(57) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - EN NUESTRO ENTORNO. ARTE VASCO-NAVARRO - AÑOS SETENTA - Juan José Aquerreta Maeztu - `Aquerreta… y semejanza. Heian Shodan´, pincha aqui
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Visita guiada a la exposición de Vicente Ameztoy con la comisaria Miriam Alzuri, pincha aqui
VICENTE AMEZTOY (San Sebastián, 1946-2001) es compañero de generación de los pintores Marta Cárdenas, Ramón Zuriarrain, José Llanos y del escultor Andrés Nagel. Inició su carrera a finales de los años sesenta en su ciudad natal y, al igual que estos artistas, frente al lenguaje abstracto típico de los creadores que formaron parte del grupo Gaur, se decantó tempranamente por la figuración, que en su caso iba acompañada de un interés por la subjetividad y la ironía. La presencia de lo inquietante y lo insólito fueron una constante en toda su producción, que destaca por su capacidad para convertir en perturbadores elementos aparentemente cotidianos, como el paisaje.
Sin título, 1976. Colección particular
Al contemplar la obra de Ameztoy, las referencias se multiplican. Pienso en su trabajo como un gran bazar de variedades, donde el cómic, la música, el cine y la literatura de ciencia ficción se dan cita para imbricarse con objetos y paisajes tan seminalmente unidos a la tierra vasca y conformar, poco a poco, su universo, un corpus estilístico que aparece ante nuestros ojos como si fuera algo nuevo.
Asistió a clases de pintura para ingresar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, de Madrid, pero pronto las dejó y se puede decir que fue autodidacta casi por entero. Con todo, esta etapa le permitió conocer el arte de Antonio López, que fue una de sus influencias principales.
Sin título, c. 1972. Museo de Bellas Artes de Bilbao
Sin título [Autorretrato], 1977-1978. Colección particular
Inquietante
Paraíso, 1997-2001. Colección particular
Su estilo quedó conformado en los años 70. De ello es ejemplo su óleo La familia (1975; ARTIUM de Vitoria). Se decantó decididamente por una figuración de cristalina ejecución, influida por René Magritte y por el renacentista Arcimboldo. Ameztoy mezcló paisaje vasco y elementos oníricos, por medio de una imaginación fértil y una ambigüedad poética. Es surrealista, pero sin las estridencias del Dalí más efectista.
En 1976, fue incluido en una colectiva de arte vasco en Barcelona (Galería Totem) y se le dedicó una individual en la galería Juana Mordó de Madrid. Participó también en la muestra New Spanish Painting de Nueva York (Hasting Gallery/Spanish Institute).
La mayor parte de su producción se centra en la temática del paisaje y el retrato, inspirada en el entorno familiar. El impacto del surrealismo de Magritte se manifiesta de manera constante en sus pinturas, mezclado a veces con recetas compositivas del primer renacimiento italiano. Muchas de sus figuras humanas tienen cabeza, extremidades o partes de origen vegetal, al modo de los rostros-bodegones de Arcimboldo. En algún aspecto, Ameztoy puede conectar con Andrés Nagel, pero mantiene una depuración formal, de líneas limpias y color refinado, muy distinta al arte povera, de objetos reciclados, de Nagel.
Andrés Nagel Tejada (San Sebastián, 15 de agosto de 1947) es un pintor, escultor y grabador español, uno de los artistas vascos actuales de mayor proyección internacional.
René François Ghislain Magritte (Lessines, 21 de noviembre de 1898 - Bruselas, 15 de agosto de 1967) fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al espectador a hacerse hipersensitivo a su entorno.Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y uno real.
Giuseppe Arcimboldo, también escrito Arcimboldi (Milán, 1527-ibidem, 11 de julio de 1593), fue un pintor italiano, conocido sobre todo por sus representaciones manieristas del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos: pintaba representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo el conjunto tenía una semejanza reconocible con el sujeto retratado. Un proceso cercano a la anamorfosis en el contexto de las ilusiones ópticas o también la llamada pareidolia. A esta técnica y tópico pictóricos se les llamaron «cabezas compuestas», intrincaciones de manera antropomórfica, de carácter paródico, simbólico y extraño, que serían particulares del pintor.
Vertumno. Skoklosters, Suecia
Vicente Ameztoy. Santoral de Remelluri
El santoral y el Paraíso pintados por Vicente Ameztoy para la Ermita de Remelluri en la rioja alavesa.
En los trabajos de la capilla de Remelluri no solo pude descubrir a un artista rara avis, sino también la contundente técnica y los referentes tan sólidos en los que se asentaba su imaginario. En aquellas pinturas descubrí su gusto por las obras del Quattrocento italiano. Y es que, a pesar de lo comentada que es su gran influencia del surrealismo de René Magritte, también están presentes en sus obras las suaves formas de la pintura prerrafaelita, el collage, el mundo de la fotografía y el cine, como veremos, además de un interés muy marcado por la naturaleza en un sentido político y reivindicativo
Casi se podría decir que la obra de Ameztoy supuso una renovación del arte vasco en la década de 1970 y un nuevo interés por la subjetividad y lo misterioso.
MARTA CÁRDENAS: Marta Cárdenas nació en San Sebastián en 1944. Tras comenzar a pintar paisajes de modo autodidacta, principalmente en acuarela, entre 1958 y 1961 recibe clases de dibujo en la Asociación Artística de Gipuzkoa. Estudia luego en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, donde obtendrá su título, en 1968. Esos años, en los que entra en contacto con la vanguardia abstracta, —en especial los pintores del grupo de Cuenca y los vinculados a la recién creada galería Juana Mordó (1964)— son fundamentales para su crecimiento como creadora, a lo que se unirán sus estadías en Paris, en especial la que realiza, becada por el gobierno francés, en 1969.
La obra de Marta Cárdenas forma parte de las colecciones del Museo Reina Sofía de Madrid, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Palacio de la Moncloa, la Biblioteca Nacional de España, la Fundación Juan March, Colección BBK (Bilbao), Fundación La Caixa o las Cortes de Castilla y León.
Museo de Bellas Artes de Bilbao, sala 33, del 19 de junio al 7 de julio de 2015
CARDENAS, Marta Autorretrato 1980
“Es un material que guardaba en una lonja que tenía muchas humedades. Si no me doy cuenta a tiempo los hongos hubieran acabado con él. Lo dono a este museo, donde hice la segunda exposición de mi vida, a sabiendas que va a estar muy bien conservado”. Con estas palabras, Marta Cárdenas (San Sebastián, 1944) ha donado 295 obras sobre papel y 55 cuadernos plenos de vida, unos trabajos espléndidos de su etapa anterior a 1997 que incluyen los diferentes estilos de una artista perteneciente a una de las pléyades más importantes de las artes vascas. Se descubre aquí una enriquecedora trayectoria en la que destaca la variedad en cuanto a la técnica y a la temática, ejemplo de la experimentación y la versatilidad que caracterizan la producción de la autora donostiarra.
“Confieso que no tengo retentiva. Mis dibujos tienen que salirme a la primera. Uno de mis grandes logros fue conseguir dibujar sin mirar al papel. De esta forma hice muchas labores en escuelas de danza, gimnasios, salas de esgrima y hasta en frontones, donde realicé un cuaderno muy interesante por encargo de la familia Huarte, de Pamplona. Hago mía una frase de Van Gogh que reconozco magistral: ‘Lo que pintes de una vez es mejor que lo que haces dos o tres veces’”.
Txomin Badiola, PINCHA AQUI
Metrópolis dedica un monográfico al escultor vasco Txomin Badiola (Bilbao 1957), un artista clave para entender las transformaciones que se han producido en el arte español en las últimas décadas. Su enorme valor estriba no solo en sus proyectos individuales, en los que a partir del concepto de “malas formas” deconstruye los dispositivos de creación y recepción de imágenes; también en ser el incitador de unos modos de hacer que han influido en toda una brillante generación de creadores vascos. En la exposición retrospectiva que tuvo lugar en el Palacio de pudo verse una amplia selección de su producción (alrededor de unas 60 obras entre fotográficas, dibujos, piezas escultóricas e instalaciones multimedia), que abarca desde los años ochenta hasta la actualidad.
Badiola: «El arte ha dejado de tener una función social»
El escultor bilbaíno acaba de publicar el libro ‘Malformalismo’ 2020
Txomin Badiola: “Entre Oteiza y yo se creaban unas situaciones muy tensas”
Empecé pintando de niño y cuando entré en Bellas Artes me inicié en la escultura. De ahí me fui pasando de una disciplina a otra hasta combinarlas todas. Pero este libro no es exactamente, al menos en principio, una propuesta estrictamente literaria. Entra dentro de mi propio trabajo.
La influencia de Jorge Oteiza en usted ha sido determinante. No era un hombre fácil, ¿Qué relación tenía con él?
En este libro, las partes que tienen que ver con Oteiza no tienen nada que ver ni con sus trabajos ni con sus teorías, tienen que ver con situaciones muy tensas y conflictivas que se creaban entre él y yo, pero que de alguna manera explican nuestra relación.
¿Sería simplista dejar esa relación en la de maestro y discípulo?
Sí. No tenía nada que ver. Era una relación más de tú a tú, a pesar de la diferencia de edad y de la diferencia de lo que era Oteiza y de lo que era yo en aquel momento. Pero era una relación muy productiva. Digo esto en el sentido de que no manteníamos una relación complaciente.
Nadie podría haber dicho nunca que Oteiza fuera un hombre complaciente con nadie.
Eso es cierto, pero yo tampoco era complaciente con él.
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