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Baselitz, Georg
Deutschbaselitz, Alemania, 1938 | Deutschbaselitz, Alemania, 2026
Georg Baselitz expuestas en el Museo Guggenheim
La señora Lenin y el Ruiseñor, 2008, Óleo sobre lienzo, 300 x 250 cm.
Artista alemán, pintor, escultor y escritor polémico. Son conocidos sus cuadros figurativos invertidos, parte de su objetivo de priorizar la pintura en sí misma, la importancia del color, la textura, la línea,... Participó por primera vez en la Bienal de Venecia en 1980. En 1995 en Guggenheim de Nueva York le dedicó una importante retrospectiva y en 2010 el de Bilbao adquirió, para su colección permanente, su serie La señora Lenin y el Ruiseñor (2008), dieciseis lienzos de 300 x 250 cm. Ocho de las obras sobre fondo blanco y otras ocho negro, que además contienen juegos de palabras y frases conectadas con artistas como Tracey Emin, Jake y Dinos Chapman, Jeff Koons, Damien Hirst, Lucien Freud o Frank Auerbach.
http://www.gagosian.com/artists/georg-baselitz
Esta serie, considerada por la crítica una obra maestra no sólo dentro del conjunto de la obra de Baselitz sino también en el contexto de la pintura europea, complementa el panorama más destacado del arte contemporáneo alemán presente en la colección del Museo, con artistas de la talla de Joseph Beuys, Sigmar Polke, Anselm Kiefer y Gerhard Richter; así como los fondos de la Solomon R. Guggenheim Foundation, que igualmente cuenta con una amplia representación de algunos de estos artistas.
Con respecto a la sociedad de Alemania del Este, el artista anota: «He sido educado en una versión casi secular de fanatismo religioso. Como resultado de Lenin, Stalin y la guerra perdida, una nueva sociedad se estableció en Alemania. Fue una sociedad socialista, comunista, antifascista y tenía claramente señalado como amigo la política de tiempos anteriores, sin elección y ninguna reflexión sobre sistemas políticos alternativos».
Cada una de las obras de la serie también tiene un título individual que añade más facetas y niveles de significado, tanto a cada lienzo como al conjunto de la serie.
Mi excursión por la Rioja - Museo Würth - Georg Baselitz , pincha aquí
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Jasper Johns: Night Driver - 29.05.2026 - 12.10.2026
Esta retrospectiva dedicada a Jasper Johns cubre la amplia trayectoria de uno de los artistas más célebres de nuestra época, abarcando desde sus primeras creaciones de los años cincuenta hasta algunas de sus obras más recientes, realizadas en los años 2000. A través de las piezas seleccionadas, la mayoría de ellas pinturas, pero también una amplia representación de su trabajo sobre papel y algunas esculturas, se ponen de relieve los ejes temáticos que definen su producción.
Nacido en Augusta (Georgia, EE.UU.) en 1930, Jasper Johns crece y se educa entre Carolina del Sur y Nueva York, ciudad a la que se traslada en 1953 y donde pronto conocerá a figuras como Robert Rauschenberg, el compositor John Cage o el coreógrafo Merce Cunningham, junto a quienes renovará profundamente la escena creativa neoyorquina. En 1954–55 Johns pinta su primera bandera estadounidense, con la que inicia un conjunto de imágenes —entre las que se encuentran signos y otros elementos planos, como números, dianas y mapas— que se consideran precursoras del Arte Pop por su temática cotidiana y fácilmente reconocible. Tras haberse mostrado en la galería Leo Castelli en 1958, estas piezas le proporcionan fama de manera inmediata. Johns frecuenta en esa época a Marcel Duchamp, cuya obra y pensamiento influyen en él de manera decisiva. Alejándose de las retóricas del Expresionismo Abstracto, el trabajo de Johns, que desarrolla en series y en el que explora la propia naturaleza del arte, también anticipa el Minimalismo y el Arte Conceptual.
Fotografía de John Cage, Jaspers Johns y Merce Cunningham, New York 1989
(II) Museo de Navarra - Encuentros de Arte Pamplona 1972 - Lorenzo Victoriano Aguirre Sánchez - Ignacio Zuloaga - Pedro Manterola - Leocadio Muro Urriza - Xabier Álvarez de Eulate...pincha aquí
John Cage, el hombre que "compuso " el silencio
En 1952 este instrumentista estadounidense creó *4,33* una obra musical basada en no tocar una sola nota, que interpretó en prestigiosos festivales de todo el mundo. Para algunos sólo fue una mala broma. Para otros, una obra de arte del siglo XX. pincha aquí
La exposición:
A lo largo de la exposición, encontraremos imágenes que representan elementos y objetos comunes, como banderas, dianas, números y mapas, temas que Jonhs eligió de manera reiterada al considerar que ya existen en nuestra memoria visual y requieren poca interpretación, como él afirmó son "cosas que la mente ya conoce".
Jasper Johns irrumpió en los años 50 con banderas, dianas, números y mapas, imágenes cotidianas que anticiparon el Arte Pop y cuestionaron la bidimensionalidad defendida por Greenberg, además de criticar el Expresionismo Abstracto.Sus obras de mediados de los 50, como Lienzo y Cajón, juegan con la ilusión de tridimensionalidad. Banderas (1965) provoca un efecto óptico, y Bandera sobre campo naranja (1957) explora cómo ampliar el espacio pictórico.
Jasper Johns. En memoria de mis sentimientos - Frank O'Hara (In Memory of my Feelings- Frank O’Hara), 1961.
"En memoria de mis sentimientos" es una obra de Jasper Johns, creada en 1961. Esta pintura, que mide 101,6 x 151,8 cm, se encuentra en el Museo del Arte Contemporáneo de Chicago. La obra es un rectángulo que se superpone a otro, con elementos que evocan una bandera estadounidense, pero interpretada de manera subjetiva, incluyendo las palabras "DEAD MAN" (hombre muerto) (tomadas del poema de O’Hara que inspira la obra) en la parte inferior derecha. Esta obra es significativa en la carrera de Johns, ya que marca un giro en su trabajo hacia temas emocionales y personales.
Jasper Johns
Diana (Target), 1961
Encáustica y collage sobre lienzo
167,6 × 167,6 cm
The Art Institute of Chicago.
Donación de la Edlis Neeson Collection
© Jasper Johns, VEGAP, Bilbao, 2026
Foto Jamie Stukenberg, Professional Graphics Inc., Rockford, Illinois
Jonhs se aparte deliberadamente del lenguaje emocional del EXPRESIONISMO ABSTRACTO.
Jasper Johns. Flags I, 1973. ©Jasper Johns, VEGAP, Barcelona, 2020
Tanto que ninguna fotografía puede captarlas en su verdadera dimensión: Flag (1954) se encuentra lejos de ser plana, porque Johns decidió conjugar procedimientos de manera inaudita; unió tres paneles de contrachapado, los cubrió con tela, pegó encima fragmentos de periódico como si se tratase de un collage y a continuación aplicó encáustica y óleo. Es decir, para creaciones radicalmente contemporáneas se valió de métodos utilizados en retratos de momias, que permiten generar superficies entre pastosas y translúcidas, densas sin llegar a ser opacas. Si existe un simbolismo en esa forma de hacer, lo desconocemos.
Cuando estas piezas se mostraron en la galería de Leo Castelli en 1958, hubo polémica pero también éxito de ventas: todas las pinturas se vendieron y Alfred H. Barr las incorporó a las colecciones del MoMA, no sin quejas; el comité y la junta directiva del museo neoyorquino rechazaron esa adquisición por entender las obras como potencialmente antipatriotas: ¿y si presentaba Johns este emblema nacional como una momia del pasado?
Las banderas como objeto no son tan antiguas como esa técnica de Johns, como recuerda Martínez: llegaron a Europa en la Edad Media, por influencia islámica y tras haberse inventado en China, tejiéndose con seda. Las cruzadas, entre los siglos XI y XIII, propiciaron su expansión por nuestro continente y el resto del mundo, su sentido simbólico y político, y ya especialmente en época contemporánea, su asociación a convicciones nacionalistas. Más allá de ese terreno, también pueden suscitar, como sugirió Johns, otras lecturas.
Las pinturas de Johns desplazan la atención del gesto del artista hacia el propio acto de mirar y hacia la presencia material de la pintura. Por otro lado, la crítica vinculada al EXPRESIONISMO ABSTRACTO defendía que la pintura debía ser plana, rechazando la ilusión de profundidad propia de la representación tradicional. Así, los artistas de este movimiento centraron su atención en la superficie del cuadro como verdadero espacio pictórico.
Sus Flags son, evidentemente, imágenes, pero también banderas por derecho propio; una completa paradoja.
La obra de Jonhs reacciona a este contexto de manera discreta pero incisiva, pintando imágenes comunes, tanto en la cultura plástica estadounidense como internacional. Sus cualidades simples e impersonales permiten reconocerlos de inmediato. Sin embargo, al situarlos en un contexto artístico, Johns los despoja de su función habitual, abriendo la puerta a nuevas interpretaciones. Dado que estas imágenes ya se encuentran en la memoria colectiva, nuestra atención se centra en la forma en que las percibimos. Así, la pintura se afirma no como representación del mundo, sino como objeto, como superficie configurada por materiales y procesos.
Pintura con dos pelotas (Painting with Two Balls), 1960
Encáustica y collage sobre lienzo con objetos (3 paneles)
La obra es especialmente conocida porque Johns insertó dos pelotas entre los paneles superior e inferior del lienzo, rompiendo la superficie plana tradicional de la pintura. El uso de la encáustica (pigmentos mezclados con cera caliente), junto con el collage y objetos reales, crea una textura densa y enfatiza la materialidad de la obra.
Esta pieza cuestiona los límites entre pintura, escultura y objeto. Las dos pelotas introducen un elemento tridimensional y lúdico que desafía la idea convencional de la pintura como una superficie bidimensional. También puede interpretarse como una reflexión sobre el propio proceso artístico y sobre la naturaleza física del cuadro.
La obra pertenece al período en el que Jasper Johns exploraba símbolos cotidianos y experimentaba con materiales no convencionales, convirtiéndose en una figura clave en la transición entre el expresionismo abstracto y el arte pop.
Souvenir, 1964
Encáustica y collage sobre lienzo con objetos
Souvenir pertenece a la etapa de madurez de Jasper Johns, en la que continúa explorando los límites entre la pintura, el collage y el objeto. La obra combina la encáustica —pigmentos mezclados con cera caliente— con elementos de collage y objetos incorporados físicamente al lienzo, creando una superficie rica en texturas y relieves.
El título, Souvenir ("recuerdo" o "recuerdo conmemorativo"), sugiere una reflexión sobre la memoria, la experiencia y el significado que adquieren los objetos cotidianos cuando se integran en una obra de arte. Como en muchas de sus creaciones, Johns evita una narrativa explícita y deja abierta la interpretación al espectador.
La incorporación de objetos reales rompe con la idea tradicional de la pintura como una superficie plana y sitúa la obra en un punto intermedio entre la pintura y la escultura. Esta experimentación con materiales y técnicas fue una de las aportaciones más influyentes de Johns al arte contemporáneo y contribuyó al desarrollo del neo-Dada y del arte pop.
Verano (Summer), 1985
Encáustica sobre lienzo
190,5 × 127 cm
The Museum of Modern Art, Nueva York.
Donación de Philip Johnson, 1998
Summer forma parte de una serie de pinturas realizadas por Jasper Johns en la década de 1980, en las que el artista profundiza en un lenguaje más gestual y abstracto sin abandonar las referencias a la historia del arte y a su propia producción.
En esta pintura predominan las pinceladas enérgicas y las superposiciones de formas y colores, creando una composición dinámica que evoca el movimiento y la intensidad asociados al verano. Aunque el título hace referencia a una estación del año, la obra no representa un paisaje, sino que utiliza la abstracción para sugerir sensaciones y estados de ánimo.
Summer refleja el interés de Johns por explorar la relación entre la percepción, la memoria y el proceso creativo. La combinación de gestos expresivos, capas de color y texturas convierte la superficie del lienzo en un espacio donde conviven la experiencia visual y la reflexión sobre el propio acto de pintar. Esta obra representa la evolución de su lenguaje artístico durante los años ochenta, consolidando su posición como una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo.
Sin título (rojo, amarillo, azul) [Untitled (Red, Yellow, Blue)], 1998
Esta obra pertenece a la producción tardía de Jasper Johns, caracterizada por una constante revisión de imágenes, técnicas y motivos presentes a lo largo de su trayectoria. En Untitled (Red, Yellow, Blue), el artista combina un grabado previamente realizado con capas de pintura acrílica, posteriormente montadas sobre lienzo. Este procedimiento le permite explorar el diálogo entre la reproducción mecánica y la intervención manual.
El título hace referencia a los tres colores primarios —rojo, amarillo y azul—, elementos fundamentales tanto en la teoría del color como en la historia de la pintura. Johns utiliza estos colores no solo como recursos visuales, sino también como símbolos de los componentes básicos del lenguaje pictórico, invitando al espectador a reflexionar sobre los procesos de percepción y representación.
La superposición de imágenes impresas y pintura genera una superficie compleja en la que conviven huellas, transparencias y texturas. En lugar de ofrecer una composición narrativa, la obra propone una experiencia visual basada en la repetición, la variación y la memoria, temas recurrentes en la producción del artista. Esta pieza ejemplifica la evolución de Jasper Johns hacia un lenguaje más introspectivo, donde el diálogo entre el pasado y el presente de su propia obra adquiere un papel central.
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