Museo de Bellas Artes de Bilbao - Monumento a Juan Crisóstomo Arriaga, de Francisco Durrio de Madrón (1933) - Enrique Barros Fernández - Ampliación de Norman Foster - Un recuerdo (1864)Eduardo Zamacois - PARALELOS Y MERIDIANOS - COLECCIÓN IBERDROLA - John Seale (1667–1714), el comerciante inglés - Los dos óleos inacabados sobre BIlbao de Antonio López, pincha aquí
Rafael Orbegozo, en la rueda de prensa con la obra de Tracey Emin 'La última gran aventura eres tú' de fondo. (Bellas Artes)
The Last Great Adventure is You [La última gran aventura eres tú] (2014)
Tracey Emin
Neón, 172 x 450 cm
Tracey Emin (Croydon, 1963) es una de las figuras más influyentes y reconocibles del arte contemporáneo británico. Criada en Margate, estudió en el Maidstone College of Art y obtuvo un máster en pintura en el Royal College of Art de Londres. Miembro destacado de los Young British Artists —la generación que transformó la escena artística anglosajona de los años noventa junto a Damien Hirst, Sarah Lucas y otros—, Emin construyó su práctica sobre la autobiografía radical: la exposición pública de experiencias íntimas como el trauma, la sexualidad, la soledad y el deseo. Sus obras más célebres, Everyone I Have Ever Slept With 1963–1995 (1995) y My Bed (1998-1999), convirtieron la confesión personal en lenguaje artístico de alcance universal. Desde los años noventa, el neón es uno de sus medios predilectos: tubos de luz moldeados según su propia escritura cursiva que traducen el pensamiento íntimo en declaración pública y luminosa.
The Last Great Adventure is You despliega en neón de color dorado-ámbar la caligrafía de Emin, un gesto que la identifica con la tradición del expresionismo confesional tanto como con el lenguaje de los letreros de bar o de los anuncios de neón urbanos. El título adopta la segunda persona del singular: el «tú» que interpela al espectador desde la oscuridad de la pared convierte lo que podría ser una frase de canción o de anuncio en una declaración amorosa directa, suspendida entre la intimidad y el espacio público. La luz cálida que el neón proyecta sobre la pared circundante amplifica el efecto de presencia corporal del texto, como si las palabras emanaran calor. La obra se inscribe en la serie de neones de Emin que exploran el amor —no idealizado sino urgente, vulnerable, expuesto— como última frontera de la experiencia humana.
Tracey Emin representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia en 2007 y su obra figura en relevantes colecciones como la de la Tate Modern de Londres, el MoMA de Nueva York y el Centre Georges Pompidou de París, entre otras.
Pieza de Juan Muñoz en primer término. (M. S:)
(65) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - LOS OCHENTA UNA DÉCADA COMPLEJA - Juan Muñoz el “poeta del espacio” - Cristina Iglesias "construye lugares para pensar, soñar o simplemente estar", PINCHA AQUI
Salida de la fábrica, de Darío de Regoyos. Óleo sobre lienzo 61 x 50 cm.
Darío de Regoyos y Valdés (Ribadesella, 1 de noviembre de 1857-Barcelona, 29 de octubre de 1913) fue un pintor español de un personal estilo impresionista tardío, con obra puntillista y simbolista, además de un importante capítulo dedicado a la visión de la «España negra».
Compuesto con una poderosa línea diagonal que cruza la imagen y cede gran protagonismo en primer término al suelo de la carretera, la atención prestada por Regoyos a estas mujeres, que caminan en grupos de dos o tres, testimonia su inserción laboral en un mundo en el que aún existía un equilibrio entre el pasado estático y el presente cambiante. Un presente por el que, a pesar de las estrecheces cotidianas (esa acera entre el murete y el bordillo), todavía era posible avanzar ordenadamente a resguardo de ser arrolladas.
Mujer y trabajo fue una dualidad que atrajo a muchos artistas de este momento. En unos casos, como el de Guinea, para dar testimonio de una actividad tradicional; en el de Guiard, como prueba del traslado de una labor doméstica al espacio de ocio colectivo; y en el de Regoyos, como documento de la incorporación masiva de las mujeres al trabajo colectivo fuera de sus domicilios.
En sus recorridos por las tierras y pueblos de España, Regoyos se interesó por todo tipo de escenas populares, desde las tradiciones más negras que reclamaban una acción regeneracionista hasta las más festivas de una sociedad que, a pesar de todo, gozaba de la vida, tanto en ámbitos rurales como en los más industriales. En esta obra se conjuga la salida de unas mujeres de una instalación fabril que dejan a sus espaldas –y que en la pintura ni siquiera aparece– con su tranquilo caminar hacia el pueblo por una carretera que atraviesa los campos sembrados. En concreto, la fábrica de la que salen estas mujeres producía cerillas y se enclavaba en Irún.
Flowers (n.º 31) [Flores (n.º 31)] (2007) es una obra del artista chino Ai Weiwei, uno de los creadores contemporáneos más influyentes y comprometidos políticamente.
Claves para observar la obra
- Sencillez aparente: una imagen cotidiana que invita a detenerse.
- Belleza y vulnerabilidad: las flores son delicadas y pasajeras.
- Lectura política: en la obra de Ai Weiwei, lo aparentemente inocente suele esconder una reflexión sobre la libertad, los derechos humanos y la dignidad.
- Estética fotográfica: composición muy cuidada, iluminación natural y gran atención al detalle.
Ai Weiwei suele afirmar que el arte no debe limitarse a ser bello, sino que debe hacer pensar. Por eso muchas de sus obras parecen sencillas en un primer vistazo, pero contienen un fuerte contenido simbólico y político. En el caso de las flores, un motivo tradicionalmente asociado a la belleza se transforma en un emblema de resistencia y esperanza.
Ai Weiwei (1957) vivió una infancia muy dura. Su padre, el poeta Ai Qing, fue perseguido durante la campaña antiderechista de Mao, y toda la familia fue enviada al exilio interno durante años. Ya como artista, Ai Weiwei criticó abiertamente al gobierno chino por la corrupción y la falta de libertades. En 2011 fue detenido durante 81 días sin cargos, vigilado constantemente y se le retiró el pasaporte durante cuatro años. Aunque posteriormente pudo salir de China, vive exiliado y no puede regresar libremente al país, convirtiéndose en un símbolo internacional de la defensa de los derechos humanos y la libertad de expresión.
YAN PEI-MING - Ai Weiwei - La Tate de Londres compra las pipas de porcelana del artista chino Ai Weiwei, PINCHA AQUÍ
Sleeping by the fire pit [Durmiendo junto a la hoguera] (2012)
Marina Abramovic
Fotografía, 160 x 213 cm
La obra forma parte de la etapa en la que Abramović profundiza en su relación con Brasil y con prácticas espirituales ligadas a la energía de la tierra, los rituales chamánicos y los lugares considerados sagrados. Su objetivo: explorar el límite entre arte y espiritualidad, entre lo físico y lo trascendente.
Marina Abramović (Belgrado, Yugoslavia; 30 de noviembre de 1946) es una artista serbia dedicada al arte del performance y el arte conceptual. Inició su carrera a comienzos de los años 1970 y se ha mantenido activa durante más de cuatro décadas. Ha sido descrita por el Evening Standard como «quizás la figura más importante del arte de la performance», mientras que la revista Aesthetica señaló que su obra ha «redefinido el lenguaje mismo del arte de la performance contemporáneo». La propia artista se ha descrito a sí misma como la «abuela del arte de la performance». El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo y las posibilidades de la mente.
Canons 49 (1989) Elena Asins
Todo el arte es contemporáneo - Museo de Navarra Pamplona - Pedro Lozano de Sotes - Xabier Álvarez de Ulate - Juliantxo Irujo - Fructuoso Orduna y Lafuente - Jesús Basiano Martínez- Emilio Sánchez Cayuela - Alfredo Felipe Sada Laguardia - Elena Asins Rodríguez. pincha aqui
(13) ¿QUE ESTÁ PASANDO? -MODERNISMO - La 1ª Bienal Hispanoamericana de Arte: el arte como herramienta diplomática - El Palau de la Música Catalana - Lluís Domènech i Montaner - MELILLA Y EL ARQUITECTO ERIC NIETO - ARQUITECTOS NAVARRA - El art déco Victor Eusa - Manuel Martínez de Ubago Lizárraga (2) REGIONALISTA (NEOBARROCO) Luis Esteve Fernández-Caballero, PINCHA AQUÍ
Elena Asins Rodríguez (Madrid, 2 de marzo de 1940-Azpíroz, Navarra, 14 de diciembre de 2015) fue una artista plástica, escritora, conferenciante y crítica de arte española, considerada una figura destacada del arte conceptual en España.
Basó su lenguaje plástico en el cálculo sistemático a base de nuevas tecnologías, siendo una de las primeras artistas en España en incorporar estos elementos en su obra. En 2006 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Gobierno de España y en 2011 el Premio Nacional de Artes Plásticas
Elena Asins trabajó durante muchos años en una vieja casa rehabilitada por ella misma en la localidad navarra de Azpíroz, donde creó la mayoría de sus obras que pueden verse ahora en los museos. Siempre ha sido crítica con el sistema del arte en España y con las instituciones:
«España no es una madre, es una madrastra: trata mal a los artistas, a los intelectuales»
Elena Asins falleció en 2015 y dejó como heredero al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de un total de 1.245 piezas.
La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire. El 29 de enero 2011
David Hockney
En esta obra Hockney propone una interpretación del paisaje invernal en los albores de la primavera.
David Hockney (Bradford, 1937) es reconocido por su versatilidad e inquietud artísticas. Desde que empezó a exponer en la década de 1960, demostró un dominio del color y de la composición que le otorgó un lugar en el panorama británico e internacional. Ha experimentado con la escenografía de ópera, la fotografía en formato collage y, más recientemente, con la tecnología digital. Esta combinación de métodos tradicionales y contemporáneos lo ratifican en su convicción de que las posibilidades artísticas son prácticamente ilimitadas.
En esta obra Hockney propone una interpretación del paisaje invernal en los albores de la primavera. Al comparar esta pieza con la del 19 de marzo, también en la colección Iberdrola, se percibe un ambiente en el que las ramas aún desnudas conforman una atmósfera más sobria, con tonalidades predominantemente terrosas y un verde menos intenso. El artista se vale de líneas curvas y trazos esquemáticos para definir la estructura de los árboles, logrando sugerir la transición que precede al estallido primaveral. El uso del iPad le permite superponer capas de color con agilidad, dando lugar a veladuras y destellos lumínicos que acentúan la sensación de movimiento.
El proyecto de Hockney para documentar la llegada de la primavera en Yorkshire abarca no sólo dibujos digitales, sino también un gran despliegue de lienzos al óleo.
David Hockney (Pintor y grabador británico) - 82 retratos y 1 bodegón (Museo Guggenheim de Bilbao) - Arte pop, PINCHA AQUÍ
La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire. El 19 de marzo 2011
En la década de los 90, Hockney regresó en diversas ocasiones a Yorkshire para visitar a su madre que falleció en 1999. Y a lo largo de los 2000 retrató en diversas técnicas el paisaje de su ciudad natal. The Arrival of Spring procede de la serie que Hockney dedicó a retratar los cambios climatológicos en ese paisaje de su niñez. En esta pieza, se aprecia la inconfundible paleta cromática del artista, que se inclina por verdes intensos, ocres y azules vibrantes para describir la transición estacional hacia la primavera. Al servirse del iPad como técnica de dibujo, Hockney consigue una inmediatez gestual que se advierte en las pinceladas digitales, algunas de ellas superpuestas con la frescura de un boceto.
Gustavo de Maeztu (Vitoria, 1887 – Estella, 1947) fue uno de los protagonistas del despertar del arte moderno vasco en el primer tercio del siglo XX. Formado en la Escuela de Artes y Oficios de Bilbao, fue discípulo de Antonio María de Lecuona y de Manuel Losada. Realizó estancias en París —donde conoció a Picasso y descubrió la pintura del Louvre— y recorrió España en busca de tipos y paisajes que dotó, en palabras de la crítica de su tiempo, de una grandiosidad escénica característica. Considerado modernista por el simbolismo, la sensualidad, el idealismo y el gusto decorativo de su pintura, fue miembro fundador de la Asociación de Artistas Vascos en 1910. Su práctica abarcó el paisaje, el costumbrismo vasco y castellano, el retrato, la composición alegórica y la pintura mural.
Paisaje al anochecer se pinta en 1910, año en que Maeztu residía entre Bilbao y el sur de Francia, en uno de los momentos más activos de su formación. El cuadro muestra un paisaje con lago en el instante preciso en que la luz del día se retira: el cielo conserva franjas de amarillo-ocre pálido que se reflejan en el agua, mientras el resto de la composición se sumerge en una gama de azules y verdes oscuros. Los pinos del primer plano —troncos negros, copas redondeadas tratadas con contorno sintético— actúan como pantalla entre el espectador y esa luz residual. La paleta es deliberadamente reducida y la pincelada sintética, alejada del análisis impresionista de la luz: Maeztu no disuelve los contornos, los afirma. El resultado es una imagen de fuerte carácter decorativo y contenido simbolista, próxima al Art Nouveau en su gusto por la silueta vegetal y la atmósfera crepuscular, pero con una economía formal que anticipa soluciones posteriores.
Agustín Ibarrola
Óleo sobre tela, 98 x 147 cm
Agustín Ibarrola Goikoetxea (Bilbao, 1930- Usánsolo, 2023), sucesor natural de Aurelio Arteta, se comprometió desde los años 60 hasta el final de su vida con el activismo social y político, enfocándose en gran parte de su obra en la representación fiel de la vida cotidiana y las luchas de la clase trabajadora.
Desde su juventud, mostró un profundo interés en fusionar la tradición pictórica vasca con las corrientes de vanguardia. Durante su formación en Madrid, se adentró inicialmente en el cubismo, lo que le permitió explorar el lenguaje constructivista. Fue en este entorno donde conoció a Jorge Oteiza, con quien posteriormente fundaría el Equipo 57 en París, orientándose hacia la abstracción geométrica. Ibarrola, desarrollando un estilo profundamente personal, incorporó elementos expresionistas a esta herencia, empleando colores vibrantes y trazos dinámicos que intensifican la carga emocional de sus representaciones.
Esta pintura se enmarca en ese momento de desarrollo de elementos expresionistas como testimonio del compromiso de Ibarrola con la representación de la realidad social y su capacidad para capturar la esencia del espíritu colectivo. El cuadro refleja así, la escena en el astillero, un espacio que simboliza el corazón de la industria vasca y, a su vez, se convierte en un escenario de reivindicación social. Ibarrola utiliza una paleta de colores oscuros y saturados, acentuada por líneas fuertes para transmitir la crudeza y la solemnidad de una asamblea. Las grúas y el puerto, representados a escala monumental respecto a los personajes subrayan la fuerte presencia de la industria en el paisaje de la ría bilbaína. Los obreros se muestran como una multitud compacta y decidida, inmersos en una lucha compartida, destacando la importancia de la comunidad en la resistencia y la protesta.
Asamblea de obreros en el Astillero (Euskalduna) es un manifiesto visual de la lucha y la unidad obrera en un periodo de gran agitación social y política en España. Esta obra se realiza en torno al año 1965, una fecha fundamental en la vida del pintor ya que recupera la libertad después de haber estado encarcelado por su afiliación al Partido Comunista y es en ese año, además, cuando crea junto a otros artistas el movimiento de la Escuela Vasca como consecuencia de la necesidad de recuperar sus propias señas de identidad estética y de crear una conciencia colectiva del arte vasco.
(55) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - EN NUESTRO ENTORNO. ARTE VASCO-NAVARRO - JORGE OTEIZA - EDUARDO CHILLIDA - Agustín Ibarrola - El Equipo 57 - Grupo Danok 1966-1967 - Grupo Orain en Álava - “Equipo 63 - Benjamín Palencia - Grupo Pajarita - El Grupo Gaur - RICHARD MORTENSEN, pincha aqui
Erizos de mar en la marea baja (2001)
Miquel Barceló
Técnica mixta sobre lienzo, 235 x 375 cm.
El interés de Miquel Barceló por las texturas rugosas y muy cargadas de materia le llevó a mirar el fondo marino como lugar propicio para encontrar en él ese tipo de irregulares y pastosas densificaciones, fruto de la acción del tiempo, el oleaje, la flora y la fauna acuáticas, las cuales, cargadas de un significado natural, le resultaban atractivas para trasladar al lienzo. Unos lechos marinos que, al quedar en descubierto con la marea baja, muestran la larga sedimentación de materiales (barro, arena, algas…) traídos y arrojados por un mar transitoriamente batido en retirada, y que con cada bajada deja una orografía diferente al haber removido, por su empuje, aquí esto y allí lo otro.
Barceló, quien tan a menudo ha interpretado la fauna marina en sus esculturas cerámicas (recuérdese la capilla en la Catedral de Palma de Mallorca), atiende aquí a su hábitat y a las huellas dejadas por esa fauna –y flora– ahora invisible. Se trata de una pintura abstracta, matérica y casi monocromática, pero también podría decirse que es una pintura de enorme realismo, si bien referida a un micropaisaje al que, por su precariedad y transitoriedad, apenas prestamos atención.
Habituados a contemplar con delectación la majestuosa superficie del mar, sospechamos que su momentánea ausencia en las orillas costeras no deja nada interesante. Sin embargo, Barceló descubrió en esas tierras inundables la piel de un hogar salvaje arrasado cada seis horas, la corteza de un planeta extraño, pero que se halla en este: bajo el oleaje y hecho con sus embestidas.
(53) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - AÑOS 80. DEMOCRACIA, CULTURA Y CIUDADANÍA - "LA BODEGUILLA" El Palacio de la Moncloa - En 1986 Carmen Romero ofreció una recepción en el Palacio de la Moncloa a los setenta y dos miembros del Consejo Internacional del MOMA - LA MÁQUINA ESPAÑOLA (GALERÍA) - Miquel Barceló, pincha aquí
Tramonto del Sole [Puesta de sol] (2017)
Soledad Sevilla
Óleo sobre lienzo, 200 x 265 cm
Soledad Sevilla (Valencia, 1944) es una de las figuras fundamentales de la abstracción española desde los años setenta. Formada en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona (1960-1965), participó después en los seminarios de Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, donde coincidió con artistas como Yturralde, Sempere y Elena Asins. A partir de esa experiencia desarrolló un lenguaje de raíz geométrica en el que la repetición del módulo y sus variaciones sobre el plano se convierten en instrumentos para explorar el espacio, la luz y la percepción. Su estancia de investigación en la Universidad de Harvard entre 1980 y 1982 reforzó además su apertura a ciertos desarrollos de la abstracción norteamericana y precedió algunas de sus series más decisivas, como Las Meninas y La Alhambra. Series posteriores como Insomnios consolidaron su posición como una artista de referencia internacional.
Tramonto del Sole pertenece a la serie de contrapaisajes que Sevilla desarrolla a partir de su observación del exterior a través de la ventana de su estudio: vistas filtradas, nunca directas, que la artista traduce en una trama de pinceladas verticales breves y paralelas dispuestas con una regularidad casi obsesiva. Vista de cerca, la superficie se revela como una retícula de trazos individuales en colores múltiples que no se mezclan sino que se yuxtaponen, creando una vibración cromática de efecto puntillista sin serlo. Vista a distancia, esa misma trama construye un paisaje atmosférico de inconfundible carácter. No hay horizonte definido, no hay línea: la transición entre los planos atmosféricos se produce por modulación cromática pura dentro de la misma estructura de pincelada. La escala monumental del lienzo es condición de la experiencia: a 200 × 265 cm, la retícula envuelve el campo visual y convierte la observación en una forma de inmersión.
Soledad Sevilla recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas (1993) y su obra figura en colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el IVAM, el Parlamento Europeo, el Kunstmuseum de Malmö y el Museo Marugame Hirai de Arte Español Contemporáneo en Japón.
Ariza III (1963)
Antonio Saura
Óleo sobre lienzo, 162 x 130 cm.
Este personaje de Antonio Saura posee todas las características propias de la obra pictórica de su autor. Pertenece a la época en que Saura realizó diversos retratos de personajes históricos, en particular del rey Felipe II, en los que se muestra al gobernante con rasgos de histerismo y monstruosidad, bien entendido que en tales retratos no existe ninguna voluntad de representación fisonómica, sino la captación e interpretación de una personalidad política. De igual manera, entendemos que en esta pintura se contempla la sombra o el eco de una presencia movediza, algo turbia y evanescente, como demostración de la imposibilidad de conocer verdaderamente al sujeto, a lo humano, siempre cercano a lo animal.
Resuelto con los gestos y las pinceladas del action painting sin caer en la abstracción (más cerca, por tanto, de las mujeres de Willem de Kooning que de la irrealidad de Jackson Pollock), Saura no recurre a trucos del oficio, sino que se planta frente al lienzo y con la sola ayuda del material básico (soporte, color y pincel) realiza su trabajo. Escapa de los desgarros en el lienzo, desdeña utilizar otros materiales que no sean los convencionales, rechaza mezclar el color con materias arenosas o de otro tipo, no abandona el pincel para dejar gotear o escurrir el óleo…; en cierto sentido Saura es un pintor tradicional con un planteamiento estético muy moderno.
No lejos de esta representación fantasmagórica se intuyen oleadas de influencia surrealista, no tanto en el tema –puro pretexto– como en la manera de abordarlo, dando salida por medio de la gestualidad impremeditada al inconsciente del creador. Cada pincelada era el resultado de un impulso, espontáneo y no racionalizado en el acto de ejecutarse, lo que en ningún modo supone que cada lienzo no fuera resultado de un planteamiento previo decidida y racionalmente meditado. Saura combinaba los espacios vacíos del lienzo con los llenos de color, normalmente monocromáticos, mediante supuestas improvisaciones que, sin embargo, estaban protocolizadas con el rigor de los rituales íntimos.
(33) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - (3) ARTE Y ESTADO - INICIATIVAS PRIVADAS: MUSEOS Y GALERÍAS. - El MACEW - La Fundación Joan Miró - El Museo Picasso de Barcelona - Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona - MUSEO DE ARTE ABSTRACTO DE CUENCA - EL NEGOCIO GALERÍSTICO, pincha aqui
Starway to Orion [Camino estelar a Orión] (2014)
Alain Urrutia
Óleo sobre lienzo, 150 x 175 cm.
Formado en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco y en la Academia de Brera en Milán, Alain Urrutia (Bilbao, 1981) ha desarrollado un estilo distintivo en el que lo fotográfico regresa al plano real y definitivo del lienzo. Al restringir su paleta a los matices de la escala de grises, crea escenas que desafían la percepción inmediata, invitando a una contemplación y un diálogo prolongados.
En Starway to Orion, Urrutia emplea su característica paleta monocromática para generar una atmósfera onírica y enigmática. Los contornos difuminados de los elementos terrestres, donde se adivina una carretera entre árboles, contrastan con los puntos definidos que representan las estrellas de la constelación de Orión, estableciendo un diálogo visual entre lo cercano y lo lejano, lo conocido y lo desconocido.
Más allá de la mera representación, el artista busca crear espacios donde las imágenes se convierten en vehículos para explorar lo indecible y el misterio, frente a las que irremisiblemente nos sentimos interpelados, sin duda por lo cinematográfico, pero también por el lenguaje y la poética de los sueños. De esta forma, Starway to Orion hace referencia a un paisaje interior que invita a la reflexión y en el que la pintura actúa como un puente, reflejando su habilidad para condensar emociones y pensamientos complejos en imágenes que, de entrada, pueden parecer simples, pero que pronto revelan su complejidad y se vuelven profundamente evocadoras.
La obra de Urrutia ha formado parte de muestras en instituciones de gran prestigio como el Museo Guggenheim de Bilbao, donde, en 2012, participó en el programa expositivo El muro del Guggenheim. Su inclusión en importantes galerías y ferias de arte, así como en colecciones públicas y privadas, lo consolidan como una figura relevante en el panorama artístico internacional. Actualmente vive y trabaja en Berlín.
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