Mi semana en Florencia (XIII) - Museo Nacional de San Marcos (Savonarola - Fra Angelico)

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El Museo San Marco (Museo de San Marcos), que tiene su sede en la parte monumental de un antiguo convento dominico, se encuentra en la Piazza di San Marco de Florencia (Italia).

El proyecto de Michelozzo se concretó en un amplio edificio de sobrio estilo renacentista, gracioso y elegante, caracterizado por amplias superficies y espacios regulares compartimentados con claridad. La obra maestra del arquitecto fue la sala de la biblioteca, espaciosa sala con columnas, que se convirtió, durante la época de Lorenzo el Magnífico refugio privilegiado de humanistas, entre los que puede citarse a Angelo Poliziano y Pico della Mirandola, que aquí podían consultar libremente textos en latín y griego, en la primera "biblioteca pública" que existió en el mundo occidental.

El museo expone obras de Fra Angelico, Jacopo Vignali, Domenico Ghirlandaio, Fra Bartolomeo, Plautilla Nelli, Fra' Paolino y otros. Las antiguas celdas monacales de la planta superior, que se despliegan a través de tres pasillos, están decoradas con un célebre ciclo de frescos representando escenas de La vida de Cristo de Fra Angelico y sus ayudantes.

Fundado en el siglo XIII, del antiguo edificio quedan algunos vestigios y trazas de frescos. Como narra en sus Vidas Giorgio Vasari, Cosme Pater Patriae no escatimó energía ni dinero para llevar a cabo una reestructuración radical del edificio, encargada al arquitecto Michelozzo; al acabar las obras, en 1452, el convento de San Marcos fue uno de los más modernos, bellos y confortables de Italia.

Biblioteca de Michelozzo en el convento de san Marcos de Florencia
Construida en la primera planta por Michelozzo por voluntad de Cosme de Médici, con una airosa estructura bien iluminada que facilitase la lectura y el estudio. Aún hoy custodia una gran cantidad de preciosos códices miniados. La mayor parte de los libros más preciosos (muchos de la época de Cosme el Viejo) se ha transferido a la Biblioteca Laurenciana después de la supresión del convento a principios del siglo XIX. La biblioteca conventual custodia aún una colección de obras de teología y filosofía y comprende también una parte de la biblioteca de Giorgio La Pira.

El Convento de San Marcos fue expropiado por vez primera en 1808, en la época napoleónica; se devolvió a los frailes dominicos después de la caída del emperador francés y durante la Restauración, el monasterio fue nuevamente confiscado por el Estado italiano en 1866, por un famoso R.D. del 7 de julio de 1866, que preveía la supresión de las órdenes religiosas.

Declarado bien monumental de importancia nacional, se abrió al público en 1869.

El convento de San Marcos es célebre, además de por sus obras de arte, por los numerosos personajes célebres que hospedó tras sus muros: san Antonino, fra' Girolamo Savonarola y sobre todo el fraile y pintor Giovanni da Fiesole, llamado Fra Angelico.

El museo

Del claustro de San Antonino (Chiostro di Sant'Antonino), construido por Michelozzo antes de 1440 y con frescos realizados un siglo después por Bernardino Poccetti, se accede a las estancias que constituyen el complejo museístico de San Marcos. Aquí Fra Angelico pintó sobre la luneta de cada puerta un fresco. Las lunetas del claustro fueron varias veces pintadas al fresco a finales del Cinquecento y principios del siglo XVII por Bernardino Poccetti y otros artistas con escenas ilustrativas de la Vida y milagros de San Antonino.

Claustro de Sant'Antonino

La sala dell'Ospizio dei Pellegrini, esto es, el hospicio de peregrinos, donde se ofrecía hospitalidad a peregrinos y visitantes, se dedica a Fra Angelico y recoge muchas de sus más importantes pinturas sobre tabla, como el Descendimiento (h. 1435-1440), retablo pintado para la iglesia de Santa trinità, y la Madonna dei Linaioli, encargada por los linaiuoli (gremio de tejedores de lino) en 1433, en colaboración con Lorenzo Ghiberti.

Giorgio Vasari lo describió como «pintado por un santo o por un ángel».
En primer término está representado con realismo un prado con flores, lo que recuerda a los cuadros flamencos de la época. Al fondo se ve Jerusalén representada de forma geométrica, en un paisaje de cielo nublado.

Como la mayoría de las obras de Fra Angelico, la iconografía es estándar para los tratamientos contemporáneos del Juicio Final. En el centro superior del cuadro, Cristo en Majestad se sienta sobre un trono blanco, rodeado por ángeles, María, Juan, y los santos. Cristo se muestra como juez de vivos y muertos; su mano izquierda señala hacia abajo, al Infierno, y su derecha, arriba al Cielo. A la derecha de Cristo está el paraíso, con los ángeles que dirigen a los salvados a través de un bello jardín, a una ciudad resplandeciente. En el medio están las tumbas rotas de los muertos resucitados, que han salido de sus tumbas para ser finalmente juzgados. A la izquierda de Cristo, los demonios conducen a los malditos al Infierno, donde los malvados son atormentados. Al fondo, Satanás mastica a tres condenados, y agarra a otros dos.

En la primera planta, donde está el bellísimo fresco de la'Anunciación (Annunciazione) que acoge a los visitantes en lo alto de la escalera, están situadas las celdas de los monjes, con fresco de fra Angelico y alumnos con escenas que inspirasen los rezos de los monjes, sobre todo ligados a las escenas de la Pasión de Cristo. Al fondo del ala sur se encuentran las celdas que habitó Savonarola.

La Anunciación (en italiano, Annunciazione), es un fresco del pintor italiano Fra Angélico. Fra Angélico pintó varias anunciaciones.
Aunque Fra Angélico realizó otras versiones de la anunciación (como La Anunciación, que se encuentra en el Museo del Prado), se considera este fresco de Florencia “la versión más emotiva de Fra Angélico, por su íntima y desnuda unción” (M. Olivar).

Pintada en temple sobre tabla entre 1420 y 1430 para la iglesia del convento de Santo Domingo de Fiesole (Italia), actualmente se conserva en el Museo del Prado de Madrid.
Vendida por los frailes a Mario Farnese en 1611 para sufragar los gastos de la construcción del campanario de la iglesia, poco después este príncipe italiano la enviaba como regalo al valido del rey Felipe III, Francisco Gómez de Sandoval, duque de Lerma. En aquella época la obra se tenía en gran estima, pero no por su estilo o autoría, sino por su tema devoto y porque la escena principal recordaba al fresco -supuestamente milagroso- de la Annunziata de Florencia, del que circulaban muchas copias.
Aunque el retablo se depositó en la Iglesia de los dominicos en Valladolid (Iglesia conventual de San Pablo), panteón de la Casa de Lerma, poco después se remitía al Convento de las Descalzas Reales de Madrid, posiblemente a raíz de la defenestración del duque de Lerma. Se conservó en el citado convento hasta mediados del siglo XIX. Precisamente en su claustro alto lo descubriría el pintor Federico Madrazo, a la sazón director del Museo del Prado, quien, tras no pocas gestiones conseguía que el rey consorte don Francisco de Asís se interesara por su traslado al Prado, consintiendo la priora del monasterio, que recibió a cambio otra Anunciación pintada por el propio Madrazo. Remitida al Museo como donación real el 16 de julio de 1861, desde ese momento se ha constituido en una de sus piezas más relevantes y conocidas.

San Marcos alberga aún una comunidad dominica, habitando los monjes el claustro interno.

Celda 2 Llanto sobre Cristo muerto

Celda 3 Annonciatión

Celda 8 Las tres Marías en el sepulcro

Celda 17 Crucifixión con Santo Domingo

Celda 35 Comunión de los Apóstoles

Celda 39 Adoration des los Magos

Girolamo Maria Francesco Matteo Savonarola (Ferrara, Italia, 21 de septiembre de 1452 - Florencia, 23 de mayo de 1498) fue un religioso dominico, predicador italiano, confesor del gobernador de Florencia, Lorenzo de Médici, organizador de las célebres hogueras de vanidad (o "quema de vanidades") donde los florentinos estaban invitados a arrojar sus objetos de lujo y sus cosméticos, además de libros que consideraba licenciosos, como los de Giovanni Boccaccio. Predicó contra el lujo, el lucro, la depravación de los poderosos y la corrupción de la Iglesia católica, contra la búsqueda de la gloria y contra la sodomía, sospechando que estaba en toda la sociedad de Florencia, donde él vivió.

Sillas en la Historia

Es una silla plegable formada por listones de madera.

Pertenece al renacimiento y dio origen a múltiples diseños en base a su forma.

Su estructura está formada por listones cortados en forma de "S" y dispuestos en dos series que se cruzan en su centro y que están unidos en su parte superior por los brazos.

En la cultura popular
La novela de Tom Wolfe La hoguera de las vanidades, publicada en 1987, se refiere al acontecimiento original, pero no es una versión de la historia. Posteriormente, en 1990 fue estrenada la película La hoguera de las vanidades basada en la propia novela, dirigida por Brian De Palma y protagonizada por Tom Hanks, Bruce Willis y Melanie Griffith. 

Fra Angélico por Luca Signorelli, en el fresco La Predicación del Anticristo.
Beato Angélico O.P. más conocido como Fra Angélico O.P. o Fray Juan de Fiésole O.P (Vicchio (Florencia) 24 de junio de 1390 c. – Roma 18 de febrero de 1455), fue un pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982.
Giorgio Vasari en su libro Vida de los mejores, pintores, escultores y arquitectos se refiere a él como Fra Giovanni Angelico, poseedor de un "raro y perfecto talento" y menciona que "nunca levantó el pincel sin decir una oración ni pintó el crucifijo sin que las lágrimas resbalaran por sus mejillas".

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La Biblioteca Laurenciana o Biblioteca Medicea Laurenciana (en italiano: Biblioteca Medicea Laurenziana) es una de las bibliotecas más importantes de Florencia y de toda Italia. Es famosa por conservar aproximadamente 11.000 manuscritos. Construida en el claustro de la medicea basílica de San Lorenzo, fue patrocinada por el papa Clemente VII.

La escalera diseñada por Miguel Ángel.

Miguel Ángel, tras la realización de los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina retorna a Florencia, donde trabaja como arquitecto a las órdenes del nuevo papa León X de Médicis, elegido después de la muerte de Julio II. Proyecta la fachada de la Basílica de San Lorenzo, nunca realizada, y en 1519 construye la Capilla Medicea o Sacristía Nueva para acoger los sepulcros de los Médicis. A la realización de las tumbas mediceas se dedica desde 1521, y tres años después, en 1524 el papa Médicis Clemente VII encarga la construcción de la Biblioteca Laurenciana, para la conservación de los preciosos códices de la colección medicea. Miguel Ángel comenzará a flanquear un costado del claustro levantado por el biógrafo y seguidor de Brunelleschi, Antonio Manetti. En 1527, la invasión de las tropas de Carlos I de España y la expulsión de los Médicis de Florencia, interrumpen los trabajos para los complejos laurencianos. Pero en 1534 Miguel Ángel se traslada definitivamente a Roma por el nuevo encargo de Clemente VII de pintar un Juicio Final para el altar de la Capilla Sixtina, interrumpiendo los trabajos en San Lorenzo para iniciar dicho proyecto.

Tras esta interrupción siguen construyendo el edificio de la Biblioteca Laurenciana Bartolomeo Ammannati y Giorgio Vasari. 

En 1571, Cosme I de Médicis, Gran duque de Toscana, abrió la todavía incompleta Biblioteca al público. 

Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti presentan a Cosme la maqueta de la iglesia San Lorenzo, fresco, c. 1560, Giorgio Vasari, (Florencia, Palazzo Vecchio). La Basílica San Lorenzo fue construida hacia 1421 por Brunelleschi a instancias de Giovanni di Bicci, padre de Cosme de Médicis. Brunelleschi, quien dirigía entonces la construcción de la cúpula de la catedral emprende la reconstrucción de San Lorenzo, donde adopta la forma basilical de tres naves. Al pie de las escaleras del altar mayor, tres rejas de bronce marcan el sitio de la sepultura de Cosme el Viejo. Desde el ángulo izquierdo del transepto, se accede a la Sacristía Vieja diseñada por Brunelleschi. En este fresco está representado el escultor Donatello mirando al espectador, justo detrás de Cosme.

La basílica de San Lorenzo es una iglesia italiana de culto católico ubicada en la ciudad de Florencia, en la plaza de San Lorenzo. Su construcción fue encargada por Cosme de Médici al arquitecto Filippo Brunelleschi, quien trabajó en su construcción desde 1422 hasta 1446. La dirección de los trabajos pasó entonces a manos de Michelozzo y, en 1457, a las de Antonio Manetti. En su interior destacan la sacristía vieja, diseñada por el propio Brunelleschi, y la sacristía nueva, obra de Miguel Ángel.

Vista de la fachada inacabada

Panorámica urbana en la que sobresale la cúpula de la Capella dei Principi que domina el complejo arquitectónico de San Lorenzo.

La construcción de la basílica había sido decidida por ocho familias florentinas con la idea de que la iglesia tuviera una capilla para cada una de ellas; pero Cosme de Médici la adquirió al no poder hacer frente los anteriores mecenas a los grandes gastos ocasionados para tal empresa. Para construirla se procedió al derribo de varios edificios en 1418. Se intentaba crear una obra totalmente comparable a las de la antigüedad al recuperar el modelo de las antiguas basílicas cristianas. Optó por la recuperación del antiguo modelo de basílica cristiana: planta de cruz, capillas adosadas a los lados; tres naves longitudinales; techumbre adintelada; imagen perspectiva más adintelada. 

Esquema del conjunto

Interior de la basílica
Está inspirada en la basílica de la Santa Cruz de estilo gótico. Está dividida en tres naves y capillas laterales. En el centro del crucero hay una cúpula y este está rodeado por capillas. Frente al centro del crucero está la capilla mayor.

Los Púlpitos de San Lorenzo, realizados en bronce, para la basílica de San Lorenzo de Florencia, fueron las obras escultóricas que concluyeron la actividad artística de Donatello, que desde 1460 se hizo cargo de la planificación y el diseño, el trabajo lo realizó con la ayuda de numerosos ayudantes, entre ellos destacaron Bartolomeo Bellano y Bertoldo di Giovanni.
El púlpito de la Pasión fue probablemente el segundo en realizarse y por lo tanto fue más importante la colaboración de los ayudantes. Es ligeramente más pequeño que el púlpito de la Resurrección, con unas medidas de 280 cm de longitud y 137 cm de altura, con exclusión de las columnas.

El púlpito de la Resurrección está considerado como el primero en construirse y donde más participó Donatello, y su tamaño es más grande que el de la Pasión: la medida es de 292 cm de longitud y 123 de altura, con exclusión de las columnas, sobre las que están apoyados.

Entre sus obras más importantes se encuentran el David de bronce en el museo del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el Palacio Vecchio.

       

Estatua de Donatello. Exterior de la Galleria degli Uffizi (Florencia) 

(Florencia, Italia, 1386-Ibídem, 13 de diciembre de 1466), fue un artista y escultor italiano de principios del Renacimiento, uno de los padres del periodo junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio. Donatello se convirtió en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado». Una de las primeras obras de Donatello fue una escultura que representa a David, realizada en mármol en torno al año 1409 y que actualmente se conserva en el Museo del Bargello. En los años sucesivos realizó numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades. Regresó a Florencia en 1459 con el encargo de modelar unas placas en bronce para la Basílica de San Lorenzo y durante su elaboración falleció en diciembre de 1466.

El David es una escultura de bronce de 158 cm de altura, obra del escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería colocarla en los jardines de su palacio de Florencia.​ Actualmente se encuentra en el Bargello. El David de Donatello es una de las obras más relevantes del primer Renacimiento. Era la primera vez que un escultor se atrevía a crear un desnudo masculino desde la Antigüedad clásica. Y también era el inicio por liberar a la escultura del marco arquitectónico.

El púlpito exterior de la Catedral de Prato es una obra de Donatello y Michelozzo, datado de 1428 al 1438. Compuesto de mármol, bronce y mosaico, se encuentra en la parte sureste de la catedral de Prato (los relieves originales se encuentran en el [Museo dell'Opera del Duomo (Prato)]). El púlpito tiene una medida de 210 cm de altura hasta el tejado.

A lo largo de los siglos XIV y XV se produjo en Italia una renovación de las artes plásticas que modificó radicalmente la concepción artística que se tenía hasta ese momento; los artistas volvieron la vista hacia la antigüedad clásica e hicieron del hombre el centro de su universo. En este sentido se debe destacar como a lo largo de Quattrocento las obras escultóricas adquirieron un gran naturalismo y realismo siguiendo los modelos de la escultura griega. Sin embargo y paulatinamente comenzaron a surgir algunas obras que se iban alejando de ese carácter naturalista, contenido y sosegado de la estatuaria renacentista y que será el precedente para el desarrollo del estilo manierista así la obra que hoy nos ocupa, María Magdalena como penitente de Donatello, es uno de los precedentes más tempranos de la nueva estética manierista.

María Magdalena penitente, Donatello
En esta ocasión el artista realiza una obra de temática religiosa cuya inspiración se encuentra en la Leyenda dorada de Jacopo de la Vorágine; en ella se explica cómo María Magdalena arrepentida por sus pecados se retira al sur de Francia para dedicarse a la vida ascética. La obra parece ser que fue realizada en torno al año 1453 – 1455 sin embargo, algunos historiadores retrasan su datación debido a su estilo, hasta 1460 de modo que ésta sería la última obra en la que trabajó el artista antes de su muerte.
El artista ha logrado recrear una figura dramática, teatral, con un marcado pathos que poco tiene que ver con las obras contenidas de la etapa clásica, acercándose más bien a la estética manierista o incluso barroca.    

Sacristía Nueva
El papa León X, a sugerencia del cardenal Julio de Médici, deseó realizar para Juliano II de Médicis y Lorenzo II de Médici, un sepulcro digno de su rango, consiguiendo al artista más célebre del período, Miguel Ángel. Los trabajos se iniciaron en el año 1521 y fueron interrumpidos en el año 1527 por la caída de los Médici y la restauración republicana, para ser retomadas definitivamente en el año 1530, cuando Miguel Ángel, tras haber sido atraído públicamente por la República florentina contra los Médici y sus comitentes, fue acogido bajo el ala protectora de la familia a condición de entrar a su servicio, terminando en primer lugar los proyectos en San Lorenzo.

Juliano de Médicis (Florencia, 12 de marzo de 1479–17 de marzo de 1516) fue uno de los siete hijos de Lorenzo el Magnífico y su esposa Clarisa Orsini. Para diferenciarlo de su tío Juliano de Médici, asesinado en la conjura de los Pazzi, se le llama Juliano II de Médicis o Juliano de Lorenzo de Médicis.

Lorenzo di Piero de' Medici, conocido como Lorenzo II de Médici para distinguirlo de Lorenzo el Magnífico (Florencia, República de Florencia, 1492 - Careggi, 1519) fue el señor de Florencia desde 1516 hasta su muerte víctima de la sífilis en 1519. Nieto de Lorenzo el Magnífico y duque de Urbino, Nicolás Maquiavelo le dedicó su conocida obra El príncipe, aunque no se conoce con exactitud el objetivo de dicha dedicatoria

Clemente VII, (Florencia, 26 de mayo de 1478 – Roma, 25 de septiembre de 1534) fue el papa n.º 219 de la Iglesia católica, de 1523 a 1534.
Cuando nació fue descrito: "Hijo natural del Magnífico Juliano de Médici nacido por parte de madre de muchacha que no tenía marido, Fioretta, hija de Antonio"
Tras el asesinato de su padre en la Catedral de Florencia, durante la Conjura de los Pazzi, el futuro papa Clemente contó enseguida con el afecto y la protección de los Médici. Su tío Lorenzo el Magnífico escribió a Fernando I de Nápoles y al Papa para que Julio, destinado a la carrera eclesiástica, le fuera otorgado el rico Priorato de Capua, que le fue efectivamente concedido

León X (Florencia, 11 de diciembre de 1475 – Roma, 1 de diciembre de 1521), papa 217.º de la Iglesia católica de 1513 a 1521.
De nombre secular Giovanni di Lorenzo de Medici, era el segundo hijo varón de Lorenzo el Magnífico, de la noble familia de los Médici, y de Clarice Orsini, de la no menos ilustre Casa de Orsini.
Educado en la corte florentina bajo la tutela de Angelo Poliziano, Bernardo Michelozzi, Urbano Valeriano, Demetrio Calcocondilas, Gregorio da Spoleto, Marsilio Ficino o Bernardo Dovizi, también pasó desde 1489 a 1491 en la Universidad de Pisa, instruyéndose en teología y derecho canónico.

Angelo Poliziano (Montepulciano, 14 de julio de 1454 - Florencia, 29 de septiembre de 1494) fue un humanista, poeta y notable filólogo italiano.

En el año 1534 Miguel Ángel partió definitivamente hacia Roma, dejando incompletas algunas estatuas de los sepulcros del duque de Nemours y del duque de Urbino, pero sobre todo sin haber realizado las sepulturas de Lorenzo el Magnífico y su hermano Juliano de Médici.

Exterior de la Sagrestia Nuova

La sacristía Nueva es una de las obras maestras de Miguel Ángel como arquitecto y como escultor. Hoy forma parte del complejo de las Capillas Mediceas.

Miguel Angel; el sepulcro de  Juliano de Lorenzo de Médicis. , Con las alegorías de la noche y el día 

Miguel Angel: el sepulcro de Lorenzo II de Médici para distinguirlo de Lorenzo el Magnífico -- Con las alegorías del crepúsculo y la aurora

Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales, contestó: «¿Y quién se dará cuenta de aquí a diez siglos?».

El modo cómo molduró Miguel Angel las paredes de la Sacristía Nueva de San Lorenzo de Florencia para albergar en los costados dos sepulcros-retablo crea un ambiente enrarecido y fúnebre gracias a la dicromía de los mármoles y la tensión en que comprime en hornacinas angostas las estatuas simbólicas. En el sepulcro de Lorenzo, duque de Urbino, fallecido en 1519, sentado en meditabundo silencio y brazo retorcido en espiral, glosa la introspección del Pensamiento y exalta la vida contemplativa -se adecúa al dictado de Pensieroso como ha sido llamado-, en contraste con la actitud gallarda y activa de su hermano Juliano, duque de Nemours, en la tumba frontera. Dos alegorías, masculina el Crepúsculo, y femenina la Aurora, se deslizan como el transcurrir del tiempo efímero sobre el plano inclinado del frontón roto, imagen de la vida truncada del efigiado, como en el otro sepulcro el Día -de rostro non finito- y la Noche también lo rubrican. Es notorio el inacabado o non finito de los dos rostros masculinos, especialmente en el Día, que es aquí deliberado intento del artista por escamotear al espectador sus caras heridas por el resplandor solar, técnica que al extremo opuesto del esfumado praxiteliano, adquiere carácter pictórico y romántico luego seguido entre escultores tan dispares como Rodin o Victorio Macho.

Originariamente Miguel Ángel había proyectado un monumento aislado en el centro de la sala, pero a continuación por discusiones con los comitentes, lo cambió previendo colocar las tumbas de los Capitani (los dos duques) adosadas en el centro de las paredes laterales, mientras que aquellas de los «Magníficos» (Lorenzo y Juliano), adosadas ambas a las paredes del fondo delante del altar.

Sacristía Vieja
La sacristía vieja es una sacristía construida entre los años 1419 y 1422 por Filippo Brunelleschi como anexo a la Basílica. Se la conoce como vieja para distinguirla de la Sacristía nueva, construida años más tarde por Miguel Ángel bajo el patrocinio del papa León X. Esta obra ha sido considerada como uno de los ejemplos más expresivos de la arquitectura de Brunelleschi, con una gran influencia en otros edificios posteriores de planta central.

Interior de la sacristía vieja
En la cúpula hay 12 óculos que simbolizan los 12 apóstoles y que se subordinan al gran óculo central, que hace referencia a la Divinidad. Además todo se encuentra policromado y la tumba se sitúa en el centro, a eje vertical con la cúpula

Se trata de un espacio cúbico cubierto por una cúpula nervada sobre pechinas, a la cual se une al fondo otro espacio similar de planta cuadrada, que actúa a modo de ábside. La sacristía queda dividida verticalmente por tres zonas de idéntico tamaño: la parte inferior de configuración rectangular, la intermedia con arcos falsos circunscritos por las pechinas y la cúpula esférica, cuyo radio es igual al tamaño de cada una de esas dos zonas sustentantes. El entablamento recorre continuo los dos espacios creando así un espacio visual completo, unitario y lineal. La sacristía está decorada con esculturas en relieve realizadas por Donatello. Se ha considerado que tal sacristía es el primer espacio de planta central del Renacimiento.

Horóscopo de Cosme el Viejo, después de 1442, Giuliano de Arrigo, (Florencia, San Lorenzo, Sacristía Vieja). La alineación de los astros corresponde a la posición del Sol, entre los signos de Géminis y Cáncer, en Florencia en el nacimiento de Cosme de Médicis.

 

Capillas Mediceas

 Capilla de los príncipes
(Cappelle medicee en italiano) en la basílica de San Lorenzo de Florencia comprende dos estructuras añadidas al diseño original de Brunelleschi, actualmente es un museo estatal de Florencia y lugar de sepultura de la familia Medici, celebrando además el poder de los Médici como Grandes Duques de Toscana. La 'Sagrestia Nuova (Sacristía Nueva) fue diseñada por Miguel Ángel. La capella dei Principi (Capilla de los príncipes) de los siglos XVI y XVII, está totalmente cubierta con un revestimiento de mármol coloreado incrustado con pietra dura. La Cappella dei Principi octogonal coronada por una alta cúpula, de 59 m de altura, que es el rasgo distintivo de San Lorenzo cuando se ve desde lejos, se alza ubicado centralmente con respecto a la nave, a la que proporciona el equivalente a una capilla absidial. Se entra desde el exterior, en la Plaza Madonna degli Aldobrandini, y a través de la cripta anterior.

Capilla de los príncipes decorada con piedra dura y mármoles preciosos

La opulenta Cappella dei Principi, una idea formulada por Cosme I, fue realizada por Fernando I de Médici; fue diseñada por Matteo Nigetti.

Para la ejecución de su sorprendente revestimiento de mármoles incrustados con mármoles de color y piedras semipreciosas, se estableció el taller de piedra dura gran ducal, el Opificio delle Pietre Dure. 

El arte de commessi, tal como se le llamó en Florencia, juntaba los fragmentos como puzzles de trocitos de piedras para formar los diseños del revestimiento que cubren totalmente las paredes. El resultado fue rechazado por los visitantes de los años XVIII y XIX, pero ha llegado a ser apreciado como un ejemplo del gusto de la época. Seis grandes sarcófagos están vacíos; los restos de los Médici están enterrados en la cripta inferior. En dieciséis compartimentos del dado están los emblemas de ciudades toscanas bajo control de los Médici. En los nichos que se pretendió que tuvieran retratos escultóricos de los Médici, dos (Fernando I y Cosme II) fueron ejecutados por Pietro Tacca (1626-42).

Cúpula octogonal con los frescos de Pedro Benvenuti

Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446), fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia II Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarlo a la invención de la perspectiva cónica.Su primera gran obra fue teórica, ya que en 1434 fue el primero que formula las leyes de la perspectiva cónica, un sistema de representación gráfico basado en la proyección de un volumen sobre un plano auxiliándose en rectas proyectantes. Fue un elemento clave de la pintura renacentista, pues es la representación que más se aproxima a la visión real, al ser muy similar a la imagen que percibimos de los objetos.

Escultura de Brunelleschi mirando Il Duomo de Florencia.
Filippo Brunelleschi fue el iniciador de la arquitectura de estilo renacentista, caracterizado por ser un momento de ruptura con respecto al estilo precedente: la Arquitectura gótica, buscando su inspiración en una interpretación del Arte clásico, que se consideraba el modelo más perfecto de las Bellas Artes.

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Mi semana en Florencia (X) - (V)  Galería Uffizi - Judit decapitando a Holofernes (Artemisa Gentileschi) - Cabeza de Medusa (Caravaggio) -  Adán y Eva (Lucas Cranach), pincha aqui

La Galería de la Academia (Galleria dell'Accademia) es de uno de los museos básicos de Florencia, dedicado a escultura y pintura. Se encuentra en la Via Ricasoli, 60, cerca del Convento de San Marcos.

Galleria dell'Accademia

La Academia de Bellas Artes fue fundada en 1563. La colección se formó en 1784 para ofrecer a los estudiantes de dibujo material de estudio. En 1873 se trasladó la estatua de David desde la Plaza de la Señoría.

Su obra más destacada es la de Miguel Ángel, en concreto el David (1504).

La Galería de la Academia (Galleria dell´Accademia) es el segundo museo más visitado de Florencia por detrás de la Galería Uffizi.

La primera sala tiene obras de los siglos XV y XVI y, en el centro, la terracota de Juan de Bolonia, modelo del Rapto de las sabinas que se alberga en la loggia de la Signoría. En esta terracota se aprecia bien el bello movimiento helicoidal que dio Juan de Bolonia a esta composición escultórica.

El Rapto de las Sabinas o el Rapto de la Sabina es una escultura realizada en mármol obra de Juan de Bolonia escultor franco-flamenco activo en Florencia en el siglo XVI. La escultura formaba parte de la colección ducal de La Loggia en la plaza de la Señoría de la ciudad.

Juan de Bolonia en 1581 comenzó lo que se considera su obra maestra, el Rapto de las Sabinas, finalizado alrededor de 1582. Al parecer, la escultura no fue producto de un encargo y se llevó a cabo por el autor como una demostración de virtuosismo. Cuando Francisco I de Médici vio la obra se entusiasmó y ordenó su instalación en la Loggia dei Lanzi, cerca del Palazzo Vecchio. La presencia allí de la obra Perseo con la cabeza de Medusa de Benvenuto Cellini, que representaba el triunfo del bien sobre el mal y el símbolo de la victoria de los Médici en Florencia después de haber sido expulsados de la ciudad en 1494, hizo al autor pensó en un tema relacionado con que bautizar su trabajo, decidiéndose por la historia del Rapto de las sabinas, ya una vez colocada la pieza en la plaza.

Jean Boulogne (Douai, 1529 - Florencia 1608), conocido en Italia como Giovanni da Bologna o más abreviadamente Giambologna y en España como Juan de Bolonia, fue un escultor flamenco que trabajó en la Italia de finales del Renacimiento. Fue autor de varias de las esculturas más famosas, en mármol y bronce, sobre temática mitológica. Ocupa asimismo un puesto clave en la historia de la escultura europea, como puente entre el Renacimiento de Miguel Ángel y el Barroco de Bernini.

Luego se pasa a la galería de Miguel Ángel. Ahí se encuentran cuatro prisioneros (prigioni) esculpidos entre 1521 y 1523 y destinados a la tumba de Julio II. Las obras, sin terminar, sorprenden al visitante, porque de la piedra pesada parecen intentar salir, hercúleas, las figuras inacabadas. Un esbozo de San Mateo y una Pietá, también inacabada (y con obra de algún otro artista también) preceden al gigantesco David.

Retrato Julio II, Rafael de Sanzio
Julio II (Albissola Marina, 5 de diciembre de 1443-Roma, 21 de febrero de 1513) fue el papa nº 216 de la Iglesia católica, de 1503 a 1513. Se le conoce como el Papa Guerrero por la intensa actividad política y militar de su pontificado.
Mandó reedificar la Basílica constantiniana, donde estaban sepultados los restos mortales del apóstol Pedro, erigiendo la actual Basílica de San Pedro. Siendo uno de los últimos papas humanistas, como todos ellos fue mecenas y protector de grandes artistas, como Miguel Ángel y Rafael Sanzio.
Della Rovere tenía un gran rival en el seno del colegio cardenalicio, el cardenal Rodrigo Borgia, más tarde papa Alejandro VI (1492-1503) a la muerte de Inocencio VIII. Della Rovere, que también aspiraba a ser papa, acusa a Borgia de haber sido elegido mediante simonía y gracias a un acuerdo secreto con el cardenal Ascanio Sforza. Tras esta disputa, se refugia de la ira de Alejandro VI en Ostia y meses más tarde marcha a París, donde incita al rey Carlos VIII (1483-1498) a intentar la conquista de Nápoles. Acompañando al joven rey en su campaña militar, entra con él en Roma y trata de convocar un concilio que investigue las acciones del papa Alejandro VI y, eventualmente, lo deponga. Sin embargo, el papa Alejandro se había ganado el favor de un ministro del rey francés, Briçonnet, al ofrecerle la dignidad de cardenal, con lo que consigue detener las maquinaciones de su enemigo.

La figura de Julio II, guerrero, político, estratega, maquinador, absolutista y maquiavélico se asemeja más a la de un monarca de su tiempo que a la del líder de una religión. Enemigo implacable de los Borgia, había contemplado impotente cómo Alejandro y César vaciaban el patrimonio de los Estados Pontificios y se apropiaban de sus territorios a título personal. Dedicaría grandes esfuerzos a lo largo de su pontificado a recuperar para la Iglesia los feudos de que había sido despojada, intentando unificar toda Italia bajo la dirección de la Santa Sede. Durante su pontificado se creó además la Guardia Suiza Pontificia.
En diciembre de 1503 otorga una dispensa que permitiría a Enrique, duque de York (futuro Enrique VIII), al alcanzar la mayoría de edad, casarse con Catalina de Aragón, viuda de su hermano Arturo, príncipe de Gales.
El 19 de febrero de 1505 Julio II emite la bula Cum Tam Divino, en la cual declara que una elección pontificia contaminada por simonía es nula.

Felice della Rovere retratada por Rafael en Misa en Bolsena, identificada por Caroline Murphy.
 (Roma, 1483 - Roma, 27 de septiembre de 1536), también conocida como Madonna Felice, fue hija ilegítima del Papa Julio II, se convirtió en una de las mujeres más poderosas del Renacimiento italiano.
A través de la influencia de su padre, se arregló su matrimonio con Gian Giordano Orsini, así hizo gal de riquezas e influencias extraordinarias dentro y más allá de la Curia Romana. En particular, negoció la paz entre Julio II y la Reina de Francia. Ocupó el cargo de Orsini Signora durante más de una década después de la muerte de su esposo en 1517. Felice aumentó aún más su poder a través de un castillo que compró con dinero recibido de su padre, el Castillo de Palo, y su participación en el comercio de granos.
Felice dio a luz a dos hijos, Francesco y Girolamo, eligiendo al segundo como heredero de la fortuna Orsini (y asegurando así una rivalidad con su hijastro, Napoleone), así como a dos hijas, Julia y Clarice; otro niño murió durante la infancia. Los hijos de Felice se casaron con familias prominentes: los Colonna, Sforza, Borghese, Gonzaga y Appiani. Sus descendientes Orsini se convirtieron en los duques de Bracciano y sus líneas mantuvieron este papel hasta 1699, cuando la línea familiar se extinguió. 

A sus 25 años de edad, Miguel Ángel rompió con los cánones del David clásico (hasta entonces menudo, con zamarra y zurrón). El David de Miguel Ángel es un ser cargado de vida y deseo de victoria, con vigorosa musculatura, que se apoya en una pierna para impulsar la acción, una acción que se intuye en sus propias manos.

David, 1501-1504, Miguel Ángel, (Florencia, Galería de la Academia). Doce años después de la proclamación de la república, el Arte della Lana, la rica corporación de los laneros (Arte della Lana), encargó a Miguel Ángel crear un “David”. Recibe para ello un bloque de mármol que, cuarenta años antes, Agostino di Duccio había intentado esbozar tratando tal vez el mismo tema. Cuando la estatua fue terminada, una comisión de ciudadanos y artistas entre los más importantes de la ciudad, decidió erigirlo en el lugar más significativo de la ciudad, delante del palacio de la Señoría. Era la primera vez desde la Antigüedad, es decir desde hacía más de mil años, que una estatua monumental de un desnudo era expuesta en un lugar público. (5,17 metros​ de altura y 5572 kilogramos de masa)

Los esclavos de Miguel Angel

Miguel Ángel realizó 6 esculturas (inacabadas, para el segundo proyecto de la tumba del papa Julio II, quiso colocar las figuras de los "esclavos" o "cautivos" en la parte inferior de la tumba.

Dos de los esclavos están actualmente en el museo del Louvre y los otros cuatro se encuentran en la "Galleria dell'Accademia", en Florencia, datan de los años 1532-1534, son conocidos con los nombres de: El esclavo joven, el esclavo barbudo, Atlas, el esclavo que se despierta.

Estas esculturas evolucionan hacia unas formas masivas, recuerdan a los "Titanes" de la antigüedad, están inacabados expresando una revuelta contra la materia que los envuelve, de la cual quieren deshacerse y así liberar el cuerpo.
Los cuatro esclavos que quedaron sin concluir fueron donados por Miguel Ángel al gran duque Cosme I, que los colocó en los Jardines de Bóboli, desde donde fueron trasladados a la Academia en 1909.

Los cuatro esclavos - "El esclavo atlas" , "El esclavo barbudo", El joven esclavo", Esclavo despertándose"

Esclavo barbudo 263 cm de altura -- 1530
El más acabado de los cuatro esclavos tiene la cara cubierta por una espesa y rizada barba, mientras que sus muslos se ciñen por una tela. El busto exhibe un sensacional modelado, resaltando los detalles de su poderosa anatomía.

Esta figura estaba proyectada para formar parte del mausoleo del papa Julio II, junto a sus compañeros El joven esclavo, Atlas y El esclavo barbudo. Quizá sea ésta la más impresionante de las cuatro, al crearse el efecto de estar surgiendo de la piedra sin tratar, ya que la viril figura apenas deja emerger uno de sus costados. Los rasgos del rostro casi se esbozan mientras que la doblada pierna derecha se inclina hacia adelante, gesto que se repite en el brazo. De esta manera, la tensión y el dinamismo caracterizan una figura cargada de expresión, que pone de manifiesto la maestría del genio florentino.

El Moisés es una escultura de mármol blanco encargada en 1505, realizada en 1513-1515, y retocada en 1542, obra de Miguel Ángel (1475-1564), centrada en la figura bíblica de Moisés. Originariamente concebida para la tumba del papa Julio II en la Basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se colocaron finalmente en la iglesia menor de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La familia della Rovere, de la que el papa procedía, fueron los mecenas de esta iglesia, y el mismo papa había sido cardenal titular antes de su nombramiento como representante del Vaticano.

Tumba de Julio II, con las estatuas de Miguel Ángel Raquel y Leah a izquierda y derecha de su Moisés.

La tumba de Julio II, una estructura colosal que debía dar a Miguel Ángel el suficiente espacio para sus seres superhumanos y trágicos, se convirtió en una de las grandes decepciones de la vida del artista cuando el papa, sin ofrecer explicación alguna, interrumpió las donaciones, posiblemente desviando dichos fondos a la reconstrucción de San Pedro por parte de Donato Bramante. El proyecto original estaba formado por una estructura independiente, sin apoyo, de tres niveles, con aproximadamente 40 estatuas. Tras la muerte del papa en 1513, la escala del proyecto se redujo paulatinamente hasta que, en 1542, un contrato final especificó una tumba con un muro sencillo y con menos de un tercio de las figuras incluidas en el proyecto original.

Moisés - 235 cm
Miguel Ángel pensaba que el Moisés era su creación más realista. La leyenda cuenta que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le dijo "¿por qué no me hablas?", sintiendo que la única cosa que faltaba por extraer del mármol era la propia vida. En la rodilla se puede encontrar la marca de Miguel Ángel al golpear a su Moisés.

El espíritu de la obra, sin embargo, se puede observar en la figura del Moisés, finalizado durante una de las reanudaciones del trabajo en 1513. Diseñado para ser visto desde abajo, y equilibrado por otras siete enormes formas de temática similar, el Moisés actual, en su contexto irrisorio comparado con el proyecto original, difícilmente puede tener el impacto deseado por el artista. El líder de Israel se presenta sentado, con las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que con la otra mano acaricia los rizos de su barba. La imaginación puede situar esta representación de Moisés en el pasaje de éxtasis tras recibir los Mandamientos en el Monte Sinaí, mientras que, en el valle al pie del monte, el pueblo de Israel se entrega una vez más a la idolatría. De nuevo, Miguel Ángel utiliza una cabeza vuelta, concentrando una expresión de tremenda ira que se refleja también en la poderosa constitución de la estatua y a sus ojos. 

Esclavo moribundo 229 cm. y Esclavo rebelde 215 cm., respectivamente, 1513, Mármol, por Miguel Ángel Buonarroti, (Renacimiento Italiano-Cinquecento), Ala Denon-Planta Baja, Esculturas Italianas siglos 16-19, Sala Michelangelo, Museo del Louvre, París (FR)
Empezó estas esculturas Miguel Ángel, después de la realización de la pintura para la bóveda de la Capilla Sixtina. Estaba destinada para formar parte del grupo escultórico de la tumba del papa Julio II, que había de colocarse en la parte inferior del monumento.
Es de una belleza formal y espiritual, presenta un claro contrapposto, se expresa en un abandonamiento como de cansancio total, comparada con esculturas helenísticas del último periodo y con una clara influencia del Laocoonte y sus hijos, también, según el historiador Tolnay, con un san Sebastián de Antonio Rossellino. Vasari interpreta las esculturas de los esclavos con una iconografía de las provincias sometidas por Julio II al poder de la iglesia y Ascanio Condivi con un significado de las artes liberales, dándole al Esclavo moribundo la alegoría de la pintura por la mona que tiene a sus pies

La Piedad de Palestrina es una obra atribuida a Miguel Ángel, que se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia, junto al David, otra escultura del artista , y consta de un grupo escultórico con Cristo, la Virgen María y María Magdalena, con una medida de dos metros y medio de altura.
El nombre de la obra proviene del hecho que durante un tiempo estuvo colocada en la capilla fúnebre del cardenal Antonio Barberini, en el interior de la iglesia de Santa Rosalía en Palestrina, donde por primera vez se encuentra citada como esbozo de Miguel Ángel en 1756 en Storia di Palestrina por Cecconi, el estado italiano la compró en 1939 para exponerla en la Galería de la Academia en Florència.
Existe una fuerte duda acerca de la paternidad de Buonarroti sobre esta obra, porque a pesar de su importancia, no se encuentra citada en ningún documento de la época, mientras el resto de su producción artística se encuentra referida con precisión.

Piedad florentina, llamada también Piedad Bandini, del Duomo, de las cuatro figuras o Deposición, es una escultura en mármol que representa una variante de las tipologías iconográficas de la Pietà ("piedad") y de la Deposición de Cristo, realizada por Miguel Ángel y conservada en el Museo dell’Opera del Duomo en Florencia.
A diferencia de la serenidad que representó en su primera realización de la Piedad del Vaticano, en esta demuestra su estado anímico presentando el dramatismo de la muerte con la angustia en los personajes. Los representan dentro de una composición piramidal, el Cristo se muestra como una figura "serpentinata" propia del manierismo. 

Detalle de la Piedad florentina