EL CAC MÁLAGA presenta por primera vez en Málaga “TOMANDO DISTANCIA” del artista Carlos León - José Guerrero (pintor y grabador español nacionalizado estadounidense), pincha aqui
Con exposiciones en solitario en muchos de los principales museos del mundo, este año las mujeres artistas desembarcan con más fuerza que nunca. Sus obras cotizan al alza pero, ¿es solo un tendencia o una realidad imparable?.
Este año, cualquiera que haga una lista con las exposiciones imperdibles podrá constatar que los nombres de mujeres artistas son los grandes protagonistas.
Hace un año, Miguel Falomir, director del Museo del Prado, dijo que la pinacoteca “ha sido machista, como la sociedad”. No eran palabras vacías y parece decidido a redimir esa desigualdad. “El Museo del Prado es hijo de la época, o las épocas, que le ha tocado vivir durante sus 200 años de existencia.
La próxima exposición que tienen programada se titula Las invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931), a partir del 31 de marzo.
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| Huguette Caland at Dar Al Fan, Beirut, Lebanon, 1970. © Huguette Caland. |
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| Moustache Green Faces. Huguette Caland - Pintora, escultora y diseñadora de modas libanesa |
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| Huguette Caland. Parents, 1971. Courtesy Huguette Caland. |
“Si un 70% de quienes se gradúan en Bellas Artes son mujeres, la infrarrepresentación femenina en museos y galerías no se explica”, defiende Semíramis González, directora artística de la feria JUSTMAD, donde este año habrá paridad entre las participantes.
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| Installation shot from The Tate St. Ives. Huguette Caland, Visages sans bouches, bouches sans visages ("Faces without Mouths, Mouths without Faces"), 1970–1. Courtesy of Huguette Caland and The Tate. |
El cambio también se ha percibido en el MoMA. Tras su ampliación en 2019, el museo neoyorquino apuesta por una mayor diversidad, tanto racial como de género. El mejor ejemplo es la sala de Las señoritas de Aviñón, de Picasso, donde la obra del pintor malagueño comparte espacio con American People Series, firmado por la afroamericana Faith Ringgold.
Faith Ringgold (8 de octubre de 1930, Harlem, Ciudad de Nueva York) es una artista, escritora y activista estadounidense, conocida sobre todo por sus quilt (colchas) narrativas.
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| American People Series #20: Die, 1967 |
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| Faith estudió artes visuales en el College of New York, entre 1955 y 1959. Pronto comenzó a crear siguiendo un estilo propio, bajo las influencias de grandes referentes como James Baldwin, Amiri Baraka, el arte africano o el cubismo, y sus obras reflejaban sus intereses políticos y personales. Esto comenzó a ser un problema en el momento que Ringgold dio el salto al mercado del arte. Las galerías se resistían a colgar sus obras en sus paredes, debido a la gran carga política de sus piezas, que ponían de manifiesto la cultura racista en todas sus expresiones. Sin embargo, la Spectrum Gallery de Nueva York apostó por ella y tuvo en este espacio sus dos primeras individuales. |
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| Izquierda: Family of Women Series: Faith, 1973. Derecha: Windows of the Wedding #14: Fathers, 1974 |
Fue profesora de arte en varios centros públicos de Nueva York y, durante su época como docente, realizó una serie de pinturas titulada Personas Americanas (American People, en inglés), una de sus obras más conocidas, que representa la defensa de los derechos civiles desde un punto de vista feminista.
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| En 1983 Ringgold realizó su primer story quilt, es decir, una colcha en la que además de escenas se podía leer una historia: Whose Afraid of Aunt Jemima? La artista realizó esta colcha minuciosamente, en la que relataba e ilustraba la lucha continua de las mujeres afroamericanas. Este tipo de piezas se convirtieron en una nueva posibilidad para Faith que de hecho, ha caracterizado su producción. |
En los años 70, fueron muy reconocidas sus máscaras de estilo africano y sus póster políticos. En esta época, fue parte de la integración racial en el arte neoyorquino. En los años 80, comenzó su labor con las colchas narrativas, su trabajo más popular. Más tarde comenzó su carrera como autora e ilustradora de libros infantiles.
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| TateID Crisis', Zanele Muholi, 2003 Fotógrafa y activista visual sudafricana que nació en 1972 en Durban. En 2003, estudió un curso avanzado de fotografía en Market Photo Workshop en Johannesburgo. Estuvo trabajando para la revista digital africana Behind the Mask como fotógrafa y reportera. Su obra se considera excepcional en Sudáfrica ya que es la única que ha confrontado la noción de que las prácticas sexuales lésbicas no son tan ajenas a la cultura africana como se cree, mostrando lo equívoco de los estereotipos prevalecientes sobre la sexualidad de las mujeres negras. De esta manera, logra derribar los tabúes sobre las prácticas homosexuales a través de la confianza y el respeto. |
Para hacer el arte inclusivo e igualitario es imprescindible la perspectiva de género. El director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, lo resume: “En el Reina las cuestiones de género forman parte del programa. Así, aparecen en el recorrido de la Colección numerosas mujeres artistas con un protagonismo equivalente al de sus compañeros”.
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| Alice Neel - Irene Peslikis in Marxist Girl, 1972 |
Por su parte, el director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza, Guillermo Solana, explica que en la pinacoteca están trabajando con la asociación Mujeres en las Artes Visuales (MAV) “para someternos a su cuestionario autocorrector y cambiar lo que haya que cambiar, en redistribución [de salario y de poder para las profesionales de los museos], representación [presencia de creadoras en la colección y en las temporales] y reconocimiento [perspectiva de las obras de mujeres en su contexto histórico]”. Este año han programado tres monográficas dedicadas a mujeres: ahora la joven pintora asturiana Chechu Álava; desde el 25 de febrero, Joan Jonas y, en otoño, la suiza Claudia Comte. “Para 2021, preparamos una gran muestra de Georgia O’Keeffe”, adelanta Solana
Fuente: Mujer hoy
Chechu Álava (Piedras Blancas, Asturias, 1973) es una artista española, eminentemente pintora, residente en París. Tiene una gran proyección internacional y ha sido incluida en la publicación “100 painters of tomorrow”, de la editorial Thames & Hudson.
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| La artista y su obra: «Blonde» de Chechu Álava |
La Muestra de Artes Plásticas de Asturias le permitió darse a conocer y ganó en el año 2008 el premio de pintura de la Junta General del Principado de Asturias. Su obra forma parte de museos nacionales.
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| «Familia rusa», de Chechu Álava |
Su pintura es de base figurativa, con la mujer como protagonista, pero con gran carga onírica, que muestra la pintura como una incansable búsqueda de respuestas. En sus obras se puede ver una cierta evolución desde una obra más expresionistas (típica del año 2006) o una vuelta a los maestros del pasado (que se deja ver con claridad en el año 2007). Los cuadros de este momento son más elaborados, con delicadas veladuras, de paleta oscurecida, frente a la ocasional gestualidad de las anteriores obras. Los temas son atemporales pese a estar llenos de impresiones personales, vivencias o recuerdos.
En sus retratos de mujeres puede sentirse la densidad de la nebulosa que acerca al espectador al aura de los retratados, muchos de ellos reconocibles para muchos. Son obras llenas de paz y tranquilidad, llenas la subjetividad de la artista.
Joan Jonas (n. en Nueva York el 13 de julio de 1936) es una artista visual estadounidense y pionera en el arte de performance y vídeo. Emergió a finales de los años sesenta y principios de los setenta. Los proyectos de Jonas y sus experimentos proporcionaron la base sobre la que se basaría gran parte del arte de performance en vídeo. Influyó en el arte conceptual, el teatro, las perperformances y otros medios visuales. Vive y trabaja en Nueva York y en Nueva Escocia, Canadá.
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| Joan Jonas, Reanimación, 2012, actuación en Hangar Bicocca, Milán, Italia, Light Time Tales, 2014. Foto de Moira Ricci |
Aunque Jonas comenzó su carrera como escultora, para el año 1968 se cambió a lo que sería el territorio en el que destacaría, mezclar la performance con atrezo e imágenes, situada fuera del entorno industrial o natural. Entre 1968 y 1971, Jonas interpretó Mirror Pieces [Piezas de espejo], obras que usaban espejos como atrezo o motivo central.En estas primeras performances, el espejo se convirtió en un símbolo de (auto-)retrato, representación, el cuerpo, y lo real frente a lo imaginario, mientras que a veces añadía un elemento de peligro y una conexión con la audiencia que era parte integral de la obra. En Wind (Viento, 1968), Jonas filmó intérpretes pasando estirados a través del campo de visión contra un viento que daba a la coreografía una mística psicológica.
Georgia Totto O'Keeffe (Sun Prairie, 15 de noviembre de 1887 - Santa Fe, 6 de marzo de 1986) fue una artista estadounidense, conocida en especial por sus pinturas de flores, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México. O'Keeffe ha sido reconocida como la "Madre del modernismo estadounidense"
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| Retrato de Georgia O'Keeffe por Carl van Vechten, 1950. Carl van Vechten (Cedar Rapids, 17 de junio de 1880-Nueva York, 21 de diciembre de 1964) fue un escritor y fotógrafo estadounidense, patrón de la Harlem Renaissance y albacea literario de Gertrude Stein, a quien conoció en París en 1913. |
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| Blue and Green Music, 1921 Se mudó a Nueva York en 1918 a petición de Stieglitz y comenzó a trabajar seriamente como artista. Desarrollaron una relación profesional, promovieron y exhibieron sus obras y una relación personal que llevó a su matrimonio en 1924. O'Keeffe creó muchas formas de arte abstracto, incluyendo primeros planos de flores |
En 1905, O'Keeffe comenzó su formación artística formal seria en la escuela del instituto del arte de Chicago y después en la Liga de estudiantes de arte de Nueva York, pero se sentía limitada por sus lecciones, que se enfocaron en reconstruir o copiar lo que estaba en naturaleza. En 1908, incapaz de financiar la educación superior, trabajó durante dos años como ilustradora comercial, y luego pasó siete años entre 1911 y 1918 enseñando en Virginia, Texas y Carolina del Sur. Durante ese tiempo, estudió arte durante los veranos entre 1912 y 1914
La reputación de la representación de la sexualidad de las mujeres también fue alimentada por fotografías explícitas y sensuales que Stieglitz había tomado y exhibido de O'Keeffe.
O'Keeffe y Stieglitz vivieron juntos en Nueva York hasta 1929, cuando O'Keeffe comenzó a pasar parte del año en el suroeste, el cual sirvió de inspiración para sus pinturas de paisajes de Nuevo México e imágenes de cráneos de animales, como "cráneo de vaca: Rojo, Blanco, y azul" y "la cabeza del espolón Hollyhock blanco y pequeñas colinas". Después de la muerte de Stieglitz, vivió permanentemente en Nuevo México en Georgia O'Keeffe Home and Studio en Abiquiú, hasta los últimos años de su vida cuando vivió en Santa Fe.
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| Alfred Stieglitz y Georgia O´Keeffe. El fotógrafo y la pintora Alfred Stieglitz (1 de enero de 1864 – 13 de julio de 1946) fotógrafo estadounidense, de origen judío-alemán. Durante sus cincuenta años de carrera luchó por hacer de la fotografía una forma de arte al nivel de la pintura y la escultura. Para conseguir este objetivo empezó explorando dentro del campo de la fotografía capacidades propias de la pintura (composición, texturas) para después recurrir a elementos propiamente fotográficos (profundidad de campo, efecto de corte fotográfico). Pasó así del pictorialismo a la llamada fotografía directa. A Stieglitz también se le conoce por su matrimonio con la pintora Georgia O'Keeffe. |
En 2014, la pintura de 1932 Jimson Weed se vendió por $ 44,405,000, más de tres veces el récord de subasta mundial anterior para cualquier artista femenina. El museo de Georgia O'Keeffe fue establecido después de su muerte en Santa Fe.
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| En 1977, el presidente Gerald Ford presentó a O'Keeffe con la Medalla Presidencial de la Libertad, el más alto honor otorgado a los civiles estadounidenses. En 1985, fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes por el Presidente Ronald Reagan. En 1993, fue admitida en el Salón Nacional de la Fama de Mujeres. |
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| Georgia O'Keeffe Museum located in Santa Fe NM Una parte sustancial de los bienes de su herencia fueron transferidos a la Fundación Georgia O'Keeffe, una organización sin fines de lucro. El Museo Georgia O'Keeffe se inauguró en Santa Fe en 1997. Los bienes incluían una gran parte de su obra, fotografías, materiales de archivo, y su casa, biblioteca y propiedad de Abiquiú. El hogar y el estudio de Georgia O'Keeffe en Abiquiú fue designado un lugar histórico nacional en 1998 y ahora es propiedad del museo de Georgia O'Keeffe. |
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