LOS MEJORES DIRECTORES DE CINE - Charles Chaplin "El primer autor"

El cómico más popular del cine y uno de los artistas más geniales e importantes de toda la historia del séptimo arte, creador de un personaje mítico, Charlot, en el que confluyen agridulces sentimientos derivados de una mirada social crítica y poética.

Premios Óscar:

1928: El circo

1971: Trayectoria profesional

1972: Candilejas - Mejor banda sonora (junto a Ray Rass y Larry Russel)

(1889-1977) Medía 1’65.
Chaplin estuvo casado en cuatro ocasiones —con Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O'Neill—, y se le atribuyeron noviazgos con otras ocho actrices de su época. Tres de sus hijos, Josephine, Sydney y Geraldine, también se dedicaron al espectáculo.

Mildred Harris (nacida el 29 de noviembre de 1901, y fallecida el 20 de julio de 1944), fue una actriz estadounidense.
El 23 de octubre de 1918 se casó con Charles Chaplin, matrimonio que provocó un escándalo debido a que Harris tenía sólo 15 años, mientras que Chaplin tenía 29. El matrimonio, se vio provocado por un embarazo de Harris. Su relación con el actor Charles Chaplin fue incluida en el film biográfico Chaplin; donde fue caracterizada por la actriz ucraniana Milla Jovovich.
De este matrimonio nació Norman Spencer Chaplin el 7 de julio de 1919. El neonato, con graves problemas de salud, vivió 70 horas. El niño fue incinerado en el Cementerio Inglewood Park. El matrimonio se divorció en 1920, con gran repercusión social, y mediática.
Tras el matrimonio con Chaplin tuvo una relación con el Príncipe de Gales, Duque de Windsor, posterior rey Eduardo VIII.
Tiene una estrella en el "Walk of Fame" de Hollywood Boulevard.

Lita Grey, (nacida el 15 de abril de 1908 y fallecida el 29 de diciembre de 1995) fue una actriz estadounidense.
Lita Grey se casó en cuatro ocasiones. En 1924 cuando sólo tenía 16 años, quedó embarazada de Charles Chaplin, que entonces tenía 35 años.
El matrimonio tuvo problemas desde el comienzo. Ambos tenían poco en común, y Chaplin pasaba todo el tiempo que podía fuera de casa, trabajando para La quimera del oro, en la que Grey debería haber tenido el papel principal femenino, y posteriormente para El Circo. Se divorciaron el 22 de agosto de 1927. Tras su divorcio con Chaplin, se casó con Henry Awuirre, luego con Arthur Day, y finalmente con Pat Longo.

Paulette Goddard (Marion Pauline Goddard Levy; Long Island, Nueva York, 3 de junio de 1910 - Ronco, Tesino, Suiza, 23 de abril de 1990) fue una actriz estadounidense de cine mudo y sonoro. (matr. 1936; div. 1942)
Tras casarse con un millonario llamado Edgar James, se trasladó a vivir a Hollywood.
En 1936 rodó, junto a Charlie Chaplin, Tiempos modernos (Modern Times, 1936), la última película en la que aparece Charlot como personaje. Tras el rodaje de la película se casaron en una ceremonia secreta, por acuerdo de ambos. Cuatro años después volvieron a rodar juntos en el film, El gran dictador (The Great Dictator, 1940), película crítica contra el nazismo alemán y, por extensión, contra todos los totalitarismos y dictaduras. Ambos títulos conforman dos de las obras maestras del genial director. Ese mismo año se casaron.
Paulette Goddard falleció por "causas naturales", según el parte médico, en la localidad suiza de Porto Ronco, donde vivía en la casa que había compartido con su último marido, el escritor alemán Erich Maria Remarque.

Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Lambeth, Londres (Inglaterra). Sus padres se dedicaban al music-hall pero tristemente para el pequeño Charlie tuvieron un trágico destino: su padre Charles murió debido al ingente consumo de bebidas alcohólicas, y su madre Hannah tuvo que ser internada en un sanatorio psiquiátrico.

Charlie debutó con cinco años en las actuaciones de sus progenitores y estuvo durante largo tiempo girando por Gran Bretaña con su espectáculo.

La familia de Charlie vivía sumida en la terrible pobreza urbana del Londres de finales del siglo XIX. Su madre vio truncada su carrera debido a que padecía esquizofrenia, y su padre era un cantante alcohólico. 

Charles y su hermanastro Sydney

Tras perder a sus padres, Charles y su hermanastro Sydney no cesaron de deambular por orfanatos conociendo esa soledad y miseria que tan magistral retrató con posterioridad en sus películas. Cuando Sydney, que era mayor que Charles, se unió al grupo teatral de Fred Karno, se llevó consigo a su hermano y allí estuvieron hasta que,en una gira americana fueron contratados por Mack Sennett para formar parte de la compañía Keystone.

Hannah Chaplin, nacida como Hannah Harriet Hill, (11 de agosto de 1866 - 28 de agosto de 1928), fue la madre de Charles Chaplin.
 Era actriz del music hall londinense, actuando con el nombre artístico de "Lily Harley".
El 16 de marzo de 1885 dio a luz a su primer hijo, Sydney John Hill, conocido como Sydney Chaplin. El 22 de junio de ese mismo año contrajo matrimonio con Charles Spencer Chaplin Sr., otro de los actores del music hall. Su hijo Charles Chaplin nacería en 1889.
Más tarde, y fruto de un romance con Leo Dryden, dio a luz a George Wheeler Dryden el 31 de agosto de 1892 en Londres, convirtiéndose así en medio hermano de Sydney y Charles Chaplin.
En 1896 Charles y Sydney fueron enviados a Orfanato de Hanwell School, debido a que la madre había agravado su estado de salud debido a la enfermedad mental que había adquirido un año antes.
En agosto de 1928 murió su madre a los 63 años, hecho del que comentó: «Pasó muchos años en manicomios. Pero en sus últimos siete, vio a sus hijos triunfantes. Eso hizo que recobrara en parte su salud».

En la Keystone se produjo la revelación de Chaplin como cómico, mientras que Sydney, que tenia más éxito que Charlie en la etapa con Karno, vio disminuida su categoría artística a pesar de interpretar papeles protagonistas en varias películas, convirtiéndose en el representante de su hermano.

Fred Karno (primero), Stan Laurel (segundo) y Charles Chaplin (tercero) junto con otros dos actores más; en 1913.
Frederick John Westcott, más conocido por su nombre artístico, Fred Karno o el "Gobernador", (nacido el 26 de marzo de 1866, y fallecido el 18 de septiembre de 1941), fue un empresario teatral británico del music hall.

El ingreso de Chaplin a la compañía de mimos de Fred Karno, en 1907, constituyó un acontecimiento fundamental en su formación artística. Debutó con un papel cómico en la obra El partido de fútbol. Su primera gira por Estados Unidos con la compañía Karno ocurrió entre 1910 y 1912; en 1909, había actuado en los principales teatros de variedades de París. Para finales de 1912, ya habían recorrido Canadá, Nueva York, Chicago, Fall River, Filadelfia, etc

Max Linder (Saint-Loubés, Gironde, 16 de diciembre de 1883 - París, 31 de octubre de 1925), actor cómico francés, de la época del cine mudo.

En 1914 debutó en el cine. Durante sus primeros años en Hollywood, Chaplin intervino en muchos cortos en los que manifestaba la influencia de uno de sus ídolos y principal referente humorístico: Max Linder. El porte elegante de Linder pronto fue modificado por el actor británico por el famoso personaje de Charlot, desarrapado vagabundo de pequeño bigote con bastón y bombín.

Una de las máximas innovaciones de Chaplin en el mundo del cine cómico fue que humanizó los personajes y enfatizó el mundo de las emociones dentro del slasptick y los gags frenéticos de la gente que triunfaba en Keystone, entre ellos los famosos Keystone Cops.

En 1915 Charles Chaplin, ya convertido en una estrella, firmó por Essanay, en donde dirigió, escribió y protagonizó uno de sus mejores películas de esta primera época, “The Tramp/Charlot vagabundo” (1915). En 1916 pasó a la Mutual en donde protagonizó cortos como “Charlot Tramoyista De Cine” (1916), “The Rink” (1917) o “Easy Street” (1917).

En 1918 firmó un contrato multimillonario con la First National, alcanzando un gran éxito con su primer largometraje: “El Chico” (1921).

Foto publicitaria de la película
The Kid (El Chico, El Muchacho, El Chicuelo, o El Pibe según el país de habla hispana)​ es una película muda estadounidense de 1921 del género de comedia dramática dirigida por Charles Chaplin. En ella, destacó el pequeño Jackie Coogan como uno de los dos protagonistas y como estrella infantil.
El niño John (personaje interpretado por Jackie Coogan) y el vagabundo sobreviven mediante divertidas pillerías, viviendo pobremente en un suburbio pero a la vez tranquilos y felices.
Edna, que se ha convertido en una famosa y adinerada actriz, intenta mitigar en parte el constante dolor de haber perdido a un hijo, y suele ir a los suburbios para repartir juguetes entre los niños pobres; entre ellos, está el chico.
En 2011, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

John Leslie Coogan Jr. (Los Ángeles, California, 26 de octubre de 1914 – Santa Mónica, California, 1 de marzo de 1984) fue un actor estadounidense que comenzó su carrera como actor infantil en el cine mudo. (El chico)

Actor "El Chico"
Jackie Coogan caracterizado como Uncle Fester (The Addams Family, 1966)

Edna Purviance (21 de octubre de 1895-11 de enero de 1958) fue una actriz estadounidense durante la era del cine mudo. Fue por mucho tiempo la actriz principal en las películas de Charles Chaplin, destacándose con él en cerca de treinta películas.

El Chico, pincha aqui

Esta obra maestra del cine acabó por convertir a Charlot en uno de los iconos, no ya del cine, sino de la historia. Este largometraje es una de las piezas más fascinantes en la historia del cine y sin duda es de las mejores que haya realizado Chaplin

En 1919, Charles Chaplin había creado junto a otras estrellas de la época, como Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith, una compañía independiente denominada United Artists.

El primer trabajo de Charlie distribuido por la United Artists fue “Una Mujer De París” (1923) en donde Chaplin no aparecía (se le vio en un pequeño cameo) como actor. El film estaba protagonizado por Edna Purviance y Adolphe Menjou.

“Una Mujer De París” (1923)
ADOLPHE MENJOU (1890-1963) - Elegante actor del cine mudo y sonoro, conocido generalmente por su participación en comedias de ambiente sofisticado.

En los años 20, Charles Chaplin produjo una de sus grandes obras maestras, “La Quimera Del Oro” (1925), y dirigió otros títulos como la subestimada y magnífica película “El Circo” (1928).

Chaplin, en su personaje del vagabundo, se encuentra en Klondike, atraído por la fiebre del oro. Se desata una tormenta y se ve obligado a buscar refugio, encontrando una casa aislada en las montañas, habitada por un asesino fugado, Black Larsen. Y si bien éste trata de echar al vagabundo, el huracán impide a Larsen esa tarea, trayendo además a otro huésped, el gigante Mac Kay. Tras una pelea en que queda inutilizado el rifle del fugitivo, los dos huéspedes logran quedarse.
Pronto les afecta el hambre, deciden que uno salga a buscar comida, y por tocarle el número más bajo entre unos naipes sacados al azar, Larsen es el elegido. Al ser encontrado por unos policías, los matará y robará su trineo, abandonando a Mac Kay y Charlot a su suerte. Los dos abandonados sucumben ante el hambre, el vagabundo prepara uno de sus zapatos, mientras Mac Kay ve visiones y cree ver en su compañero una gallina, tratándolo de comer. Será un oso, cazado por fortuna al ingresar en la cabaña, quien les salve la vida.
La danza de los panecillos, la cena del día de acción de gracias en donde acompañado por Swain (un clásico actor de la Keystone) se comen su propia bota, el desvarío imaginativo de su compañero que lo convierte en un gigante pollo o la cabaña al borde del precipicio son algunos ejemplos de su facilidad para ofrecer inolvidables momentos de humor en situaciones vitales fatalmente adversas.

La quimera del oro (The Gold Rush) es una película estadounidense de cine mudo escrita, dirigida, producida y protagonizada por Charles Chaplin. Fue estrenada el 26 de junio de 1925. En 1942 fue reestrenada en versión sonora, con un nuevo acompañamiento musical y narración en off del propio Chaplin, y recibió dos nominaciones a los Premios Óscar: mejor sonido y mejor banda sonora.

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El circo (The circus) es una película estadounidense cómica de 1928, dirigida, producida y protagonizada por Charles Chaplin. Gracias a ella, Chaplin ganó un Óscar en 1928. Es protagonizada por Al Ernest Garcia, Merna Kennedy, Harry Crocker, George Davis y Henry Bergman.
Se convirtió en la séptima película muda de mayor recaudación en la historia del cine, con unos ingresos de más de $3,8 millones en 1928.

La película muestra al personaje Charlot perseguido por un oficial de policía, tras haber sido confundido con un carterista. Al correr hacia la carpa principal de un circo en un intento de escapar la ley, los dueños allí confunden su huida como parte de un acto. Como reconocen los beneficios potenciales, Charlot es contratado en el circo, aunque pronto es evidente que no puede ser divertido a propósito, sino solamente de manera espontánea.
"El circo" 1928, se lee como un homenaje a los cimientos mismos del género cómico, cinematográfico: el Chaplin actor alcanza en esta pelicula, con su lenguaje corporal, una gracia inigualada. Chaplin recibe un Oscar honorífico de la Academia en la primera edición del mismo que abarcaba el periodo 1927-1928

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La producción de la película fue una experiencia difícil en la carrera de Chaplin. Sucedieron varios problemas y retrasos, incluyendo un incendio en el estudio, el fallecimiento de la madre de Chaplin, así como el amargo divorcio de la segunda esposa de Chaplin, Lita Grey. Por último, los reclamos por parte de la Agencia federal de recaudación fiscal que sostenían que Chaplin debía impuestos. Todos estos problemas llevaron a que la filmación fuera estancada por ocho meses.

Paulette Goddard y Chaplin

Los años 30 le trajeron dos nuevas obras maestras (las únicas que dirigió en este decenio), “Luces De La Ciudad” (1931) junto a Virginia Cherrill, y “Tiempos Modernos” (1936), una sátira sobre el avance tecnológico que contenía composiciones musicales del propio Chaplin. En esta última película aparecía Paulette Goddard, quien en esos momentos ya se había convertido en su tercera esposa (1936). Se divorciaron en 1942.

Luces de la Ciudad, pincha aqui

Luces de la ciudad (City Lights) es una película estadounidense de 1931 escrita, dirigida e interpretada por Charlie Chaplin. Ocupa el puesto número once en la lista de las cien mejores películas elaborada por el American Film Institute en el año 2007.

Con la llegada del sonoro Chaplin fue reticente a abandonar el cine mudo, por lo que sus películas perdieron un poco el atractivo frente a las nuevas producciones sonoras que empezaron a producirse a partir de 1929. No quería que su personaje, Charlot, que había creado con tanto trabajo, hablara, porque sabía que eso sería su fin. De hecho, aunque en "El gran dictador" y en "Candilejas" Chaplin si habla, el personaje del vagabundo Charlot nunca lo hizo en una película, ni siquiera en "Tiempos Modernos" donde el resto del elenco lo hace
Así que Chaplin rodó "Luces de la ciudad" 1931 como película muda, pero con música grabada dentro del fil, compuesta por él mismo. Representa una paso más en el drama: por un lado la comedia es deslumbrante, pero igualmente, la emoción sobre todo al final de la película, durante el reencuentro del vagabundo con la chica ciega ha protegido.

Tiempos modernos (Modern Times) es un largometraje de 1936 escrito y dirigido, por Charles Chaplin, que fue también el actor principal. Esta película es un reflejo de las condiciones desesperadas de las cuales era víctima un empleado de la clase obrera en la época de la Gran depresión, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. En la película también intervienen Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin. Tiempos modernos muestra escenas de corte futurista de la fábrica en la que trabaja Charlot que podrían tener influencia de la película de Fritz Lang Metrópolis y de la famosa ilustración Mechanophobia de John Vassos, aparecida en 1931.

Extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje, un obrero metalúrgico que trabaja apretando tuercas acaba perdiendo la razón. Después de recuperarse en un hospital sale y es encarcelado por participar en una manifestación en la que se encontraba por casualidad. En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda a controlar un motín, gracias a lo cual queda en libertad. Una vez fuera, emprende la lucha por la supervivencia en compañía de una pobre joven huérfana a la que conoce en la calle.

Una sátira aguda del avance industrial y el esclavismo laboral, y según palabras del propio Chaplin influenciada por el René Clair de !Viva la libertad¡, será su última película muda.

René Clair & Erik Satie, Relâche, un film en el entreacto (octubre 1924)
René Clair (René Chomette) (11 de noviembre de 1898, París - 15 de marzo de 1981) fue un cineasta y escritor francés. Miembro de la Academia Francesa en la que ocupó la silla número 19.

Tiempos modernos, pincha aqui

LOS MEJORES DIRECTORES DE CINE - David W. Griffith (El padre del lenguaje cinematográfico)

Las compañías cinematográficas más antiguas del mundo - Gaumont Film Company - Pathé Frères, pincha aqui

El cinematógrafo - Hermanos Lumière - El kinetoscopio - El fonógrafo - El Bioscope, pincha aqui

Thomas Alva Edison (El mago de Menlo Park) - Black Maria - El beso - Primer beso en una película (Abril 1896) - Hollywood, pincha aqui

Está considerado el padre del lenguaje cinematográfico. Inventó la mayor parte de los recursos narrativos que se siguen utilizando hoy en día en las películas. David Wark Griffith abordó los géneros más variopintos y se hizo notar en el terreno de la superproducción.

(LaGrange, Kentucky, EE.UU., 22/01/1875; † Hollywood, Los Angeles, California, EE.UU., 23/07/1948)

Linda Arvidson (12 de julio de 1884 – 26 de julio de 1949)
Nacida en San Francisco (California), Arvidson fue sobre todo conocida por ser la primera esposa del director cinematográfico D.W. Griffith.
La actriz interpretó papeles protagonistas en muchos de los primeros filmes de su marido. Sin embargo, la pareja se separó hacia 1912, divorciándose finalmente en 1936, pues Griffith deseaba volver a casarse.

Evelyn Baldwin Kunze - 2ª esposa D.W. Griffith.

David Llewelyn Wark Griffith nació el 22 de enero de 1875 en LaGrange (Kentucky) en el seno de una familia metodista. Su padre, granjero que llegó a coronel durante la Guerra Civil (del bando sudista), falleció cuando el futuro cineasta tenía sólo 10 años, por lo que la madre decidió llevarse a sus hijos a Louisville, donde abrió una casa de huéspedes. Desde pequeño, Griffith fue un gran aficionado a la lectura que devoraba libros, sobre todo de Charles Dickens, su gran favorito.

Charles John Huffam Dickens (Portsmouth, Inglaterra, 7 de febrero de 1812-Gads Hill Place, Inglaterra, 9 de junio de 1870) fue un destacado escritor y novelista inglés, uno de los más conocidos de la literatura universal, y el más sobresaliente de la era victoriana. Fue maestro del género narrativo, al que imprimió ciertas dosis de humor e ironía, practicando a la vez una aguda crítica social. En su obra destacan las descripciones de personas y lugares, tanto reales como imaginarios. En ocasiones, utilizó el seudónimo «Boz».
Su novela Oliver Twist ha sido llevada en numerosas ocasiones a la gran pantalla

Su familia había quedado en una situación tan delicada que abandonó el instituto para trabajar como dependiente en varias tiendas. Lograba sacar tiempo para la escritura de relatos, ya que su meta consistía en convertirse en dramaturgo. Sin embargo, sus trabajos no tenían gran aceptación. Sólo consiguió que una compañía aceptara realizar una única representación de una de sus obras.

Con la invención del cinematógrafo, Griffith llega a la conclusión de que puede dedicarse a escribir películas. En 1907 se muda a Nueva York y acude al despacho del productor y realizador Edwin S. Porter, inventor del western, en los estudios Edison, para llevarle un guión. A Porter no le gustó nada el escrito, pero le conmueve la delicada situación económica de Griffith, al tiempo que le ve con buena presencia, así que decide ficharle como actor, para la película de la compañía Rescued from an Eagle's Nest, que dirigió J. Searle Dawley. El argumento era muy sencillo, pues Griffith encarnaba a un padre que tiene que liberar a su hijo, secuestrado por un águila gigantesca.

Edwin Stanton Porter (Connellsville, Pensilvania, 21 de abril de 1870 - Nueva York, 30 de abril de 1941) fue un pionero del cine estadounidense, más reconocido como productor, director, gerente y director de fotografía de la Empresa manufacturera de Edison.
Trabajó en los estudios de Thomas Edison, primero como ayudante de cámara y luego como jefe de su estudio desde 1902 a 1910. Con Porter se consolida la técnica narrativa de ese nuevo invento que era el cine a principios del siglo XX.

Thomas Alva Edison (Milan, Ohio, 11 de febrero de 1847-West Orange, Nueva Jersey, 18 de octubre de 1931) fue un empresario y un prolífico inventor estadounidense que patentó más de mil inventos y contribuyó a proporcionar, tanto a Estados Unidos como a Europa, los perfiles tecnológicos del mundo contemporáneo: las industrias eléctricas, un sistema telefónico viable, el fonógrafo, las películas, etc.

Después de algunos papeles más, Griffith acepta un contrato como director con Biograph, una de las primeras productoras americanas, para sustituir a otro profesional que se había puesto enfermo, ya que en aquella época, las compañías tenían en nómina a un número fijo de técnicos y actores. Su primer film como realizador fue The Adventures of Dollie, otra historia de niña secuestrada, en esta ocasión por un gitano.

Entre 1908 y 1913, el cineasta desarrolló una intensa actividad a ritmo de una o dos películas por semana, siempre de un rollo, lo que supone unos 15 minutos de duración. Aborda todo tipo de géneros (drama, comedia, western), excepto la temática fantástica. 

Mary Pickford (Toronto, 8 de abril de 1892 - Santa Mónica, 29 de mayo de 1979) fue una actriz cinematográfica canadiense.

La costumbre de la época consistía en contarlo todo a través de planos generales que imitaban la sensación de estar viendo un escenario teatral, como se puede ver por ejemplo en las películas de George Méliès. Por norma general, sólo cambiaba el plano cuando la acción pasaba a transcurrir en otro lugar. Aisladamente, algunos pioneros como Porter se habían arriesgado saliéndose de la tónica general. Pero Griffith renovaría el cine por completo desarrollando el lenguaje cinematográfico que básicamente se sigue utilizando hoy en día. Por ejemplo, utilizó el primer plano, que hasta entonces se pensaba que aterrorizaría a los espectadores, pero también el plano general, que no se usaba porque se creía que no se distinguiría a los personajes. Lo más innovador fue la alternancia constante de planos en la misma escena, dando lugar a las secuencias fílmicas.

Blanche Sweet (Sarah Blanche Sweet: Chicago, 18 de junio de 1896​ – Nueva York, 6 de septiembre de 1986) fue una actriz estadounidense de la era del cine mudo.

A veces tenía la necesidad de traducir a la pantalla el lenguaje literario de autores decimonónicos como su querido Dickens. Por ejemplo, trataba de traducir en la pantalla expresiones comunes de las novelas como "muchos años antes", que le inspiró para inventar el flashback.

También introdujo la iluminación dramática y con contrastes, inspirándose en los diferentes efectos que se conseguían con ella en la fotografía y la pintura.

Mary Wayne Marsh (Madrid, 9 de noviembre de 1894​ – Hermosa Beach, 13 de febrero de 1968), conocida artísticamente bajo el seudónimo de Mae Marsh; fue una actriz estadounidense, con una carrera que abarcó más de cincuenta años.

Se lleva la palma el montaje en paralelo (cross-cut), que entremezcla acciones que transcurren en diferentes lugares o tiempos. En El teléfono (The Lonely Villa), de 1909, inventa lo que se conoce como 'salvamento en el último minuto de Griffith', que consiste en usar ese montaje paralelo para crear suspense. Así, una madre y sus hijas acosadas por ladrones consiguen llamar al padre, que acude corriendo al rescate. Su periplo se entremezcla con lo que le ocurre a su familia, creando la sensación de que lo tiene muy difícil para llegar a tiempo.

Mabel Normand (9 de noviembre de 1892 - 22 de febrero de 1930)​ fue una actriz cinematográfica estadounidense y la actriz cómica más popular de la era del cine mudo.
El final de su carrera se vio marcado por varios escándalos sucesivos, incluyendo la muerte del director William Desmond Taylor, con quien ella estuvo sólo minutos antes de su asesinato.

Durante esta época, Griffith, recordado como un gran descubridor de talentos, consagra a grandes estrellas del cine mudo como Mary Pickford, Blanche Sweet, Mae Marsh, Mabel Normand, y sobre todo Lillian Gish, su gran musa. Contrajo matrimonio con una de sus actrices habituales, Linda Arvidson, pero muy pronto, en 1912, se separa de ella. No le pediría el divorcio hasta 1936, cuando Griffith se emparejó con Evelyn Baldwin, otra actriz a la que había conocido en un evento benéfico.

Lillian Diana de Giche (Springfield, 14 de octubre de 1893 - Nueva York, 27 de febrero de 1993), fue una actriz estadounidense nacida en Springfield, Ohio y fallecida en Nueva York. Fue una de las grandes estrellas femeninas con más poder de la época muda de Hollywood.

Los años dorados

Al cabo del tiempo, en Biograph se cansaron de tanta innovación que raras veces entendían. Además, pensaban que los largos cansarían al público. El realizador acabó abandonando la casa, y tras una breve temporada en la competencia, Mutual, donde filmó La batalla de los sexos y Hogar dulce hogar, decide establecerse como productor independiente.

Tras dar este paso logra por sus propios medios dinero para su megaproyecto El nacimiento de una nación, sin duda su trabajo más célebre. Costó 110.000 dólares, lo que en 1914 no tenía precedentes. Adapta la novela "The Clansman", de Thomas Dixon, otro hijo de coronel confederado. Básicamente, sigue los pasos de dos familias, los Cameron y los Stoneman, a lo largo de los años de la Guerra de Secesión.

Se considera un hito de la historia del cine porque D. W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad
Cuando el filme se estrenó, hubo disturbios contra la población negra en Boston, Filadelfia y otras ciudades importantes. Las autoridades de Chicago, Denver, Kansas City, Mineápolis, Pittsburgh y San Luis cancelaron el estreno para evitar desmanes en sus ciudades, al propagarse que el carácter incendiario de la película incitó a pandillas de blancos a atacar a individuos de raza negra. Inclusive en la localidad de Lafayette, (Indiana), un hombre blanco, apenas saliendo de la sala donde se proyectó el film, asesinó a un adolescente negro a tiros de pistola sin motivo aparente.

A nivel técnico supuso una auténtica revolución en el cine. Ya no había hallazgos rompedores aislados, sino que alternaba con fluidez tomas generales con primeros planos. Incluía montajes de tres acciones paralelas, en alguna batalla, y momentos que hicieron historia, como cuando mediante una panorámica muestra el dolor de una madre asustada con un bebé en brazos, las casas en llamas y el avance de las tropas militares.

Causó una enorme polémica, pues la trama justifica la creación del Ku Klux Klan por las supuestas tropelías de la población negra. Antes del estreno se preveía que iba a ser escandalosa, e incluso el presidente de los Estados Unidos, Wilson, se la hizo proyectar en la Casa Blanca, para decidir si permitía su difusión. Optó por darle luz verde, pues se aproximaban las elecciones y pensó que prohibirla le iba a quitar votos en el sur.

Encapuchados del Ku Klux Klan agarran a Gus tras asesinar a una joven blanca, un negro que el cineasta, de manera estereotipada, describe como "un renegado, un producto de las doctrinas inmorales respaldadas por los norteños.".

Se puede decir que inauguró las secciones fijas de cine en los periódicos estadounidenses, pues aparecieron numerosos artículos, a favor y en contra. Hubo también disturbios en las calles. Por su parte, el propio Griffith no se consideraba a sí mismo racista, aunque estaba claro que su educación en el viejo sur le había condicionado a la hora de dar por bueno el libro que iba a llevar a la pantalla. Todo el revuelo favoreció la recaudación, pues había que ir a verla para poder opinar e incluso abundaban los espectadores que repetían, pese a sus 190 minutos de duración. De esta forma, los inversores de Wall Street se dieron cuenta por primera vez de las posibilidades del cine para obtener rentabilidad.

Thomas H. Ince— fue un actor, guionista, productor y director de cine que nació en Newport, Rhode Island el 6 de noviembre de 1880 y falleció en circunstancias poco claras el 19 de noviembre de 1924. Se destacó por un estilo riguroso de producción basado en la planificación y supervisión.
Como nació en el seno de una familia de actores, estuvo vinculado desde su infancia al mundo del arte, conociendo todo tipo de espectáculos. Sus hermanos, John Ince y Ralph Ince, también fueron actores y directores de cine.

Mack Sennett (Michael Sinnott: Richmond, del Quebec, en el Canadá, 17 de enero de 1880-Woodland Hills, de Los Ángeles, en California, 5 de noviembre de 1960) fue un innovador de la comedia cinematográfica llamada slapstick. A lo largo de su vida fue a menudo reconocido como el "Rey de la Comedia".
Slapstick (traducido del inglés como "bufonada" o "payasada"; o "golpe y porrazo") es un subgénero de la comedia que se caracteriza por presentar acciones exageradas de violencia física que no derivan en consecuencias reales de dolor.

Tras formar Triangle Pictures con otros dos grandes cineastas, Thomas H. Ince y Mack Sennett, Griffith inicia la puesta en marcha de la otra de sus grandes superproducciones, que lleva por título Intolerancia, pues iba a ser básicamente una recopilación de historias que mostraran que el fanatismo causa grandes desastres, en diferentes períodos históricos. Posiblemente, la elección del tema se debe a su complejo de culpabilidad por lo sucedido con su anterior trabajo.

Intolerancia es una película muda épica de 1916 dirigida por David Wark Griffith. Fue una de las películas más caras de la historia del cine.​ El film explora el tema de la intolerancia por medio de cuatro historias localizadas en momentos diversos de la Historia.
El filme fue alabado por la crítica, aunque su mensaje pacifista fue rechazado en una Europa inmersa en la Primera Guerra Mundial y por sectores proclives al intervencionismo de la sociedad estadounidense.

Entrelaza los cuatro relatos con las imágenes de una mujer que mece una cuna. Se trata de la matanza de los hugonotes durante la noche de San Bartolomé en el siglo XVI, una huelga de trabajadores, la caída de Babilonia ante el ataque persa y la pasión y muerte de Jesucristo. Sumamente espectacular, sobre todo el segmento babilónico, incluía decorados monumentales recorridos por grandes masas. 16.000 figurantes participaron en la escena cumbre del ataque persa. Costó dos millones y duraba dos horas con cuarenta minutos.

Imagen del decorado del episodio de Babilonia.
Si hay una película monumental por excelencia en la historia del séptimo arte, esa no es otra que Intolerancia, el proyecto más ambicioso del realizador estadounidense David Wark Griffith (costó alrededor de doce millones de dólares de la época), y uno de los títulos esenciales de la cinematografía silente. Esta reflexión acerca de la intolerancia, el amor, la traición y el odio a través de los tiempos, sigue sorprendiendo, casi un siglo después de su estreno, por su mastodóntica concepción visual y su vigor narrativo.

Recomiendo ver la presente obra acompañada de la maravillosa música que para ella compuso Carl Davis en 1989. Les aseguro que jamás olvidarán semejante experiencia. Imprescindible.

Para profundizar en su desarrollo del montaje alterno, el realizador decidió intercalar los tramas entre sí, en lugar de presentarlas por separado. Pero el público no acababa de situarse, y finalmente supuso un enorme descalabro económico. Acabó con Triangle, y el propio Griffith nunca se recuperó de las deudas.

Una mañana a las puertas del Louvre, pintura de Edouard Debat-Ponsan, del siglo XIX. Catalina de Médici aparece vestida de negro.
Catalina de Médici (Florencia, Italia, 13 de abril de 1519 - Castillo de Blois, Francia, 5 de enero de 1589) fue una noble italiana, hija de Lorenzo II de Médici y Magdalena de la Tour de Auvernia. Como esposa de Enrique II de Francia, fue reina consorte de Francia desde 1547 a 1559.

Fotograma de la película
La matanza de San Bartolomé o masacre de San Bartolomé es el asesinato en masa de hugonotes​ (cristianos protestantes franceses de doctrina calvinista) durante las guerras de religión de Francia del siglo XVI. Los hechos comenzaron en la noche del 23 al 24 de agosto de 1572 en París, y se extendieron durante los meses siguientes por toda Francia.

Etapa final

Después del gran batacazo, Griffith se asoció con otros tres grandes del cine, Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford, con los que creó United Artist (productora muy activa hasta su ruina en 1980 con La puerta del cielo, en que pasó a ser absorbida por MGM). Por desgracia, Griffith se quedó tan afectado que dejó por completo de lado su capacidad innovadora y su voluntad de asumir riesgos.

El cine sonoro significó su fin como director.

Ya fallecido, en 1953 el Directors Guild of America (La asociación de directores de cine americanos) creó un premio que lleva su nombre, el D.W. Griffith y que se continua otorgando anualmente a un director en reconocimiento al conjunto de su carrera.

Desde ese momento, abandona las superproducciones y vuelve a la sencillez de sus primeros trabajos. Se diría que sólo tiene voluntad puramente alimenticia. Aún así logra algún título memorable, como Las dos tormentas, con su actriz preferida, Lillian Gish, como campesina en busca de ayuda. Culmina con una espectacular secuencia en la que el personaje de Gish es arrastrada por las aguas durante la tormenta, mientras el hombre que se ha enamorado de ella trata de rescatarla. Lillian y su hermana, Dorothy Gish, encabezaron el reparto de Las dos huérfanas, que recrea la Revolución Francesa.

Las dos huérfanas, pincha aqui

Contraportada y portada de un programa de mano inglés de la película.
La historia narrada se desarrolla en el siglo XVIII francés antes de la revolución francesa y durante ella.
Ésta fue la última película en la que Griffith empleó a las actrices Lillian y Dorothy Gish, y es considerada por muchos como el mayor éxito de Griffith después de El nacimiento de una nación e Intolerancia.
Como en sus anteriores films, el tratamiento histórico que utiliza Griffith en Las dos huérfanas para describir la Revolución francesa se asemeja al alzamiento del bolchevismo. El film refleja un conflicto de clases, cosa que no gustó a algunos miembros de la sociedad estadounidense. A este respecto y ante el Commité of Public Safety, Griffith dijo lo siguiente:
Sí: soy aristócrata, pero amigo del pueblo.

Por si alguien seguía acusándole de prejuicios raciales, Griffith rodó también con Lillian Gish la interesante Lirios rotos (también conocida como La culpa ajena), donde una joven maltratada por su padre se enamora de un noble chino. Se inició en el cine sonoro con Abraham Lincoln, biografía del mandatario interpretado por el gran Walter Huston, con la que el cineasta ganó el Oscar al mejor director. Llegó a rodar un segundo 'talkie', The Struggle, de 1931, sobre los problemas de alcoholismo de un hombre que arruina su matrimonio. Pero Griffith no se adapta del todo bien al nuevo formato, ya había perdido el favor del público, y apenas tuvo repercusión.

Lirios rotos, pincha aqui (subtitulos en español)

Abraham Lincoln, biografía del mandatario interpretado por el gran Walter Huston, con la que el cineasta ganó el Oscar al mejor director

The Struggle 1931, pincha aqui (subtítulos en español)

Decidió retirarse del cine a los 56 años. D.W. Griffith, alcoholizado, murió solo en un oscuro hotel de Hollywood Boulevard el día 23 de julio de 1948 a causa de una hemorragia cerebral.

George Orson Welles (Kenosha, Wisconsin; 6 de mayo de 1915-Hollywood, California; 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense. Considerado uno de los artistas más versátiles del siglo xx en el campo del teatro, la radio y el cine, alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la obra radiofónica La guerra de los mundos, que causó conmoción en los Estados Unidos cuando muchos oyentes del programa pensaron que se trataba de una retransmisión verdadera de una invasión extraterrestre

A su entierro asistieron muy pocas personas del negocio cinematográfico a excepción de algunos directores como John Ford, Billy Wilder y Orson Welles que probablemente escribió su mejor epitafio:

"Yo le admiraba, le veneraba, pero él no necesitaba un discípulo. Necesitaba trabajo. Nunca he odiado realmente a Hollywood a no ser por el trato que dispensó a David W. Griffith. Ninguna ciudad, ninguna profesión ni forma de arte le deben tanto a un solo hombre" 

LOS MEJORES DIRECTORES DE CINE - Cómo el cine se olvidó de Alice Guy, la mujer que hizo (casi) todo antes que nadie

Alice Guy Blaché

Descubre a una de las primeras personas que empezaron a crear aquello que conocemos como el cine, una cineasta innovadora que fue borrada de la historia durante más de un siglo por los historiadores y por sus propios compañeros. 

Mireia Mullor 2017

El nombre de Alice Guy no debe volver a desaparecer

Cuando la Historia se descubre como algo parcial, como algo incompleto, nuestras certezas se tambalean. Para quienes hayan cursado estudios cinematográficos, o simplemente hayan leído los libros curriculares sobre los pioneros del audiovisual, los nombres de los hermanos Lumière y Georges Méliès representan los primeros y grandiosos pasos del cine. Son, además, los que comenzaron a desarrollar el medio como un arte, los primeros en un camino más cercano al documental y, el segundo, a través del ilusionismo, la ciencia ficción y la fantasía. Ellos son pioneros del cine, pero, ¿acaso son los únicos?

Alice Guy (1873, Saint- Mandé-1968, Nueva Jersey) fue pionera en la dirección y producción cinematográfica desde los primeros albores de la industria del cine. Con su película El hada de los repollos (Le fèe aux Choux), rodada en 1896 se convierte en la fundadora del cine narrativo, frente al cine de mostración de los hermanos Lumiére. Desde 1894 trabajó con el productor Leon Gaumont y a la largo de su trayectoria profesional en Francia y en Estados Unidos rodó más de 1.000 películas y creó varias productoras. Supo rodearse de artistas, políticos y escritores, fue partidaria del voto femenino, y su obra, siempre atenta a la vida cotidiana, captó con ironía los principales conflictos de su época . Injustamente olvidada, su labor apenas comienza a ser reconocida.

Aunque ya reivindicada con la publicación de sus memorias en 1995, en el primer episodio del documental 'La historia del cine: Una odisea' (2011) o a través de la periodista Alison McMahan en 2006, parece que la figura de Alice Guy Blaché ha salido por fin del olvido en España gracias a un libro de Alejandra Val Cubero: 'Vida de Alice Guy Blaché'. Esta mujer, cuyo nombre no encontrarás en los grandes manuales de Historia del Cine, fue una de las primeras personas en coger una cámara y ponerse a filmar. Ella vio las posibilidades del cine donde otros sólo veían una maquinaria y tuvo una carrera como cineasta y productora más extensa que cualquiera de los otros pioneros mencionados: los hermanos Lumière dejaron de hacer películas antes de 1905, y Méliès antes de 1912. Guy, sin embargo, rodó su primer film en 1986 (del que se dice que es el primer film de ficción de la historia) y siguió hasta entrados los años 20, para cuando ya había acumulado más de 1.000 películas en su filmografía. De estas, por desgracia, no han sobrevivido más de 100. Según McMahan, "la duración de la carrera de Guy da fe de su capacidad para responder a las demandas cambiantes de la industria" y de "su capacidad para desempeñar diversos papeles" en la producción.

Léon Gaumont (París, 10 de mayo de 1864 - Sainte-Maxime, 9 de agosto de 1946) fue un inventor e industrial francés y uno de los pioneros de la industria del cine. Creó la sociedad francesa de producción Gaumont bajo el nombre de L. Gaumont et compagnie, en julio de 1895. Gaumont apareció en el mundo del cine gracias a su secretaria Alice Guy Blaché, la primera persona en grabar una película.
Llega al cine a través de su profesión como vendedor de aparatos fotográficos.
 La tarea de ocuparse de la producción le fue confiada a la secretaria de la sociedad, Alice Guy, lo que demuestra la escasa relevancia concedida por Gaumont, al menos inicialmente, al sector de la realización.

La primera cineasta de la historia empezó como secretaria de León Gaumont, dueño de la aún activa productora francesa Gaumont. Gracias a ese puesto, ella fue una de las pocas personas presentes en la primera demostración del cinematógrafo Lumière, el 22 de marzo de 1895 (la presentación pública, en la que estaría Meliès, no fue hasta el 28 de diciembre de aquel mismo año). Así es como describe el momento la propia Guy Blaché en sus memorias: "Pero Gaumont, como Lumière, estaba especialmente interesado en resolver los problemas mecánicos". Era una cámara más que poner a la disposición de sus clientes. Los valores educativos y de entretenimiento de las películas en movimiento no parecían haber llamado su atención. No obstante, se había abierto en la Rue des Sonneries un pequeño laboratorio para el revelado e impresión de "tomas" cortas: desfiles, estaciones de ferrocarril, retratos del personal del laboratorio, que servían como películas de demostración pero que eran tanto breves como repetitivas… Pensé que podría hacerse algo mejor que estas películas de demostración. Armándome de valor, le propuse tímidamente a Gaumont que podría escribir una o dos escenitas y hacer que unos cuantos amigos actuaran en ellas. Si el desarrollo futuro de las películas hubiera podido preverse en ese momento, nunca habría conseguido su consentimiento. 

Cuando en 1930 Léon Gaumont publicó la historia de su productora, decidió iniciarla en 1907 y así ninguneó a aquella secretaria que llegó a ser responsable del 80% del negocio de su empresa. Nunca atendió a los requerimientos de Alice Guy para que reconociera su labor. La quiebra de las productoras que tenía con su marido y su posterior divorcio en 1922 también ayudaron a que su labor desapareciera a ojos del gran público.
En aquella época, las películas no estaban firmadas por su director sino por la compañía que las financiaba. Alice Guy pasó el resto de su vida preocupada por el legado que dejaba atrás y por su lugar en la posteridad

Mi juventud, mi inexperiencia, mi sexo, todo conspiraba contra mí. Pero sí que recibí el permiso, con la condición expresa de que esto no afectaría a mis tareas de secretaria". Y así, en un negocio del que aún no se preveían grandes cosas, una secretaria pudo ser pionera del cine.

"Falling Leaves" (1912) silent film dir by Alice Guy Blaché - piano score by Ben Model
Este otoño, el Dr. Earl Headley espera demostrar con impaciencia lo que parece ser una cura milagrosa para la tuberculosis. Sin embargo, no muy lejos de donde está trabajando, la enfermedad parece lista para reclamar una nueva vida, una joven llamada Winifred, quien ya se encuentra gravemente enferma. La madre de Winifred y su hermana menor, Trixie, están devastadas por las noticias. Cuando Trixie escucha al médico de la familia decir sobre Winifred que "cuando caiga la última hoja, todo habrá pasado para ella", interpreta las palabras del doctor literalmente. Pensando sobre lo que ha escuchado, ella decide hacer todo lo posible para salvar a su hermana. (FILMAFFINITY) - Película muda

"Falling Leaves" (1912), pincha aqui

Hay muchos méritos que atribuirle a Guy Blaché, aunque los historiadores e incluso sus compañeros de profesión se los negaron durante años. Ella fue de las primeras personas que hicieron evolucionar ese cine de atracciones, de postales, a un cine narrativo y con una potencia emocional y social importante. Fue una de las primeras en innovar en los planos, llegando a acercarse a los primeros planos en 'Madame a des envies' (1906). "Si esto fuera todo lo que pudiéramos descubrir al desenterrar y estudiar sus películas, sería suficiente. Pero la sorpresa adicional en los primeros trabajos de Alice Guy es la sensación de chiste oculto, del codazo en las costillas que experimentamos al ver sus películas y encontramos con su propia mirada satírica que nos devuelve la nuestra", afirma McMahan en su libro 'Alice Guy Blaché' (2006), en el que reivindica la figura de una artista que llegó a fundar su propia productora en los Estados Unidos, algo insólito en la época.

Parece que ha llegado el momento de que el nombre de Alice Guy Blaché aparezca en los libros de texto, de que se estudie de igual modo que a sus compañeros de profesión. Que las cuestiones de género o raza no vuelvan a privarnos del conocimiento de nuestra propia historia.
Fuente: Fotogramas 

Filmografía seleccionada:

La fée aux choux 1896 (El hada de los repollos)  - Es considerada generalmente la primera película narrativa de la historia del cine, al menos en términos visuales, además de uno de los primeros ejemplos de cine fantástico en el siglo XIX. (FILMAFFINITY) - Película muda

1906 La pasión o la vida de Cristo

"La pasión o la vida de Cristo", La primera superproducción de la historia, 30 minutos en los que se usaron 25 decorados y más de 300 extras con exteriores en el bosque de Fontainableau.

1905 La esmeralda  (basada en la novela de Victor Hugo, El jorobado de Notre Dame ">

1912 A Fool and His Money, pincha aqui

Una de las cimas de su carrera fue "A Fool and His Money" en 1912. Se trata de la primera película protagonizada íntegramente por actores negros, estrenada en un momento en el que todavía existían actores blancos que se pintaban la cara para hacer de negros. Para Guy esta película no fue ninguna subversión; llevaba toda la vida viajando (se crió en Francia, Chile y Suiza) y conociendo culturas, y en sus historias los repartos interraciales compartían situaciones, canciones y bailes sin darse la menor importancia.

1917 House of Cards
1920 Vampire

"Los Mejores Directores de Cine" - Los hermanos Lumière - Méliès

Con esta introducción comenzaba este año el curso "Los Mejores Directores de Cine", impartido por Iñaki Arrubla.

"Una vez me preguntaron: ¿Es importante que un director sepa escribir?, y yo respondí: no, pero si es útil que sepa leer." Billy Wilder

Desde el realismo de los hermanos Lumière y la fantasía de Méliés, la historia del arte cinematográfico se ha ido escribiendo al filo de las innovaciones técnicas o narrativas de una serie de cineastas de excepción.

Auguste Marie Louis Nicolas Lumière (Besançon, 19 de octubre de 1862-Lyon, 10 de abril de 1954) y Louis Jean Lumière (Besançon, 5 de octubre de 1864-Bandol, 6 de junio de 1948) fueron dos hermanos franceses, inventores del cinematógrafo.
A partir de 1892, empezaron a trabajar en la posibilidad de fotografiar imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de progresos notables.
Aunque los hermanos dijeron «el cine es una invención sin ningún futuro», aprovecharon todo lo que el nuevo invento les ofreció para montar un negocio rentable. Los Lumière enviaban un cinematógrafo y un operador donde fuera requerido, por ejemplo, a la coronación de Nicolás II de Rusia.

El primer cartel de cine de la historia, el de la película El regador regado de los hermanos Lumière (1895)
En 1903, patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el Autochrome Lumière, lanzado al mercado en 1907.

El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1895. Ese mismo año, los Lumière rodaron su primera película, La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir (Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir). Fue presentada el 22 de marzo de 1895, tres días después del rodaje, en una sesión de la Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional en París.
Se presenta en el corto la salida de los obreros de una fábrica de los hermanos Lumière en Lyon (Francia), durante 46 segundos.

Marie Georges Jean Méliès (8 de diciembre de 1861 - 21 de enero de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía.

Marie Georges Jean Méliès

Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, popularizó técnicas como el truco de parar y fue uno de los primeros cineastas en utilizar exposiciones múltiples, la cámara rápida, las disoluciones de imágenes y la película en colores. 

Le Voyage dans la Lune (titulada Viaje a la Luna en español) es una película francesa de 1902, en blanco y negro, muda y de ciencia ficción dirigida por Georges Méliès. El guion, escrito por el director y por su hermano mayor Gaston Méliès, está basado en dos novelas: De la Tierra a la Luna, de Julio Verne, y Los primeros hombres en la Luna, de H. G. Wells. La película dura 14 minutos con 12 segundos, a una velocidad de 16 fotogramas por segundo, y algo más de ocho, proyectada a 25 f/s.

Viaje a través de lo imposible (Voyage à travers l'impossible) es una película muda de la productora francesa Star Film del año 1904, del director pionero Georges Méliès. Está basada en la pieza de teatro homónima de Julio Verne y Adolphe d'Ennery (1811 - 1899), escrita en 1882 y estrenada el 25 de noviembre de ese mismo año en el Teatro de la Porte Saint-Martin. La película de Méliès tal vez se inspiró en otra suya de éxito: Viaje a la Luna (1902).

Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y Viaje a través de lo imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896).

Seleccionar "Los Mejores Directores de Cine" a través de más de un siglo de creación cinematográfica ha sido una decisión puramente personal, pero al mismo tiempo condicionada por la posibilidad de disponer de material biográfico y audiovisual de todos ellos. Aunque como vulgarmente se dice: "No están todos los que son, pero son todos los que están.

"Los Mejores Directores de Cine", se compone de veintidós británicos o americanos o nacionalizados como tal, (ya que los orígenes de más de la mitad de ellos son europeos) un italiano, un japonés y una francesa, la única mujer presente en este curso. Principalmente y por motivos de espacio quedan fuera algunos directores españoles, que están incluidos en otro curso monográfico: "La Historia del Cine Español"

El objetivo de este curso consiste, pues, en reunir a aquellos maestros del cine en posesión de un estatus de autor, que han desarrollado su propia concepción del cine, una expresión cinematográfica original y un universo particular.

Descubrir sus temas, sus obsesiones y preocupaciones, como seres humanos y como cineastas, intentado aunar datos biográficos, anécdotas de sus vidas, filmografías seleccionadas y premios relevantes.

Del mismo modo, es difícil separar las obras maestras, de las buenas películas o de las que por un motivo u otro han influenciado en nuestras vidas (ya que los gustos siempre son discutibles) por ello me permito resaltar en "negrita" las que a mi criterio son las mejores obras de cada uno de ellos.

Espero que disfrutéis leyendo estos apuntes tanto como yo lo he hecho al escribirlos.

Iñaki Arrubla