miércoles, 30 de noviembre de 2016

El Museo Guggenheim Bilbao

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El Museo Guggenheim Bilbao
El Museo Guggenheim Bilbao (en euskera, Guggenheim Bilbao Museoa; en inglés, Guggenheim Museum Bilbao) es un museo de arte contemporáneo diseñado por el arquitecto canadiense Frank O. Gehry y localizado en Bilbao (País Vasco), España. Es uno de los museos pertenecientes a la Fundación Solomon R. Guggenheim. Fue inaugurado el 18 de octubre de 1997 por el rey Juan Carlos I de España.

Puppy, el guardián del Guggenheim Bilbao
Puppy es un perro West Highland terrier metálico de gran altura recubierto de flores. Obra de Jeff Koons, quiere hacer referencia a un jardín clásico europeo del siglo XVIII. Data de 1992 y es un monumento al sentimentalismo, muy dulce y alegre. Su gran tamaño (1.240 x 830 x 910 cm) no impone ningún tipo de miedo, y es que el autor pretendía que los espectadores sintieran admiración y alegría.
Las negociaciones para la construcción del museo entre las autoridades públicas de la comunidad autónoma del País Vasco y los directivos de la Fundación Guggenheim comenzaron en febrero de 1991.


La característica más llamativa del museo es el innovador edificio en el que se emplaza, constituido por formas curvilíneas y retorcidas, recubiertas de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio. Cuenta con una superficie total de 24.000 m², de los cuales 10.540 m² están reservados para las exposiciones, distribuidos en 19 galerías. Se ubica a orillas de la ría de Bilbao, en una zona denominada Abandoibarra, junto al puente de La Salve, que está rodeado por una torre hueca.


Diseñado por el gabinete de arquitectos de Frank Gehry, fue abierto al público en 1997 y alberga exposiciones de arte de obras pertenecientes a la fundación Guggenheim y exposiciones itinerantes. Muy pronto el edificio se reveló como uno de los más espectaculares edificios deconstructivistas. El diseño del museo y su construcción siguen el estilo y métodos de Frank Gehry.

Frank Owen Gehry (Toronto, Canadá, 28 de febrero de 1929) es un arquitecto canadiense asentado en Estados Unidos, ganador del Premio Pritzker, reconocido por las innovadoras y peculiares formas de los edificios que diseña.
Richard Serra - La materia del tiempo (The Matter of Time, 1994–2005) es la reflexión más completa de Richard Serra en torno a la fisicidad del espacio y la naturaleza de la escultura. Está constituida por siete esculturas que el Museo Guggenheim Bilbao encargó a Serra, que se unieron a Serpiente (Snake, 1994–97) y se encuentran instaladas de forma permanente en la sala más grande del edificio de Frank O. Gehry.
 La materia del tiempo permite percibir la evolución de las formas escultóricas de Serra, desde una elipse doble relativamente sencilla hasta la complejidad de una espiral. A medida que el visitante las recorre y las rodea, estas se transforman de forma inesperada, creando una vertiginosa e inolvidable sensación de espacio en movimiento.
Mamá (Maman en francés) es el nombre que recibe una gran escultura con forma de araña de la artista francesa-americana Louise Bourgeois (1911-2010). Está realizada en bronce, acero inoxidable y mármol. Pesa 22 toneladas, y mide 10 metros de altura y 10 de diámetro.
Es una de las esculturas de arte contemporáneo que forman parte de la colección permanente del Museo Guggenheim de Bilbao, en la ciudad de Bilbao, País Vasco, España y se encuentra instalada en la parte posterior del edificio, bajo el Puente de La Salve.
Louise Joséphine Bourgeois (25 de diciembre de 1911 – 31 de mayo de 2010), fue una artista y escultora francesa nacionalizada estadounidense. Conocida por sus esculturas de arañas, que le valió el apodo de "Mujer Araña", es una de las artistas más importantes del arte contemporáneo. Su escultura arácnida más grande se titula Maman y ha sido exhibida en numerosos lugares del mundo.
Reconocida como fundadora del Arte Confesional, sus trabajos están catalogados como sugestivos de la figura humana, expresando temas como la traición, la ansiedad y la soledad. Su trabajo era puramente autobiográfico y estaba inspirado en su trauma de la infancia causado por el descubrimiento del amorío entre su padre y su niñera.

Anish Kapoor (Bombay, 1954 ) es un escultor británico nacido en la India1 . Ha vivido y trabajado en Londres desde que se mudó a esta ciudad para estudiar arte a principios de la década de 1970
Es uno de los escultores más influyentes de la época, creando esculturas abstractas con diferentes materiales tales como concreto, tiza, fibra de vidrio, pigmentos, piedra, fieltro y acero inoxidable
Kapoor ve su trabajo como “encarnaciones de mitologías” refiriéndose a la manera en que fueron construidas

Jeff Koons (York, Pensilvania, 21 de enero de 1955) es un broker estadounidense. Su obra se destaca por el uso del kitsch y su frecuente monumentalidad.
El kitsch es un estilo artístico considerado «cursi» o «trillado».
Comenzó a hacerse notar en los años 1980 y abrió un taller con un personal de 30 ayudantes manejado de modo similar al célebre estudio de Andy Warhol conocido como The Factory.
Koons es un empresario especulador que supo publicitar su obra y que le llevó a contratar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen, algo nunca visto.
Casado en 1991 con la actriz pornográfica italiana Ilona Staller (Cicciolina), ambos tuvieron un hijo al año siguiente llamado Ludwig. La pareja se disolvió y la madre huyó a Europa donde aún vive con el hijo de ambos a pesar de que las cortes estadounidenses hayan fallado la custodia del infante a favor de Koons.
Jeff Koons está entre los artistas vivientes más cotizados de los Estados Unidos.
Clasificada a veces como minimalista y Neo-pop, su obra consistía inicialmente en escultura conceptual que fue adquiriendo monumentalidad (Puppy). A la fecha, Koons ha incursionado en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía.





domingo, 27 de noviembre de 2016

Lo fantástico en el arte - Fra Angélico

Beato Angélico O.P. más conocido como Fra Angélico O.P. o Fray Juan de Fiésole O.P (Vicchio (Florencia) 24 de junio de 1390 c. – Roma 18 de febrero de 1455), fue un pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982.

Autorretrato de Luca Signorelli (izq) con Fra Angelico en la Capilla de San Brizio, catedral de Orvieto (1499-1505).
Luca d'Egidio di Ventura de Signorelli conocido como Luca Signorelli o Luca da Signorelli (Cortona, ¿1445? - 1523) fue un pintor cuatrocentista italiano. Se trata de uno de los grandes maestros de la llamada Escuela de Umbría. Aventajado discípulo de Piero della Francesca del que aprendió su tratamiento de la perspectiva, mientras que su pericia en el dibujo de la anatomía se debe al influjo de Antonio del Pollaiuolo.
Retrato de Federico da Montefeltro y su esposa Battista Sforza, de Piero della Francesca, 1465 - después de 1472. Óleo sobre tabla (47 x 33cm cada batiente). Galería de los Uffizi, Florencia.
Piero della Francesca (el valle alto del Tíber, cerca de Arezzo, h. 14151 – Borgo del Santo Sepolcro, 12 de octubre de 1492) fue un pintor italiano del Quattrocento (siglo XV). Actualmente se le aprecia sobre todo como pintor especialista en frescos, pero en su época fue conocido también como un geómetra y matemático, maestro de la perspectiva y de la geometría euclidiana, temas en los que se concentró a partir del año 1470. Su pintura se caracterizó por su estilo sereno y el uso de las formas geométricas, particularmente en relación con la perspectiva y la luz. Es uno de los principales y fundamentales personajes del Renacimiento, aunque jamás trabajó para los Médicis y pasó poco tiempo en Florencia.
Giorgio Vasari en su libro Vida de los mejores, pintores, escultores y arquitectos se refiere a él como Fra Giovanni Angelico, poseedor de un "raro y perfecto talento" y menciona que "nunca levantó el pincel sin decir una oración ni pintó el crucifijo sin que las lágrimas resbalaran por sus mejillas".

Giorgio Vasari (Arezzo, 30 de julio de 1511 - Florencia, 27 de junio de 1574) fue un arquitecto, pintor y escritor italiano.
Considerado uno de los primeros historiadores del arte, es célebre por sus biografías de artistas italianos, colección de datos, anécdotas, leyendas y curiosidades recogidas en su libro Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos (Le vite de' più eccellenti pittori, scultori, e architettori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri 1550; segunda edición ampliada en 1568). Se le atribuye el haber acuñado el término Renacimiento.
Entre las obras importantes de sus comienzos se cuentan la Madonna de la estrella (c. 1428-1433, San Marcos, Florencia) y Cristo en la gloria rodeado de santos y de ángeles (National Gallery, Londres), donde aparecen pintadas más de 250 figuras diferentes.


Las cinco tablas de la predela se encuentran ahora en la National Gallery de Londres. Muestran los coros de ángeles y santos adorando a Cristo. La bandera que porta Cristo es la bandera de San Jorge
En 1436, los dominicos de Fiesole se trasladaron al convento de San Marcos de Florencia que acababa de ser reconstruido por Michelozzo. Fra Angélico, sirviéndose a veces de ayudantes, pintó numerosos frescos en el claustro, la sala capitular y las entradas a las veinte celdas de los frailes de los corredores superiores. Los más impresionantes son La crucifixión, Cristo peregrino y La transfiguración. El retablo que hizo para San Marcos (c. 1439) es una de las primeras representaciones de lo que se conoce como sacra conversación: la Virgen acompañada de ángeles y santos que parecen compartir un espacio común. Allí pintó una Anunciación.

Museo San Marco. Situado en un antiguo monasterio construido entre 1437 y 1452 por Michelozzo (arquitecto, al igual que Brunelleschi, muy estimado por los Medici), alberga frescos de Ghirlandaio, Fray Bartolomé y numerosas pinturas de sus sucesores. Las celdas están ricamente decoradas con frescos de Beato Angelico por no hablar de aquellas que pertenecían a Cósimo el Viejo, el mayor exponente de la familia Medici que pagó por la reconstrucción de la iglesia y del monasterio parcialmente destruidos en el siglo XV. La atracción principal del museo es el fresco de la Anunciación sobre la escalera que lleva a las celdas, símbolo de pureza, obediencia y fe. De gran impacto es el ingreso a la biblioteca, encargado igualmente a Michelozzo y considerado uno de los mejores ejemplos de interior renacentista, con sus arcos soportados por estrechas columnas de capiteles jónicos.
Cosimo di Giovanni de' Medici (en italiano) o Cosme el viejo (Padre de la Patria) (Florencia, 27 de septiembre de 1389 - Careggi, 1 de agosto de 1464) fue un político y banquero italiano, fundador de la dinastía de los Médici, dirigentes efectivos de Florencia durante una buena parte del Renacimiento italiano.
El convento de San Marcos es célebre, además de por sus obras de arte, por los numerosos personajes célebres que hospedó tras sus muros: san Antonino, fra' Girolamo Savonarola y sobre todo el fraile y pintor Giovanni da Fiesole, llamado Fra Angelico.
Girolamo Maria Francesco Matteo Savonarola (Ferrara, Italia, 21 de septiembre de 1452 - Florencia, 23 de mayo de 1498) fue un religioso dominico, predicador italiano, confesor del gobernador de Florencia, Lorenzo de Médici, organizador de las célebres hogueras de vanidad (o "quema de vanidades") donde los florentinos estaban invitados a arrojar sus objetos de lujo y sus cosméticos, además de libros que consideraba licenciosos, como los de Giovanni Boccaccio. Predicó contra el lujo, el lucro, la depravación de los poderosos y la corrupción de la Iglesia católica, contra la búsqueda de la gloria y contra la sodomía, sospechando que estaba en toda la sociedad de Florencia, donde él vivió.
Pintura de su ejecución en la Piazza della Signoria.
La obra maestra del arquitecto fue la sala de la biblioteca, espaciosa sala con columnas, que se convirtió, durante la época de Lorenzo el Magnífico refugio privilegiado de humanistas, entre los que puede citarse a Angelo Poliziano y Pico della Mirandola, que aquí podían consultar libremente textos en latín y griego, en la primera "biblioteca pública" que existió en el mundo occidental.
Retrato de Lorenzo de Médici por Verrocchio
Lorenzo de Médici (Florencia, 1 de enero de 1449 - Careggi, 9 de abril de 1492), también conocido como Lorenzo el Magnífico por sus contemporáneos, fue un estadista italiano y gobernante de facto1 de la República de Florencia durante el Renacimiento italiano. Príncipe de Florencia, mecenas de las artes, diplomático, banquero, poeta y filósofo renacentista, perteneciente a la familia Médici, y también bisabuelo de la reina Catalina de Médici.
Verrocchio (Florencia, h. 1435 - Venecia, 1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino.
 Bartolomeo Biblioteca, 1437 de Michelozzo Di Bartolomeo (1396-1472, Italy)
La Anunciación (en italiano, Annunciazione), es un fresco del pintor italiano Fra Angélico. Fra Angélico pintó varias anunciaciones. Está realizado al fresco, y fue pintado entre 1437 y 1446 en el Convento de San Marcos en Florencia
Aunque Fra Angélico realizó otras versiones de la anunciación (como La Anunciación, que se encuentra en el Museo del Prado), se considera este fresco de Florencia “la versión más emotiva de Fra Angélico, por su íntima y desnuda unción” (M. Olivar).


Crucifixion with Saints (Angelico)
Ghirlandaio: Última Cena
Domenico Bigordi o Domenico Curradi, más conocido por el apodo Ghirlandaio (Florencia, 1449 - 11 de enero de 1494) fue un pintor cuatrocentista italiano. Entre los muchos aprendices que se formaron en su taller, destaca sobre todos ellos Miguel Ángel.


En 1445, Fra Angélico fue llamado a Roma por el papa Eugenio IV para pintar unos frescos en la capilla del Sacramento del Vaticano, hoy desaparecida. En 1447, pintó los frescos de la catedral de Orvieto junto con su discípulo Benozzo Gozzoli.

La catedral de Orvieto es una catedral del siglo XIV situada en la ciudad de Orvieto, Umbría. El edificio fue construido por orden del papa Urbano IV para conmemorar y ofrecer un lugar de culto adecuado al milagro eucarístico de Bolsena.
Es considerada como una obra maestra de la arquitectura gótica italiana.
La construcción de la iglesia comenzó en el año 1290 con el objetivo de dar una colocación digna al Corporal del milagro de Bolsena (reliquia sagrada llevada a Orvieto por voluntad del Papa Urbano IV)

Sus últimas obras importantes, los frescos realizados en el Palacio Apostólico para decorar la Capilla Nicolina, representan episodios de las vidas de san Lorenzo y de san Esteban (1447-1449), y probablemente hayan sido pintados por ayudantes a partir de diseños del maestro. Desde 1449 hasta 1452, Fra Angélico fue el prior de su convento de Fiesole.

Murió en un convento dominico de Roma el 18 de febrero de 1455.

Fiesole es una ciudad de la provincia de Florencia, en la Toscana, Italia. Se encuentra a 8 km de Florencia en una montaña (346 m) desde la que se ve una fantástica panorámica de dicha ciudad. La población de Fiesole ronda los 14.100 habitantes.
Fra Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico, en particular del gótico internacional de Gentile da Fabriano.
Gentile da Fabriano (Gentile di Niccolò di Giovanni Massi; Fabriano, h. 1370 – Roma, 1427) fue un pintor italiano, uno de los principales exponentes del estilo gótico internacional en Italia
Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer Renacimiento.

En España se conservan tres obras seguras de Fra Angelico y otra recientemente atribuida. En el Museo del Prado de Madrid se conservan dos de sus obras más representativas.

La Anunciación (Museo del Prado de Madrid)
La primera es el gran retablo de La Anunciación (1430-1432), realizado para el convento dominico de Fiesole, y presente en el museo desde su donación por la Corona española en 1861. Dicha obra fue regalada en Italia al primer duque de Lerma, valido del rey Felipe III, lo que explica su presencia en España dos siglos antes de que los primitivos italianos cobrasen estimación en el mercado internacional.
El Ducado de Lerma es un título nobiliario español creado el 11 de noviembre de 1599 por el rey Felipe III y otorgado al V marqués de Denia y IV conde de Lerma, don Francisco Gómez de Sandoval-Rojas y Borja.
Su denominación hace referencia al municipio de Lerma, siendo esta villa burgalesa cabeza de los estados integrados en este ducado.
Francisco Gómez de Sandoval-Rojas y Borja, más conocido como Francisco de Sandoval y Rojas (Tordesillas, 1553 – Valladolid, 17 de mayo de 1625), fue el V marqués de Denia, Sumiller de Corps, Caballerizo mayor, primer ministro y valido de Felipe III (1598–1621), I duque de Lerma (1599), I conde de Ampudia (1602), I marqués de Cea (1604) y cardenal (1618).
El palacio ducal de Lerma (provincia de Burgos, España) ocupa todo un lateral de la Plaza. En su origen tenía unos inmensos jardines abajo, a la orilla del río con fuentes, palacetes, y siete ermitas, de las que solamente queda una llamada del Cristo. Se conservan todos los documentos referentes a su construcción.
El 14 de abril de 2003, tras una completa restauración y reforma, el palacio se inauguró como Parador Nacional de Turismo.
Obra de estilo Herreriano del siglo XVII, empezó a construirse en 1601 por encargo de Francisco de Sandoval y Rojas, I duque de Lerma. Su arquitecto fue Francisco de Mora, considerado uno de los mejores de la época. 

El Duque de Lerma es un rascacielos construido en Valladolid, (Castilla y León, España). Alcanza los 87 m de altura, con 23 plantas sobre el nivel del suelo . Es el edificio más alto de Valladolid y también lo era de Castilla y León hasta que se construyó en 2009 la torre de la Rosaleda de Ponferrada (León). Cuenta con 23 plantas (21 habitables) y 120 pisos residenciales. Se sitúa en la avenida de Salamanca, a la orilla derecha del río Pisuerga junto al Puente Mayor, en el barrio Huerta del Rey.
La segunda obra es La Virgen de la granada, adquirida en enero de 2016 por el Estado a su entonces propietario, el duque de Alba, y que data de 1426. La Casa de Alba había conservado dicha obra en el palacio de Liria desde que Carlos Miguel Fitz-James Stuart y Silva la adquiriese en Florencia hacia 1817. El precio de compra de La Virgen de la granada ascendió a 18 millones de euros, a pagar entre El Estado español (10 millones), el Museo del Prado (4) y la Fundación Amigos del Museo del Prado (4).

Virgen de la granada (Fra Angelico)
El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid posee La Virgen de la Humildad, pintada ya en plena madurez del artista entre el 1433 y 1435, que perteneció a los Thyssen desde 1935 hasta la compra de la colección Thyssen por el Estado español en 1993. Actualmente se encuentra expuesta en el MNAC de Barcelona, cedida en depósito por el Museo Thyssen-Bornemisza.




sábado, 26 de noviembre de 2016

Lo fantástico en el arte - Rogier van der Weyden - El Descendimiento (Prado) - Rolin, Nicolás

(Tournai, h. 1399/ 1400-1464). Pintor flamenco. Su nombre en origen debía ser Rogier de la Pasture, siendo su padre, Henri de la Pasture, cuchillero. Tanto la primera parte de su vida como el ca­tálogo de su obra no están exentos de dudas y problemas. En 1427 entra como aprendiz en el taller de Robert Campin y lo abandona ya como «Maistre Rogier» en 1432. Estos datos incontrovertibles han generado mucha literatura moderna; ¿cómo un hombre ya casado y al que ha nacido quizás el primer hijo, puede entrar de aprendiz a los veintiocho años en un taller de pintura? 

San Lucas dibujando a la Virgen, óleo sobre tabla, 137 x 110 cm, Boston, Museum of Fine Arts. Pintada hacia 1440, la composición muestra claras influencias de la Virgen del canciller Rolin de Jan van Eyck de quien, según escribía en 1456 Bartolomeo Facio, habría sido discípulo Van der Weyden, aunque ningún documento lo confirme.
En 1423 entre los oficios se había establecido la norma de que cualquiera que quisiera obtener su maestría franca en una ciudad debía pasar por un aprendizaje de cuatro años junto a un maestro (Châtelet). En 1426 se dice que Weyden no estaba en Tournai, sino en Bruselas. Su mujer es hija de un zapatero de esta ciudad (Isabel Goffaert). No existe ninguna noticia entre 1432 y 1435, pero es muy probable que residiera en Lovaina. 

El Gremio de Ballesteros de esta ciudad le encarga El Descendimiento (Prado) hacia 1434-1435 para la iglesia de Nuestra Señora Extramuros. El 21 de abril de 1435 se instala en Bruselas con su mujer y sus dos hijos. En marzo de 1436 es ya pintor oficial de la villa. Entonces cambia su nombre francés «de la Pasture» por «van der Weyden», esto es, lo flamenquiza.


El descendimiento de la cruz  es considerada la obra maestra del pintor flamenco Rogier van der Weyden. Es un óleo sobre tabla, pintado con anterioridad al año 1443, probablemente hacia 1435. Mide 220 cm de alto y 262 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Prado de Madrid. Es conocido, generalmente, como El descendimiento.
Van der Weyden se enfrenta con el problema de encajar un gran número de personajes y una escena de gran complejidad en una tabla de dimensiones no muy grandes estipulada por el comitente.
Otra muestra del preciosismo de la pintura flamenca, gracias a los avances de la técnica del óleo, se muestra en las calidades de los objetos. Hasta este momento las técnicas utilizadas en la pintura eran el temple y el fresco o pintura mural.
El tema es religioso, típico de la pintura gótica: Cristo bajado de la cruz. Los Evangelios hablan de ello: José de Arimatea pidió a Poncio Pilato que le dejara llevarse el cuerpo de Jesucristo para enterrarlo. A pesar de que el Nuevo Testamento no lo describe con detalle, la pintura, y el arte en general lo ha representado una y otra vez.En el primer término, abajo, hay un pequeño fragmento de paisaje, con pequeñas plantas, un hueso alargado y una calavera junto a la mano de María desmayada. Presentar un pequeño matorral vivo junto a la calavera podría aludir a la vida después de la muerte, tal como sostienen las creencias cristianas.
Las figuras recrean un grupo escultórico y resaltan sobre el fondo liso. Ayudando al efecto de profundidad, el artista incluye en trampantojo sendas tracerías góticas en los dos ángulos principales; estos ornamentos eran comunes en retablos escultóricos y en nichos funerarios.
Hay dos parejas de figuras que se representan paralelamente: María Magdalena y Juan en los extremos englobando el grupo en una especie de paréntesis, y la Virgen María y su hijo Jesucristo en el centro. Al lado derecho, María Magdalena se dobla, consternada por la muerte de Cristo. Es la figura más lograda de todo el cuadro en cuanto a la expresión del dolor.Van der Weyden ha representado a María Magdalena con un cinturón que simboliza la virginidad y la pureza
Procedencia
Capilla de Nuestra Señora Extramuros de Lovaina (Bélgica); adquirido por María de Hungría, para la capilla del Palacio de Binche; posteriormente enviado a España, a la capilla de El Pardo; Colección Real (Monasterio de El Escorial, 1574-1936); depositada en el Museo del Prado por la Junta Delegada de Incautación, Protección y Conservación del Tesoro Artístico Nacional, 1936; por Decreto de 02-03-1943 quedó establecido su depósito en el Museo del Prado

Se establece en una casa cerca del barrio de los orfebres. Entre 1439 y 1441 realiza una de las obras que le darán más fama, Justicias de Herkenbald y de Trajano, por desgracia quemada en un incendio del Ayuntamiento (1695). Se conserva un recuerdo, que no una copia, en una tapicería de Berna (h. 1460-1470). Es el segundo ejemplo en el ámbito flamenco (el primero es Juicio Final, de Diest, en 1420) de una pintura ejemplar de justicia destinada a un ayuntamiento. 

Posible autorretrato de Van der Weyden, detalle del tapiz de las justicias de Trajano y Herkenbald, Berna, Musée d'histoire de Berne.
Taller de Rogier van der Weyden: Felipe el Bueno, óleo sobre tabla, 42 x 26 cm de superficie pintada, con su marco original, Madrid, Palacio Real.
Trabaja en todo lo que entonces acostumbra a hacer un pintor: en 1439, el duque Felipe el Bueno le encarga la policromía de la tumba de María de Evreux, mujer de Juan III, duque de Brabante, y de su hija María; en 1441 la pintura de un dragón, para la procesión del «Grand Tour» en honor a santa ­Gertrudis de Nivelles. Hubo de recibir encargos de la casa ducal, en especial, retratos, además de lo dicho. En estos años llevará a ca­bo el Tríptico de Miraflores (Staatliche Museen, Berlín), que el rey Juan II de Castilla y León regala en 1445 a la cartuja de Miraflores (Burgos) recién fundada. 

«Tríptico de Miraflores»1442-144 - óleo sobre tabla - 74 x 45 cm (cada panel) Gemäldegalerie, Berlín
Quiere decir que es un pintor cuyo prestigio ha traspasado las fronteras de su ­país. En 1450 viaja a Italia, según ­Facio (1456), para ganar el jubileo ­romano. Aunque debió pasar un tiempo allí, el renacimiento reciente no le causa especial impresión, si bien en algunas de sus pinturas acusa préstamos que afectan a lo compositivo. 

Calvario, óleo sobre tabla, 343 x 193 cm, Monasterio de El Escorial. Comprado por Felipe II a la cartuja de Scheut, próxima a Anderlecht, se instaló provisionalmente en al palacio de Valsaín. En 1574 se describe en el inventario de la primera entrega de obras artísticas al monasterio: «Una tabla grande en que está pintado Christo nuestro Señor en la Cruz, con Nuestra Señora y Sant Juan, de mano de masse Rugier».

En 1448 su hijo Cornelio ­entra en la cartuja de Scheut y él regala la Cruci­fixión de El Escorial (la cartuja la venderá en 1555 como obra de Roger y recibiendo a cambio, ­además, una copia). 

En 1462 él y su mujer entran en la cofradía de la Santa Cruz, de élite, en la que se agrupan las personas más significativas de la sociedad de Bruselas. 
Muere en 1464, como indican las cuentas de la corporación de pintores de Tournai. 
Hereda el sentido plástico de las formas de su maestro, el supuesto Robert Campin, y realiza un arte de notable expresividad emotiva, lejos del lenguaje conceptual de Jan van Eyck, que enlaza con la mentalidad de la llamada «Devotio moderna».
Sus composiciones calan en la sensibilidad de las clases altas y de la burguesía en general. Por ello se copian e imitan durante muchos años. Virgen con el Niño (legado Fernández Durán, Prado) es uno de estos iconos creados por él y utilizados por maestros flamencos, primero, y luego castellanos.


La Virgen con el Niño, llamada la Madonna Durán, óleo sobre tabla de roble, 100 x 52 cm, Madrid, Museo del Prado.
Composición bien conocida en Castilla ya en el siglo XV, como demuestran las numerosas copias y réplicas existentes. Llamada también Madonna en rojo o Madonna Durán por el nombre de su antiguo propietario. Ingresó en el museo en 1931.
Fue notable retratista, aunque menos objetivo que Van Eyck. Es interesante comparar la imagen de Nicolás Rolin que deja cada uno. El de Weyden forma parte de su obra más extensa, el políptico del Juicio Final para el hospital de Beaune, fundado por el mismo Rolin, donde se manifiesta con claridad la colaboración del taller. Algunas de sus obras más emblemáticas han causado más de una sorpresa cuando se han examinado con las técnicas modernas de reflectografía (Tríptico Columba, Alte Pinakothek, Múnich). 




Políptico del Juicio Final es la denominación historiográfica de un retablo políptico de nueve paneles en su disposición abierta y seis en su disposición cerrada, con unas dimensiones totales de 215×560 cm. Fue pintado entre 1444 y 1450 por el maestro primitivo flamenco Rogier van der Weyden, con el tema del Juicio Final. Su técnica es de óleo sobre tabla, aunque algunos paneles han sido transferidos a lienzo.
Rolin, Nicolás (1376-1461)
Político francés nacido en Autun en 1376 y muerto en la misma ciudad en 1461. Fue el principal consejero de Felipe III, el Bueno, duque de Borgoña.
Importante burgués de Autun, tras ejercer como abogado en el Parlamento parisino, entró al servicio del duque de Borgoña Juan Sin Miedo, en un primer momento sin abandonar el Parlamento. Brevemente, desempeñó también el cargo de consejero real, tras imponerse el duque borgoñon sobre sus rivales por el control del débil rey Carlos VI. Sin embargo, el duque fue asesinado en 1419, y Rolin pasó exclusivamente a servir al nuevo duque de Borgoña, Felipe el Bueno, primero como procurador suyo y, desde 1422, como canciller de Borgoña.
 
Retratos de los donantes en actitud orante, arrodillados ante sendos reclinatorios sobre los que reposan libros de oraciones abiertos. Detrás de ellos, dos ángeles con túnicas y blanca porta los escudos de armas familiares del Canciller y su esposa.
Enriquecido y ennoblecido con rentas y señoríos, estableció alianzas matrimoniales con enlaces entre sus hijos y los de nobles familias francesas; él casó dos veces, con Guyonne de Salins y con María des Landes. De la primera tuvo a Juan Rolin, que sería obispo de Autun y cardenal. Como era costumbre entre las personalidades de la época, patrocinó a diversos artistas; él mismo fue pintado por el pintor flamenco Jan van Eyck en un tabla llamada Virgen del canciller Rolin (hacia 1430), en donde aparece de rodillas frente a la Virgen con el Niño Jesús. También hizo lo propio Roger van der Weyden en otra tabla en el que es retratado como oferente.
Hôtel-Dieu de Beaune u Hospices de Beaune ("hospital de Dios" u "hospicios de Beaune" en lengua francesa) fue una institución de caridad del antiguo Ducado de Borgoña fundada en 1443 por Nicolás Rolin (canciller del duque Felipe III "el Bueno"), convertida en la actualidad en un museo que recibe más de 400.000 visitas anuales (los servicios hospitalarios se han trasladado a instalaciones modernas). El asilo alojó a los ancianos hasta el año 1985.
En la mirada dirigida al espectador, rasgo excepcional en la producción de Van der Weyden, se ha visto una influencia de Jan Van Eyck. Alguna vez se ha tenido por retrato de Ysabiel Goffaert, esposa del pintor, aunque una copia antigua lleva una inscripción que identifica a la dama retratada con Filiberta de Saboya, duquesa de Nemours, nacida en 1498.
Filiberta de Saboya (Saboya, 1498 - Virieu, 4 de abril de 1524), décima hija de Felipe II de Saboya y esposa de Juliano II de Médicis.
Retrato de una dama 1463-1464 Óleo sobre tabla 34 x 25,5 cm. National Gallery of Art, Washington D.C.