(II) ORSON WELLES "El niño prodigio"

(I) ORSON WELLES "El niño prodigio" - Ciudadano Kane - La finca Recreo de San Cayetano (Ronda) lugar dónde descansa Welles, pincha aqui

Para el guión de su segunda película, "El cuarto mandamiento" 1942 Welles se basó en la novela "The magnificent Ambersons" de Booth Tarkington (Premio Pulitzer en 1919). La película reflejaba la vida de una familia norteamericana a principios del siglo XX. El montaje final de Welles fue alterado por la RKO hasta tal punto que el cineasta diría que habían arruinado su obra. No obstante la película conserva el vigor creativo de "Ciudadano Kane".

A finales del siglo XIX, la mansión Amberson es la más fastuosa de Indianápolis. Cuando su dueña, la bellísima Isabel, es humillada públicamente, aunque de forma involuntaria por su pretendiente Eugene Morgan, lo abandona y se casa con el torpe Wilbur Minafer. Su único hijo, el consentido George, crece lleno de arrogancia y prepotencia. Años más tarde, Eugene regresa a la ciudad con su hija Lucy, y George se enamora de ella. 

El cuarto mandamiento (1942) de Orson Welles, pincha aqui

Con "El extraño"· 1946 Welles se puso al frente de un proyecto en el que, como él mismo reconoció, su implicación personal fue mínima. A pesar de todo demostró que también sabía ser un eficaz artesano.

The Stranger (El extraño o El extranjero) es una película estadounidense dirigida por Orson Welles en 1946. Está interpretada por Edward G. Robinson, Loretta Young y el propio Welles.
Wilson es un miembro de la comisión de crímenes de guerra que está buscando a Franz Kindler, uno de los cerebros del holocausto, que ha borrado el rastro de su identidad. Para encontrarlo, Wilson sigue a un antiguo camarada de Kindler llamado Meinike hasta Harper, Connecticut, en donde este último es asesinado por Kindler antes de que Wilson pueda identificarlo. La única pista que le queda es la fascinación del criminal nazi por los relojes antiguos.

"La dama de Shanghai" 1948 con su apariencia de thriller al uso, y similar en varios aspectos al filme "Vértigo" de Hitchcock 1958 --la ciudad de San Francisco, el teñido del cabello de Rita Hayworth, el traje sastre gris -- trascendió los límites del género y de un enrevesado argumento, para convertirse en una tela de araña que atrapa al espectador con una rara fascinación.

Orson Welles,  Rita Hayworth,  Everett Sloane,  Glenn Anders,  Ted de Corsia, Erskine Sanford,  Gus Schilling,  Carl Frank,  Louis Merrill,  Evelyn Ellis,  Harry Shannon
Michael O'Hara (Orson Welles), un marinero irlandés, entra a trabajar en un yate a las órdenes de un inválido casado con una mujer fatal (Rita Hayworth) y queda atrapado en una maraña de intrigas y asesinatos. 

Orson Welles habla sobre "La dama de Shangai" (Orson Welles about "The Lady from Shangai"), pincha aqui

"Mr. Arkadin" 1954 se resintió de un argumento que parecía querer aprovechar muchas de las premisas de "Ciudadado Kane", así como de un reparto poco adecuado si exceptuamos la interpretación del propio Welles en su papel protagonista.

Guy Van Stratten, contrabandista estadounidense de poca monta que está trabajando en Europa, está en la escena de un asesinato. El moribundo le susurra dos nombres que -según él- son muy valiosos. Uno de ellos es Gregory Arkadin. Con el uso de esta pequeña información y un montón de fabulaciones, Van Stratten logra conocer al magnate, aparente multimillonario, Mr. Arkadin, que lo contrata para investigar su propio pasado, que dice haber olvidado. Viajando por todo el mundo, Van Stratten intentará reunir las piezas para reconstruir el pasado de Arkadin.

"Sed de Mal" (1958) es su segunda obra maestra después de Ciudadano Kane. En este subyugante thriler, Welles se reserva el papel de un obeso inspector de policía que utiliza métodos de una ética más que dudosa. La película recorre un mundo onírico y de ambientes enfermizos que tiene ecos de drama shakespeariano.

Charlton Heston,  Janet Leigh,  Orson Welles,  Marlene Dietrich,  Joseph Calleia, Akim Tamiroff,  Dennis Weaver,  Ray Collins,  Mercedes McCambridge, Joseph Cotten,  Zsa Zsa Gabor
Un agente de la policía de narcóticos (Heston) llega a la frontera mexicana con su esposa justo en el momento en que explota una bomba. Inmediatamente se hace cargo de la investigación contando con la colaboración de Quinlan (Welles), el jefe de la policía local, muy conocido en la zona por sus métodos expeditivos y poco ortodoxos. Una lucha feroz se desata entre los dos hombres, pues cada uno de ellos tiene pruebas contra el otro. 

En "El proceso" 1962 Welles intentó adaptar la novela de Franz Kafka sirviéndose de su particular estilo cinematográfico. El resultado global fue desigual, aunque notable en muchas escenas.

Welles ofreció una personalísima y muy intensa visión del mundo de Shakespeare en tres películas: "Macbeth" 1948, "Othello" 1952, y "Campanadas a medianoche" 1966. Ésta última, inspirada en diversas obras del dramaturgo inglés, es un monumento de inventiva visual y maestria interpretativa. La película tiene como hilo conductor a Sir John Faistaff, interpretado por el propio Welles.

Orson Welles,  Keith Baxter,  John Gielgud,  Jeanne Moreau,  Margaret Rutherford, Marina Vlady,  Norman Rodway,  Alan Webb,  Fernando Rey,  Walter Chiari, Andrew Faulds,  Michael Aldridge,  Julio Peña,  Andrés Mejuto,  Keith Pyott, Jeremy Rowe,  José Nieto

Inglaterra, Guerra de los Cien Años (ss. XIV y XV). Enrique IV, primer monarca de la dinastía de los Lancaster, en 1399 le arrebata el trono a su primo Ricardo II. Adaptación de varias obras de Shakespeare: "Enrique IV", "Enrique V", "Las alegres comadres de Windsor" y "Ricardo II". 

Escenas de la película Campanadas a Medianoche rodadas en Soria, pincha aqui

Fue uno de los directores de mayor talento de la historia del cine. Ciudadano Kane, en su momento y ahora, representó y representa un prodigio de la técnica y narrativa cinematográfica.

Que grande es el cine CIUDADANO KANE coloquio 1/5, pincha aqui

Cual experimentador apasionado, investiga con el montaje troceado, concretamente en "Otelo" 1952, otra de sus obras maestras. Pero también se supera a si mismo con planos secuencias interminables, tal como hará con la vertiginosa obertura de "Sed de mal" 1958, un acrobático piano secuencia que pasa de la frontera americana a la frontera mexicana y que termina con la explosión de una bomba.

Plano secuencia inicial de 'Sed de mal', pincha aqui

Obras llenas de vida capaces de realzar tanto la imagen (el tiroteo en la galería de los espejos en "La dama de Shanghai") como la palabra (la confesión del policía corrupto en "Sed de mal") y el sonido, las películas de Welles afirman la soberanía y la plenitud del autor.

La dama de shanghai / espejos / (1947), pincha aqui

Por otra parte, aunque la mentira se ponga al servicio de las maquinaciones más monstruosas "La dama de Shanghai, Mabeth, Sed de mal", también es capaz de crear una tragedia (Otelo) o incluso una historia de amor (Una historia inmortal). También puede convertirse en el simple instrumento del pudor (Campanadas a medianoche) y su personaje tan conmovedor detrás de su apariencia de vividor; quizás se trate de su autorretrato).

Su inteligencia y su personalidad le permitieron arrastrar tras su estela a una serie de colaboradores fascinados, que aceptaron trabajar con sueldos bajos (o incluso sin remuneración alguna): Jeanne Moreau, Mariene Dietrich, Lilli Palmer, John Gielgud, y muchos más que no se resistieron a su llamada.

En ocasiones es difícil establecer la cronología exacta de su filmografía debido a las películas que inició y no pudo finalizar por falta de financiación.

La etapa final de su carrera como director estuvo marcada por ambiciosos e inconclusos proyectos, como "Don Quijote", "The deep" o "The other side of the Wind".

Guion Orson Welles, Jesús Franco (Novela: Miguel de Cervantes)

Francisco Reiguera,  Akim Tamiroff,  Orson Welles,  Paola Mori,  Juan Serrano, Beatrice Welles,  Oja Kodar (Voz: Pepe Mediavilla,  Juan Carlos Ordóñez, Constantino Romero,  Edward Marcus,  Fernando Rey,  Allan Wenger)

Welles recrea su peculiar visión de España a través de los ojos de Don Quijote y Sancho, a los que hace recorrer la España de los sanfermines, las fiestas de moros y cristianos, la Semana Santa, etc. Welles murió sin terminar la película. Su amigo el director Jess Franco se encargó del montaje, siguiendo las indicaciones que dejó escritas el propio Welles. Antes se ocupó de buscar materiales que estaban diseminados por medio mundo.

"Un filme apasionante, vitalista y revolucionario (...) todo ello envuelto en una sucesión de imágenes de insólito vigor expresivo. Por completo imprescindible."
Miguel Ángel Palomo: Diario El País

Welles recrea su peculiar visión de España a través de los ojos de Don Quijote y Sancho, a los que hace recorrer la España de los sanfermines, las fiestas de moros y cristianos, la Semana Santa, etc. Welles murió sin terminar la película. Su amigo el director Jesús Franco se encargó del montaje, siguiendo las indicaciones que dejó escritas el propio Welles, retocando además el guión (junto con Javier Mina). Antes se ocupó de buscar materiales que estaban diseminados por medio mundo y se reunieron para el montaje final. Los problemas que tuvo Welles para financiar este filme repercuten en la calidad formal del mismo, pues se percibe diversidad de materiales de rodaje (varios soportes de filmación), deficiencias técnicas (escasa iluminación en algunas tomas), y muchos años de rodaje interrumpido. A pesar de ello es una de sus películas más deseadas y personales.

(Rodada en Pamplona durante los Sanfermines) - Don Quijote (Orson Welles), pincha aqui

Además de haber participado como actor en muchas de sus películas, Welles desarrolló una importante carrera interpretativa, que le servía para financiar sus propios proyectos. Entre sus interpretaciones con otros directores destacan "Alma rebelde" 1944, de Robert Stevenson, "El tercer hombre", de Carol Reed, y "Moby Dick", de John Huston.

Joseph Cotten,  Alida Valli,  Trevor Howard,  Orson Welles,  Bernard Lee, Paul Hörbiger,  Ernst Deutsch,  Siegfried Breuer,  Erich Ponto,  Wilfrid Hyde-White, Hedwig Bleibtreu
Comienzos de la Guerra Fría, en Viena, 1947. El norteamericano Holly Martins, un mediocre escritor de novelas del Oeste, llega a la capital austríaca cuando la ciudad está dividida en cuatro zonas ocupadas por los estados aliados de la II Guerra Mundial. Holly va a visitar a Harry Lime, un amigo de la infancia que le ha prometido trabajo. Pero su llegada coincide con el entierro de Harry, que ha muerto atropellado por un coche en plena calle. El jefe de la policía militar británica le hace saber a Martins que Lime estaba gravemente implicado en el mercado negro. Pero a Martins no le cuadra un detalle: todos dicen haber visto a dos hombres en el lugar del atropello intentando ayudar a Lime, pero un testigo asegura haber visto a un tercer hombre... Adaptación de la novela homónima de Graham Greene. 

En 1973, Welles estrena "Fraude", una película de corte experimental planteada como un falso documental que se anticipa a algunas propuestas del cine postmoderno y que fue reconocida como influyente por realizadores como Jean-Luc Godard.

Documentary,  Orson Welles,  Oja Kodar,  Joseph Cotten,  Jean-Pierre Aumont, Laurence Harvey
Documental sobre el fraude y las falsificaciones que se centra en la figura del falsificador Elmyr de Hory y su biógrafo, Clifford Irving, autor también de la fraudulenta biografía de Howard Hughes. Asimismo relata la reclusión de Hughes y la carrera de Welles, que comenzó con la emisión radiofónica de una falsa invasión marciana: "The War of the Worlds".

1941 Oscar al mejor guión original por Ciudadado Kane

1971 Oscar honorífico

1975 Premio honorífico American Film Institute

Aunque para la Historia del Cine la primera película dirigida por Orson Welles será siempre "Ciudadano Kane" desde agosto de 2013 se reescribió la historia después de encontrarse en Italia "Too Much Johnson"
Hasta su descubrimiento, el mundo del cine pensó que el film había sido destruido en el incendio de la casa del director de "Ciudadano Kane", cerca de Madrid, en 1970.

Nota:
Netflix terminará, 40 años después, una de las películas inacabadas de Orson Welles

La plataforma restaurará y lanzará en 'streaming' mundial 'Al otro lado del viento'

El cineasta escribió y dirigió el filme en los setenta

Película inacabada que describe la historia de un veterano director de cine que en medio del rodaje de su nuevo filme sufre la deserción del protagonista.

¿Quién le iba a decir a Orson Welles que algún día estrenaría una película en Internet? La última cinta que el director dejó inacabada The Other Side of the Wind (Al otro lado del viento) verá la luz gracias a la plataforma de ocio digital Netflix, que se encargará de restaurar y concluir aquella sátira sobre Hollywood que el director gestó y dirigió entre los sesenta y los setenta. El legado de Welles siempre da que hablar: hace tres años se descubrió lo que fue su primer trabajo fílmico, Too Much Johnson (1938).

De izquierda a derecha, John Huston, Orson Welles y Peter Bogdanovich en el rodaje de 'El otro lado del viento'. INDIEGOGO

En esta ocasión, lo más llamativo es que la odisea cinéfila que inició el productor Frank Marshall para estrenar Al otro lado del viento, se vea culminada con la aparición de Netflix, que adquiere los derechos globales de la película. El público de todo el mundo podrá verla mediante streaming, aunque todavía se desconoce su fecha de estreno. “Apenas puedo creerlo, pero después de 40 años intentándolo estoy agradecido porque la pasión y la perseverancia de Netflix nos han permitido, de una vez por todas, acabar la película”, explicó Marshallen un comunicado.

Orson Welles escribió y dirigió en los setenta el que iba a ser su canto del cisne, una especie de collage vanguardista de tintes claramente autobiográficos. Cuenta con sorna la historia de un gran director que prepara su regreso a Hollywood tras un prolongado exilio europeo (como el suyo). En aquel proyecto enroló a nombres tan importantes como Peter Bogdanovich, Claude Chabrol, Lilli Palmer, Edmond O’Brien, Dennis Hopper o Norman Foster. Para interpretar a su sosia, a quien bautizó como Jake Hannaford, llamó nada menos que a John Huston.

ORSON WELLES "El niño prodigio" - Ciudadano Kane - La finca Recreo de San Cayetano (Ronda) lugar dónde descansa Welles

George Orson Welles (Kenosha, Wisconsin; 6 de mayo de 1915-Hollywood, California; 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense.

¿Por qué fue un niño prodigio? Sin duda, porque Welles se educó junto a una madre que le llevó por la senda de la cultura, por el camino de la música y del arte. Se cuenta que a los cinco años, tras un concierto de Stravinsky en Nueva York, hasta donde le llevó su tutor, el doctor Maurice Bernstein, el niño Welles disertó con inteligencia delante de un grupo de gente sobre la música escuchada. Entre el citado grupo, estaba Agnes Moorhead, la que sería luego una de las actrices de Ciudadano Kane y de El cuarto mandamiento, mucho tiempo después.

Increíblemente precoz, Orson Welles tiene Hollywood a sus pies con tan sólo 24 años. Pero Hollywood lo rechazará con la misma facilidad con la nque lo acogió. Condenado a errar, va de papel en papel, en películas dirigidas por otros, con lo que obtiene magros recursos para financiar sus propias películas, cuyo montaje irá completando al filo de sus peregrinajes.

Su familia se componía de su padre Richard Head Welles empresario e inventor, su madre Beatrice Ives quien se dedicaba a dar conciertos de piano y su hermano mayor Dickie quien fue recluido en una institución psiquiátrica por múltiples problemas mentales. Beatrice y Richard se divorciaron en 1921

Maurice Bernstein (médico de Chicago interesado sentimentalmente en la madre de Orson) descubrió su genialidad y Beatrice comenzó a instruir a su hijo en todo tipo de expresiones artísticas, tales como la música, literatura, pintura, dibujo.

Beatrice Ives fallecería de ictericia en un hospital de Chicago el 10 de mayo de 1924.

Tras la muerte de su madre, Orson de nueve años de edad, perdería su interés en la música, y pasó a vivir nuevamente con su padre, que se volvió alcohólico.

Maurice Bernstein seguiría sioendo el impulsor de la educación de Welles, quien estudiaría en la Toll School de Illinois. En 1930, con tan solo 15 años, sufre la pérdida de su padre a causa de su adicción a la bebida.

Orson Welles recorre Europa y Estados Unidos con su tutor, forjando su inmensa cultura. Tras mentir sobre su edad, consigue que lo contraten para unb teatro a la edad de 16 años. A los 19 funda y dirige la compañía del Mercury Theatre, que cuenta con numerosos actores mayores que él.

Sus puestas en escena de Shakespeare (un "Macbeth" "vudú" y un "Julio César" "camisa negra" fascista) lo convierten en una personalidad emergente.

Cónyuges:

Paola Mori (1955–1985)

Rita Hayworth (1943–1948)

Virginia Nicholson (1934–1940)

Margarita Carmen Cansino Hayworth (Nueva York, 17 de octubre de 1918-Nueva York, 14 de mayo de 1987), más conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth, fue una de las actrices más emblemáticas y glamurosas de la época dorada del cine estadounidense y la diva máxima de Hollywood de la década de 1940. Ocupa el puesto 19º en la lista del American Film Institute de las grandes estrellas del Séptimo Arte y fue apodada "la diosa del amor" por el periodismo de su tiempo.
Su fama como mito erótico se consolidó con Gilda (1946), de Charles Vidor, una de las grandes películas del cine negro, en la que Rita protagoniza dos escenas ya míticas: primero, una sugerente interpretación musical de «Put the blame on Mame», con un striptease tan explosivo como breve (solo se quita un guante), y después una bofetada.
Fue su primer marido, Edward Judson, con quien se casó a los dieciocho años a pesar de la oposición de sus padres, quien la lanzó al estrellato, convirtiéndola en su mejor inversión personal.(Se casó 5 veces)

Parejas:

Dolores del Río (1938–1941)

Oja Kodar (1966–1985)

Orson Welles junto con Dolores del Río
Dolores Asúnsolo y López Negrete, conocida profesionalmente como Dolores del Río (Durango, México, 3 de agosto de 1904 - Newport Beach, California, Estados Unidos, 11 de abril de 1983) fue una actriz mexicana. Dolores fue la primera estrella femenina latinoamericana en triunfar en Hollywood, con una destacada carrera en el cine estadounidense en los años 1920 y 1930
 Es considerada también como una de las figuras femeninas más importantes de la Época de Oro del Cine Mexicano en los años 1940 y 1950
Dolores es recordada como uno de los rostros más bellos que aparecieron en la industria fílmica de la época.​ Su larga y versátil carrera abarcó cine mudo, cine sonoro, teatro, televisión y radio.

Hijos:

Christopher Welles Feder (1938)

Michael Lindsay-Hogg (1940)

Rebecca Welles Manning (1944–2004)

Beatrice Welles (1955)

Michael Lindsay-Hogg (Nueva York, 5 de mayo de 1940) es cineasta y documentalista. Ha filmado varias películas para la televisión, pero es más conocido por sus numerosas contribuciones a la filmografía de la música rock: ha filmado a varios artistas importantes, la mayoría en concierto, entre los que se cuentan The Beatles, Paul Simon, Neil Young y The Rolling Stones.
Filmó el famoso documental de los Beatles, Let It Be y el concierto de culto Rock And Roll Circus de los Rolling Stones, entre otros.
Aunque el padre biológico de Michael Lindsay-Hoggs fuera (el por aquel entonces actor) Orson Welles, fue adoptado y educado por el Barón Sir Edward Lindsay-Hogg.

Traslada sus actores y sus proyectos a la radio. Para contrarrestar la fuerte competencia radiofónica que debía soportar el programa en el que trabajaba Welles, para la víspera de la fiesta de Todos los Santos de 1938 se programó una emisión de "La guerra de los mundos", la conocida novela de Herbert George Wells, en una versión actualizada en la que los marcianos invadía Nueva Jersey. El truco del guión consistía en que el radioyente que acababa de conectar la radio escuchaba un programa de música de baile en directo que, de tanto en tanto, se interrumpía para dar paso a breves informaciones sobre "un objeto en llamas, al parecer, un aerolito", que había caído en una granja de Nueva Jersey y que resultaba ser la avanzadilla de una invasión marciana de la tierra.

La guerra de los mundos es una novela de ciencia ficción escrita por Herbert George Wells y publicada por primera vez en 1898, que describe una invasión marciana a la Tierra. Es la primera descripción conocida de una invasión alienígena de la Tierra, y ha tenido una indudable influencia sobre las posteriores y abundantes revisiones de esta misma idea. De la novela de Wells se han hecho adaptaciones a diferentes medios: películas, programas de radio, videojuegos, cómics y series de televisión.

Herbert George Wells (Bromley, Kent; 21 de septiembre de 1866-Londres, 13 de agosto de 1946 ), más conocido como H. G. Wells, fue un escritor, novelista, historiador y filósofo británico. Es famoso por sus novelas de ciencia ficción y es considerado, junto a Julio Verne, uno de los precursores de este género. Sus novelas, junto con las de éste, fueron la inspiración del ingeniero aeroespacial Wernher von Braun.​ Por sus escritos relacionados con la ciencia, en 1970 se decidió en su honor llamar H. G. Wells a un astroblema lunar ubicado en la cara oculta de la Luna.

La Guerra De Los Mundos - Orson Welles Sub - Español, pincha aqui

Orson Welles en 1938

Con la emisión de ese programa provocó la histeria de un buen número de personas, que se creyeron al pie de la letra lo que habían escuchado por la radio. Sin duda, fue un efecto maestro de puesta en escena radiofónica.

Este episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir películas.
Dirige "Ciudadano Kane" 1941 con unos medios que no volverá a tener nunca.

El guión original de Herman Mankiewicz presenta una estructura en flashbacks no cronológica totalmente inusual en aquella época.

Un flashback es una técnica narrativa (literaria, cinematográfica…) que retrotrae la narración temporal a un acontecimiento pasado, casi siempre con la intención de situarse en algo importante para la configuración del presente del personaje o situación desarrollada. 

Orson Welles interpretando a Charles Foster Kane (RKO)
La polémica que generó la cinta fue tal que RKO Pictures recibió ofertas monetarias para destruirla antes de su estreno público. Tras una negociación con los abogados de Hearst, la compañía cinematográfica presionó al director para que eliminara algunos fragmentos de la película. Una de las escenas eliminadas hacía referencia a la sospechosa muerte de Thomas Ince, un magnate del cine que falleció durante una fiesta de cumpleaños de Hearst.

Citizen Kane Rosebud, pincha aqui

Trailer Ciudadano Kane, pincha aqui

Hasta ese momento la experiencia de Welles como realizador cinematográfico era casi nula, por lo que comenzó a estudiar la técnica y el lenguaje del cine, manifestando en varias ocasiones que mucho de lo que aprendió lo hizo viendo "La diligencia" 1939 de John Ford.

La suma de los conocimientos adquiridos más sus innovaciones de debutante, forman un estilo visual propio, inédito para la época, como el uso del "documental" dentro de la propia historia.

Pronto se extiende el rumor de que se trata de un retrato encubierto del magnate de la prensa William Randolph Hearst.

El magnate intentó prohibir la proyección, pero se estrenó en 1941 con gran éxito de crítica, aunque no de taquilla, debido a las trabas que tuvo la distribución, promovidas por Hearst.

Con el paso del tiempo se ha considerado en la mayoría de ocasiones "la mejor película de la Historia del Cine", realizada con tan solo 25 años.

William Randolph Hearst y la actriz Marion Davies jugando al croquet (Getty Images)
Rosebud es el gran secreto de la historia, la última palabra que dice Kane antes de morir y ha pasado a considerarse uno de los McGuffin más importantes de la historia del cine. Solo al final de la cinta el espectador conoce que Rosebud (”capullo de rosa” en español) es el nombre del trineo con el que jugaba Kane de pequeño, la imagen de una infancia añorada. Pero Rosebud es mucho más, en realidad era el apodo cariñoso que Hearst daba a las partes íntimas de su amante, la actriz Marion Davies, a la que intentó lanzar en vano al estrellato. En la película, Davies es presentada como una mujer frívola e interesada, pero lo cierto es que cuando Hearst se arruinó, ella le ayudó a superar la crisis vendiendo sus valiosas joyas.

Sobre Rosebud Welles aseguró que se trataba de un recurso para “arrancar” la historia. “El truquito de Rosebud es lo que menos me gusta de la película. No es más que eso, un truquito, y parece sacado de un libro de tercera sobre Freud para principiantes”, dijo.

Steven Spielberg compró el famoso trineo en una subasta en 1982 por 50.000 dólares. Cuando Orson Welles se enteró de esto, dijo: “Pensé que lo habíamos quemado”.

Ciudadano Kane - George Orson Welles - Herman Jacob Mankiewicz - Herbert George Wells - Wernher von Braun - Joseph Raymond McCarthy -  El macarthismo - La Guerra Fría - La guerra de Corea - Arthur Asher Miller, pincha aqui

(II) William Randolph Hearst - Joseph Pulitzer - Monasterio Español de Sacramenia (Miami) - Monasterio de Santa María de Óvila , pincha aqui

(III) William Randolph Hearst -  Castillo Hearst - El Antiguo Monasterio Español: El pasadizo que conecta a Miami con la Europa Medieval -  Hispanic Society of America - Archer Milton Huntington, pincha aqui

(IV) William Randolph Hearst - Arthur Byne (El americano que expolió España), pincha aqui

El 8 de mayo de 1987, tres guardias civiles custodiaban un coche fúnebre en la carretera que va de Ronda a Campillos, una localidad menos conocida de Málaga. Una joven Beatrice Welles llevaba en sus manos una arqueta en uno de los coches, se dirigían a la finca Recreo de San Cayetano, lugar donde tendrían lugar las exequias de Orson Welles, el genio, el autor y protagonista de Ciudadano Kane.

El pozo donde están las cenizas de Orson Welles en El Recreo de San Cayetano

Entre los asistentes al sepelio, que llevaría al director de Sed de Mal a descansar eternamente en la finca del torero pese a que había muerto dos años antes, se encontraba la hija de este, una joven Carmina Ordóñez que parecía compungida ante la despedida a su ‘tito Orson’.

El pozo donde descansaría eternamente el maestro del séptimo arte, siempre recordado por sus excesos, había sido regalado por el Ayuntamiento de Ronda al “maestro de maestros”, es decir, a Antonio Ordóñez. Sin embargo, también podría servir como epitafio para el creador de La dama de Shangai.

Carmina Ordóñez y Orson Welles (Montaje de 'Vanitatis')
El apelativo de Carmina hacia Orson Welles no fue gratuito. Desde que estudiase, siendo una niña, en el Liceo Francés, su vida se convirtió en un cúmulo de privilegios entre los que también estaba el conocer de cerca al director, actor y guionista de cine que, al igual que Ernest Hemingway era un habitual en su casa, mostrando como nadie su querencia por todo lo andaluz.  Welles era un habitual de la plaza de toros de Ronda en los años 50, época en la que visitó nuestro país y rodó alguna que otra película como la shakesperiana Campanadas a medianoche. Esa frecuencia con la que disfrutaba de la España franquista fue la que hizo que forjase una amistad especial con el torero y una cercanía con sus hijas, a las que llegaba a traer regalos de Estados Unidos.

Uno de los elementos más sorprendentes de la amistad entre Antonio Ordóñez y Welles es que este último, consciente de una maestría que le hacía poner la cámara ante cualquier escenario, cogió su objetivo entre 1957 y 1961 para grabar muchas de las corridas en las que participaba su amigo el torero. Así, el mismo genio que creó grandes obras maestras del cine, también fue el responsable de la grabación de algunas de las mejores faenas de Ordóñez.

Antonio Ordóñez y Welles

Cuenta la leyenda que Carmina prefería la personalidad de Orson Welles a sus películas, pero pocos periodistas se atrevieron a preguntárselo. El William Randolph Hearst de la ficción, por su parte, quedaría unido para siempre a una Ronda que  le ha rendido el justificado homenaje a un hombre que, pese a las glorias de Hollywood, siempre prefirió la poesía andaluza del pueblo malagueño que le ofrecieron los Ordóñez.

(II) George Cukor "El director de las actrices"

George Cukor "El director de las actrices" - Katharine Hepburn, pincha aqui

My Fair Lady (1964) fue el éxito de una década en que el director empezó a espaciar sus trabajos. Audrey Hepburn se sumó con éxito a la legión femenina que había pasado por la dirección de Cukor, aunque no apareció entre las doce nominaciones y los ocho Oscar que obtuvo la película, durante cuyo rodaje fue asesinado el presidente Kennedy.

Versión cinematográfica del mito de Pigmalión, inspirada en la obra teatral homónima del escritor irlandés G.B. Shaw (1856-1950). En una lluviosa noche de 1912, el excéntrico y snob lingüista Henry Higgins conoce a Eliza Doolittle, una harapienta y ordinaria vendedora de violetas. El vulgar lenguaje de la florista despierta tanto su interés que hace una arriesgada apuesta con su amigo el coronel Pickering: se compromete a enseñarle a hablar correctamente el inglés y a hacerla pasar por una dama de la alta sociedad en un plazo de seis meses.

"Magistral adaptación de la comedia musical de Lerner y Loewe, que a su vez se inspiraba en el Pigmalión de Bernard Shaw. Gozoso espectáculo en el que todos sus elementos se ensamblan de manera mágica. Elegante, deliciosa, vibrante, una obra maestra más allá del bien y del mal"

1964: 8 Oscars, incluyendo mejor película, director, y actor. 12 nom.
1964: 3 Globos de Oro, incluyendo Mejor película - Comedia o Musical. 5 nominaciones
1964: Premios BAFTA: Mejor película. 2 nominaciones
1964: Sindicato de Directores (DGA): Mejor director
1964: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión musical
1964: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película y actor (Harrison)
1964: Premios David di Donatello: Mejor actor, actriz y producción extranjeros
1964: National Board of Review: Top 10 mejores películas

My Fair Lady - The Rain In Spain, pincha aqui

Audrey Kathleen Ruston (n. Bruselas, Bélgica; 4 de mayo de 1929 — m. Tolochenaz, Suiza; 20 de enero de 1993) más conocida artísticamente como Audrey Hepburn, fue una actriz, modelo, bailarina y activista británica de la época dorada de Hollywood, considerada por el American Film Institute como la tercera mayor leyenda femenina del cine estadounidense y formando parte de la Intenational Best Dressed List Hall of Fame.
En 1935 sus padres se divorciaron, y su padre, simpatizante nazi, abandonó a la familia. Ambos padres eran miembros de la unión británica de fascistas a mediados de los años treinta, según Unity Mitford, amiga de Ella van Heemstra y seguidora de Adolf Hitler. Audrey llamó más adelante a este hecho «el momento más traumático de su vida». Recién mucho más tarde consiguió localizar a su padre en Dublín a través de la Cruz Roja. Desde entonces permaneció en contacto con él y lo apoyó financieramente hasta su muerte.
Durante su juventud, Audrey sufrió la Segunda Guerra Mundial, primero en Bélgica y luego en los Países Bajos, de donde era originaria su madre. Para evitar que sus orígenes ingleses se revelaran, la madre de Audrey la llamaba Edda Van Heemstra, como ella, y la obligó a hablar holandés. Audrey hablaba perfectamente inglés, francés, holandés e italiano, hablaba un poco de alemán y también de español. Estudió para ser bailarina, pero la mala alimentación durante la guerra hizo estragos en su constitución, así que, pese a seguir estudiando y practicando, se vio en la obligación de elegir una nueva profesión, que fue la de actriz.

Reginald Carey Harrison, (n. 5 de marzo de 1908 - m. 2 de junio de 1990), conocido como Rex Harrison, fue un actor de teatro y cine inglés.

De sus últimos cinco títulos, dos fueron trabajos para la televisión, y las otras tres cerraron con broche de oro la fructífera relación que el director mantuvo con las actrices. Viajes con mi tía (1972), basada en la novela de Graham Greene, retomaba la comedia y daba uno de sus mejores papeles a la británica Maggie Smith, que fue nominada al Oscar. En El pájaro azul (1976), un cuento protagonizado por Jane Fonda y Ava Gardner, la búsqueda del "pájaro de la felicidad" se convertía en la principal meta de dos niños campesinos. Y, finalmente, , que Cukor dirigió con ochenta y dos años y que protagonizaron Jacqueline Bisset y Candice Bergen, es un conmovedor y realista retrato de la amistad.

Viajes con mi tía, pincha aqui

Dame Margaret Natalie Smith Cross CH, DBE (Ilford, Inglaterra; 28 de diciembre de 1934),​ más conocida como Maggie Smith, es una consagrada actriz de teatro, cine y televisión británica. Ha grabado más de 50 películas y su extensa carrera, la cual abarca más de 60 años, la ha convertido en una de las actrices europeas de mayor reconocimiento en el mundo. Es considerada una figura importante dentro de cultura británica, fue nombrada «Dama» (Dame en inglés) por la reina Isabel II por su contribución a las artes interpretativas en 1990 y recibió la Orden de los Compañeros de Honor en 2014.

La vida de un empleado de banca metódico y sedentario cambia radicalmente con la llegada de una excéntrica dama que dice ser su tía. Esa peculiar mujer arrastrará a su sobrino a un viaje alrededor del mundo que estará lleno de sorpresas y aventuras. Gracias a esta experiencia el joven cambiará su concepción de la vida. 

El pájaro azul 1976 en español parte 2, pincha aqui

Dos niños, hijos de un leñador, buscan ”El Pájaro Azul de la Felicidad” para curar a una vecinita enferma. En su viaje, los guía la Luz y los acompaña su viejo amigo El Pan y su compañero más fiel, El Perro. En su búsqueda llegan al castillo de La Noche, al engañoso Jardín de los Sueños, al Campo de la Voluptuosidad y al Bosque, de cuyos terrores logran huir ayudados por El Perro. Por fin, encuentran un lugar apacible: el Reino del Futuro, donde esperan su nacimiento generaciones enteras. Allí vive El Padre del Tiempo, que observa cuidadosamente lo que la Tierra puede necesitar. En su viaje, los niños han descrito un círculo completo, porque El Pájaro Azul de la Felicidad estaba donde había estado siempre: en su propia casa. 

Fonda en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 2007.
Jane Fonda (Nueva York, 21 de diciembre de 1937) es una actriz estadounidense de larga y polifacética trayectoria, que ha trabajado también como escritora, editora de libros y realizando videos de aeróbic, y como activista política y blogger.

Ava Lavinia Gardner (Brogden, Carolina del Norte, 24 de diciembre de 1922 - Ciudad de Westminster, 25 de enero de 1990) fue una actriz de cine estadounidense nominada a los Premios Óscar, considerada una de las grandes estrellas del siglo XX y como uno de los mitos del Séptimo Arte. Conocida por su exuberante y fotogénica belleza, se dice de ella que fue "el animal más bello del mundo".

Estados Unidos, años 40. Merry Noel (Bergen) y Liz Hamilton (Bisset), íntimas amigas desde el colegio, donde habían sellado un pacto de fidelidad, se separan cuando Merry se casa. Veinte años después, Merry, prototipo de mujer burguesa, madre y ama de casa, se ha convertido en una popular escritora de best-sellers. Liz, en cambio, como escritora de carácter intelectual, no goza de la misma popularidad. Aprovechando una gira por California, Liz visita a Merry, que parece feliz dentro de un ambiente frívolo y superficial. El reencuentro sacará a relucir lo que ambas han cambiado durante todo ese tiempo. 

Ricas y famosas (1981) de George Cukor, pincha aqui

Jacqueline Bisset (Winifred Jacqueline Franser Bisset) (n. Surrey, Reino Unido, 13 de septiembre de 1944) es una actriz de cine británica. Ganadora de un Globo de Oro por mejor actriz de reparto de serie, miniserie o telefilme por Dancing on the Edge.

Candice Patricia Bergen (n. 9 de mayo de 1946; Los Ángeles, Estados Unidos) es una actriz y productora de cine y televisión estadounidense. Ganadora de dos Globos de Oro y de cinco Premios Emmy. Candidata a los Premios Óscar, BAFTA y los Premios del Sindicato de Actores.​ Conocida por sus intervenciones en películas como Vivir por Vivir (1967), Starting Over (1979), Rich and Famous (1981), Gandhi (1982), Miss Congeniality (2000) o Sweet Home Alabama (2002). También ha participado en series de televisión como la exitosa Murphy Brown (1988-1998) y Boston Legal (2005-2008).

Cukor siempre fue un director muy apreciado por la intelectualidad cinematográfica europea; entre otros, François Truffaut y Eric Rohmer reconocieron su capacidad artística y creativa y se identificaron con su inigualable tratamiento de la clase media.

François Truffaut (París, 6 de febrero de 1932 - 21 de octubre de 1984) fue un director, crítico y actor francés. Fue uno de los iniciadores del movimiento llamado la Nouvelle vague, si bien luego evolucionó de un modo muy personal.
Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.

Éric Rohmer, seudónimo de Maurice Henri Joseph Schérer (Nancy, 4 de abril de 1920 - París, 11 de enero de 2010),​ fue un crítico y director de cine, además de periodista, novelista, guionista y profesor francés. Figura intelectual importante de la llamada Nouvelle vague (Nueva Ola) francesa de posguerra, y editor de la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinéma, es recordado sobre todo por tres series de películas: Seis cuentos morales, las seis Comedias y proverbios y los Cuentos de las cuatro estaciones.

Cukor debió de haber sido el director de "Lo que el viento se llevó", de hecho David O. Selznick le puso al mando en 1937 y Cukor pasó un año en las labores de reproducción de la película, incluso, llegó a ensayar  con las actrices Vivien Leigh y Olivia de Havilland. No obstante, a Cukor le molestaron ciertos cambios de guión y al protagonista masculino Clark Gable le incomodaba la abierta homosexualidad de Cukor, pues el director, aunque discreto, nunca ocultó su sexualidad. Ambas razones llevaron a David O. Seilnick a despedir a Cukor, no obstante, el continuó ayudando en la producción, ya que fue contratado para ensayar con Leigh y de Havilland.

Lo que el viento se llevó (título original en inglés: Gone with the Wind) es una película estadounidense de cine épico, histórico y romántico de 1939, adaptación de la novela de 1936 de Margaret Mitchell del mismo título, producida por David O. Selznick y dirigida por Victor Fleming.

La supuesta homofobia de Gable no era un patrón con el que Cukor se enfrentara a menudo en Hollywood, de hecho, el director contaba con gran cantidad de amigos entre los actores, directores y técnicos que lo visitaban con regularidad. En su casa se celebraban grandes fiestas a las que estos acudían con asiduidad y, ya que no tenía familia propia, esta casa estaba decorada con las fotos de los que Cukor consideraba sus amigos.

George Cukor's Mediterranean-Style Residence in California

Marilyn Monroe ríe en la piscina de la mansión de Cukor durante el rodaje de ‘Something’s Got To Give’ (fotografía de Lawrence Schiller)

¿Fue Clark Gable Homosexual?
Uno de los grandes galanes de la historia del cine. Reunía todas las cualidades que podían presentar por ejemplo Gary Cooper, Cary Grant y Gregory Peck juntos. Era un hombre grande, fuerte, rebelde, atractivo y con personalidad, dentro y fuera de la pantalla. Lo más parecido que podríamos encontrar hoy sería... George Clooney!?
Alcanzó la fama con It Happened One Night (Frank Capra, 1934), y la inmortalidad con el papel de Rhett Butler en Gone with the Wind (Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood, 1939).

Mantuvo romances con algunas de las mayores celebridades de la época, casándose cinco veces. Tal fama, tal reconocimiento no es extraño que hagan despertar rumores sobre su vida privada. Pocas son las estrellas que se libran. En el caso de Gable fue su pasado de chapero en los años 20 con celebridades gays de Hollywood.Todo surgió en los años 30 cuando Gable empezó a coger fama en Hollywood. No era más que un rumor que el mismo actor desmentía cuando la prensa le preguntaba. Pero no fue hasta el rodaje de Lo que el viento se llevó cuando el rumor pasó  a ser cotilleo de primer nivel.Para el papel del galán Rhett Butler la productora no se lo pensó dos veces y contrató a Clark Gable, era la elección perfecta. El director escogido para rodar la épica cinta había sido George Cukor, y ahí empezó el problema. George Cukor era uno de los directores en auge en los años 30, y el contar con él para dirigir la cinta parecía una apuesta segura. Pero aquí viene el dato: Cukor era abiertamente homosexual y como tal, sabía quien lo era y quien no en Hollywood. Él era una de esas personas que sabía sobre el pasado de Gable, o que al menos había oído los rumores de primera mano. De ahí que Gable exigiera que despidieran a Cukor tras un año de pre-producción, ya que le incomodaba la idea de con Cukor airease esos rumores. La productora no tuvo más remedio que aceptar.

 Pedro Almodóvar Caballero (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 25 de septiembre de 1949) es un director de cine, guionista y productor español, el que mayor aclamación y resonancia ha logrado fuera de España en las últimas décadas desde el cineasta Luis Buñuel. Ha recibido los principales galardones cinematográficos internacionales, entre otros dos premios Óscar, en diversas categorías y varios Premios Goya. En 2017 fue el presidente del jurado del Festival de Cannes.

"Yo creo que soy uno de los hombres menos machistas del mundo, más auténticamente feministas (...) Defiendo a las mujeres, pero no creo que sean unos arcángeles". Como Cukor, Almodóvar es un cineasta marcado por el misterio de la complicidad femenina. Por la fuerza de la maternidad, por el poder de su locura de amor, por su fe en la pasión. En sus películas, los hombres no son más que títeres, ausencias o signos de opresión: habrá que esperar hasta una película de madurez, Hable con ella, para encontrar en su obra a dos personajes masculinos que han asumido su lado femenino, su capacidad para llorar reflejados en un espejo de dolor común.
Un cine que se cimenta en influencias tan variopintas como la comedia sofisticada de mujeres de Cukor, el melodrama esteticista y arrebatado de Douglas Sirk, el movimiento underground de transexualidad y drogas de la Movida madrileña e, innegablemente, una educación sentimental, religiosa y manchega, sagrada y profana, que está siempre presente en su trabajo. 

Ostenta la condición de Caballero de la Orden de la Legión de Honor francesa (1997), además de haber obtenido la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1998). Fue investido doctor honoris causa por la Universidad de Harvard en 2009, condecoración que también recibió en junio de 2016 en la Universidad de Oxford.

Cukor murió a los 83 años y sorprendentemente, debido a su homosexualidad, fue su último deseo ser enterrado junto a Francis Howard Goldwyn, viuda de Samuel Goldwyn, de quien dijo, en su testamento, haber estado enamorado toda su vida.

Frances Howard (4 de junio de 19031​ - 2 de julio de 1976) fue una actriz de nacionalidad estadounidense, conocida por ser la segunda esposa del productor ganador de un Premio Oscar Samuel Goldwyn.
Samuel Goldwyn, nacido como Schmuel Gelbfisz (Varsovia, 17 de agosto de 18791​ – Los Ángeles, 31 de enero de 1974) fue un productor de cine estadounidense de origen polaco, ganador del Óscar de la Academia y del Globo de Oro, fundador de varias productoras. Cofundador de la Metro-Goldwyn-Mayer.