(62) ¿QUE ESTÁ PASANDO? -MUSEOS - (3) - Francisca Bartolozzi Sánchez, conocida como Piti/Pitti o Francis Bartolozzi - Pedro Lozano Sotés - Rafael Bartolozzi - Campo cerrado, pincha aqui
LOS OCHENTA UNA DÉCADA COMPLEJA
Hasta ahora hemos hecho un recorrido por el siglo XX hasta la década de los años 80 en la que vimos como nos acercábamos a la complejidad del mundo del arte actual, la diversidad de medios y la eterna dicotomía entre lo vendible – lo que manda el mercado- , y la experimentación acompañada de las actividades estatales. Esta década de los ochenta vimos como comenzaba también a orquestar una serie de movimientos contestatarios que surgieron al margen de la Institución Arte y que continuaron desarrollándose hasta la década de los años noventa, ejerciendo de brazo vertebrador de nuevas prácticas artísticas de finales de siglo.
Continuemos por aquí…
En la década de los ochenta, surgió un modelo europeo de política cultural socialdemócrata basado en la promoción de las industrias culturales y el mercado, afín a una época de expansión y crecimiento económicos. En España, el gobierno socialista de 1982 rediseña la política expositiva institucional con el objetivo de promocionar el talento artístico nacional dentro y fuera del país. Se organizan grandes exposiciones en torno a autores que desde finales de los años cincuenta representan la modernidad española en la esfera internacional, como Eduardo Chillida, Antonio Saura, Antoni Tàpies, José Guerrero y Esteban Vicente, entre otros.
La producción de arte contemporáneo en España durante los ochenta basculó entre dos mecánicas nacionales habitualmente en tensión: la nacional, con su carga de tradiciones y marcas, y las voces nacionalistas o regionales, que resurgieron con la implantación del Estado de las autonomías.
El Museo Español de Arte Contemporáneo en los años ochenta fue la sede de muchas exposiciones, pero a partir de 1983 empieza a perder su importancia en favor de un nuevo centro, el Centro Nacional de Exposiciones. El centro se hizo responsable de las exposiciones de arte moderno y contemporáneo del Ministerio de Cultura. En este sentido, las cinco líneas que se marca su entonces directora, Carmen Giménez, serán las de realizar exposiciones históricas, de arte español, colectivas de arte contemporáneo, exposiciones de colecciones y convenios internacionales. Además el Centro se responsabilizó de organizar muestras itinerantes por el territorio nacional, aunque serían las sedes madrileñas donde se llevarían a cabo las exposiciones más relevantes: en la Biblioteca Nacional, los Palacios de Cristal y de Velázquez y, con su inauguración en 1986, el Centro de Arte Reina Sofía.
Con motivo de la inauguración del Centro de Arte Reina Sofía, en 1986, organizó una exposición titulada Referencias: un encuentro artístico en el tiempo, que establecía un diálogo entre la obra de Saura, Chillida y Tàpies y la de artistas internacionales, como Georg Baselitz, Richard Serra y Cy Twombly. Los textos del catálogo hacían referencia al carácter internacional de nuestro arte y a la modernización institucional que supuso la apertura del Museo.
Chillida y Jorge Oteiza, lo mismo que Tàpies y Miró, se convirtieron en referentes visuales de la oficialidad vasca y de la catalana, respectivamente. Pero también Antonio Saura, José Guerrero o Esteban Vicente fueron apoyados desde las instituciones, ya estatales, ya autonómicas.
En consecuencia, el arte español que iba desde la posguerra hasta mediados de los setenta se reincorporó al proyecto institucional.
José Guerrero (Granada, 27 de octubre de 1914 - Barcelona, 23 de diciembre de 1991) fue un pintor y grabador español nacionalizado estadounidense, enmarcado dentro del expresionismo abstracto.
Acabada la guerra, en 1940, viajó a Madrid para estudiar en la Academia de San Fernando. Más tarde marcha a París (1945), donde conoce la obra de la vanguardia europea, y en particular, de los pintores españoles como Picasso, Miró o Gris. En esta primera época su obra aún es figurativa. En París, el 25 de abril de 1949, se casa con Roxane Whittier Pollock, periodista estadounidense, y recorre España de viaje de novios.
En la casa de Velázquez - José Guerrero - Fecha: 1971 Expresionismo abstracto
El pintor adopta la nacionalidad estadounidense en 1953. Hacia 1961 sufre una fuerte depresión por la muerte de un amigo, por la que recibió ayuda médica durante cuatro años. Después, en 1965, visita en solitario España y decide volver: Frigiliana (Málaga), Cuenca y Madrid, serán sus lugares de referencia.
En Estados Unidos comienza a realizar pintura abstracta, formando parte de la Escuela de Nueva York, en cuyas exposiciones participó. Se nota entonces la influencia de pintores como Franz Kline, Mark Rothko, Clyfford Still y Barnett Newman en su obra. Destaca sobre todo por su cromatismo, el uso que hace de las masas de color. A partir de 1960, aunque seguía viviendo en Estados Unidos, viajó en varias ocasiones a España, y fue uno de los intervinientes en la creación del Museo de Arte Abstracto de Cuenca.
Rojo-Morado - José Guerrero Fecha: 1985 Estilo: Expresionismo Abstracto
Hay obras de Guerrero en el Museo Guggenheim de Nueva York, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) y en el Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca). En Granada existe un centro de arte que lleva su nombre, Centro José Guerrero, inaugurado en el año 2000, con fondos pertenecientes a la colección familiar, que los cedió a la Diputación de Granada.
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La pintura de Patricia Gadea también nace en ese momento de euforia y experimentación de las libertades a la vez que reflexiona de modo crítico sobre la cara b del nuevo contexto español. Su estancia en Nueva York, a finales de la década de 1980, supone un punto de inflexión y una mayor politización de su lenguaje.
Patricia Gadea (Madrid, 1960 - Palencia, 2006) fue una pintora española, conocida por su pintura de crítica social de técnica mixta y como cofundadora del colectivo Estrujenbank.
Estrujenbank (1989-1993) fue un grupo artístico fundado en 1989 en Madrid, por los artistas Patricia Gadea, Juan Ugalde, Mariano Lozano y Dionisio Cañas.
Estrujenbank concebían su obra como un instrumento de intervención social, señalando la despolitización de la esfera pública, la indiferencia ante la pobreza o el racismo y el empobrecimiento de la vida urbana por medio de la sátira, la crítica política y la experimentación estilística y de soportes. Su publicación Los tigres se perfuman con dinamita (1992) recogió los fundamentos teóricos de su práctica artística.
Patricia Gadea inicia su obra a finales de la década de los setenta, componiendo su obra desde una sincretismo en el que se integran la pintura con el uso de imágenes extraídas del mundo del cómic español, de medios de comunicación impresos y de objetos de consumo diario. Su obra llevaba a cabo interpretaciones ácidas de la realidad cotidiana y política del momento, con un carácter irónico que la distancia del arte pop del momento. Gadea realizaba collages y obras de técnica mixta en que reinterpretaba elementos de historietas infantiles de los años setenta o paisajes de arte popular. En su etapa final, su obra adoptó tonos más oscuros e incorporó temas feministas.
En un primer momento, Gadea estuvo asociada a la Movida madrileña. Posteriormente, se mudó a Nueva York, donde entró en contacto con Juan Ugalde, Mariano Lozano y Dionisio Cañas, con los que fundó en 1989 el colectivo artístico Estrujenbank, que se mantuvo en activo hasta 1993
Tras superar una adicción a las drogas, pasó sus últimos años en la ciudad de Palencia, donde continuó pintando en paralelo a otros trabajos.
Entrevista con Virginia Torrente en el marco de la exposición de Patricia Gadea en el MNCARS, pincha aqui
David Michael Wojnarowicz (Red Bank (Nueva Jersey), 14 de septiembre de 1954 - Nueva York, 22 de julio de 1992) fue un fotógrafo, escritor, pintor, cineasta, artista de performance, compositor y activista del sida estadounidense en el mundo del arte neoyorkino.
"Autorretrato de David Wojnarowicz", 1983-85. Foto cortesía del Whitney.
En su ciudad natal, con sus padres divorciados y luego desaparecidos cuando tenía dos años, pasó por diferentes hogares temporales de acogida experimentando a menudo relaciones abusivas en la infancia. Cuando sus padres se divorcian, se traslada a Nueva York con su madre y pasea por los lugares más conflictivos del extrarradio de la ciudad, ejerciendo de estafador y relacionándose homosexualmente por dinero. Estudió en la High School of Music and Art de Manhattan. A los 17 años abandona la casa materna y duerme en las calles, refugiándose en la cocaína y la heroína, el arte y el sexo.
Wojnarowicz conoció a Peter Hujar en 1980. Fueron amantes durante una breve temporada, pero su relación se intensificó y evolucionó hasta convertirse en una amistad imposible de categorizar. Los dos amigos se retrataron mutuamente en varias ocasiones.
Veinte años mayor que Wojnarowicz, Hujar era un fotógrafo y un personaje muy conocido en los círculos artísticos de Nueva York, y sus retratos eran muy apreciados. En la época en que se conocieron, Wojnarowicz aún no había encontrado su verdadera vocación. Fue Hujar quien le convenció de que era un artista y quien le animó a pintar, algo que Wojnarowicz no había hecho jamás. En 1987, cuando Hujar murió a causa del sida, Wojnarowicz declararía que había sido “mi hermano, mi padre, mi vínculo emocional con el mundo”.
El mundo preinventado
A mediados de los años ochenta, las pinturas de Wojnarowicz tomaron una nueva dirección, y las composiciones y los temas se volvieron más atrevidos y complejos. Los títulos de estas pinturas y de los collages fotográficos posteriores dan pistas sobre su interpretación de los aspectos sociales, económicos y culturales de la Norteamérica contemporánea y su relación con la civilización occidental. Wojnarowicz utilizaba el término “preinventado” para designar al orden prescrito.
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