sábado, 30 de abril de 2016

(III) Impresionismo americano - Mary Cassatt (Influencia del grabado japonés) - Katsushika Hokusai - El caso Dreyfus

(II) Impresionismo americano - Mary Cassatt - Marie Bracquemond - Berthe Morisot - Thomas Eakins - La Exposición Universal de 1855 Paris- Edgar Degas - Gérôme - Courbet - Corot - Delacroix - Ingres

Mary Cassatt fue descrita por Gustave Geffroy como una de «las tres grandes damas» del impresionismo junto a Marie Bracquemond y Berthe Morisot.
En la terraza de Sèvres (1880) fue pintado en el jardín de su casa. Marie Bracquemond
Marie Bracquemond (Morlaix, Finisterre, 1 de diciembre de 1840 – Sèvres, Altos del Sena, 17 de enero de 1916), nacida Marie Quiveron, fue una pintora impresionista francesa.
Siendo alumna del taller de Ingres, conoce en 1869 al grabador y pintor Félix Bracquemond, con el que se casa ese mismo año. Marie se entusiasma por el Impresionismo y participa en 1879, 1880 y 1886 en las exposiciones del grupo. 
Sin embargo, cansada de las continuas críticas de su esposo, ella deja de pintar alrededor de 1890.
La cuna (1872); Museo de Orsay (París) Berthe Morisot
Berthe Morisot (Bourges, 14 de enero de 1841-París, 2 de marzo de 1895) fue una pintora impresionista francesa.Nacida en el seno de una familia burguesa, fue precisamente su familia quien animó a Berthe y a su hermana Edma a iniciarse en el arte. Morisot demostró la posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX. A la edad de 20 años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon, quien la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos.En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con Eugène Manet. Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores que sería posteriormente los impresionistas. Manet sin embargo, nunca se consideró como impresionista, ni estuvo de acuerdo con exhibir junto al grupo.
Mary Cassatt (1844-1922). Nació en Pennsylvania (Estados Unidos) en el seno de una familia de la alta burguesía, descendiente de hugonotes franceses emigrados al Nuevo Mundo. En una sociedad como la norteamericana, que comenzaba a ser cada vez más consciente de su propia idiosincrasia, los Cassatt no estaban dispuestos a olvidar sus raíces europeas. Y una buena parte de la educación de Mary en su niñez consistió en un viaje por Europa que duró cinco años. En ese tiempo, Mary aprendió a hablar francés y alemán con fluidez. Pero también tuvo la oportunidad, visitando la Exposición Universal de Paris de 1855, de contemplar las obras de grandes pintores como Ingres o Corot junto a las de jóvenes genios como Edouard Manet o Edgard Degas. La niña Mary, con sólo 11 años, contemplaba fascinada aquellos cuadros sin saber que Manet y Degas acabarían por ser no sólo sus maestros sino sus más grandes amigos.
La Exposición Universal de 1855 fue una exhibición internacional realizada en la ciudad de París, en el Campo de Marte. El día de apertura al público fue el 15 de mayo de 1855, hasta el 15 de noviembre del mismo año. El tema oficial fue Exposition Universelle des produits de l'Agriculture, de l'Industrie et des Beaux-Arts de Paris 1855 (En castellano, Exposición Universal de los productos de la agricultura, de la industria y las bellas artes de París).
Imagen del edificio Palais d'Industrie (1855)
La exposición fue una de los eventos más importantes de Francia, siendo organizado por el recién establecido reinado del emperador Napoleón III. Su inauguración fue posterior a la Gran Exposición de Londres en 1851 e intentó superar la construcción del Palacio de cristal (En inglés, The Crystal Palace) de dicha feria mediante la edificación de su propio Palacio de la industria (en francés, Palais de l'Industrie). Las exhibiciones artísticas e industriales fueron consideradas superiores a las de exposiciones anteriores.

Para la exposición, Napoleón III solicitó un sistema que permitiese clasificar y elegir los mejores vinos de Burdeos que serían expuestos a los visitantes de todas partes del mundo. 
Napoleón III - Retrato por Franz Xaver Winterhalter (1852).
Carlos Luis Napoleón Bonaparte (París, 20 de abril de 1808-Londres, 9 de enero de 1873) fue el único presidente de la Segunda República Francesa (1848-1852) y, posteriormente, emperador de los franceses entre 1852 y 1870 —por ende, copríncipe de Andorra—, bajo el nombre de Napoleón III, siendo el último monarca galo.
Hijo de Luis I, rey de Holanda, y de Hortensia de Beauharnais, hija de la emperatriz Josefina, nació en el seno de la Casa de Bonaparte. Debido a su parentesco con Napoleón Bonaparte, se convirtió en el heredero legítimo de los derechos dinásticos tras las muertes sucesivas de su hermano mayor y Napoleón II.
El único vestigio que ha permanecido en pie de dicha exposición es el Théâtre du Rond-point des Champs-Élysées, diseñado por el arquitecto Gabriel Davioud, y que originalmente albergó el Panorama Nacional.

Imagen del Palais des Beaux-Arts
Esta fue la primera exposición que incluyó un pabellón dedicado exclusivamente a las bellas artes, y donde participaron alrededor de 28 países con sus obras pictóricas que ascendían la cifra de 5000 pinturas expuestas. Entre los artistas que fueron seleccionados para que presentasen su obra pictórica estaban: Eugène Delacroix (35 pinturas), Dominique Ingres (40 pinturas), Camille Corot (6 pinturas), Jean-François Millet (una pintura), Charles-François Daubigny, Johan Barthold Jongkind, entre otros.
Champs Elysées - Théatre du Rond Point - fronton du Panorama - Gabriel Jean Antoine Davioud
Gabriel Jean Antoine Davioud (París, 30 de octubre de 1824 - París, 6 de abril de 1881) fue un arquitecto representante del eclecticismo de moda bajo Napoleón III.

Tras haber obtenido el Segundo Gran Premio de Roma, Davioud es nombrado inspector general de los trabajos de arquitectura de la ciudad de París, y arquitecto jefe al servicio de los paseos y plantaciones. Es uno de los colaboradores del barón Haussmann y construye numerosos edificios en París.
Jean-Auguste-Dominique Ingres, más conocido como Dominique Ingres, (Montauban, 29 de agosto de 1780-París; 14 de enero de 1867), fue un pintor francés.

Ingres no es, en sentido estricto, neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez clásico, romántico y realista.
La gran odalisca, 1814, 91 x 162 cm, Museo del Louvre.
Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix (Charenton-Saint-Maurice, Francia, 26 de abril de 1798 - París, 13 de agosto de 1863) fue un pintor francés.
Según varias hipótesis, Delacroix pudo ser hijo biológico del político Talleyrand, al que se parecía físicamente. Según esta teoría, su padre oficial habría quedado estéril a causa de una enfermedad. De todas formas, Eugène fue registrado como hijo del político Charles Delacroix, Ministro de Exteriores del Directorio (Francia), y de Victorie Oeben, que pertenecía a una familia de ebanistas, artesanos y dibujantes. Eugène fue el cuarto y último hijo del matrimonio.
La muerte de Sardanápalo, que Delacroix expuso por primera vez en el Salón de 1827-28, donde recibió duras críticas.
La escena representada por Delacroix muestra el episodio dramático de la muerte del soberano, cuya capital es asediada sin alguna esperanza de libertad y que decide suicidarse. Delacroix sintió la necesidad de realizar algunas declaraciones cuando el lienzo fue expuesto por primera vez, y lo hizo en los siguientes términos:
Los rebeldes asediaron su palacio... Acostado en una magnífica cama, en la cima de una inmensa hoguera, Sardanápalo da la orden a sus eunucos y a los oficiales de palacio de degollar sus mujeres, sus pajes, hasta sus caballos y sus perros favoritos; ninguno de los objetos que habían servido a sus placeres debían sobrevivir.
Jean-Baptiste-Camille Corot (París, 16 de julio de 1796 – ibídem, 22 de febrero de 1875) fue un pintor francés de paisajes, uno de los más ilustres de dicho género y cuya influencia llegó al impresionismo.
En su primer y más largo viaje a Italia, entre 1822 y 1825, descubre fascinado los efectos de la rotunda luz meridional en Roma y su campiña y, más aún, en Tívoli y alrededores de Nápoles. El éxito le llega a Corot con la Exposición Universal de París de 1855, donde obtiene una medalla de primera clase y Napoleón III adquiere uno de los seis cuadros expuestos para su colección particular. Tres años después, en una subasta en el Hotel Drouot, alcanza importantes cotizaciones y, en el Salón de 1860, su Danza de las Ninfas obtiene un éxito sin precedentes 
Danza de las Ninfas 1850
Gustave Courbet, (Ornans, Francia, 10 de junio de 1819 – La Tour-de-Peilz, Suiza, 31 de diciembre de 1877) fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista republicano, cercano al socialismo revolucionario.
Visitó Bélgica y Holanda (1846) descubriendo las pinturas de maestros flamencos como Frans Hals y Rembrandt que lo marcaron profundamente.
El taller del pintor, alegoría real, determinante de una fase de siete años de mi vida artística (y moral), 1855
Tuvo fama de arrogante y efectista; afirmaba que «si dejo de escandalizar, dejo de existir». Algunos le achacaban que provocaba escándalos sólo para entretener a las clases biempensantes y que, en realidad, su arte se mantenía fiel a cierta exquisitez formal. Sin embargo, otras voces como Delacroix lamentaban que Courbet malgastaba su habilidad, al elegir temas sin un contenido elevado y no «cribar» de ellos muchos detalles «innecesarios».
El origen del mundo, 1866
L'origine du monde es una controvertida pintura de desnudo, realizada en 1866 por el pintor realista Gustave Courbet. Oculta durante gran parte de su historia, la recibió el Estado francés en 1981 pero continuó almacenada hasta 1995. Desde entonces se exhibe en el Museo de Orsay de París.
Jean-Léon Gérôme (Vesoul, 11 de mayo de 1824-París, 10 de enero de 1904) fue un pintor y escultor francés academicista cuyas obras son, por lo general, de tema histórico, mitológico, orientalismo, retratos y otros temas, con lo que lleva al Academicismo tradicional a un clímax artístico. Es considerado uno de los pintores más importantes de este período académico, y además de ser pintor y escultor, fue también un maestro con una larga lista de estudiantes.
Mercado de esclavos, 1866 - Jean-Léon Gérôme
Pollice Verso, 1872 - Jean-Léon Gérôme
Bonaparte ante la Esfinge, 1867-1868 - Jean-Léon Gérôme
En 1854 Gérôme hizo un viaje a Turquía y a las orillas del Danubio. En 1857 visitó Egipto. Bastantes de sus obras están inspiradas e impregnadas de lugares y entornos que el artista visitó en sus viajes.
“Mercado de alfombras” es la obra  donde encontramos toda la genialidad de Gerome para disfrutar de una obra en la que pareciera que no pasara el tiempo y en la que podríamos pasar por un viandante más que se queda maravillado ante ese comercio de alfombras donde se muestran los más bellos ejemplares.
Recepción a los embajadores de Siam
Su primer viaje a Constantinopla lo realizó en 1853. Un año más tarde regresó a Turquía y en 1856 andaba por los alrededores de las pirámides de Egipto.
 Gérôme también tuvo éxito como escultor.


Jean-Léon Gérôme, Tanagra, 1890
Las tanagras son figuras de terracota, policromadas, de pequeño tamaño, que fueron descubiertas por casualidad en 1870, en Beocia, cerca del yacimiento arqueológico de Grimadha.
Tanagra o Tanagraois fue una ciudad de Beocia a la izquierda del río Asopo, emplazada a unos 40 km de Platea, a unos 18 km al oeste de Oropo, a 20 km al sureste de Tebas,y a unos 25 km de Calcis, cerca de la frontera con el Ática. Fue arrasada por los tebanos en los años 370-360 a. C; después fue reconstruida
La verdad saliendo del pozo armada con su azote para castigar a la humanidad, Jean-León Gérome
Murió en su taller el 10 de enero de 1904. Se encontraba delante de un retrato de Rembrandt y cerca de su propia pintura "La Verdad". A petición propia, se le dio un entierro sencillo, incluso sin flores. Pero la misa de réquiem in memoriam de Gérôme contó con la participación de un ex presidente de la República, los políticos más prominentes, y muchos pintores y escritores. Fue enterrado en el Cementerio de Montmartre de París, frente a la sentida estatua que había hecho de su hijo Jean, que había muerto en 1891.

Jean-Léon Gérôme

De vuelta en Estados Unidos, Mary estaba cada vez más decidida a estudiar pintura. Un tipo de estudios estrafalarios, según su padre, orientados a una ocupación más estrafalaria aún. Una mujer de buena posición social no tenía necesidad de ejercer ninguna profesión. Sólo debía esforzarse en comportarse bien en sociedad y encontrar un marido que mantuviera su estatus. Aquellas mujeres pertenecientes a clases sociales menos favorecidas sí que debían ganarse la vida con profesiones más o menos dignas. Así que el empeño de Mary en estudiar pintura fue acogido con resignación por parte de su padre (y alentado por su madre) que aceptó con la esperanza de que toda aquella locura pasase en cuanto Mary hiciese un buen matrimonio. En 1860, con 15 años, Mary ingresó en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania y comenzó su formación como artista, con más piedras en el camino que facilidades. No había muchas mujeres que se dedicaran al estudio de la pintura de forma académica y la mayor parte de las que lo hacían lo consideraban más bien un pasatiempo. Además, las mujeres tenían prohibido el acceso a las aulas de dibujo al natural. Un modelo ligero de ropa no era apropiado para ellas. Incluso si ese modelo era (como sucedía con frecuencia) una mujer desnuda. Así que Mary y sus compañeras debían suplir esas clases con la copia de moldes y vaciados de escayola.


Thomas Cowperthwaite Eakins (Filadelfia, 25 de julio de 1844 - ibídem, 25 de junio de 1916) fue un pintor estadounidense.
Thomas Eakins estudió en la Escuela de Bellas Artes de Jean-Léon Gérôme y de Léon Bonnat entre 1866 y 1868. Viajó después a España y luego regresó a los Estados Unidos donde comenzó una brillante carrera como pintor realista. Enamorado de la realidad óptica, se interesó por la fotografía. En 1882 fue nombrado profesor de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, una escuela de arte vanguardista donde enseñó fotografía. En 1886 perdió su puesto en dicha academia por haber revelado la desnudez de un modelo masculino a un público femenino en un curso de anatomía.
En 1861 Estados Unidos se fracturó en una guerra civil que se prolongó hasta 1865 y que transformó el panorama político y social del país en muchos aspectos. No sólo por el hecho de se aboliese la esclavitud o se impusiera el modelo económico y fabril de los estados del norte sino porque, de algún modo, la vida de las mujeres norteamericanas cambió radicalmente. En muchos hogares desaparecieron los ingresos económicos que aportaba el cabeza de familia que ahora estaba en el ejército y cuya paga llegaba o no a tiempo de saldar las deudas. Las mujeres de la casa (madres, hermanas e hijas) se vieron obligadas a abandonar el nido confortable y a ganarse la vida ejerciendo las profesiones más variadas: desde enfermeras a profesoras, pasando por obreras en las fábricas, jornaleras… o soldados. El caso de las mujeres soldado en la Guerra de Secesión americana fue extremadamente popular a finales del siglo XIX. Entre 600 y 800 mujeres se disfrazaron de hombre, cambiaron su aspecto y su nombre y se alistaron en el ejército. Por fervor patriótico en algunos casos; por la paga y la libertad que conllevaba no depender de nadie, en otros muchos. No es difícil pensar que el ejemplo de estas mujeres, ampliamente difundido en la prensa de la época (aunque olvidado hoy en día) hiciera pensar a Mary que si una mujer podía valerse por sí misma en medio del caos y la muerte ¿qué no podría hacer con su propia vida?

Mary Cassatt – “La intérprete de mandolina” (1868)
Quizá eso fue lo que la decidió a plantear a su familia su decisión de viajar a Europa y establecerse en París como artista. En 1866 Mary se instaló en París con la intención de seguir estudiando pintura. Allí se encontró con otro obstáculo, y fue en la Academia de Bellas Artes de París. No se admitían mujeres como alumnas. Mary tuvo que optar por las clases particulares que impartían los propios profesores de la Academia, además de copiar y estudiar los trabajos de los grandes maestros. Sus esfuerzos se vieron compensados cuando uno de sus cuadros, La intérprete de mandolina fue seleccionado para el Salón de Otoño, la exposición de arte patrocinada por el propio emperador Napoleón III que quería ser el escaparate de las glorias artísticas (y oficiales) de Francia.

Autorretrato, Museo Metropolitano de Arte (Nueva York).
Aquello parecía el principio de una prometedora carrera para Mary. Pero apareció otro obstáculo en su camino. El estallido de la guerra franco-prusiana en 1870 la obligó a volver a Estados Unidos, para satisfacción de su padre. Una satisfacción que duró poco, porque Mary seguía empeñada en ser pintora a pesar de que, en un intento por sacarle esa idea de la cabeza, el señor Cassatt le negara cualquier tipo de financiación para comprar materiales, pinturas y, mucho menos, regresar a Europa. Mary expuso en galerías de Nueva York y Chicago, donde recibió buenas críticas y no vendió ningún cuadro. Estaba a punto de tirar la toalla cuando el arzobispo de Pittsburgh, admirador de su técnica, le encargó la copia de dos cuadros de Coreggio que estaban en Parma. Mary no podía creer su suerte: ya no necesitaba la financiación paterna para volver a Europa, así que ni corta ni perezosa marchó a Italia. Allí, en Parma, fue muy bien acogida por la comunidad artística de la ciudad y su trabajo, altamente elogiado. Tras terminar el encargo del arzobispo, decidió viajar por España, Bélgica y Holanda para conocer en primera persona a los grandes maestros barrocos: Velázquez, Ribera, Rembrandt y Hals desfilaron ante los ojos hambrientos de arte de Mary que, en 1874, decidió establecerse definitivamente en París. Su apartamento se convirtió en un punto de encuentro para los jóvenes artistas que llegaban a la ciudad, sobre todo si eran mujeres. 
El torero, Cassat (1873)
Bailarina española con mantilla 1873
Una de esas artistas fue Abigail May Alcott, hermana de la escritora Louisa May Alcott (que se inspiró en ella para el personaje de Amy en su célebre novela Mujercitas), que recogió tan bien los consejos de Mary que en 1877 uno de sus cuadros fue aceptado en el Salón en lugar de los de su mentora. La relación entre Mary Cassatt y el Salón de Otoño se tornó difícil: volvió a enviar cuadros, sí, pero pronto entró en conflicto con la organización de la exposición. Criticaba públicamente que las mujeres artistas fueran ignoradas a menos que tuvieran un protector o un amigo entre el jurado. “Yo no voy a flirtear con nadie para que cuelguen mis cuadros” dijo en voz bien alta.
May Alcott Nieriker, La Négresse, 1879. Exhibited at the 1879 Paris Salon
(July 26, 1840 – December 29, 1879) 
Las puertas cerradas del Salón de Otoño supusieron, sin embargo, la entrada de aire fresco en la vida y en la obra de Mary Cassatt. Edgard Degas, un pintor al que ella admiraba profundamente (sobre todo su técnica con el pastel), la invitó a formar parte de la exposición de los Impresionistas. El rechazo del Salón había decidido a Mary a abandonar el estilo clásico y este grupo de artistas le ofrecía la oportunidad de probar nuevos desafíos. Entabló amistad con Edgard Degas y con otra mujer pintora, Berthe Morisot, alumna y cuñada de Edouard Manet. Y mantuvo una excelente relación con los otros miembros del grupo: Monet, Renoir, Pissarro o Sisley.

Mary Cassatt – “En el palco” (1879)
El maestro del impresionismo Edgar Degas (1834-1917) ejerció una gran influencia en la pintora estadounidense Mary Cassatt (1844-1926). Sin embargo, poco se habla del influjo de Cassatt en la obra del pintor francés y de cómo la reconocida artista allanó el camino para que el trabajo de Degas recibiera una cálida acogida ante una nueva audiencia: el público estadounidense. “A pesar de las diferencias de género y nacionalidad, Degas y Cassatt forjaron una profunda amistad basada en el respeto y la admiración”. Según Cassatt, su primer encuentro con el arte de Degas “cambió mi vida”, mientras se sabe que Degas, al ver el arte de Cassatt, dijo: “hay alguien que siente como siento yo”. Ambos artistas probaron técnicas alternativas y mixtas, como el uso de la témpera o la pintura metalizada, durante un breve pero intenso periodo de experimentación entre 1878 y 1879. 
Degas y Cassat -  Niña en sillón azúl, 1878. - Las relaciones entre Mary Cassatt y Degas fueron muy estrechas desde la llegada de la pintora norteamericana a París en 1873. Buena muestra de esa estrecha amistad fue la recomendación de Cassatt a una amiga íntima para que adquiriera una obra del maestro francés; esta fuerte relación artística se pone también de manifiesto en esta escena que contemplamos, en la que el propio Degas llegó a dar alguna pincelada genial. El lienzo fue presentado a la Exposición Universal de París de 1878 siendo rechazado por la postura de la niña y por las rápidas pinceladas aplicadas en el sillón. Mary Cassatt entraba así a formar parte de los rechazados como antes le ocurriera a Manet, Cézanne o el propio Degas. El blanco vestido de la pequeña contrasta con las tonalidades azules de los sillones, destacando las vivas pinceladas que conforman el estampado. La luz penetra por los ventanales del fondo, cubiertos con unos visillos blancos que tamizan la intensa luminosidad. La niña está perfectamente dibujada, mostrando los contornos. Sin embargo, todo lo que rodea a la pequeña se difumina, incluso el perrillo que la acompaña.
La espera, pastel, 1880-82. Edgar Degas
Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – ibídem, 27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés.
Considerado uno de los fundadores del Impresionismo, aunque él mismo rechazaba el nombre y prefería llamarlo realismo o arte realista,1 Degas fue uno de los grandes dibujantes de la historia por su magistral captación de la sensaciones de vida y movimiento, especialmente en sus obras de bailarinas, carreras de caballos y desnudos. Sus retratos han sido muy apreciados por la complejidad psicológica y sensación de verdad que transmiten
"Mary Cassatt en el Museo del Louvre" del pintor Edgar Degas.Año 2002:El cuadro “Mary Cassatt en el Museo del Louvre”, de Edgar Degas, fue adquirido por un comprador anónimo en 15 millones de dólares, luego de una feroz batalla de apuestas telefónicas que durante varios minutos llenó de tensión el séptimo piso de Sotheby’s. 
Edgar Degas: Mary Cassatt sentada, sujetando unas cartas, hacia 1880-84, óleo sobre lienzo, 74 × 60 cm, Washington, National Portrait Gallery. A Cassatt no le gustó el retrato y escribió algo después a su comprador, Paul Durand-Ruel: «No quiero que nadie sepa que yo posé para él».
Autorretrato, hacia 1880, gouache, acuarela y lápiz sobre papel, 32,7 x 24,6 cm, Washington, National Portrait Gallery.
El contacto con los impresionistas supuso un cambio en la pintura de Mary Cassatt: su paleta se aclaró y la luz, que siempre le había fascinado, se convirtió en la protagonista de sus cuadros. Aplicó la técnica abocetada para crear las sensación de inmediatez y de momento. Pero no cambió la temática de sus obras. Sus protagonistas siguieron siendo, en la mayor parte de los casos, las mujeres. Mujeres pensativas, solas o en grupo, en actitud cariñosa con niños o absortas en sus labores o lecturas. Mujeres por cuyas cabezas y corazones cruzaban pensamientos y emociones que podían adivinarse en un gesto o en una mirada.

El té (The Tea), 1880, óleo sobre lienzo, 64,77 × 92 cm, Museum of Fine Arts, Boston.
La imagen muestra un cuadro en el que se ve a una mujer joven, vestida de blanco, sentada en una silla en un jardín. Está a la sombra y con ambas manos sostiene una pequeña labor de costura que mira con atención.

Mary Cassatt – “Mujer cosiendo al sol” (1882)
Edgar Degas se convirtió en su mentor: bajo su influencia Mary revisó su trazo, el uso del color y la luz o la composición de sus cuadros. En esto último Degas era un auténtico maestro, un pintor que utilizaba el caballete como si fuera una cámara fotográfica. Fue Degas también quien animó a Mary a probar suerte con el grabado. Su relación fue muy estrecha, algo sorprendente en un hombre tan misógino, gruñón, susceptible y difícil como era Edgard Degas. 

Mary Cassatt – “Paseo en barca” (1884) 
Child in Straw Hat (1886)

jueves, 28 de abril de 2016

Impresionismo americano - Theodore Robinson - Frederick Childe Hassam - Armory Show - “Arthur Bowen Davies” - Walt Kuhn

El impresionismo americano es un movimiento artístico que se presentó entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Fue inspirado por el impresionismo francés.

El paseo en barca (The Boating Party), pintura de Mary Cassatt, h. 1893-1894, óleo sobre lienzo, 90 x 117 cm, Galería Nacional de Arte, Washington DC
El impresionismo surgió como un estilo artístico en Francia durante los años 1860. Varias exposiciones de obras impresionistas francesas en Boston y Nueva York durante los años de 1880 introdujeron el estilo al público estadounidense. Los primeros artistas estadounidenses de estilo impresionista, como Theodore Robinson, pintaron, desde finales de los años 1880 después de visitar Francia y conocer a artistas como Claude Monet. Otros, como Childe Hassam, prestaron atención al número creciente de obras impresionistas francesas en exposiciones estadounidenses.

Theodore Robinson (3 de junio, 1852 – 2 de abril, 1896) era un pintor estadounidense conocido por sus paisajes de estilo impresionista. Fue uno de los primeros impresionistas estadounidense, empezó a desarrollar este estilo al final de la década de 1880, visitando Giverny y fue el mejor amigo de Claude Monet. Muchas obras suyas son consideradas obras maestras del impresionismo americano.
By the River, (1887) Theodore Robinson
The Old Bridge, 1890. Museo Thyssen-Bornemisza.
Frederick Childe Hassam (1859-1935) fue un pintor impresionista estadounidense. En 1886 viajó a París para estudiar arte en la Académie Julian (1886-1889). Tuvo como maestros a Gustave Boulanger y Jules Joseph Lefebvre. Hassam regresó a Estados Unidos en 1889, residiendo en Nueva York.
Frederick Childe Hassam
Nació en octubre de 1859 en el barrio de Dorchester, Boston. El impresionismo francés y el arte de Claude Monet tuvieron una fuerte influencia en Hassam. Formó parte del Ten American Painters, una asociación de pintores norteamericanos impresionistas. En su regreso a Nueva York, Hassam pintó edificios de la ciudad en un estilo impresionista francés. Murió el 27 de agosto de 1935 en Easthampton, Nueva York.
Barack Obama en el Despacho Oval con el cuadro The Avenue in the Rain al fondo.
Entre sus obras más conocidas está la Flag series, treinta cuadros que comenzó a pintar en 1916 cuando se inspiró en el desfile de los voluntarios para la preparación de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial en la Quinta Avenida. Fue realizada al final de su vida. La más famosa pintura de la serie, The Avenue in the Rain (1917) representando banderas de Estados Unidos y sus reflejos en la lluvia es parte de la colección de la Casa Blanca y Barack Obama la situó en la Oficina Oval al comienzo de su presidencia.

Childe Hassam - April - (The Green Gown)
Childe Hassam - Champs Elysées, Paris
Childe Hassam - Rainy Day, Boston 
The Alhambra 1883 Childe Hassam
Childe Hassam - L'Exposition universelle de Chicago
Entre los años 1890 y 1910, el impresionismo americano prosperó en las "colonias artísticas"; grupos de artistas afiliados que convivían y trabajaban juntos y compartían una visión estética común. Artistas impresionistas se reunieron en Cos Cob y Old Lyme en Connecticut; New Hope en Pensilvania y el Condado de Brown, Indiana. También prosperaron artistas impresionistas en California, Nueva York y Boston.

El impresionismo en los Estados Unidos perdió su situación relativa en el mundo del arte en 1913 cuando en la armería del 69º regimiento de la Guardia Nacional en Nueva York tuvo lugar una exposición histórica de arte moderno. La Armory Show, (Exposición Internacional de Arte Moderno) se convirtió en un punto de inflexión para las artes en Estados Unidos en dirección al denominado "arte moderno", especialmente acentuado por la Primera Guerra Mundial, la Gran Depresión y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial.

Cartel del Armory Show. 1913
Armory Show, denominación en inglés de las exhibiciones artísticas que han tenido lugar en la armería del 69º regimiento de la Guardia Nacional en Nueva York, es el término utilizado habitualmente para referirse a la International Exhibition of Modern Art (Exposición Internacional de Arte Moderno) que tuvo lugar entre el 17 de febrero y el 15 de marzo de 1913. Esta exposición se convirtió en un punto de inflexión para el arte de Estados Unidos en dirección al denominado "arte moderno", frente al hasta entonces dominante academicismo. Provocó que los artistas estadounidenses se hicieran más independientes y crearan su propio lenguaje artístico.

Walt Kuhn (Brooklyn (Nueva York), 27 de octubre de 1877 - White Plains (Nueva York), 13 de julio de 1949) fue un pintor estadounidense. Fue uno de los organizadores de la Exposición Internacional de Arte Moderno en 1913.
Walt Kuhn - Girl with Mirror
"Trio", Walt Kuhn, Oil on canvas, Colorado Springs Fine Arts Center Collection

El Armory Show fue organizado por la Association of American Painters and Sculptors (Walter Pach, Arthur Bowen Davies y Walt Kuhn). Mostró alrededor de 1,250 pinturas, esculturas y obras decorativas de más de 300 artistas.

“Arthur Bowen Davies” (26 de Septiembre, 1863 – 24 de Octubre, 1928) fue un artista estadounidense de vanguardia y defensor influyente del arte moderno en los Estados Unidos c. 1910–1928.
Arthur B. Davies, Dancing Children, 1902. Brooklyn Museum
Arthur B. Davies, The Dawning, 1915. Brooklyn Museum

La exhibición pasó por Chicago y Boston, cimentándose por sí misma como un evento decisivo en el desarrollo de las artes visuales y el coleccionismo de arte.


Los artículos de prensa se llenaron con acusaciones de charlatanería, locura, inmoralidad y anarquía, y también con parodias, caricaturas y burlas. El presidente Theodore Roosevelt declaró refiriéndose al arte moderno, That's not art!!! (Eso no es arte).

Marcel Duchamp (AFI maʀsɛl dyˈʃɑ̃) (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés.
Desnudo descendiendo una escalera, n.º 2, de Marcel Duchamp
 Los desnudos bajando una escalera de Duchamp son iconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dada, en los que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces.
La interpretación del cuerpo humano como una máquina en movimiento es una idea puramente futurista en la que el desarrollo de la cronofotografía y los comienzos de la cinematografía tuvieron mucho que ver. Poco después de estas composiciones, Duchamp comenzaría su periodo más "dada", con sus "ready-mades" y sus icónicas "fuentes-orinales".
Entre las obras más escandalosas destacó Desnudo descendiendo una escalera, n.º 2, de Marcel Duchamp (pintada un año antes, en 1912), que representaba el movimiento mediante imágenes superpuestas. Julian Street, un crítico de arte del New York Times escribió que la obra parecía «una explosión en una fábrica de tejas» y los dibujantes de los diarios la satirizaron.

La compra de La Colline des pauvres de Paul Cézanne por el Metropolitan Museum of Art fue un signo de la integración del arte moderno en los museos neoyorkinos. No obstante, Cézanne era un maestro reconocido
Paul Cézanne (19 de enero de 1839-22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores», que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación.
El hermano de Duchamp, que expuso con el nombre de Jacques Villon, vendió todos sus grabados cubistas y logró una buena relación con los coleccionistas de Nueva York, que le dieron su apoyo en las décadas siguientes.

Three Duchamp brothers, left to right: Marcel Duchamp, Jacques Villon, and Raymond Duchamp-Villon in the garden of Jacques Villon's studio in Puteaux, France, 1914)
Jacques Villon (nombre por el que es más conocido Gaston Emile Duchamp 31 de julio de 1875 - 9 de junio de 1963) fue un pintor francés influido por el cubismo.

Jacques Villon, 1912, Girl at the Piano (Fillette au piano), oil on canvas, 129.2 x 96.4 cm (51 x 37.8 in), oval, Museum of Modern Art, New York.
Nacido en 1875 en el pueblo normando de Damville, Gaston Duchamp (adoptó el seudónimo de Jacques Villon en 1895), era el primogénito de la familia formada por el notario Eugéne Duchamp y de Marie-Caroline-Lucie Nicolle, hija de un acomodado agente marítimo de Ruan. Hermano del artista Marcel Duchamp y del escultor Raymond Duchamp-Villon.

Le Petit Manège, rue Caulaincourt, 1905, University of Michigan Museum of Art
Su obra pictórica encuentra sus raíces en el cubismo, pero se aparta de él al incorporar colores brillantes y formas simplificadas.

Raymond Duchamp-Villon (5 de noviembre 1876 - 9 de octubre 1918) fue un escultor francés.

Raymond Duchamp-Villon, Dos vistas de El caballo grande, bronce, 1914, Museum of Fine Arts, Houston
Pierre-Maurice-Raymond Duchamp, nació en Damville, Eure, en la región de Alta Normandía (Francia). Fue el segundo hijo de Eugene y Lucie Duchamp. De los seis hijos de la familia Duchamp, cuatro se convertirán en artistas exitosos.

Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte (la historiografía del arte, la estética y teoría del arte y el mercado de arte), que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.

Almuerzo en la hierba de Pablo Picasso
Las expresiones "arte moderno" y "arte contemporáneo" se utilizan muy a menudo de forma totalmente intercambiable, incluso en la bibliografía especializada.

No hay consenso para determinar si es el "arte moderno" o el "arte contemporáneo" el que ejemplifican las vanguardias; ni tampoco para determinar si esa diferenciación debe aplicarse a alguna de las sucesivas generaciones de vanguardias: bien las que comienzan antes de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y se desarrollan en el periodo de entreguerras (1918-1939), o bien las que surgen después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), o incluso las "transvanguardias" de finales del siglo XX, cuando se acuñó el concepto de lo "postmoderno", que para algunos autores pondría fin al "arte moderno" en sí.

Fuente. Duchamp, 1917
El arte moderno, como innovación frente a la tradición artística del arte occidental, representa una nueva forma de entender la teoría y la función del arte, en que el valor dominante de las llamadas artes figurativas (pintura y escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su representación literal. La invención de la fotografía había convertido esta función artística, hasta entonces esencial (pintores de corte), en algo accesorio, cuando no obsoleto. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, llegando incluso a la abstracción. La Revolución industrial no sólo trajo las innovaciones técnicas que permitieron la arquitectura del hierro y del cristal, sino que cambió para siempre las relaciones productivas y sociales, y con ellas, la posición del artista frente a su cliente.

La Primera Guerra Mundial, también conocida como Gran Guerra,b fue una guerra desarrollada principalmente en Europa, que dio comienzo el 28 de julio de 1914 y finalizó el 11 de noviembre de 1918, cuando Alemania pidió el armisticio y más tarde el 28 de junio de 1919, los países en guerra firmaron el Tratado de Versalles.

La Gran Depresión, también conocida como crisis del veintinueve, fue una crisis económica mundial que se prolongó durante la década de 1930, en los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Su duración depende de los países que se analicen, pero en la mayoría comenzó alrededor de 1929 y se extendió hasta finales de la década de los años treinta o principios de los cuarenta.

La Segunda Guerra Mundial fue un conflicto militar global que se desarrolló entre 1939 y 1945. En él se vieron implicadas la mayor parte de las naciones del mundo, incluidas todas las grandes potencias, agrupadas en dos alianzas militares enfrentadas: los Aliados de la Segunda Guerra Mundial y las Potencias del Eje.