Mi semana en Florencia (X) - (V) Galería Uffizi - Judit decapitando a Holofernes (Artemisa Gentileschi) - Cabeza de Medusa (Caravaggio) - Adán y Eva (Lucas Cranach)

Mi semana en Florencia (IX) - (IV) Galería Uffizi - Rafael - La Anunciación (Leonardo da Vinci) - Tondo Doni (Miguel Angel) - Venus de Urbino (Tiziano), pincha aqui

Vista desde la cafeteria de los Uffizi

Judit decapitando a Holofernes es un cuadro de la pintora italiana Artemisia Gentileschi. Fue ejecutado hacia 1613. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 1,99 metros de alto y 1,62 m. de ancho. Actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia).

El tema de Judit decapitando a Holofernes es uno de los episodios del Antiguo Testamento que con más frecuencia se ha representado en la historia del arte. No obstante, excepto Judit y Holofernes de Caravaggio conservada en la Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma, jamás se ha logrado representar una escena tan cruda y dramática como la que pinta en esta tela Artemisia Gentileschi.
La heroína bíblica, junto a su doncella, se interna en el campo enemigo, seduce y luego decapita a Holofernes, el feroz general enemigo.
Este cuadro es el más famoso de Artemisia Gentileschi, con el que su nombre se asocia rápidamente.

Autorretrato como alegoría de la pintura
Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 8 de julio de 1593-Nápoles, hacia 1654)​  pintora barroca italiana, representante del caravaggismo.
Su formación artística comenzó en el taller de su padre, el pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639), uno de los grandes exponentes de la escuela romana de Caravaggio. Aprendió de su padre la técnica del dibujo, y el fuerte naturalismo de las obras de Caravaggio, con quien se la ha comparado por su dinamismo y por las escenas violentas que a menudo representan sus pinturas.

Trabajó bajo los auspicios de Cosme II de Médici. En 1621 trabajó en Génova, luego se trasladó a Venecia, donde conoció a Anthony Van Dyck y Sofonisba Anguissola; más tarde regresó a Roma, y entre 1626 y 1630 se mudó a Nápoles. En el período napolitano, la artista recibió por primera vez un pedido para la pintura al fresco de la iglesia, en la ciudad de Pozzuoli, cerca de Nápoles. Durante el periodo 1638-1641, vivió y trabajó en Londres con su padre bajo el patrocinio de Carlos I de Inglaterra. Luego regresó a Nápoles, donde vivió hasta su muerte.
En mayo de 1611, cuando Artemisia tenía 18 años, el pintor Agostino Tassi, maestro de Artemisia y amigo de su padre, la violó, un suceso que se considera que tuvo influencia tanto en su vida como en su pintura.

La cabeza de Medusa es un cuadro de Caravaggio, de 1597

"Esa fiera Gorgona, y cruel a la que horriblemente colúmenes viperinos dan escuálida pompa, y espantosa tiene la crin". Estos versos le fueron inspirados al poeta italiano Giovanni Battista Marino en 1613 por el terrible autorretrato que Caravaggio hizo de la mítica Gorgona o Medusa. Según la mitología clásica, Medusa era un monstruo con cuerpo femenino y cabellera compuesta por serpientes venenosas. Su mirada petrificaba a los que osaban acercarse a ella. El héroe Perseo se enfrentó a ella, utilizando el reflejo de su escudo para localizarla sin mirarla. La decapitó y empleó su cabeza petrificadora como escudo, al tiempo que de la sangre del monstruo nacía Pegaso, el caballo alado. Esta explicación mitológica nos conduce al tema iconográfico de la cabeza de Medusa, frecuentemente empleada para adornar escudos. Y esto es lo que constituye el cuadro de Caravaggio, que no es sino una rodela, un tipo de escudo circular, empleado para torneos. Esta rodela no fue nunca empleada en batalla, sino que funcionaba como un emblema para el cliente que la encargó. Caravaggio recurre nuevamente a un rostro distorsionado por el dramatismo, con el cuello chorreante de sangre y las serpientes erizadas alrededor de un rostro que, como la poesía del inicio nos mostraba, todavía petrificaba la sensibilidad de aquéllos que se acercaban a contemplar la obra.

Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571-Porto Ércole, 18 de julio de 1610) fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco.
Caravaggio tuvo una vida tumultuosa. Con una gran capacidad de enfrascarse en riñas, muchas de ellas fueron en los mismos lugares e incluso se le llegó a procesar por esto. La noche del 29 de mayo de 1606 mató, probablemente por accidente, a un hombre llamado Ranuccio Tomassoni.
Con una orden de aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley, Caravaggio huyó a Nápoles. Allí, bajo la protección de los Colonna, la autoridad romana veía mermado su poder. Pronto se convirtió en la estrella de la pintura napolitana. En esta etapa realizó Siete obras de misericordia y la Madonna del Rosario, entre otros.
Tras su huida de Malta, Caravaggio se asentó en Sicilia, con el apoyo de su viejo amigo y discípulo Mario Minniti, quien ahora estaba casado y vivía en Siracusa. Juntos realizaron una gira de trabajo por Siracusa, Mesina y la ciudad capital, Palermo. En esos años Caravaggio continuó realizando trabajos bien pagados
Después de nueve meses en Sicilia, Caravaggio regresó a Nápoles. De acuerdo a una de sus más recientes biografías, en Nápoles estaba a salvo del acecho de sus enemigos, bajo la protección de los Colonna. Además, ya había obtenido perdón, gracias al nuevo papa, el cardenal Camilo Borghese (posteriormente Paulo V) 

En Nápoles fue víctima de un intento de asesinato, por personas desconocidas. Primeramente hubo rumores en Roma acerca de «la muerte del famoso artista Caravaggio» y más tarde se supo que había salvado la vida, pero tuvo serias heridas que le desfiguraron el rostro. Al recuperarse pintó Salomé sostiene la cabeza de Juan el Bautista, mostrando su propia cabeza en el plato, obra enviada a Wignacourt para conseguir el perdón.

Salomé con la cabeza de Juan el Bautista (Caravaggio, Londres)
El cuadro muestra a Juan el Bautista tras ser decapitado, algo muy común en la pintura barroca italiana. Salomé, con un aire de frialdad, siente haber cumplido su misión. Ensangrentada, la cabeza del Bautista no es otra que la del propio Caravaggio. El verdugo es quien azota a Jesús en cristo en la columna

La primera versión de su San Mateo y el ángel fue rechazada no sólo por la sensualidad del ángel, que fue juzgada como trivial, sino también por la suciedad de los pies del santo, minuciosamente reproducida del modelo. ​La pintura de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado —acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo habría sido el cadáver de una prostituta encinta ahogada en el Tíber—. Así, la consideración de la Iglesia católica hacia Caravaggio y sus cuadros oscilará de un extremo a otro de su carrera entre el acogimiento entusiasta y el rechazo absoluto. El pintor encontrará en ella sus mayores protectores —como el cardenal Del Monte— así como a sus más grandes enemigos.

Muerte de la Virgen (1601-1606). Óleo sobre lienzo, 396 x 245 cm. Museo del Louvre, París
Es un lienzo de gran tamaño representando la muerte de la Virgen María. Era un tema debatido y no resuelto por la doctrina católica. Este cuadro se realizó en un tiempo en que el dogma de la Asunción de María no se había enunciado formalmente ex cátedra por el papa. Aunque su asunción en cuerpo y alma sea un dogma, no hay evidencia documental en relación con la muerte de la Virgen. Cómo murió no es un dogma. Algunos imaginaron una dormición post-mortem como un momento en el que Dios resucitó su cuerpo no pútrido y lo llevó al cielo. Otros señalaron que no sintió dolor ni enfermedad, ni miedo por la muerte, pues murió sin pecado, y que ella fue asumpta en cuerpo sano y alma antes de la muerte.
Las figuras casi tienen tamaño real. El centro de atención del cuadro es la figura de la Virgen María, representada de manera muy parecida a una mujer del pueblo, sin atributos místicos, evidenciándose su santidad sólo en el halo. 

Lucas Cranach el Joven (Wittenberg, 4 de octubre de 1515 – Weimar, 25 de enero de 1586) fue un artista renacentista alemán, conocido por sus xilografías y pinturas.

Era hijo de Lucas Cranach el Viejo. Fue aprendiz en el taller de su padre a partir de 1525 y luego su importancia creció. Trabajó en el taller familiar junto a su hermano Hans Cranach, fallecido prematuramente en 1537.

Adán y Eva - Lucas Cranach el Joven -- Galería Uffizi

Los estilos de Lucas padre y Lucas hijo son tan parecidos que ha habido dificultades para diferenciar obras y atribuirlas a uno u otro, en particular a partir de la década de la década de 1530 y de la muerte de su hermano Hans. A partir de esos años, y en parte por la avanzada edad, Cranach padre delega en su hijo y en otros ayudantes la ejecución de muchas pinturas, que presentan fluctuaciones de calidad.

Federico el Sabio (en alemán: Friedrich der Weise; Torgau, 17 de enero de 1463-Lochau, 5 de mayo de 1525) fue un príncipe elector de Sajonia, conocido actualmente por ser uno de los mecenas de Lutero y por fundar la Universidad de Wittenberg.
Convirtió a Wittenberg en una capital representativa gracias a la construcción del palacio y su iglesia, y la fundación de la Universidad de Wittenberg (Universidad Martín Lutero) en 1502. 
Federico III fue uno de los más tempranos clientes de Durero; le encargó un retrato ya en 1496 y posteriormente otras pinturas muy relevantes, como la Adoración de los Magos (Galería de los Uffizi) y El martirio de los diez mil.

Adoración de los Magos o de los Reyes es un cuadro del pintor alemán Alberto Durero (Albrecht Dürer). Es un óleo sobre tabla, pintado en 1504. Mide 100 cm de alto y 114 cm de ancho. Está firmado y fechado. Se exhibe actualmente en la Galería de los Uffizi
En la figura de la Virgen se observan influencias de Giovanni Bellini. La arquitectura de los fondos revela la influencia de Andrea Mantegna.

Alberto Durero (en alemán Albrecht Dürer Núremberg, 21 de mayo de 1471-Núremberg, 6 de abril de 1528)2​ es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Ejerció una decisiva influencia en los artistas del siglo XVI, tanto alemanes como de los Países Bajos, y llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafael Sanzio. Sus grabados alcanzaron gran difusión e inspiraron a múltiples artistas posteriores, incluyendo los nazarenos del siglo XIX y los expresionistas alemanes de principios del siglo XX.

(Autorretrato) Giovanni Bellini, también conocido por su apodo Giambellino (Venecia, h. 1433 - Venecia, 26 de noviembre de 1516​) fue un pintor cuatrocentista italiano. Probablemente sea el miembro más conocido de una familia de pintores venecianos que incluyó a su padre Jacopo, su hermano Gentile y su cuñado Andrea Mantegna. Está considerado como un artista que revolucionó la pintura veneciana, haciéndola progresar hacia un estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de pintura al óleo clara y de secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso colorido y los paisajes fluidos y con atmósfera tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.

Posible autorretrato de Andrea Mantegna en su obra La presentación de Cristo en el templo.
Andrea Mantegna (Isola di Carturo, actual Piazzola sul Brenta, ca. 1431 – Mantua, 13 de septiembre de 1506) fue un pintor del Quattrocento italiano.
Andrea construyó y pintó para su uso personal una hermosa casa en Mantua, en la cual residió toda su vida.
A los 17 años cuando se independiza, cansado de que su talento artístico fuera apropiado por su mantenedor. Además, en 1453 se casa con Nicolosia Bellini hermana de los también reconocidos artistas Giovanni Bellini y Gentile Bellini, y, por tanto, hija de Jacopo Bellini, rival de Squarcione. Este hecho le llevará a la enemistad con el que había sido su maestro. A partir de ese episodio entre maestro y discípulo, Squarcione, fue muy duro criticando a su antiguo alumno; críticas que, a pesar de que en un primer momento hirieron a Mantegna, también le hicieron progresar.

En 1540, Cranach el Joven se casó con Barbara Brück, hija de Gregor von Brück (Canciller del elector de Sajonia Federico el Sabio). Después, viudo, se volvió a casar, con Magdalene Schurff, sobrina de Philipp Melanchthon, un humanista reputado al que retrató varias veces. En 1550, durante la cautividad de su padre, se hizo cargo del taller, y cuando aquél murió en 1553, prosiguió su actividad.

Adán y Eva es una obra de Lucas Cranach el Viejo pintada entre 1520 y 1525,​ se conserva en el Museo Soumaya de la Ciudad de México.
La pintura está inspirada en el grabado Árbol del conocimiento del bien y del mal al centro de Alberto Durero. Se puede observar una serpiente con oreja, la cual es el símbolo de los bestiarios medievales, la cual mira a Eva escondiendo la manzana prohibida. Adán y Eva muestran cuerpos delgados, bien formados y con mucho detalle en las texturas de la piel, del árbol y de la hierba.

Lucas Cranach el Viejo (en alemán, Lucas Cranach der Ältere) (Kronach, 1472-Weimar, 16 de octubre de 1553) fue un artista alemán, pintor y diseñador de grabados en xilografía. Es padre del también pintor Lucas Cranach el Joven (1515-1586).
La especialidad de Lucas Cranach el Viejo fueron los retratos, las escenas religiosas de mediano formato aptas para domicilios particulares y, sobre todo, los temas de mitología que daban pie a incluir desnudos femeninos. Cranach impuso en el Arte un canon femenino muy peculiar, estilizado y de aspecto juvenil, con ojos almendrados, senos menudos y piernas largas.
Las obras de mayor calidad de la familia Cranach son las de la primera época, especialmente las anteriores a los años en que ambos hijos empezaron a colaborar. Las de 1508-20 son relativamente escasas en el mercado y alcanzan precios astronómicos. 

De una fe religiosa inicialmente católica, Cranach el Viejo pasó a apoyar fervientemente el luteranismo, promoviendo con sus retratos y grabados la fama internacional de Martín Lutero y Philip Melanchthon. En algunos grabados, Cranach pareció ridiculizar al papa y a la Casa de Habsburgo. A raíz de la derrota de las tropas protestantes ante Carlos V en la batalla de Mühlberg (1547), el elector Juan Federico I de Sajonia fue apresado y enviado al exilio a Weimar, y Cranach le acompañó. En tales circunstancias el pintor falleció en el año 1553.
De 1549 a 1568, formó parte del consejo municipal de Wittenberg, ocupando sucesivamente los cargos de canciller después de burgomaestre. Los encargos de los príncipes de Sajonia le aseguraron la prosperidad, hasta su muerte.

Felipe Melanchthon (en alemán: Philipp Melanchthon) (Bretten, 16 de febrero de 1497 - Wittenberg, 19 de abril de 1560), reformador religioso y erudito alemán.
Philipp Melanchton, el reformador, amigo leal de Lutero, pieza clave en la traducción de la Biblia y padre de la Educación Alemana, falleció en Wittenberg, cuna de la Reforma Protestante, el 16 de abril de 1560.
Varios artistas de la época lo retrataron: Durero le hizo un grabado en 1526 y Lucas Cranach el Joven una xilografía en 1561, basada seguramente en un boceto que tomó en su capilla ardiente

Martín Lutero, nacido como Martin Luder,​ después cambiado a Martin Luther, como es conocido en alemán (Eisleben, Alemania, 10 de noviembre de 1483-ibidem, 18 de febrero de 1546), fue un teólogo y fraile católico agustino que comenzó e impulsó la reforma religiosa en Alemania y en cuyas enseñanzas se inspiraron la Reforma Protestante y la doctrina teológica y cultural denominada luteranismo.
Lutero exhortaba a la iglesia cristiana a regresar a las enseñanzas originales de la Biblia, lo que produjo una reestructuración de las iglesias cristianas en Europa. La reacción de la Iglesia católica ante la reforma protestante fue la Contrarreforma. Sus contribuciones a la civilización occidental se extienden más allá del ámbito religioso, ya que sus traducciones de la Biblia ayudaron a desarrollar una versión estándar de la lengua alemana y se convirtieron en un modelo en el arte de la traducción. Su matrimonio con Catalina de Bora, el 13 de junio de 1525, inició un movimiento de apoyo al matrimonio sacerdotal dentro de muchas corrientes cristianas.

Retrato de Catalina de Bora, esposa de Martín Lutero, por Lucas Cranach el Viejo. 1526. Wartburg-Stiftung, Eisenach, Alemania.
El 8 de abril de 1523, Lutero le escribe a Wenceslaus: "Ayer recibí a nueve monjas de su cautiverio en el convento de Nimbschen". Lutero había decidido ayudar a escapar a doce monjas del monasterio cisterciense en Nimbschen, cerca de Grimma en Sajonia, sacándolas del convento dentro de barriles. Tres de ellas se marcharon con sus parientes, mientras que las otras nueve fueron llevadas a Wittenberg. En este último grupo se encontraba Catalina de Bora. Entre mayo y junio de 1523 se pensó que la mujer se casaría con un estudiante de la Universidad de Wittenberg, Jerome Baumgartner, aunque probablemente su familia se lo negó. El Dr. Caspar Glatz era el siguiente pretendiente, pero Catalina no sentía "ni deseo ni amor" por él. Se supo que se quería casar con Lutero o con Nicolás von Amsdorf. Lutero sentía que no era un buen marido, ya que había sido excomulgado por el Papa y era perseguido por el Emperador. En mayo o a principios de junio de 1525 se conoció en el círculo íntimo de Lutero su intención de casarse con Catalina. Para evitar cualquier objeción por parte de sus amigos, actuó rápidamente: en la mañana del martes 13 de junio de 1525 se casó legalmente con Catalina, a quien afectuosamente llamaba "Katy". Ella se mudó a la casa de su marido, el antiguo monasterio agustino en Wittenberg, y comenzaron a vivir en familia. Los Lutero tuvieron tres hijos y tres hijas

La Casa de Habsburgo (Casa de Austria) fue una de las más influyentes y poderosas casas reales de Europa. Los Habsburgo ocuparon el trono del Sacro Imperio Romano Germánico de forma continuada entre 1438 y 1740. También ocuparon en distintos momentos los tronos del Reino de España, el Reino de Portugal, el Reino de Bohemia, el Reino de Inglaterra, el Reino de Hungría y el Reino de Croacia.
A partir del reinado del emperador Carlos V (1519-1556), la Casa de Habsburgo se dividió en dos ramas. La rama principal de los Austrias españoles, que gobernó el Imperio español, se extinguió en 1700 a la muerte de Carlos II de España sin descendencia. La rama cadete de los Habsburgo austríacos, que gobernó el Sacro Imperio Romano y los territorios de Austria-Hungría, se extinguió en 1780 a la muerte de la emperatriz María Teresa I de Austria.
En tiempos actuales, el cabeza de la casa de Habsburgo-Lorena fue el príncipe Otón de Habsburgo (1912-2011), y en la actualidad el jefe de dicha casa es el archiduque y príncipe Carlos de Habsburgo Lorena (desde 2007).

Carlos de Habsburgo-Lorena y Sajonia-Meiningen, (Karl Thomas Robert Maria Franziskus Bahnam Georg von Habsburg-Lothringen), (Starnberg, Baviera, Alemania, 11 de enero de 1961) es el pretendiente a archiduque austríaco, miembro de la ex-familia imperial, hoy no reinante, de Austria. Pertenece a la Casa de Habsburgo, cuya jefatura ostenta desde 2007, año en que sucedió a su padre, el príncipe Otón de Habsburgo-Lorena, tras la renuncia de éste. Los títulos que pretende son los de archiduque y príncipe imperial de Austria y príncipe real de Hungría y de Bohemia. Es el actual jefe de la rama austríaca de la Orden del Toisón de Oro. En Austria, ninguno de los miembros de la Casa de Habsburgo tiene titularidad oficial de sus títulos, ya que fueron anulados y su uso es ilegal, por lo que su nombre legal es el de Carlos Habsburgo-Lorena. Para los realistas legitimistas es Carlos II de Austria, Carlos IV de Bohemia, Carlos V de Hungría y Carlos V de Croacia.

(Pintado por Tiziano) Retrato ecuestre del emperador Carlos I de España (1500-1558), que aparece llevando la armadura que usó en la batalla de Mühlberg, que se libró en 1547 y en la que el emperador derrotó aplastantemente a los protestantes alemanes.
La Reforma luterana estaba creando una escisión no solo religiosa, sino también política en el seno del Sacro Imperio Romano Germánico. Los opositores al emperador Carlos V formaron la Liga de Esmalcalda y desafiaron la autoridad imperial. Carlos y su hermano el archiduque Fernando (futuro emperador) se unieron para combatir contra la Liga. Por razones no confesionales, sino estratégicas, contaban con el apoyo del protestante duque Mauricio de Sajonia. 
La Liga de Esmalcalda fue una liga de príncipes protestantes del Sacro Imperio Romano Germánico que se creó en el siglo XVI para defender sus territorios y luchar contra el emperador y rey Carlos V, defensor del catolicismo frente a la Reforma luterana. Toma su nombre de la ciudad de Esmalcalda (Schmalkalden), en Turingia (Alemania).
Carlos I de España y V del Sacro Imperio Romano Germánico, llamado «el César» (Gante, 24 de febrero de 1500-Cuacos de Yuste, 21 de septiembre de 1558), reinó junto con su madre, Juana I de Castilla —esta última de forma solo nominal y hasta 1555— en todos los reinos y territorios hispánicos con el nombre de Carlos I desde 1516 hasta 1556, reuniendo así por primera vez en una misma persona las Coronas de Castilla —el Reino de Navarra inclusive— y Aragón. Fue emperador del Sacro Imperio Romano Germánico como Carlos V de 1520 a 1558.

Juan Federico I el Magnánimo (Torgau, 30 de junio de 1503 - Weimar, 3 de marzo de 1554) fue un noble alemán, Elector de Sajonia, Duque Sajonia-Wittenberg, Landgrave de Turingia y Duque de Sajonia.
Fue encargado por su padre de varias misiones diplomáticas, como los tratados con el vecino Estado de Hesse en Kreuzburg y Friedewald, así como en la Dieta de Augsburgo, donde se gana la enemistad del emperador Carlos V.

La maravillosa villa de la emperatriz Livia en Prima Porta - La estatua de Augusto - El Palazzo Massimo alle Terme

«Allá verdea la dura piedra de Laconia, aquí el mármol líbico y frigio, más allá brilla el ondulado ónice y el mármol con vetas del mismo color que el mar profundo, y resplandecen rocas frente a las cuales palidece de envidia la púrpura de Ébalo». Así describía el poeta Estacio, a finales del siglo I d.C., las estancias de una lujosa residencia que ocupó Livia Drusila, la esposa del emperador Augusto. La villa –que hay que diferenciar de la Casa de Livia, en el Palatino de Roma– se hallaba al norte de la Urbe, en el término de la ciudad etrusca de Veyes.

Villa de Livia Drusilla.
La villa fue construida y modificada en cuatro etapas, la primera de época republicana, la última de la época de Constantino el Grande. En el siglo XIX la villa pertenecía al convento de Santa Maria in Via Lata.

Era famosa por un prodigio que protagonizó Livia en su juventud cuando acudió una vez a la finca –que pertenecía a la familia de su padre– y «estando sentada, un águila dejó caer sobre su regazo desde lo alto una gallina de asombrosa blancura, que llevaba en su pico una rama de laurel llena de bayas». Los arúspices la instaron a plantar la rama y custodiarla religiosamente, como símbolo de la vitalidad de la dinastía Julio-Claudia que fundaría con su esposo. También debía alimentar al ave y a su prole de polluelos, tan numerosos que dieron nombre a la villa: Ad gallinas albas, «donde las gallinas blancas».

La villa, que fue probablemente parte de la dote de Livia Drusilla, es citada por Plinio el Viejo,​ Suetonio​ y Dion Casio. En particular, existe también una leyenda poética sobre su fundación, según la cual un águila había hecho caer, en el vientre de Livia, una gallina blanca con una ramita de laurel en el pico. Consultados los arúspices, cuidó a sus crías y plantó la ramita, que generó un bosque, de donde los emperadores arrancaban ramas que llevaban consigo durante las batallas. Debido a esta leyenda, la villa también era conocida como ad gallinas albas.

Livia Drusila o Julia Augusta (59/58 a. C.-29 d. C.), fue la tercera esposa del emperador Augusto. Era hija de Marco Livio Druso Claudiano, el cual se suicidó en la batalla de Filipos.

Se casó en primeras nupcias con Tiberio Claudio Nerón, a quien dio dos hijos: Tiberio Claudio Nerón, futuro emperador, y Druso, gran general. Fue abuela de Germánico y Claudio, bisabuela de Calígula y Agripina la Menor y tatarabuela de Nerón.
Fue deificada por Claudio y recibió el título de Augusta después de que Tiberio se negase a hacerlo y a ejecutar su testamento, tarea que fue llevada a cabo por Calígula.

En 42 a. C., su padre la casó con Tiberio Claudio Nerón, su primo, de condición patricia, que luchaba con él en el lado de los asesinos de Julio César contra Octavio. Su padre se suicidó en la batalla de Filipos, junto con Cayo Casio Longino y Marco Junio Bruto, y su marido a continuación siguió luchando contra Octavio, ahora en nombre de Marco Antonio y de su hermano. En 40 a. C., la familia se vio obligada a huir de Italia con el fin de evitar las proscripciones octavianas, y se unió con Sexto Pompeyo en Sicilia, después de pasar a Grecia.

Sobrevivió a su segundo hijo Nerón Claudio Druso y a sus nietos: Germánico hijo de Druso el Mayor y a su primo Druso el Menor hijo de Tiberio.

Siglos después, desaparecido ya el Imperio romano, quedaban aún rastros de la villa. Unos pocos kilómetros al norte de Roma, entre la vía Flaminia y la vía Tiberina, se hallaba la localidad de Prima Porta, que en la Edad Media se llamó Porta di Livia. En una colina cercana aún eran visibles algunas estructuras de la Antigüedad. En el siglo XVI, topógrafos como Henricus Camerarius y Antonio Fortanelli aceptaron la identificación de aquellos restos con la famosa villa de Livia, y así se plasmó en los primeros mapas del antiguo Lacio. Para corroborarlo, dos amantes de las antigüedades romanas, Gavin Hamilton y Thomas Jenkins, emprendieron en 1771 unas breves excavaciones, apenas documentadas.

Se dice que cuando tronaba, el emperador Tiberio solía coronarse de laurel para combatir su miedo a los rayos.

Existen otros hechos destacados en al historia del Divino Augusto. En cierta ocasión, Livia Drusila, que después de su matrimonio adoptó el nombre de Augusta, durante la época en la que estaba prometida al César, y estando sentada, cayó sobre su regazo una gallina muy blanca, que un águila había dejado caer desde lo alto sin recibir daño alguno. Livia, al verlo, sin mostrar ningún signo de sorpresa, descubrió que la gallina llevaba en el pico una ramita de laurel con sus frutos. Los arúspices dieron órdenes de que la gallina y sus crías fuesen tratadas con todo cuidado, y que la rama se plantase con religioso respeto.
Sucedió en la villa de los Césares a las orillas del Tíber, junto a la novena piedra de la vía Flaminia (a ocho millas de Roma), por lo que se le llama Ad gallinas. De la rama ha nacido ya, de forma maravillosa, todo un bosque, y Augusto, desde entonces, cuando celebraba una triunfo, llevaba una rama de ese laurel en la mano, y una guirnalda del mismo árbol en la cabeza, y desde entonces, todos los emperadores (...)
Plinio: Naturalis Historia, liber XV (Sobre el laurel)

Augusto (en latín, Augustus; Roma, 23 de septiembre de 63 a. C.-Nola, 19 de agosto de 14 d. C.) fue el primer emperador romano. Gobernó entre 27 a. C. y 14 d. C., año de su muerte, convirtiéndose así en el emperador romano con el reinado más prolongado de la historia.

El joven Octavio se convirtió en heredero de Julio César tras el asesinato de este en 44 a. C. Un año después, en 43 a. C., conformó junto a Marco Antonio y Lépido una dictadura militar conocida como el Segundo Triunvirato.
El mandato de Augusto inició una era de paz relativa conocida como la Paz romana o Pax Augusta (en su honor). Salvo por las constantes guerras fronterizas, y con la excepción de una guerra civil de sucesión imperial que duró un año, la sociedad del Mediterráneo gozó de un ambiente pacífico durante más de dos siglos. De igual forma, Augusto expandió el Imperio romano, asegurando en el proceso sus fronteras mediante la subordinación a Roma de las regiones circundantes.

Octavio nació en 63 a. C. en una rica casa en el monte Palatino, ubicado en Roma.
A pesar de que su familia paterna, perteneciente al orden ecuestre, provenía de la ciudad de Velletri, situada aproximadamente a unos 40 kilómetros de Roma, Augusto nació ya en la Urbe el 23 de septiembre de 63 a. C., más específicamente en la zona llamada "las Curias Viejas" (in Curis Veteribus), en una mansión ubicada en el monte Palatino, muy cerca del Foro Romano y del Arco de Tito (en excavaciones del año 2011 ha sido hallada la que se cree que puede ser su casa natal​)

Creó la Guardia Pretoriana junto a fuerzas policiales de seguridad, tanto para mantener el orden como para combatir los incendios en Roma. Resulta destacable añadir que gran parte de la ciudad se reconstruyó bajo su reinado.
Tras su muerte en 14 d. C., el Senado lo divinizó, siendo posteriormente adorado por el pueblo romano. A manera de legado, sus nombres «César» y «Augusto» serían adoptados por todos los emperadores posteriores, y el mes de Sextilis sería renombrado «Agosto» en su honor.

Tras un largo proceso para solventar los problemas en torno a su heredero, César Augusto fue sucedido por su hijastro Tiberio.

Grabado del descubrimiento del Augusto de Prima Porta en un libro de Cacchiatelli y Cleter.

La estatua de Augusto
Fue en 1863 cuando la fama de la villa de Livia recorrió el mundo entero a raíz de dos magníficos descubrimientos. Por aquel entonces, los terrenos en los que yacía la villa habían sido arrendados al conde Francesco Senni, quien decidió emprender junto a su socio Paolo d’Ambrogi «excavaciones para buscar objetos de antigüedad». Durante las primeras semanas desenterraron varias estancias pertenecientes al complejo termal y numerosos objetos, entre ellos dos bustos de época imperial, una cabeza de Apolo, una máscara sacerdotal y varias tuberías de plomo con inscripciones. Todo ello lo vendieron pronto en el mercado de antigüedades.

Copia romana del Doríforo («portador de una lanza») de Policleto, conservada en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

La estatua está claramente inspirada en el Doríforo de Policleto, aunque con algunas modificaciones que recuerdan cierto retrato romano de época republicana conocido como El Orador. Sin embargo, a pesar de la influencia republicana, el estilo de este retrato está más cerca del idealismo helenizante, que del realismo republicano.
Policleto llamado «el Viejo» para diferenciarlo de Policleto el Joven, fue un escultor griego en bronce del siglo V a. C. nacido en Argos o Sición. Junto con los famosos Fidias, Mirón y Cresilas, es el más importante escultor de la Antigüedad clásica. El catálogo del siglo IV atribuido a Jenócrates («Catálogo jenocrático»), que fue la guía de Plinio en materia de arte, colocó a Policleto entre Fidias y Mirón.​ Policleto fue famoso sobre todo por sus estatuas de dioses y atletas realizadas en bronce, aparte de la enorme estatua de la diosa Hera, destinada al culto en el Hereo de Argos. Una de sus esculturas más destacadas es el Doríforo.

Augusto de Prima Porta

Copia en mármol de un original de bronce. Siglo I a.c. Museos Vaticanos, Roma.

Imagen idealizada de Augusto que se basa en el Doríforo de Policleto del siglo V a. C. Acoge la forma de contrapposto de esa escultura, creando diagonales entre los miembros tensos y los relajados, es un rasgo típico de la escultura clásica.

Más sensacional fue el hallazgo que hicieron el 20 de abril de 1863, a última hora de la tarde, cuando cerca del muro de cierre de la villa «se encontró una estatua que representa a César Augusto con vestimenta militar, de diez palmos de altura [2,04 metros], con un pequeño putto [cupido] desnudo a caballo de un delfín», según informó D’Ambrogi al ministro de Obras Públicas del Estado Pontificio. El conde Senni donó al papa Pío IX la estatua, que pasó de inmediato a engrosar las colecciones vaticanas; hoy es mundialmente conocida como el Augusto de Prima Porta. Poco después dos estudiosos italianos recordaban «el júbilo de los intelectuales italianos y extranjeros ante el anuncio del insigne descubrimiento de este singular monumento del arte pagano».

Eneas a​ es un personaje de la mitología grecorromana, héroe de la guerra de Troya, quien tras la caída de la ciudad logró escapar, emprendiendo un viaje hasta el Lacio (la región centro occidental de Italia) donde tras una serie de acontecimientos se convirtió en rey y a la vez en el progenitor del pueblo romano. En efecto, sus descendientes, Rómulo y Remo, fundaron la ciudad de Roma. Eneas era hijo del príncipe dardanio Anquises y de la diosa Afrodita (Venus en la mitología romana). Se casó con Creúsa, una de las hijas de Príamo, con la cual tuvo un hijo llamado Ascanio o Iulo. En su huida de la ciudad acompañado de toda su familia, Creúsa murió al quedarse atrás. Ya en Italia, Eneas se casó con Lavinia, hija del rey Latino, siendo esta unión el origen mítico del pueblo romano.

Eneas llevando a Anquises, enócoe de figuras negras, h. 520-510 a. C., museo del Louvre (F 118).

Se trata de una figura importante de las leyendas griegas y romanas. Sus hazañas como caudillo del ejército troyano son relatadas en la Ilíada de Homero, y su viaje desde Troya (guiado por Afrodita) que llevó a la fundación de Roma, fue relatado por Virgilio en la Eneida.

Eneas, Anquises y Ascanio es una estatua realizada por Gian Lorenzo Bernini entre 1618 y 1619.
Escultura de mármol de 220 cm de alto, expuesta en la Galería Borghese, en Roma. Pertenece al estilo barroco.
El grupo escultórico representa a Eneas huyendo de la ciudad de Troya llevando a su anciano padre, Anquises sobre sus hombros, y a su hijo Ascanio llevando el sagrado fuego del hogar, mientras Anquises sostiene a los dioses del hogar familiar (penates)
Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598-Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano.​ Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco.

William Shakespeare lo incluyó como personaje en su obra Troilo y Crésida.

"Incendio del Borgo"
De la Stanza dell´Incendio del Borgo realizada por Rafael y sus ayudantes hacia  1514 . Hace referencia a un hecho milagroso, cuando en el año 847 un incendio amenazaba con devorar Roma y el papa León IV (fecha desconocida-855) lo apagó milagrosamente haciendo la señal de la cruz. Al fondo de la pintura podéis ver al papa haciendo la señal de la cruz . Escribe sobre ella Vasari: "En esta historia se encuentran representados distintos peligros: las mujeres, mientras llevan agua para apagar el fuego en las manos  y sobre las cabezas, ven agitarse sus cabelleras y ropajes con una terrible furia provocada por la tormenta de viento; otros se apresuran a echar agua, pero, cegados por el fuego, no logran ni reconocerse a sí mismos. En la otra parte (a la izquierda del cuadro) aparece  Anquises, un anciano enfermo , llevado a cuestas por Eneas. Los sigue una anciana  descalza y con el ropaje desceñido que huye del fuego y un muchachito desnudo los precede. En lo alto de una ruina(parte superior izquierda) se ve  a una mujer completamente desnuda que se dispone a arrojar al hijo que sostiene en los brazos a un pariente que ha escapado de las llamas . No es posible expresar lo que imaginó este ingenioso y admirable artista en una madre que, con los hijos delante , descalza , sin abrochar ni ceñir, con los cabellos en desorden  y parte de los vestidos en la mano, los empuja para que huyan de la ruina y del incendio"
Raffaello Sanzio, llamado Rafael ( Urbino 1483 – Roma 1520 ) es el artista moderno que más se parece a Fidias. Ya los mismos griegos decían que Fidias no había inventado nada, pero que llevó todas las formas de arte creadas por sus predecesores a un grado de perfección tan alto, que consiguió la armonía pura y perfecta. De hecho, esta expresión “armonía pura y perfecta” refleja mejor que cualquier otra lo que Rafael aportó al arte italiano. Toma prestado a Perugino la gracia y la dulce claridad de la escuela de Umbría que se extinguirá con aquel maestro. En Florencia, adquiere fuerza y seguridad, y funda un estilo basado en la síntesis de las lecciones de Leonardo y el estilo de Miguel Ángel. 

El Partenón de Nashville, pincha aqui
Sir Lawrence Alma-Tadema, pincha aqui

Fidias mostrando el friso del Partenón a sus amigos (1868) Representación artística de Fidias hecha por el pintor neerlandés Sir Lawrence Alma-Tadema.
Lourens Alma Tadema, conocido como Lawrence Alma-Tadema (Dronryp, 8 de enero de 1836-Wiesbaden, 25 de junio de 1912), fue un pintor neerlandés neoclasicista de la época victoriana, formado en Bélgica y afincado en Inglaterra desde 1870. Es conocido por sus suntuosos cuadros inspirados en el mundo antiguo.
Fidias​ (Atenas, hacia 500 a. C. – Olimpia o Atenas, h. 431 a. C.) fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia.
Vivió en la época de Pericles, que fue su principal protector y le encargó la dirección de su gran proyecto de la reconstrucción de la Acrópolis de Atenas. Se encuadra en la etapa conocida como «primer clasicismo griego». Sus obras más célebres fueron la estatua de la diosa Atenea del Partenón (Atenea Partenos) y la estatua de Zeus en Olimpia, ambas de madera revestida con fragmentos de oro y marfil, que se convirtieron en modelos de perfección de la representación de divinidades

Augusto aparece en pie, con indumentaria militar, sosteniendo un bastón de mando consular y levantando la mano derecha, mostrando a sus tropas la corona de laurel del triunfo. Su coraza tiene relieves alusivos a diversos dioses romanos, entre ellos, Marte, el dios de la guerra, así como las personificaciones de los últimos territorios conquistados por él: Hispania, Galia, Germania, Partia (persas de la frontera del Éufrates que habían humillado a Craso, y aquí aparecen devolviendo los emblemas robados a aquellas legiones); sobre ellos aparecen los carros del Sol y la Luna.

Atributos militares simbolizan el mando, el imperium
En la coraza en relieve : el cielo ( Urano) cubre la cabeza con el manto de la bóveda celeste; ascendiendo hacia él el dios solar Helios en su cuadriga tirado por caballos; le   preceden la Aurora que porta la copa del rocío y Venus, lucero del alba. En la parte central Tiberio recibe de un parto las insignias arrebatadas a las legiones romanas A los lados los símbolos de   Hispania y Galia En la parte inferior : la madre Tierra con Rómulo y Remo y el cuerno de la abundancia, escoltado por  Apolo y Diana
La coraza , Hispania y Galia simbolizan los éxitos militares.
 Los pies descalzos . Augusto tras morir se convierte en personaje divinizado.
Delfin y Cupido se relacionan con Afrodita de la que desciende la dinastía IULIA  a la que pertenece Augusto( IULO hijo de Eneas y este a su vez hijo de la diosa Afrodita y Anquises)

La buena fortuna de Senni y D’Ambrogi no acabó ahí. Diez días después del hallazgo de la estatua salieron a la luz dos habitaciones subterráneas. El asombro de los arqueólogos fue mayúsculo cuando en las paredes de una de ellas descubrieron unos frescos de extraordinaria factura y en perfecto estado de conservación.

Al rescate de los frescos

En otoño de 1863, cuando se reanudaron las excavaciones bajo la dirección de Giuseppe Gagliardi, la sala subterránea comenzaba a tener problemas de filtración de aguas que afectaban a las pinturas. Los arqueólogos decidieron no extraer los frescos, y trataron de aislarlos y consolidarlos aplicando sobre ellos materiales como petróleo, soluciones alcohólicas, parafina o apósitos de miga de pan, que empeoraron en general su estado. Finalmente, las pinturas y los estucos de la bóveda, gravemente dañados durante la segunda guerra mundial, fueron extraídos en 1951 y, tras una intervención integral del Instituto Central para la Restauración, fueron trasladados al Museo Nacional Romano, en cuya sede del Palazzo Massimo se exponen actualmente.

Los frescos de Villa Livia Museo Nazionale Romano Palazzo Massimo alle Terme Roma Italia

Las pinturas simulaban el interior de una gruta rodeada por todas partes por un exuberante jardín, en el que las más variadas especies botánicas florecían inverosímilmente a un mismo tiempo. Entre el ramaje de granados, melocotoneros, laureles y almendros, hasta sesenta y nueve especies de aves ponían a prueba los conocimientos de todos los que se reunían a comer allí, lejos del sol ardiente del verano.

Jardines y pájaros
Detalle de las pinturas murales del antiguo triclinio de la villa de Livia en Prima Porta, con un pino en el centro de la escena. Palazzo Massimo, Roma.

Las sucesivas excavaciones arqueológicas han mostrado que la villa de Livia fue habitada durante varios siglos. Con una superficie de unos 14.000 metros cuadrados, se componía de ambientes privados en torno a un atrio y a un pequeño jardín interior; de grandes salas de representación, con vistas a un peristilo, y de amplias instalaciones termales dotadas de dos piscinas calientes y de una natatio, la piscina al aire libre. Como en cualquier lujosa domus romana, las estancias públicas estaban decoradas con los mármoles más preciados y con las más ricas pinturas, entre ellas las que hoy podemos admirar aún gracias al hallazgo de Senni y D’Ambrogi.

El Palazzo Massimo alle Terme es un palacio de Roma, situado en la Piazza dei Cinquecento del rione Castro Pretorio, cerca de la Estación Termini.El edificio fue construido entre 1883 y 1886 por el último descendiente de la familia romana de los Massimo, el sacerdote jesuita Massimiliano Massimo, en terrenos que pertenecían a la familia; encargó la construcción al arquitecto Camillo Pistrucci.

Palazzo Massimo museo nazionale romano

La construcción del palacio conllevó la demolición de un edificio precedente, el Palazzo Peretti (que perteneció al Papa Sixto V y por tanto también se le llamaba Sistino), situado en el interior de la Villa Peretti Montalto, obra de Domenico Fontana (finales del siglo XVI). La villa, convertida posteriormente en Villa Negroni, y finalmente Villa Massimo, desapareció completamente con la construcción de la cercana estación Termini.

Palazzo Massimo museo nazionale romano

Comprado por el Estado Italiano en 1981, gracias a la financiación aportada por la ley 92/81 para la puesta en valor del patrimonio arqueológico de Roma, tras una restauración obra del arquitecto Costantino Dardi, el edificio alberga desde 1998 la principal de las cuatro sedes del Museo Nacional Romano, y las oficinas centrales de la Superintendencia Especial de Bienes Arqueológicos de Roma.