Mi semana en Florencia (XXIV) - Salvatore Ferragamo - El Museo Salvatore Ferragamo

Mi semana en Florencia (XXIII) -Basilica di Santa Croce (Un símbolo del arte florentino) - El síndrome de Stendhal - Crucifijo Santa Croce , pincha aqui

Salvatore Ferragamo with the choreographer Katherine Dunham in 1950
 (Bonito, 5 de junio de 1898 – Florencia, 7 de agosto de 1960)
Su enfoque científico y creativo generó diversas innovaciones en la industria del calzado, como los tacones de cuña y los de jaula. Estrellas de cine y personajes famosos continúan patrocinando su empresa, la cual se ha convertido en un lujoso imperio que se ha expandido por todo el mundo.

La marca Salvatore Ferragamo puede presumir de ser una de las más veteranas del prestigioso made in Italy. Fundada en el año 1914 por un zapatero de un pequeño pueblo de la Italia meridional emigrado a los EE. UU., concretamente a Hollywood. "En vez de inventar juegos con los otros chicos de mi edad, yo jugaba a trabajar". Con estas palabras recordaba Salvatore Ferragamo en su autobiografía, titulada Zapatero de sueños, como abrió su primera tienda de zapatos en Bonito cuando tan solo tenía 12 años.

Piazza Santa Trinita: Palazzo Spini Feroni, Iglesia de Santa Trinita
Es una plaza situada en Florencia, Italia, dominada por la iglesia de Santa Trinita, de la que recibe su nombre. Hasta 1911 formaba parte de la Via de' Tornabuoni, que la atraviesa, y fue en esta ocasión cuando, gracias a la solicitud del marqués Filippo Corsini, la plaza asumió su nombre actual.
La iglesia de Santa Trinita es una de las basílicas más importantes de la ciudad, que pertenece desde hace ocho siglos a la orden de los vallombrosianos. 
Desde finales del siglo XIV se empezaron a construir palacios nobiliarios en esta plaza, con la particularidad de tener hoy, uno al lado del otro, como en las ilustraciones de un manual de historia de la arquitectura, tres importantes palacios con características típicas del estilo residencial noble de tres siglos consecutivos

Con la industria del cine dando sus primero pasos, Salvatore aprovechó la oportunidad que se le brindaba y creó el calzado de algunas de las actrices del momento: Greta Garbo, Marlene Dietrich, Bette Davis… aumentando así su fama y su prestigio. Desde entonces, el éxito y reconocimiento de la firma no han hecho más que aumentar sin perder un ápice del glamour y el estilo que caracterizaban a las primeras creaciones de la casa italiana.

Piazza Santa Trinita, -  Columna de la Justicia
En el centro de la plaza está la Colonna della Giustizia, una poderosa columna de granito oriental que proviene de las Termas de Caracalla, la última conservada entera entre las ruinas de dicho complejo termal,1​ donada por el Papa Pío IV (de una rama lombarda de la familia Médici) en 1563 a Cosme I, el primer gran duque de la ciudad. En 1581 se añadió la estatua de la Justicia en la cima de la columna, por la que recibe su nombre actual. En estos mismos años se encargó a Bartolommeo Ammannati reconstruir el Ponte Santa Trinita para celebrar la victoria sobre Siena.

Tras cumplir con su sueño americano, Ferragamo regresó a Florencia y fue allí donde comenzó a gestarse su fama de visionario. Una vez fallecido el fundador, sus herederos se encargaron de la gestión y expansión del negocio hasta la llegada, en el 2008, de la canaria Cristina Ortiz, fichada para dotar a la ropa de un protagonismo históricamente ensombrecido por los accesorios: “Desde el principio me pidieron una imagen fuerte y global, una proyección para que todos vean lo que es y lo que quiere ser Ferragamo”.

El diseñador adquirió hace 80 años el Palazzo Spini Feroni, una joya del siglo XIV.

Ortiz abandonaría su puesto dos temporadas después. Ferragamo fichó entonces a Massimiliano Giornetti, que se encargaría de la dirección creativa hasta el 2016, año en el que Fulvio Rigoni, procedente de Christian Dior, fue designado director creativo de la línea femenina.

Hija de Salvatore Ferragamo (Italia, 1898-1960), el zapatero más famoso del siglo XX y fundador de la empresa de lujo que lleva su nombre, Gentile Ferragamo ha acometido en los últimos años la restauración y puesta a punto de la primera planta del edificio que su padre adquirió en 1938, y que hoy acoge buena parte de la actividad institucional y directiva de la firma familiar.

Antigüedades, recuerdos y libros de moda en la sala de invitados. Gianfranco Tripodo

La labor, asegura, no ha sido liviana, porque el Spini Feroni es uno de los palacios con más solera de Florencia. Sus orígenes se remontan al siglo XIV, cuando el banquero del papa Bonifacio VIII, Geri Spini, quiso hacerse un palacio en un emplazamiento que con los años se convertiría en uno de los más famosos de la ciudad: la Piazza della Trinità, frente al puente del mismo nombre, en el sitio donde, según una tradición apócrifa, Dante Alighieri se cruzó por primera vez con la malograda Beatrice que le inspiraría su Divina comedia.

Palazzo Spini Feroni da Ponte Santa Trinita.

Los Spini, que permanecieron en el palacio más de 300 años, eran gente orgullosa. Por eso sembraron los techos con emblemas espinosos (erizos, plantas) y por eso pidieron al pintor Ghirlandaio que, puesto a recrear un milagro atribuido a San Francisco de Asís, lo hiciera suceder frente a su palacio, inmortalizado así por los siglos de los siglos en los frescos de una capilla de la iglesia vecina.

Más tarde, cuando las vacas flacas llegaron incluso a los banqueros papales, lo vendieron. Hasta principios del siglo XIX pasó sucesivamente por las manos de las familias Guasconi, Da Bagnano y Feroni. En 1834 una dama francesa lo compró para convertirlo en un efímero hotel de lujo –el Hôtel d’Europe– donde pernoctó, por dar un nombre, el compositor Franz Liszt. El negocio, que no hubiera desentonado en una novela de E.M. Forster o Henry James, no duró mucho y en 1846 el edificio se vendió al ayuntamiento florentino, que instaló en él sus oficinas.

El corredor que comunica las principales estancias. Gianfranco Tripodo

El crac financiero del 29 había dinamitado las conexiones comerciales de Salvatore con Estados Unidos y, en 1933, el zapatero de las divas de Hollywood se declaró en bancarrota. La culpa era del clima económico, pero también, pensaba él, una consecuencia de haber descuidado todo eso que hoy se denomina experiencia de compra. “Mi padre adquirió este palacio en 1938 con una visión muy ambiciosa”, explica ahora su hija. “Sabía que su futuro estaría ligado al calzado y que muchas personas vendrían desde otros países para encargarle zapatos a medida. Necesitaba un lugar para recibirlos. Y tenía que estar a la altura de su talento”.

Giovanna Gentile Ferragamo capitaneó en 1967 la primera línea de moda femenina de la casa. Gianfranco Tripodo

Ya en los años cincuenta, un dibujo del Spini Feroni decoraba las cajas de zapatos de Ferragamo, quien lo convirtió en el símbolo de su casa y emprendió la lenta rehabilitación de la planta noble del edificio, la única que conservaba íntegro el interior barroco. Las clientas que acudían a Florencia eran atendidas personalmente por Ferragamo en una gran sala que hoy todos conocen como la Sala Consiglio, porque es donde se reúne el Consejo de Administración de la empresa y donde Giovanna Gentile Ferragamo ha decidido exponer las hormas de madera sobre las que su padre trabajaba.

Sala Consiglio o Sala della Vigilanza

Historia

1889 Nace Salvatore Ferragamo, el undécimo de 14 hijos nacido en una familia de campesinos en un pequeño pueblo cerca de Nápoles.

1914 Salvatore Ferragamo se traslada a California para hacer carrera como zapatero de las estrellas.

1927 Ferragamo regresa a Italia, concretamente a Florencia, para desarrollar su marca.

1938 Crea la sandalia Rainbow para el papel de Judy Garland en El mago de Oz.

1947 Diseña la sandalia invisible, creación por la que obtiene el Neiman Marcus.

1953 Es el responsable del diseño del stiletto de 11 centímetros que luce Marilyn Monroe en Los caballeros las prefieren rubias.

1960 Muere Salvatore Ferragamo.

1978 La hija de Salvatore, Fiamma, crea las manoletinas Vara, uno de los emblemas de la marca y un histórico dentro de la industria del calzado.

1995 Se crea el Museo Salvatore Ferragamo dedicado a la figura del fundador.

1997 El Victoria & Albert dedica una retrospectiva al trabajo de Ferragamo.

2008 La española Cristina Ortiz es nombrada directora creativa de la marca. Su primera colección se presenta en China, concretamente en Shangái. “Quiero hacer algo que no sea aburrido. Que tenga pimienta”. Se inaugura la muestra Salvatore Ferragamo, Evolving Legend en Milán.

2011 Massimiliano Giornetti ficha como director creativo.

2012 Salvatore Ferragamo protagoniza el primer desfile de moda celebrado en el Museo del Louvre de París. Gisele Bündchen protagoniza la campaña de verano de la firma.

2013 Se inaugura en el Museo Salvatore Ferragamo una exposición llamada El zapatero prodigioso. "Además de 93 modelos del archivo histórico de zapatos creados por Salvatore, hemos pedido a grandes escultores, pintores, fotógrafos y cineastas que produzcan nuevas obras", comenta la directora del museo, Stefania Ricci.

2016 Massimiliano Giornetti abandona la dirección creativa de la firma. Fulvio Rigoni se pone al frente de la dirección creativa de la línea femenina.

Fulvio Rigoni - Salvatore Ferragamo

Salvatore Ferragamo bailarinas Vara

11 centímetros que lució Marilyn Monroe en Los caballeros las prefieren rubias. RainbowSandal Ferragamo

Fuente: Vogue

Fuente: El País

El Museo Salvatore Ferragamo

El Museo Salvatore Ferragamo abrió sus puertas en 1995. Ubicado en el segundo piso del palacio Spini Feroni, el museo se extiende por cuatro habitaciones y cuenta con una colección de más de diez mil zapatos creados por Ferragamo durante más de cuatro décadas, desde los años 1920 hasta su muerte en 1960. El museo también tiene una colección de zapatos de época de los siglos XVIII y XIX, una colección de vestuario de 1959 en adelante, una colección de bolsos desde 1970 y un gran archivo de documentos.

(Otoño Invierno 2018/2019) En el backstage de Ferragamo, colgaba el mood board de Paul Andrew con las inspiraciones de la primera colección de ropa que firma como diseñador. En este desfile de otoño/invierno 2018-19, las modelos iban a vestirse por fin de arriba debajo de la firma, una extensión que revoluciona el papel que con tanto éxito ha ejercido previamente la casa, fundada como “el zapatero de las estrellas”.

Mi semana en Florencia (XXIII) -Basilica di Santa Croce (Un símbolo del arte florentino) - El síndrome de Stendhal - Crucifijo Santa Croce

Mi semana en Florencia (XXII) - Palazzo Pitti (El Palacio hoy), pincha aqui

La basílica de la Santa Cruz (en italiano, Basilica di Santa Croce) es una destacada basílica renacentista italiana levantada en la ciudad de Florencia. Se empezó a construir el 3 de mayo de 1294 sobre las ruinas de una pequeña iglesia erigida hacia 1222 por los franciscanos, en vida de San Francisco de Asís. El maestro de obras (hoy diríamos arquitecto) fue Arnolfo di Cambio, quien recibido el encargo de reemplazar la pequeña iglesia anterior por una más grande, que superara a Santa María Novella, iniciada 50 años antes por los dominicos.

Fue consagrada el 6 de enero de 1443, según el calendario florentino; 1444, según el actual. Fue declarada basílica menor el 20 de diciembre de 1933.

Desde siempre la Iglesia de Santa Cruz ha sido un símbolo prestigioso de la ciudad de Florencia y un lugar de reencuentro para los más grandes artistas, teólogos, religiosos, hombres de letras y políticos. Ha sido asimismo, lugar privilegiado por las poderosas familias que, tanto en la prosperidad como en la adversidad, participaron en la creación de la identidad de la Florencia de finales de la Edad Media y del Renacimiento. Su convento ofreció hospitalidad a los personajes más célebres de la historia de la iglesia: san Buenaventura, san Antonio de Padua, san Bernardino de Siena, san Luis de Anjou, obispo de Toulouse. Sirvió, también, como lugar de retiro y reposo para varios papas: Sixto IV, Eugenio IV, León X, Clemente XIV. Con su arquitectura gótica imponente, sus maravillosos frescos, los retablos del altar, amén de los preciosos vitrales y las numerosas esculturas, esta iglesia representa una de las páginas más importantes de la historia del arte florentino desde el siglo XIII.

La fachada de la iglesia quedó sin terminar durante más de cuatro siglos (desde la consagración del templo), mostrando una superficie de piedra caliza desnuda; una simple estructura, apta para sostener los elementos arquitectónicos y escultóricos. Cuando en el siglo XIX la Iglesia se convirtió en el Panteón de los italianos, fue necesario completar la obra. En 1857 se puso la primera piedra de la fachada, en presencia del Papa Pío IX. La inauguración tuvo lugar el 3 de mayo de 1863, pero la decoración de la fachada se completó en 1865, en conmemoración del sexto centenario del natalicio de Dante Alighieri. Entonces, un monumento dedicado al poeta fue ubicado en el centro de la plaza, frente a la Basílica. La fachada es de estilo neo-gótico, y tiene tres frontones triangulares, el del centro más alto. Está cubierta con mármoles de colores (blanco predominante, rojo, verde, azul y negro), seguiendo la tradición arquitectónica florentina. Su arquitecto fue Niccolò Matas, nacido en Ancona, quien presentó un dibujo inspirado en el trabajo perdido de Simone del Pollaiolo, llamado il Cronaca.

La edificación de la basílica de Santa Cruz comenzó en 1294, habiendo sido diseñados los planos por Arnolfo di Cambio. Es la iglesia franciscana más grande del mundo. Subvencionada por el pueblo y la República florentina, se construyó sobre la base de una pequeña iglesia, cercana a las murallas de la villa, edificada entre 1222-52 por los franciscanos, en vida de San Francisco y continuada después de su muerte. Los restos de la antigua iglesia no pudieron ser localizados hasta 1966 cuando, tras las inundaciones que devastaron la ciudad, una parte del pavimento de la actual basílica se hundió.

Arnolfo di Lapo, también conocido como Arnolfo di Cambio, (1232 o 1245 – 1310) fue un arquitecto y escultor florentino. Su obra arquitectónica incluye el proyecto de la catedral de Santa María del Fiore, en Florencia (1294) y la Basílica de Santa Cruz, en la misma ciudad; y la catedral de Orvieto en Italia.
En Roma el artista estuvo en contacto con las obras de la Antigua Roma, y absorbió las lecciones de los maestros de Cosmati, de los cuales reutilizará las partes decorativas en el baldaquino de la basílica de San Paolo (1285) y de Santa Cecilia en Trastevere (1293).

Desde su origen, la iglesia de Santa Cruz está íntimamente ligada a la historia de Florencia. Durante los siete siglos transcurridos desde su fundación, la basílica fue objeto de remodelaciones y nuevos proyectos de modernización adquiriendo, así, nuevas connotaciones simbólicas: desde su origen primero de iglesia franciscana, a convertirse en sepultura religiosa para las grandes familias y las corporaciones de la Florencia medicea, de laboratorio y taller artístico —humanista a comienzos del Renacimiento— a centro teológico, de panteón de las glorias italianas hasta convertirse en un lugar de referencia en la política de la Italia del Risorgimento, o reunificación italiana, de mediados del siglo XIX.

Interior de la basílica

Su interior impresiona por la sobriedad y claridad de su lenguaje arquitectónico, lo cual es un rasgo característico de Florencia. Además su nave central es de una gran anchura, y se comunica con sus naves laterales a través de una sucesión de arcos góticos apuntados. Como la mayor parte de las iglesias de órdenes mendicantes, su techo interior se cubrió con un armazón de madera, y no una bóveda de piedra. Para financiar las obras, la orden de San Francisco dependía completamente de los aportes de la ciudad y de sus familias adineradas. Estas asumían el costo de su decoración, y a cambio obtenían el derecho de ser enterradas allí.

Se ignora el autor del gran crucifijo ubicado sobre el altar mayor, y seguramente es de la primera mitad del siglo XIV. Las vidrieras datan aproximadamente del año 1380.

Henri Beyle (Grenoble, 23 de enero de 1783-París, 23 de marzo de 1842), más conocido por su seudónimo Stendhal, fue un escritor francés.
Valorado por su agudo análisis de la psicología de sus personajes y la concisión de su estilo, es considerado como uno de los primeros y más importantes representantes literarios del realismo. Es conocido sobre todo por sus novelas Rojo y negro (Le Rouge et le noir, 1830) y La cartuja de Parma (La chartreuse de Parme, 1839).

El síndrome de Stendhal (también denominado síndrome de Florencia o estrés del viajero) es una enfermedad psicosomática que causa un elevado ritmo cardíaco, vértigo, confusión, temblor, palpitaciones, depresiones e incluso alucinaciones cuando el individuo es expuesto a obras de arte, especialmente cuando estas son particularmente bellas o están expuestas en gran número en un mismo lugar. También suele suceder ante escenarios históricos, como campos de batalla, palacios, ruinas históricas o lugares en los cuales se hayan producido hechos muy importantes.

Más allá de su incidencia clínica como enfermedad psicosomática, el síndrome de Stendhal se ha convertido en un referente de la reacción romántica ante la acumulación de belleza y la exuberancia del goce artístico.

Se denomina así por el famoso autor francés del siglo XIX, Stendhal (seudónimo de Henri-Marie Beyle), quien dio una primera descripción detallada del fenómeno que experimentó en 1817 en su visita a la basílica de la Santa Cruz en Florencia, Italia, y que publicó en su libro Nápoles y Florencia: Un viaje de Milán a Reggio:

«Había llegado a ese punto de emoción en el que se encuentran las sensaciones celestes dadas por las Bellas Artes y los sentimientos apasionados. Saliendo de Santa Croce, me latía el corazón, la vida estaba agotada en mí, andaba con miedo a caerme».

Capillas Bardi y Peruzzi

Estas capillas son contiguas, y están ubicadas dentro del templo, a la derecha de la capilla o altar mayor.

La basílica de Santa Croce fue lugar de trabajo por muchos años del genio prerenacentista, Giotto (1266-1337). Sus pinturas murales que aquí se conservan, están entre las más importantes del siglo XIII. Sólo han llegado hasta hoy los frescos de Giotto de 2 de las 4 capillas que iluminó: La capilla Bardi, con historias de la vida de San Francisco de Asís; y la capilla Peruzzi, con escenas de la vida de San Juan Evangelista y de San Juan Bautista. A inicios del siglo XIX, los frescos se cubrieron con cal. Desde 1852 estas inapreciables obras fueron saliendo a la luz, aunque muy dañadas; por lo cual fueron repintadas. Los trabajos de restauración, realizados entre 1958 y 1961 eliminaron esta sobre pintura y trataron de devolverles a su estado original, en la medida de lo posible

St. Francis ante el  Sultán

La notable presencia de Giotto y de toda su escuela, representa una obra muy completa, y es un inestimable testimonio del arte florentino del siglo XIV.

Bardi Chapel - Giotto - Death of St. Francis

Se pueden admirar las obras de: Cimabue, Giotto, Agnolo Gaddi, Brunelleschi, Donatello, Giorgio Vasari, Lorenzo Ghiberti, Andrea Orcagna, Luca Della Robbia, Giovanni da Milano, Bronzino, Michelozzo, Domenico Veneziano, Maso di Banco, Giuliano da Sangallo, Benedetto da Maiano, Antonio Canova, y muchos más.

Es posible que otras dos capillas más también hayan sido pintadas por Giotto, aunque lamentablemente algunos de los frescos se encuentran en mal estado de conservación porque en el siglo XVIII intentaron lavarlos. Los frescos de la Capilla Bardi siguen siendo tan impresionantes como cuando fueron pintados.

"Ascensión del evangelista" fresco realizado por Giotto para la capilla Peruzzi dentro de la serie dedicada a la vida de San Juan, encargado por Giovani di Rinieri Peruzzi en torno a 1325

La familia Peruzzi tuvo comienzos sencillos, sin embargo lograron convertirse en banqueros influyentes, a nivel de los nobles Bardi y Acciaioli. Su capital se creó a base de la importación y exportación, estos confeccionaban lana inglesa, y vestidos de la actual Bélgica para venderlos a Francia, Inglaterra y Nápoles. En el siglo XIV tenían el monopolio de la exportación de granos, en el sector bancario podían contar entre sus clientes a papas, nobles, burgueses, ciudades y abadías.

Se pueden destacar entre los aportes como mecenas de los Peruzzi la construcción de una capilla en la Basílica de la Santa Cruz de Florencia, el mecenazgo a Giotto di Bondone, quien pintaría para la familia los muros en honor de Juan el evangelista y Juan Bautista y Villa la Torre Peruzzi.

En 1343 la compañía Peruzzi se ve obligada a cerrar por diversos motivos, entre ellos, un préstamo impago por 600.000 florines pedido por el rey Eduardo III de Inglaterra, la guerra de Florencia contra Lucca y una rebelión campesina en Flandes.

Los Bardi eran una familia noble desde el siglo XII, la conformaban mecenas y banqueros, los cuales comenzaron “Compagnia dei Bardi” una empresa dedicada al comercio y a la banca. Dos siglos más tarde se convirtieron en una de las familias más ricas gracias al comercio de aceite, vino y lana de alta calidad.

A través del matrimonio de Contessina de’ Bardi con Cosme de Medici, la familia Medici obtuvo más notoriedad en el aspecto político, puesto que estos no eran de noble alcurnia. Entre los aportes a la cultura de la familia Bardi se puede encontrar el Palazzo Busini Bardi y las pinturas que conforman el Bardi Altarpiece.

Su declive comenzó al igual que el de los Peruzzi, en el siglo XV, al ser acreedores de los gobernantes más poderosos de Europa, especialmente el préstamo efectuado al Rey Eduardo III por 900.000 florines, cuando este no pagó los Bardi no tuvieron más alternativa que cerrar su banco. Sin embargo, de alguna manera lograron recuperarse y financiar los viajes de Cristóbal Colón y John Cabot a América.

Giotto di Bondone (o simplemente Giotto) (Colle di Vignapiano, República de Florencia c. 1267-Florencia, 8 de enero de 1337) fue un pintor, muralista, escultor y arquitecto florentino de la Baja Edad Media, un autor del Trecento considerado uno de los iniciadores del movimiento renacentista en Italia. Su obra tuvo una influencia determinante en los movimientos pictóricos posteriores. Un contemporáneo de Giotto, el banquero y cronista Giovanni Villani, lo describió como «el maestro de pintura más soberano de su tiempo, quien dibujó todas sus figuras y sus posturas de acuerdo con la naturaleza», y reconoció públicamente su talento y excelencia.

La basílica de la Santa Cruz ha sido definida como el Panteón de las glorias italianas, pues acoge las sepulturas y cenotafios de personajes tan ilustres como: Dante Alighieri, Nicolás Maquiavelo, Galileo Galilei, Miguel Ángel, Gioacchino Rossini, Vasari, Lorenzo Ghiberti, Guillermo Marconi, Vittorio Alfieri y Ugo Foscolo.

Tumba de Miguel Ángel, Basílica de Santa Cruz

El cuerpo de Miguel Angel fue devuelto a Florencia desde Roma en 1574,  10 años después de su muerte (y 34 años después de que hubiera abandonado la ciudad). Se dice que su deseo era ser enterrado cerca de la entrada de Santa Croce para que el dia del Juicio Final (cuando se levantaran las lápidas de las tumbas), lo primero que apareciese ante sus ojos fuera la gran cúpula de Brunelleschi. En un principio la tumba iba a haber incluido esculturas del mismo Miguel Angel (como la Pietá del Museo dell'Opera del Duomo). Al final la posteridad hubo de contentarse con una estatua de Vasari

Tumba de Galileo Galilei

Tumba de Dante 

Curiosidades

Por fin una fachada

150 años después de su construcción, Sta. Croce carecía todavía de fachada. En el siglo XIX se le añadió la que resultó ser un fraude urdido por un charlatán que asegurab a haber encontrado las planos perdidos de la fachada original. Financiado por el inglés Sir Francis Sloane, está inspirada en el Tabernáculo de Orcagna que figura en Orsanmichele

Imagen de Iglesia de Orsanmichele, Florencia: -Tabernacle d'Andrea Orcagna 1349-1359.

Una llamada a la humildad

San Francisco no habría estado en absoluto complacido con Sta. Croce. "Las iglesias han de ser pequeñas", escribió una vez, "pues no se deben levantar grandes templos para predicar a las gentes o por ninguna otra razón, pues se demostrará mayor humildad y se dará un mejor ejemplo yendo a predicar en otras iglesias"

Tristes obligaciones

A pesar de los pacíficos principios de San Francisco, en 1254 los franciscanos de Florencia sustituyeron a los dominicos en el cumplimiento de las funciones inquisitoriales. El Inquisidor General tenía su sede en Santa Croce. Dos frailes armados recorrían la ciudad en compañía de un abogado, a la caza de herejes. Las "confesiones" se obtenían a menudo mediante tortura, y los malhechores podían ser multados o ejecutados en  la hoguera. Un tercio de las multas iba a para al papado (y la Inquisición), un tercio a la ciudad (para financiación de las murallas), y un tercio a la construcción de Santa Croce y Santa María Novella.

La Capilla Pazzi, o de los Pazzi, es un recinto situado en el exterior de la Basílica, al este de su primer claustro. Se construyó después de 1429, como recinto funerario de una de las grandes familias florentinas del renacimiento, los Pazzi, y como sala para los franciscanos. Es obra de Filippo Brunelleschi, aunque fue terminada unos 20 años después de su muerte, como muchas de sus obras.

Pazzi

Familia noble originaria de Toscana, se trasladaron a Florencia en el siglo XI, Pazzino de Pazzi les dio notoriedad durante la primera cruzada. Se convirtieron en banqueros y comerciantes en el siglo XIV. En su política pertenecieron a la facción güelfo, lo que les canjeó una enemistad con los Medici. También tuvieron una gran influencia militar.

Como mecenas sirvieron a Filippo Brunelleschi para construir una capilla en la Basílica de la Santa Cruz, que pasaría a llamarse Capilla Pazzi. Adicionalmente algunos miembros de la familia son mencionados por Dante Alighieri en la Divina Comedia como ladrones y traidores a la patria. Además ordenaron la construcción del Palazzo Pazzi-Quaratesi

Guglielmo de Pazzi se casó con una Medici pero la tregua no duró, pues la familia conspiró para asesinar a Lorenzo di Piero de Medici. El plan falló, pues el pueblo apoyaba a los Medici, Lorenzo resultó herido. En consecuencia, los hermanos Pazzi fueron arrestados de por vida, Renato de Pazzi fue ahorcado, y otros miembros fueron exiliados. Luego de que se levantará el exilio los Pazzi volvieron a los negocios pero nunca volvieron a tener el prestigio anterior.

Esta capilla es considerada el ejemplo más representativo de la arquitectura de Brunelleschi, y una de las obras fundamentales y más bellas del Renacimiento. El tamaño de la capilla está en función del hombre y ya no de Dios. Brunelleschi tuvo que adaptarse a un espacio muy pequeño.

Pórtico de la Capilla Pazzi en el Claustro de la Iglesia de la Santa Croce en Florencia
El pórtico está cubierto por una bóveda de cañón y en el centro por una pequeña cúpula de colores de Luca della Robbia. Dentro del pórtico existe una nueva fachada formada por cuatro ventanas terminadas en un arco de medio punto (2 en cada lado) y en el centro una puerta que termina con un frontón triangular.

Interior-capilla-Pazzi

Basilica di Santa Croce: Claustro

La Última Cena de Taddeo Gaddi en el refectorio de la Basilica di Santa Croce

Museo dell'Opera di Santa Croce (Florence)

Frescos de la sacristía siglo XIV

Crucifijo Santa Croce

La evolución que sufrieron las formas góticas para llegar a desarrollar una estética clasicista enmarcada en el Renacimiento estuvo dominada en Italia por una tendencia denominada como Trecento. En esta época, las rígidas formas del estilo gótico se van abandonando paulatinamente en pro de formas más realistas y naturales como las que después se desarrollarán en el renacimiento. Según uno de los teóricos más destacados de esta etapa, Giorgio Vasari, en el Trecento Italiano se diferenciaron dos escuelas que potenciaron distintas sendas, por un lado la escuela sienesa con artista como Fra Angélico a la cabeza que desarrollaron un arte galante, de formas sinuosas y elegantes; por otro lado, la escuela florentina –en la que destacan artistas como Masaccio o Cimabue- más interesada en la perfección técnica y en los avances en el campo de la perspectiva.

El crucifijo de Santa Croce debió de ser pintado entre 1275 y 1285, se trata de una gran pieza realizada en óleo sobre madera que mide casi cuatro metros de altura y más de cuatro con treinta metro de anchura. La postura de Jesucristo con una gran torsión del cuerpo al igual que la composición con los retratos de María y San Juan, siguen siendo muy similares al que el artista ya había pintado en Arezzo. Sin embargo el naturalismo de la obra ya es mayor y las formas no son tan rígidas, además el colorido es mucho más realista jugando con la luz y los volúmenes de la pieza.Lamentablemente la obra de Cimabue resultó gravemente dañada en las inundaciones de la ciudad de Florencia que tuvieron lugar en 1966. El agua subió más de cinco metros de altura y provocó graves daños tanto en la iglesia como en las obras que allí se encontraban. El crucifijo perdió casi el sesenta por ciento de su pintura, sobretodo en la figura de Jesucristo, y tuvo que ser sometido a una gran restauración en la que se repintaron las zonas perdidas a causa del agua.

Pertenece a esa segunda escuela y se trata del Jesucristo crucificado de Cimabue, también conocido como Crucifijo de Santa Croce de Cimabue por encontrarse ubicado en la Iglesia de Santa Croce de Florencia. Cimabue, cuyo verdadero nombre era Cenni di Pepo (1240 – 1302) es uno de los principales artistas de la escuela florentina. Lo cierto es que no son muchos los datos que conocemos acerca de su vida y la mayoría de ellos son confusos; según Vasari sus maestros debieron ser bizantinos y a juzgar por la cantidad de encargos que recibió, debió de ser considerado como uno de los mejores artistas de su tiempo.

(II) Mi semana en Florencia (XXII) - Palazzo Pitti (El Palacio hoy)

Mi semana en Florencia (XXII) -  Pitti Uomo - Palazzo Pitti, pincha aqui 

El Palacio hoy 

Comparado con muchos de los grandes palacios de Italia, el Palacio Pitti no destaca, a primera vista, ni por tamaño ni por su aspecto exterior. La relevancia arquitectónica del Palacio Pitti es su severidad y simplicidad, una estructura que ha sido copiada repetidas veces a lo largo de la historia. Llama la atención por la magnificencia del tamaño, la fuerza y el reflejo de la luz en la repetitiva estructura de piedra de la fachada, en la que el vasto y sólido almohadillado quita importancia a la ornamentación y la elegancia del diseño. Como en muchos otros palacios italianos, se debe entrar en el edificio para apreciar plenamente su arquitectura.

En su sexto siglo de existencia, el Palacio Pitti, está mejor mantenido y más espléndido que nunca, siendo visita turística obligada de los cinco millones de visitantes que recibe Florencia cada año. 

Sebastiano Ricci
Sebastiano Ricci (Belluno, 1659 – Venecia, 15 de mayo de 1734) fue un pintor italiano.

Pitti, loggia di ferdinando I  alessandro allori 1588

El Palacio Piiti es en la actualidad el complejo museístico más grande de Florencia. El principal edificio del palazzo, habitualmente denominado corps de logis tiene una superficie de 32.000 m².

La Galería Palatina, situada en el piano nobile del palacio, es probablemente el más famoso conjunto que en su día formase parte de las famosas colecciones Médicis. Este museo de 28 salas, que atraviesa los apartamentos reales, contiene obras de Botticelli, Fra Bartolomeo, Rafael (Madona de la silla, La Dona Velata, Madonna del granduca...), Andrea del Sarto, Tiziano, Correggio, Jacopo Pontormo, Domenico Beccafumi, Caravaggio, Rubens (Los cuatro filósofos), Artemisia Gentileschi y Pietro da Cortona, entre otros. Sigue manteniendo la apariencia de una colección privada, pues las obras de arte están dispuestas a la manera de un palacio, en vez de la colocación típica de los museos.

Copia del c.d. "Antinoo capitolino" / Copy of the so-called "Capituline Antinous".

Judith y su criada  (114x93,5 cm) de Artemisia Gentileschi 1618 - 1619
Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 8 de julio de 1593-Nápoles, hacia 1654) fue una pintora barroca italiana, representante del caravaggismo.
En mayo de 1611, cuando Artemisia tenía 18 años, el pintor Agostino Tassi, maestro de Artemisia y amigo de su padre, la violó, un suceso que se considera que tuvo influencia tanto en su vida como en su pintura.

El Retrato de Julio II es un óleo de 1511 -1512, del pintor italiano del Alto Renacimiento, Rafael Sanzio. Esta pintura del papa Julio II, que era un tema bastante popular entre Rafael y sus discípulos, fue inusual para su época y marcaría una gran influencia sobre los siguientes retratos papales. Desde sus inicios fue colgado, de manera especial, en los pilares de Santa María del Popolo, a las puertas de Roma, durante los días de fiesta y de los santos. Giorgio Vasari, escribiendo mucho después de la muerte de Julio, dijo que "era tan real y verdadero, que asustaba a todo el que le veía, como si estuviera vivo".

Eleonora di Toledo, ritratto della scuola di Agnolo Bronzino, possibly on the occasion of her death, in 1562. Based on an earlier portrait by Bronzino.
Agnolo Tori o Angelo di Cosimo di Mariano o Agnolo Bronzino, más conocido como Bronzino, El Bronzino o Il Bronzino (Ponticelli de Florencia, 17 de noviembre de 1503 – Florencia, 23 de noviembre de 1572). Pintor italiano predominantemente áulico y uno de los más destacados representantes del manierismo más refinado, maduro e intelectual.

Retrato de Carlos I de Inglaterra y Henriette de Francia, pintado por Anton van Dyck
Carlos I de Inglaterra y de Escocia (en inglés, Charles I of England and Scotland; Dunfermline, Escocia, 19 de noviembre de 1600 - Palacio de Whitehall, Londres, 30 de enero de 1649), fue rey de Inglaterra, Escocia e Irlanda, desde el 27 de marzo de 1625 hasta su ejecución en 1649.
Enriqueta María de Francia (Palacio del Louvre, París, 25 de noviembre de 1609 - Colombes, 10 de septiembre de 1669) fue Reina Consorte de Inglaterra, Escocia e Irlanda desde su matrimonio con el rey Carlos I de Inglaterra el 13 de junio de 1625, hasta que fue depuesta de dicho título tras la ejecución de su marido el 30 de enero de 1649.

La Donna Velata de Rafael, de las colecciones Médicis de la Galería Palatina .
Raffaelo Sanzio (Urbino, 1483-1520), más conocido por Rafael, es una de las figuras cumbres del Renacimiento italiano. Junto con Leonardo da Vinci (30 años mayor que él) y Miguel Angel Buonarroti (8 años mayor) forma el trío de los grandes maestros de este período. 

Virgen de la silla (Virgen con Niño y san Juanito) de Rafael Sanzio, 1513-1514 -- 71 centímetros de diámetro. Se conserva en la Galería Palatina del Palacio Pitti de Florencia, Italia. Es una obra renacentista

Portrait of Agnolo Doni between 1505 and 1506 . Florence, Palazzo Pitti.

Las principales estancias fueron decoradas por Pietro da Cortona en puro estilo barroco, que pintó frescos en siete salas del palacio.

Apartamentos Reales

Estos son un conjunto de catorce estancias, usadas formalmente por la familia Médici y sus descendientes. Estos cuartos han sido notablemente alterados desde la era Médici, principalmente durante el siglo XIX y contienen una colección de retratos de los Médicis, muchos de ellos por Justus Sustermans.

Valdemar Cristian de Dinamarca (Palazzo Pitti, Florencia) - Justus Sustermans

Justus Sustermans, conocido en Italia como Giusto Sustermans (Amberes, 28 de septiembre de 1597 - Florencia, 23 de abril de 1681), fue un pintor flamenco establecido en Italia durante el Barroco, especializado en el retrato cortesano.

Fue llamado a la corte imperial de Viena para realizar retratos del emperador Fernando II y su familia.

Double Portrait of the Grand Duke Ferdinand II of Tuscany and his Wife Vittoria della Rovere
Fernando II de Habsburgo (Graz, 9 de julio de 1578 - Viena, 15 de febrero de 1637), Archiduque de Austria, Duque de Estiria, de Carintia y de Carniola (1590), Rey de Bohemia (1617) y Rey de Hungría (1618-1625) y Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico (1619-1637). -- Fue un devoto de la Iglesia Católica. Su reconocimiento como Rey de Bohemia y la supresión del Protestantismo en sus territorios precipitó los eventos que llevaron a la Guerra de los Treinta Años. Su reino estuvo marcado por los asuntos militares y religiosos.

Galería de Arte Moderno

Esta enorme colección, que se extiende a lo largo de cuarenta cuartos, incluye obras de los artistas del movimiento Macchiaioli y otras escuelas modernas italianas. Las pinturas de este movimiento, junto con la escuela de Toscana del siglo XIX (dirigida por Giovanni Fattori) fueron precursores del Impresionismo.

Los macchiaioli en el Caffè Michelangiolo, foto de 1856 --El "caffè Michelangiolo" en Florencia, inaugurado en 1845, se encontraba en la Calle Cavour 21.
Los macchiaioli (en italiano «manchistas» o «manchadores») conformaron un movimiento pictórico que se desarrolló en la ciudad italiana de Florencia en la segunda mitad del siglo XIX. El término fue acuñado en 1862 por un columnista anónimo del periódico Gazzeta del Popolo, que con esa expresión despreciativa definió al grupo de pintores que en torno a 1855 había originado una renovación antiacadémica de la pintura italiana. Estos jóvenes artistas se reunían en el Caffè Michelangiolo, donde bullían las nuevas ideas con que querían contribuir a la pintura de su época.

Carga de caballería en Montebello (1862), de Giovanni Fattori, Museo Civico Giovanni Fattori, Livorno. Los macchiaioli estuvieron muy comprometidos con la unificación de Italia

La Unificación de Italia fue el proceso histórico que a lo largo del siglo XIX llevó a la unión de los diversos estados en los que la península italiana estaba dividida, en su mayor parte vinculados a dinastías consideradas «no italianas» como los Habsburgo o los Borbones.

La sirga, en Le Cascine de Florencia (1864), de Telemaco Signorini, colección privada

La sala de las agitadas al San Bonifazio en Florencia.
Telemaco Signorini, fue un pintor macchiaioli italiano, nacido en Florencia (10 de agosto de 1835) y fallecido en la misma ciudad el 10 de febrero de 1901.
Frecuenta el "Café Michelangelo". En 1856 viaja a Venecia donde conoce a Abbati.
En 1861 viaja a París, donde lo impresionan profundamente las obras de Corot, Décamps, Daubigny. Con Lega, Abbati, Borrani y Sernesi forma la Escuela de Piagentina en Florencia. Entre 1869 y 1892 viaja frecuentemente varias capitales europeas, París, en varias oportunidades, Londres, Escocia. A principio de los años 1870 conoce a Degas, que influirá en su obra.

Die Rotonde von Palmieri de  Fattori  (1825–1908) - Galería de Arte Moderno - Palazzo Pitti