menos estática». Además de la eliminación de la materia, el otro avance fundamental de esta etapa, en rigor una fase protomodular, es la correcta comprensión y posterior utilización de la naturaleza binaria de la forma.

Manuel Barbadillo (1929-2003) en un grafiti mural de Juan María Rivero (Bohemio) del año 2018 situado en el cierre de la sede de APLAMA (Asociación de Artistas Plásticos de Málaga), en la avenida Comandante Benítez, Ensanche Centro, Málaga, España.

En cualquier caso, del intercambio de ideas entre Barbadillo y los responsables del Centro surgió la iniciativa de poner en marcha el Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas, cuyos años más fructíferos fueron los dos primeros cursos (1968-1969 y 1969-1970). 

Además de alentar el trabajo experimental de los artistas, el Seminario dio lugar a un extraordinario conjunto de exposiciones y actividades culturales: en 1969, el ciclo de conferencias y la exposición «Formas computables» dan a conocer por primera vez en España las posibilidades del ordenador en el terreno de la creación plástica

JOSÉ LUIS ALEXANCO pionero de la creación por ordenador (Madrid, 1942-2021)

"CON LO QUE ME PAGARON POR LA PRIMERA EDICIÓN DE LA CONSTITUCIÓN PUDE VIVIR UN AÑO", PINCHA AQUI

El artista José Luis Alexanco, de 76 años, ideó la edición príncipe de la Constitución de 1978. En este vídeo desvela los secretos de su diseño.

A Alexanco, uno de los creadores españoles de vanguardia más rigurosos y originales de su generación, no le interesaba tanto el resultado, las cosas en sí, como el proceso de realizarlas. Quizá por esa razón, pocas carreras como la suya reflejan el proceso, captan el movimiento. Toda su trayectoria está marcada por esa voluntad decidida y algo quimérica, no ya de representar el movimiento a la manera en que lo habían hecho antes Giacomo Balla o Muybridge, sino de serlo.

'Bat' (1977), técnica mixta sobre lienzo, obra de Alexanco. CORTESÍA GALERÍA MAISTERRAVALBUENA Y JOSÉ LUIS ALEXANCO

La llegada la democracia le cogió viviendo en Nueva York, y por la movida pasó de puntillas, más por cercanía personal con alguna de sus piezas clave que por afinidad artística, aunque formó parte de la selecta escuadra del galerista Fernando Vijande, para quien diseñó la icónica escalera que daba acceso a su local en un garaje de la calle Núñez de Balboa. Cuando se le encargó otro trabajo como diseñador, el de la edición príncipe de la Constitución Española, el resultado estaba trufado con tantos detalles –como que la preceptiva bandera rojigualda estuviera oculta y despeluchada en los hilos de la encuadernación, o que para sacar el libro de su estuche hubiera que oprimir el escudo, que acababa inevitablemente sucio y desgastado- que cuesta pensar que fueran una coincidencia.

Doble postura para hombre que corre. José Luis Alexanco. 1967

Artista de formación autodidacta, Alexanco finalizó en 1965 un período dedicado a la pintura y al grabado en el que se ponen de manifiesto ciertas constantes que estarán presentes en los trabajos posteriores: aislamiento progresivo de una figura humana, repetición de determinadas posturas y estudio de estas posturas consideradas como principio de un movimiento. La siguiente etapa, entre 1965 y 1968, se distingue por el abandono de la pintura como un fin en sí mismo y su empleo como medio de estudio de realizaciones en dos y tres dimensiones, especialmente serigrafías sobre plástico y esculturas en plexiglás y poliéster. El origen de la etapa fue la realización de un film en ocho milímetros en el que se tomaban como motivo unas pequeñísimas maquetas de figuras humanas hechas en papier maché. La fase que se abre en 1968, cuyo eje sigue siendo la imagen antropomorfa, incluía una serie de trabajos corpóreos en los que Alexanco pretendía dar una idea de obra abierta, en el sentido de que, sin variar su estructura, las piezas ofreciesen diferentes aspectos y variaciones de orientación. Precisamente es en este momento de su investigación cuando su obra está predispuesta a ser tratada con la calculadora electrónica, lo que lo llevará a desarrollar un complejo trabajo de generación automática de formas plásticas hasta 1973 en el marco del seminario creado en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid en 1968.

Eusebio Sempere fue un artista solitario. No es que no tuviera éxito. De hecho, el creador abstracto (Onil,1923-Alicante,1985), introductor de las cajas de luz en España, fue seleccionado para participar en las bienales de São Paulo y de Venecia en los años sesenta.

Cuando el informalismo lo inundaba todo hasta convertir su pintura gestual y dramática en el gusto predominante e incluso oficial, Sempere mostraba su interés por lo analítico. Cuando el Equipo Crónica y Eduardo Arroyo imponen en los setenta su particular pop cargado de denuncia social, el artista alicantino sigue a sus cosas, al igual que cuando estalla el arte conceptual. "España es un país donde se recrea la historia por tópicos o lugares comunes"

Él se encargó de reclutar a los creadores que participaron en el experimento, un pequeño batallón de jóvenes turcos a la española que incluía a Elena Asins, Eusebio Sempere o Soledad Sevilla. Posiblemente ninguno se implicó tanto como él, que llegó a aprender el lenguaje de programación Fortran con el que desarrolló un software de nombre MOUVNT (por movimiento, claro). 

José Luis Alexanco. Mouvnt 41, 1971
Programa MOUVNT, creado por José Luis Alexanco entre 1969 y 1973, es una obra singular que combina arte digital e informático. La versión original fue posteriormente reescrita en 2008 utilizando el lenguaje informático contemporáneo
Este proyecto refleja la convergencia entre arte y tecnología, y su legado sigue siendo relevante en el contexto actual.

Que a partir de ahí se generaran esculturas en distintos formatos y materiales a él le parecía lo de menos: era lo novedoso y fecundo de la experiencia lo que siempre destacaba.

Soledad Sevilla Portillo (Valencia, 1944) es una pintora española. Su obra son pinturas de gran formato e instalaciones que se sitúan entre las fronteras de la arquitectura, el land art y la escultura.

En 1968, momento en que la artista inicia su carrera artística, buscó encontrar un estilo de arte alternativo a los movimientos informalista y expresionista, predominantes en la escena española ya que, tras su paso por la Escuela de Bellas Artes de San Jorge, rechazaba toda enseñanza académica.​ En contra de lo académico, Sevilla adecuó su estilo a la influencia del Arte Normativo,​ movimiento que proponía un arte basado en la forma seriada, la pureza cromática y el atonalismo; siendo una de sus máximas el rehusar la intervención de la subjetividad. El Arte Normativo se caracterizó por confluir propuestas constructivistas, suprematistas y neoplasticistas. De esta manera absorbió la depuración del arte iniciada por Malevich, al ser su fin anular la presencia del objeto para obtener un arte que implicase una expresión pura de sensibilidad. 

La abstracción geométrica en España (1957-1969) Paula Barreiro 

Es muy frecuente [...] oír las alabanzas del expresionismo español, excelente en verdad, pero no monopolizador de nuestro genio artístico. Porque el arte español también ha tenido genios del arte racional, sereno, de exigente composición. Baste recordar dos ejemplos: en la época clásica Zurbarán; en la contemporánea, los fundadores españoles del cubismo, Picasso y Juan Gris.

Paula Barreiro López

Investigadora Principal de la Plataforma Internacional MoDe(s) y catedrática de historia del arte contemporáneo de la Universidad Toulouse 2 Jean Jaurès/Laboratoire FRAMESOA . Desde 2007 su trayectoria profesional se ha desarrollado en instituciones europeas como el Institut National d´Histoire de l´Art (París), la University of Liverpool, l´Université de Genève, la Universidad Grenoble Alpes y españolas, como el Instituto de Historia del CSIC y, recientemente, la Universitat de Barcelona (programa Ramón y Cajal).

Investiga intercambios artísticos, la crítica de arte, políticas y redes culturales en Europa y Latinoamérica durante la Guerra Fría, analizando los múltiples desarrollos de la modernidad dentro de un contexto ya globalizado.

La Exposición de Op Art en la Galería Edurne en 1966 fue un evento significativo en el mundo del arte. El Op Art (arte óptico) es un estilo que se caracteriza por crear ilusiones visuales y efectos engañosos en la percepción del espectador. 


¿Qué es el Op Art?
El Op Art es un movimiento artístico que se desarrolló en la década de 1960. Los artistas de Op Art se centraron en la manipulación visual y la creación de ilusiones ópticas en sus obras.
Uno de los artistas más influyentes en este género fue Victor Vasarely, un húngaro que exploró la abstracción geométrica y el arte cinético.

Victor Vasarely, 9 de abril de 1906 - París, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del op art.

(II) Museo de Navarra - Encuentros de Arte Pamplona 1972 -  Lorenzo Victoriano Aguirre Sánchez - Ignacio Zuloaga - Pedro Manterola - Leocadio Muro Urriza - Xabier Álvarez de Eulate..., PINCHA AQUI

Todo el arte es contemporáneo - Museo de Navarra Pamplona - Pedro Lozano de Sotes - Xabier Álvarez de ulate - Juliantxo Irujo - Fructuoso Orduna y Lafuente -Jesús Basiano Martínez- Emilio Sánchez Cayuela - Alfredo Felipe Sada Laguardia - Elena Asins Rodríguez, pincha aqui

ELENA ASINS (Madrid, 1940 - Navarra, 2015) Una pintura es simplemente un hecho, una acción o una intervención, en que sus elementos propios están relacionados de una determinada manera, y precisamente esta relación o conexión es lo que vengo denominando, desde hace muchos años atrás, estructura.  Considerada una de las pioneras del arte cibernético en España, Asins creó sus propios sistemas gráficos para producir formas basadas en series numéricas, estructuras gramaticales y desarrollos musicales. Interesada también en los fundamentos de la semiótica, estudió con Max Bense en la Universität Stuttgart, Alemania, y con Noam Chomsky en Columbia University, Nueva York. Su trayectoria, marcada por estancias en universidades en Estados Unidos y en Europa donde investigó y estudió aspectos matemáticos y cibernéticos. En 2011 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas. La investigación de Asins estuvo determinada por su temprana experiencia en 1968 en el Centro de Cálculo de Madrid, donde formó parte del seminario Generación Automática de Formas Plásticas. Es en este entorno donde Asins comienza a explorar las bases matemáticas del arte y las posibilidades de las nuevas tecnologías. El arte cibernético en España tuvo su origen en este seminario. Durante estos años Asins participó en otros círculos experimentales como la Cooperativa de Producción Artística y Artesana - proyecto iniciado por Ignacio Gómez de Liañoy se rodeó de un entorno abierto a la conversación y el cruce entre diversas disciplinas: artes plásticas, las matemáticas, la poesía, la lingüística, la filosofía, la música o la arquitectura.


La obra de Asins se ve impactada desde sus comienzos por el arte geométrico, y en especial, por el arte óptico, la pintura monocroma y el Suprematismo de Malévich. Asins incorpora progresivamente soportes poco convencionales como el hilo de nylon o el papel plegado. Estos primeros avances en su planteamiento artístico se refuerzan durante su estancia en la Universidad de Stuttgart, donde se instala en 1970 y conoce a Max Bense, padre de la “estética de la información”. Desde este momento Asins trabajará intensamente en el estudio y en el uso de estructuras. Pero es en los ochenta, durante su estancia en la Universidad de Columbia, Nueva York -invitada por el Department of Computer Science de la Universidad como visiting scholar para la investigación de la aplicación digital en las artes plásticas-, cuando Asins realiza sus primeras obras enteramente con un ordenador. 

Entre los años 1987 y 1990 Asins reside y trabaja en Hamburgo, donde continúa su producción artística con formas generadas por ordenador y realiza dibujos en papel continuo con la ayuda de una impresora.

En 1990 Asins vuelve a Madrid después de 10 años y comienza sus investigaciones en torno al Canons 22. En ella, Asins parte visualmente de una melodía y desarrolla imitaciones, repitiendo obsesiva y minuciosamente elementos con leves variaciones. La música y el ritmo fueron una fuente de inspiración constante en su obra, presente en todas sus épocas. Elena Asins se muda a Azpiroz, Navarra, a mediados de los noventa. Desde aquí, la artista continuó su investigación sobre la eliminación de la materia y diseñó esculturas y relieves en diferentes escalas y materiales, como metacrilato, madera pintada o alabastro.


La artista de Azpirotz Elena Asins posa junto a las obras que conforman su microexposición en la 4ª planta del Museo de Navarra. 
Se trata de ocho piezas con diseños geométricos generados por un ordenador Macintosh de 2ª generación e impresos digitalmente sobre papel blanco adherido a cartulina individual del mismo color, de 20 x 20 centímetros.
Cada pieza va identificada correlativamente con el texto de variación número 1 hasta variación número 8, a la izquierda, y el texto "dibujo de tres menhires que configura un dolmen en la que tres elementos permanecen fijos y uno de ellos, en este caso el primero, gira su ángulo en uno de las ocho posibilidades a las que tiene acceso" a la derecha.

En el centro se encuentra un diseño esquemático de formas geométricas combinadas en sus ocho posibles variantes, plasmado mediante un trazo en línea que delimita planos tangentes entre sí.

Desde el punto de vista estilístico,  son manifestaciones abstractas experimentales con presupuestos concretos dentro de lo que se ha llamado arte cibernético o computerizado.
Este trabajo es el segundo de Elena Asins en posesión del Museo de Navarra ya que en 2007 adquirió directamente el autorrelieve blanco de la serie "Canons 22", que en la actualidad se exhibe junto a su pareja, el altorrelieve negro, en la cuarta planta del Museo.  

Museo - Menhires . Elena Asins - Universidad de Navarra

Quizá el trabajo que mejor da cuenta de esa búsqueda sea Soledad interrumpida, realizada en colaboración con el músico vanguardista Luis de Pablo, obra total entre la escultura y la performance en la que 140 antropomorfos (“muñecos”, los llamaba él con menos pompa) se movían gracias a un sistema de aire comprimido y que se estrenó en Buenos Aires en 1971. Este proyecto tuvo un periplo internacional durante el que surgieron todo tipo de interpretaciones políticas por sus posibles paralelismos con las víctimas del régimen franquista, que él siempre negó. También junto a De Pablo organizó los primeros –y únicos- Encuentros de Pamplona de 1972, un festival de arte vanguardista concebido por la familia Huarte y su tarea de mecenazgo para seguir la estela de la Documenta de Kassel, y que se cerró entre escándalos varios, como era previsible que sucedería con aquel ovni aterrizado en medio de una conservadora ciudad del tardofranquismo.

Zarautz Escultórica -‘Canons 22’ de Elena Asins- Piedra
72 figuras de piedra de un metro cúbico procedentes de Brasil componen esta escultura de 143 metros de largo muy integrada en el paseo marítimo que parte de un cubo completo que va decreciendo y después vuelve a crecer como si de una composición musical se tratara.
Elena Asins, Premio Nacional de Artes Plásticas 2011
El empleo de la teoría de cálculo y los algoritmos para sus realizaciones artísticas hacen de Asins una de las pioneras del arte asistido por ordenador en España. Este galardón, que concede el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros.

¿QUE ES EL ARTE EXPERIMENTAL?

El arte experimental es una corriente artística que busca nuevas formas de expresión y comunicación, a través de la experimentación en el trabajo de taller. Esta corriente rompe con las estructuras convencionales del arte y busca transmitir nuevas experiencias al espectador. El artista experimental es aquel que no se conforma con las técnicas y estilos tradicionales del arte, y su trabajo se caracteriza por explorar nuevas formas de expresión y experimentar con diferentes materiales y técnicas.

IMPORTA MÁS LO QUE SE QUIERE DECIR QUE CÓMO SE DICE. LA IMAGEN, LOS ELEMENTOS "EXTRA-ARTÍSTICOS", LA INFLUENCIA DE OTRAS PROFESIONES Y EL IMPACTO MEDIÁTICO JUEGAN UN PAPEL FUNDAMENTAL EN ESTA CORRIENTE AÚN HOY DIFÍCIL DE DEFINIR Y CONCRETAR.

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