Las pasiones en el arte
Cuatro especialistas han abordado el modo en que cuestiones fundamentales de la existencia como el amor, la muerte, la alegría, o el deseo han sido representadas en la pintura, la escultura, la arquitectura o la música.
Los historiadores:
- Alberto Pancorbo - “El arte y los movimientos del alma”
- Marta Poza - "La vida y la muerte en el arte medieval"
- David García Cueto - "El deseo en la pintura del siglo XVII entre la fascinación y la censura"
- Noelia García Pérez - "La mirada del amor en la creación artística"
David García Cueto
(Málaga, 1977). Jefe de Colección de Pintura Italiana del Barroco del Museo Nacional del Prado. Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Granada con mención europea en 2005. Realiza estancias de investigación postdoctoral en destacados centros internacionales, entre los que se encuentran la Escuela Española de Historia y Arqueología de Roma, el Institut National d’Histoire de l’Art de París y el Harry Ransom Humanities Research Center de la University of Texas en Austin. Inicia su carrera docente en la Universidad de Granada en 2007, institución en la que ejerce como profesor titular de Historia del Arte entre 2012 y 2020. Asimismo, es profesor invitado en las universidades de Ottawa, Bolonia, Ginebra y Roma, así como en el Collège de France. En 2020 se incorpora al Museo del Prado como conservador. Sus estudios se han centrado, entre otros temas, en las relaciones artísticas y culturales entre España e Italia en el siglo XVII, en el arte y la diplomacia en la Edad Moderna y en el arte español del Siglo de Oro, publicando al respecto numerosos estudios
EL DESEO
Este Autorretrato es una de las obras más conocidas del pintor alemán Alberto Durero. Es un óleo sobre tabla, pintado en 1498. Mide 52 cm de alto y 41 cm de ancho, siendo así el más pequeño de sus autorretratos. Se exhibe actualmente en el Museo del Prado de Madrid.
Se representa como un gentilhombre de la nobleza, vigoroso y joven, con una altivez casi arrogante. Está vestido elegantemente, muy escotado, con el cabello y la barba muy cuidados, como en un retrato de Bartolommeo Veneto. El atuendo no es sólo reflejo de una personalidad refinada, sino que también patentiza el bienestar económico del artista; la cenefa del escote parece bordada con hilo de oro y los guantes de piel eran un artículo de lujo en aquella época. Ningún artista medieval se representó a sí mismo con tal elegancia.
Alberto Durero - Nuremberg: el triste secreto de Nuestra Señora - Melencolia I - El caballero, la muerte y el diablo, PINCHA AQUI
(IV) Alberto Durero - Obras (Acuarelas - Autorretrato), PINCHA AQUI
(III) Durero - El regreso a Nuremberg - La relación de Durero con la Reforma, PINCHA AQUI
(II) Durero - El segundo periodo italiano, PINCHA AQUI
Nuremberg, año 1500, Albrecht Durer quizás en la intimidad de su casa o quizás a solas en su taller, gozoso como era del autorretrato, va más allá de la caracterización del físico, de la representación de la posición social del artista o del patricio que llegó a ser y superando los límites impuestos de la privacidad de lo íntimo, se dibuja desnudo, descarnadamente desnudo, con un realismo alejado de toda idealización. Es el primer autorretrato desnudo conocido de la historia y tardaremos siglos en ver el siguiente.
Su autorretrato es tan audaz que sólo a partir del XX encontraremos con qué compararlo.
«Autorretrato masturbándose» (1911) - Egon Schiele. Museo Albertina, Austria.
Cinco siglos después también Egon Schiele se enamorará de sí mismo haciendo autorretratos en todas los formas posibles, con desnudos cargados de sexualidad: haciendo el amor, en plena erección o masturbándose. La fuerza de sus imágenes recuerdan mucho a la de Durero. Ya a finales del siglo XX Lucian Freud sigue la misma estela de este realismo expresionista y descarnado.
Egon Schiele - Museo Guggenheim de Bilbao, PINCHA AQUI
Hace casi dos mil años, las erupciones del Vesubio sepultaron a Pompeya, Herculano y Estabia, arrancándolas de su época para convertirlas en eternas, un paréntesis en el tiempo del año 79 que alcanza a la contemporaneidad gracias a las campañas de excavaciones que comenzaron en 1748. Hoy en día, los trabajos en el sitio arqueológico no dejan de deparar hallazgos sorprendentes; el último, una pequeña y peculiar casa decorada con unos bellísimos frescos de tema mitológico. Lo mejor es que en Pompeya se practica una especie de arqueología instantánea que hace que a pocos días del reciente descubrimiento, los visitantes ya pueden ver los frescos que recrean el mito de Hipólito y de la princesa cretense Fedra, esposa de Teseo. Una doble maravilla.
Fedra es una princesa de Creta y esposa del héroe griego Teseo en la mitología griega. Es uno de los personajes principales de la tragedia griega Hipólito, de Eurípides (en torno a 484-407 a.C.), que narra el trágico final de su amor por Hipólito, el hijo de Teseo.
El mito más famoso relacionado con Fedra es su trágico amor por su hijastro Hipólito, que acabó condenándolos a ambos. Esta historia se cuenta en múltiples fuentes, pero sobre todo en el drama griego Hipólito, de Eurípides, y en la tragedia Fedra, de Séneca (4 a.C.-65 d.C.).
Los amantes, 1524-1525, de Giulio Romano
Se mantuvo mal almacenada y no se exhibió públicamente debido al tema hasta los años 1920
Johann Friedrich Reiffenstein compró la obra a Thomas Jenkins en Londres para Catalina la Grande.
Giulio Romano (Roma, h. 1499-Mantua, 1 de noviembre de 1546), fue un pintor, arquitecto y decorador italiano del siglo XVI, prominente alumno de Rafael, cuyas innovaciones en relación con el clasicismo del alto Renacimiento ayudaron a definir el estilo denominado manierismo. Los dibujos de Romano han sido muy buscados por los coleccionistas. Los grabados de la época sobre su obra fueron una contribución significativa para la difusión del estilo manierista en toda Europa.
Júpiter seduciendo a Olimpia 1526-28 Fresco
Sala di Psiche, Palazzo del Tè, Mantua
Giulio Romano
El Palacio del Té es un edificio de planta cuadrada, construido entre 1524 y 1534 para Federico II Gonzaga, marqués de Mantua. Decidió en 1524 construir un palacio de recreo, o Villa Suburbana. El lugar elegido fueron los establos de la familia en Isola del Te en el borde de la marisma junto en las afueras de las murallas de Mantua. Este paraje verde donde se erigió era conocido como Tè, nombre cuya etimología no está clara.
XII - Mantua - Palacio del Té - Isabel de Este - Federico II Gonzaga - Giulio Romano, pincha aqui
XIV - Giulio Pippi - Correggio - Andrea Mantegna - El palacio ducal de Mantua ( La Cámara de los Esposos) - Studiolo de Isabel de Este - Jacopo Amigoni - Afrodisias, pincha aqui
El renacimiento mantuano despegó a mitad del siglo XV, bajo el liderazgo de la dinastía Gonzaga que hizo de la ciudad de Mantua, a pesar del pequeño tamaño de su territorio y de su relativa importancia en la escena europea, una de las cortes más nobles de Europa. A diferencia de otras versiones del Renacimiento italiano, el de Mantua es únicamente el resultado de la casa reinante: la diferencia entre los ingresos de los Gonzaga y los de mantuanos, por ricos que fuesen, era abismal.
Alegoría con Venus y Cupido o Alegoría de la Pasión, es una obra pictórica de Bronzino realizada posiblemente entre los años 1540 a 1550, durante la corte del duque Cosme I de Médici. El cuadro tiene una dimensión de 146 x 116 cm y se exhibe en el National Gallery de Londres desde 1860, cuando fue comprado al coleccionista de arte francés Edmund Beaucousin.1 Se le considera una composición manierista, debido a su artificialidad y oposición al naturalismo, asimismo como a los principios de belleza clásica defendidos durante el Alto Renacimiento.
En él se representa a Venus sosteniendo la manzana de la discordia en su mano izquierda, y girando su cabeza para dar un beso a Cupido. El tema central de la pintura es el erotismo o el amor prohibido, que acompañado por la envidia y los celos producen consecuencias trágicas.
Detalle de la personificación de los Celos o la Sífilis en la obra pictórica
Giovanni de Medici como S. Juan Bautista - celebrativo de su nombramiento como cardenal 1560
Bronzino, S. Giovanni Battista, Galleria Borghese, Roma, Italia. El reflectograma ha revelado un trazo pictórico consistente de un caballero de los Médicis, cuyos contornos están señalados en la figura, bajo la capa pintada visible. La superposición punto por punto de la imagen en color y el reflectograma permite comparar perfectamente la versión definitiva de la pintura con la figura infrapintada y facilita la distinción entre una y otra. Las fibras que guían la radiación a los fotomultiplicadores pueden estar fuera de eje con respecto al doblete. De hecho, el campo introducido degrada insignificantemente las prestaciones del doblete.
(IX) El placer de coleccionar arte - Los medicis - Florencia - Giovanna degli Albizzi, pincha aqui
Las poesías de Tiziano
Llamamos poesías, dentro del conjunto de la obra de Tiziano, a un grupo de pinturas de tema mitológico que llevó a cabo para Felipe II entre 1553 y 1562. Lo componen Dánae (en la Wellington Collection), Venus y Adonis (en el Museo del Prado), Perseo y Andrómeda (en la Wallace Collection), Diana y Acteón y Diana y Calisto (en las National Galleries of Scotland) y El rapto de Europa (en el Isabella Stewart Garden Museum).
Es posible que el monarca y el artista acordaran la realización de estas piezas en Augsburgo, donde sabemos que el pintor se reunió con la corte imperial, en 1551, y aunque no tenemos claro quién de los dos tuvo la iniciativa, la historiografía apunta a Tiziano a partir de sus cartas al rey, aunque este –versado en mitología- tuvo también un papel clave en la génesis del proyecto.
Tiziano. El rapto de Europa, hacia 1559-1562. Isabella Stewart Gardner Museum
El mito griego narra cómo Zeus se prendó de Europa y se transformó en un toro blanco para acercarse a ella. Europa, que estaba en la playa recogiendo flores, se acerca y le acaricia, y al ver que era manso se monta sobre su lomo. Zeus aprovecha esa oportunidad para raptarla y llevarla a la isla de Creta, donde el dios y la mortal se unirán. De este amor nacieron tres hijos: Minos, Sarpedón y Radamantis. Finalmente, el toro cuya forma había adoptado Zeus, se transformó en una constelación y pasó a ser un signo del zodiaco.
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Tiziano. Diana y Acteón, 1556-1559. National Galleries of Scotland Dentro de la serie de las "poesías" pintada para Felipe II en la década 1550, Tiziano consideró a Diana y Acteón y Diana y Calisto como trabajos para colgar en una misma pared, apareciendo elementos similares -la distribución de las figuras en V y el empleo de diagonales cruzadas- en ambas como si formaran parte de un conjunto. Estos dos trabajos se incorporaron más tarde a la serie, creando un conjunto en el que la belleza femenina resulta la principal protagonista. Acteón era hijo de Autonoe y nieto de Cadmo, el fundador de Tebas. Agotado por la sed, durante una cacería, entró en una gruta donde manaba una fuente. Era esa la fuente predilecta de Diana y allí solía bañarse por lo que Acteón sorprendió a la diosa desnuda, en pleno baño. La irritación de la diosa fue tal que arrojó a la cara de Acteón unas gotas de agua que transformaron al joven en ciervo. Acteón salió corriendo de la cueva y sus propios perros le devoraron. Tiziano cambia la gruta donde se desarrollan los hechos por una construcción abovedada, corriendo el joven un cortinaje que le permite ver a Diana y sus ninfas desnudas. |
El término poesías se aplicaba en el s XVI a las pinturas concebidas para el deleite de los sentidos, no con intención didáctica o moralizante.
Para Lodovico Dolce, contemporáneo de Tiziano, la pintura, como la poesía, estaba destinada a deleitar, a satisfacer los sentidos (Venecia, 1508 o 1510 - íd., 1568) fue un gramático, editor y escritor polemista italiano.
Sabemos que Tiziano participaba de aquellos debates y defendía las posibilidades de la pintura de representar las tres dimensiones y la concepción de las poesías como sucesión pareada de contrapposti, de visiones opuestas.
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Tiziano. Dánae. The Wellington Collection Dánae ilustra el momento en que Júpiter la posee en forma de lluvia de oro. Tiziano pintó la primera Dánae en Roma en 1544-45 para el cardenal Alessandro Farnese y aludía a los amores del cardenal con una cortesana. Esta Dánae fue modelo para la de Felipe II, donde Cupido fue sustituido por una anciana celadora, cuya inclusión enriquece la pintura al brindar sofisticados contrapposti: juventud frente a vejez; belleza frente a fealdad; figura desnuda frente a vestida. Felipe II recibió la obra que ahora se conserva en la colección Wellington en 1553 y permaneció en la colección real española, primero en el Alcázar y después en el Buen Retiro, hasta que, tras la Guerra de la Independencia, Fernando VII se la regaló al duque de Wellington. Su tamaño original era similar al de Venus y Adonis, pero a finales del siglo XVIII se eliminó el tercio superior por razones de conservación. Descripciones antiguas y una copia flamenca, revelan que en ese tercio superior se incluía el rostro de Júpiter y un águila con los rayos, atributos del dios. Años más tarde, en 1565, Tiziano pintó la Dánae que se conserva en el Prado con una factura más deshecha y una extraordinaria calidad. El responsable de su llegada a España fue Velázquez, a quien en 1634 Jerónimo de Villanueva abonó mil ducados por dieciocho pinturas para el adorno del Buen Retiro, entre las que figuraba la Dánae de Tiziano. |
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| Tiziano. Diana y Calisto, 1556-1559. National Galleries of Scotland Su fuente principal fue Ovidio (Las metamorfosis), que refleja la peculiar relación entre la diosa Diana y su doncella Calisto. Es especialmente propicio para su representación el momento dramático en que la diosa Diana descubre que su doncella, Calisto, ha quedado embarazada de Zeus (Júpiter en la mitología romana), quien había tomado la forma de Diana para conseguir tener amores con Calisto.
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