(57) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - EN NUESTRO ENTORNO. ARTE VASCO-NAVARRO - AÑOS SETENTA - Juan José Aquerreta Maeztu - `Aquerreta… y semejanza. Heian Shodan´

 

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El Museo de Navarra (Pintores navarros) - Julio Martín Caro - Jorge de Oteiza Enbil - Mariano Royo Jiménez - Pedro Salaberri Zunzarren - Juan José Aquerreta Maeztu - Pedro Manterola Armisen, pincha aqui

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Juan José Aquerreta Maeztu

Pintor navarro nacido en Pamplona en 1946.

Entre 1962 y 1964 estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Pamplona en los cursos de dibujo y pintura. En 1966 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Desde 1983 y hasta la actualidad imparte clases de pintura y dibujo en la Escuela de Arte de Pamplona. Aquerreta es uno de los pintores navarros contemporáneos con mayor proyección. Su fichaje hace ya unos años por la galería Malborough fue sin duda su impulso definitivo hacia el exterior. Con esta prestigiosa galería Aquerreta ha participado en las últimas ediciones de la Feria Arco siendo uno de los pintores más valorados por la crítica.

Imagen del lienzo de J.J. Aquerreta.

Fue el regalo de bodas del Gobierno de Navarra al Príncipe Felipe y a Doña Letizia
La obra es un óleo que representa un paisaje de los lindes meridionales de Pamplona, con una perspectiva de formas geométricas (triángulos, rectángulos y círculos) en la que coexisten construcciones urbanas y paisaje rural, y está pintado en colores verdes, grises, amarillos y ocre, de tonos muy suaves y difuminados, que transmiten un sentimiento de sosiego no exento de melancolía.

Pero la trayectoria profesional de Juan José Aquerreta, un pintor interesado sobre todo por el hombre y la naturaleza, comenzó hace varias décadas en Pamplona, en unos años en los que lo social se imponía como un elemento más de la pintura. En los comienzos de los años 70, el trabajo de Aquerreta se vinculó a la llamada Escuela de Pamplona un término acuñado por el crítico de arte José María Moreno Galván en un artículo que escribió en la revista Triunfo y de la que formaban parte nombres como Pedro Salaberri, Xabier Morrás, Pedro Osés, Joaquín Resano, Luis Garrido, Pello Azketa y Mariano Royo. Sin embargo, Aquerreta nunca se ha sentido identificado dentro de ese grupo, a pesar de que la crítica lo sigue vinculando. Tal vez porque siempre ha sido un pintor solitario, ajeno a las modas, los grupos y las propuestas más o menos establecidas.

La primera exposición de Aquerreta se celebró en la galería Sen de Madrid en 1973 y desde entonces ha recorrido diversas salas de toda España, destacando su participación en la feria de Arco en varias ediciones. Asimismo ha formado parte de más de 50 exposiciones colectivas de todo tipo. Entre los premios destaca en 1967 el segundo premio en el Certamen de Pintura Vasca en San Sebastián, en 1972 el Segundo premio Ciudad de Pamplona o el Primer premio en 1983 en el certamen de Pintura Vasca de San Sebastián. Sus cuadros forman parte de importantes colecciones como las del Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, el Museo San Telmo de San Sebastián, el Museo de Bellas Artes de Álava, el Museo de Navarra, la Colección La Caixa, Fundación Endesa o la Colección de Arte Contemporáneo del Ayuntamiento de Pamplona. Una de sus obras más sorprendente es el Cristo resucitado, del año 2000. Premio Nacional de Artes Plásticas 2001 como reconocimiento a toda su trayectoria, en 2002 recibió el Premio Nacional de las Artes Plásticas y en mayo de 2003 el Premio Príncipe de Viana.

Pintor del silencio, de la intimidad, de la soledad, de lo intemporal; pintor de lo humano entendiendo al hombre no como ser social sino como ser individual por su propia condición natural. Aquerreta es un pintor clásico en la técnica pero innovador en el resultado. Pinta al aire libre o en estudio; dibuja y luego matiza y colorea. Sus obras a veces son como escenarios soñados a medio camino entre lo irreal y lo inventado, lo mismo que sus figuras humanas, como la obra Huida del esclavo de Saturno (1990), de la colección Municipal de Arte Contemporáneo Ayuntamiento de Pamplona, Apolo ingrávido (1989)o la serie de Autorretratos. Obras todas ellas que distan mucho de aquellos cuadros compartidos con Osés, como Mayo del 68 con un aire de reivindicación y protesta. En su trabajo destacan también los bodegones o naturalezas muertas y los dibujos, género al que se ha dedicado con intensidad y las esculturas, más esporádicas pero igualmente vinculadas a la persona.

Impresionante cuadro hecho a base de manchas y poco más. Está perfectamente plasmado el ambiente de un día de invierno con neblina.

Romper la vida (Muerte y desamparo)

El grupo escultórico consta de dos figuras en bronce fundido relacionadas entre sí. La de mayor tamaño representa a un hombre que acaba de recibir un disparo en la nuca, desplomándose hacia atrás. La más pequeña es un niño de corta edad, testigo del asesinato e hijo de la víctima. El conjunto se eleva sobre un alto pedestal de piedra arenisca que desempeña a la vez un papel simbólico y estético.

Si bien la faceta más conocida de Juan José Aquerreta, Premio Nacional de Artes Plásticas 2001 y Príncipe de Viana de la Cultura 2003, es la pintura, desde su juventud ha practicado también la escultura, disciplina que recupera en los últimos años en su vertiente pública y conmemorativa con sendos proyectos dedicados a la Marcha a Javier y éste que se analiza, realizado tras haber ganado el concurso convocado por la Fundación Tomás Caballero para recordar en Pamplona a las Víctimas del Terrorismo. 

El Museo de Navarra inaugura una exposición antológica del pintor y escultor Juan José Aquerreta (2023)

La exposición `Aquerreta… y semejanza. Heian Shodan´ comisariada por el historiador y crítico de arte Pedro Luis Lozano Uriz, muestra más de 90 obras de Aquerreta (dibujos y pinturas, y esculturas), de las que 3 pertenecen al Museo de Navarra (de las 6 que posee del artista); 5 obras de Diego de Pablos y 7 de José Antonio Jiménez.

El título de la muestra, “Heian Shodan”, hace referencia al primer kata de karate Shotokan, un deporte que Aquerreta ha practicado durante años y en el que ha alcanzado el cinturón negro. Esta expresión japonesa significa “Paz y tranquilidad”, y se relaciona con la búsqueda de serenidad y redención que el artista encuentra en su fe en Cristo

Aquerreta, en una sala que acoge su obra

El sufrimiento de la vida se expresa en la primera sala de la exposición con obras muy representativas que sintetizan la visión del ser humano como un esclavo encadenado a los deseos y al sufrimiento (Huida del esclavo de Saturno n.º 1). El hombre es un ser trágico, capaz de verse abocado incluso a los límites del suicidio (Apolo ingrávido, 2º Nacimiento). Ahora bien, este ser doliente puede encontrar su salvación en el mensaje de redención de Cristo, simbolizado por el Díptico de San Esteban. Este cuadro, el retablo mayor de la Parroquia de San Esteban de Gorráiz, interpela directamente al espectador de la exposición, invitándole a reflexionar sobre el camino que desea tomar en su vida: bien la negación o repulsa o bien la aceptación de la Buena Nueva, representada por la figura de San Pablo. Aun así, Aquerreta nos recuerda que esta última alternativa no es una opción unipersonal, sino que para ella es necesaria el don de la fe, simbolizado por un cuadro abstracto, dado que la fe es invisible (Díptico de la Fe).

'Díptico de San Esteban de Gorraiz' (2008), de Juan José Aquerreta

Apolo ingrávido (2º nacimiento) 1987

Huida del esclavo de Saturno nº 1990

La exposición es un homenaje a la obra y la vida de Juan José Aquerreta, cuyo arte nace del dolor pero también busca la paz interior y la serenidad. A través de sus creaciones, Aquerreta nos invita a reflexionar sobre la condición humana y la lucha contra el sufrimiento.

Madre de todos los hombres 2002 

Las claves estéticas que le ayudan en este proceso son singularmente opuestas. Por un lado, hay una profunda relación con el clasicismo y la estética primitiva, algo visible en su relación con la escultura clásica griega, el Picasso neoclásico, los pintores del Cuatrocento italiano y el mundo oriental de los iconos. Frente a ellos, Aquerreta apuesta por la modernidad con referencias vanguardistas como Matisse y el Pop americano con figuras como Warhol, muy importante en su interés por las series, los retratos fotográficos y su relación con el mundo de los iconos.

Respetarnos, conocernos, querernos

Fuerzas de agregación y disolución en el arte vasco de los años setenta

Pedro Osés y Juan José Aquerreta

Serie Mayo del 68

En su obra, tanto en los bodegones, retratos o paisajes, se desarrolla un proceso ascético de síntesis formal. 

Retrato de mi madre 1967

Rafael Zorita 1988 y Rafael Zorita 2 1988

Dos figuras o un espejo 1995

De esta manera, se logra alcanzar un equilibrio entre idealismo y naturalismo al tomar como referentes objetos, paisajes y personas de su entorno cercano, de su cotidianidad.

Naturaleza muerta del estampado 1996

The Dessert - Harmony in Red (The Red Room) Matisse 

(56) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - EN NUESTRO ENTORNO. ARTE VASCO-NAVARRO - AÑOS SETENTA - Isabel Baquedano

(55) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - EN NUESTRO ENTORNO. ARTE VASCO-NAVARRO - JORGE OTEIZA - EDUARDO CHILLIDA - Agustín Ibarrola - El Equipo 57 - Grupo Danok 1966-1967 - Grupo Orain en Álava - “Equipo 63 - Benjamín Palencia - Grupo Pajarita - El Grupo Gaur - RICHARD MORTENSEN, pincha aqui

El Museo de Navarra (Pintores navarros) - Julio Martín Caro - Jorge de Oteiza Enbil - Mariano Royo Jiménez - Pedro Salaberri Zunzarren - Juan José Aquerreta Maeztu - Pedro Manterola Armisen, pincha aqui

AÑOS SETENTA

La década de los setenta supone el desarrollo y madurez de los artistas que en 1966 se habían constituido en Escuela Vasca (grupos Gaur, Hemen, Orain). También los más jóvenes que se unieron a ese impulso colectivo consolidaron en esta década un vocabulario personal. Si en el caso de la escultura se fue asentando una retórica de estilo vasco geométrico, de resonancias arcaicas, en el terreno pictórico el relevo generacional resultó más problemático ya que no hay un testigo que pasara de mano en mano, sino más bien un corte radical. Los artistas mayores dejaron de hablar con los jóvenes y la brillante pintura informalista de los años sesenta tuvo escasa continuidad.

Desde comienzo de la década surgieron nuevas formas de pintura narrativa, entre un pop testimonial o simplemente cercano al fenómeno urbano, y escenarios más afines a la psicodelia o las mitologías personales. Gipuzkoa y Pamplona fueron los focos de este nuevo tipo de pintura.

FRANCISCO CALVO SERRALLER  

(Madrid, 19 de abril de 1948-16 de noviembre de 2018) ​ fue un historiador, ensayista, crítico de arte y catedrático universitario español. Entre los años 1993 y 1994 fue director del Museo del Prado, y académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 2001. 

Obra de Isabel Baquedano en la Galería Guillermo de Osma. Madrid

¡Qué difícil es poner adjetivos a la personalidad y a la obra de una artista, como Isabel Baquedano, tan bien remetida en su mundo interior! ¡Tan discreta, tímida y ensimismada! Nacida en la localidad navarra de Mendavia en el fatídico año de 1936, Baquedano fue, por tanto, una “niña de la guerra y, desde luego, que creció en la empobrecida posguerra española. Años de tribulación y miseria, de total incertidumbre, los menos aptos para el florecimiento de una sensibilidad artística, y, menos, si quien la posee pertenece a un carácter introvertido. 

Despedida, 1976. Colección Mercedes Navarro Latorre

Así con todo, el arte hinca no pocas veces sus raíces en estos paisajes desolados, rebuscando los visajes brillantes escondidos en los páramos más yermos. En cualquier caso, definida su vocación, ya en plena década de 1950, Isabel Baquedano se trasladó a Madrid, donde se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, y, en 1957, ganó una plaza como profesora de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Pamplona, lo que le permitió sobrevivir materialmente e ir perfilando su personal estilo pictórico de orientación figurativa realista, pero con un sello personal de elegante sutileza, donde el adusto paisaje urbano se transfiguraba con delicados toques cromáticos. 

La expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal es un fresco realizado por el destacado artista del primer Renacimiento Masaccio en 1424-1425. El fresco se encuentra pintado sobre la pared de la Capilla Brancacci, en la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia, Italia. Representa una famosa escena en la Biblia, la expulsión del Paraíso que se narra en Génesis,  aunque con algunas diferencias en relación con el relato canónico.

Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai (Arezzo; 21 de diciembre de 1401 – Roma; otoño de 1428), más conocido como Masaccio, fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura. Generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.

Isabel Baquedano. Adán y Eva (c. 2007). Foto: Cortesía del Museo de Bellas Artes de Bilbao

27 obras de Isabel Baquedano donadas al Museo de Bilbao

En 1960, a los 24 de edad, presentó su primera exposición individual en Pamplona, mostrando a continuación, en esta y las siguientes décadas, su obra con cierta regularidad en diversas galerías y centros de exposiciones de Madrid, a través de lo cual obtuvo un cierto reconocimiento crítico, aunque quizás no el suficiente para la original calidad de su arte, por esa su tendencia a encerrarse discretamente en su mundo íntimo.

Isabel Baquedano posa junto a su mesa de trabajo en el año 1989. JAVIER SESMA (DIARIO DE NAVARRA) (Fallece a los 82 años)

Sea como sea, al margen de las circunstancias, Baquedano fue dando forma a su particular universo de manera constante, sintetizando cada vez más las formas y logrando dar una peculiar pátina sorda a sus colores aplanados de estirpe matissiana, un poco como retractivamente quedándose solo con lo esencial. Con ello su pintura se hizo etérea y muy espiritualizada, concordante con una temática en la que la realidad cotidiana se fue girando hacia asuntos clásicos en la representación de la intimidad femenina, como las Anunciaciones de la Virgen María, tratadas muy próxima a los maestros del siglo XV italiano. 

Obra de Isabel Baquedano en la Galería Guillermo de Osma. Madrid

En este sentido, Isabel Baquedano consiguió la reducción de lo simbólico a los momentos y gestos esenciales de la narración, mientras que formalmente destiló una composición apurada al extremo, las figuras silueteadas con una afilada trama, el aplanamiento cromático y la apurada atmósfera en luminosa sordina. Esta economía de medios estuvo siempre al servicio de intensificar al máximo el testimonio de lo que creía verdadero, una virtud tan moral como estética.

Obra de Isabel Baquedano en la Galería Guillermo de Osma. Madrid

Por último, hay que destacar el hecho de que Isabel Baquedano estuvo centrada en su obra hasta el momento mismo en que le sorprendió la muerte, hace unos días el año en que cumplía 82, y mientras preparaba una exposición para el Museo de Bellas Artes de Bilbao. 

Obra de Isabel Baquedano en la Galería Guillermo de Osma. Madrid

Su arte, embebido en el silencio, deja tras de sí una estela cantarina, como el eco de las notas musicales de un canto de maitines de un convento. Una resonancia purificadora que se queda indefinidamente fijada en el aire. Fue Baquedano un ejemplo de recogimiento.

Todos los hombres son iguales 1964

1965 - En paradero desconocido

Sin título 1968 Colección particular

Sin título 1974 Colección particular

(55) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - EN NUESTRO ENTORNO. ARTE VASCO-NAVARRO - JORGE OTEIZA - EDUARDO CHILLIDA - Agustín Ibarrola - El Equipo 57 - Grupo Danok 1966-1967 - Grupo Orain en Álava - “Equipo 63 - Benjamín Palencia - Grupo Pajarita - El Grupo Gaur - RICHARD MORTENSEN

(54) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - (2) AÑOS 80. DEMOCRACIA, CULTURA Y CIUDADANÍA - LA FERIA  ARCO Y EL MERCADO - Antonio López según Antonio López - La obra que escandalizó ARCO en 1983 vuelve para reclamar su influencia en el arte gay - Otras Ferias importantes: Art Basel (Basilea) - Frieze London - Zonamaco México - Art Paris, pincha aqui

(25) ¿QUE ESTÁ PASANDO? -  (2) JORGE OTEIZA - Chillida y Oteiza  y sus diferencias - EDUARDO CHILLIDA (sus obras) - Luis Martín-Santos Ribera - Luis Peña Ganchegui  - Chillida-Leku, PINCHA AQUI

(24) ¿QUE ESTÁ PASANDO? -  JORGE OTEIZA - Santuario de Nuestra Señora de Aránzazu - Museo Oteiza - El Fraile franciscano - Pablo Palazuelo de la Peña, pincha aqui

EN NUESTRO ENTORNO. ARTE VASCO-NAVARRO

1966 - Surgimiento de la Escuela Vasca (grupos Gaur, Emen, Orain, Danok) Escuela Vasca: Movimiento cultural organizado por Jorge Oteiza y Agustín Ibarrola para fomentar la realización de manifestaciones artísticas en la vida popular y para concienciar a la población de que el arte podría ser el instrumento para tornar conciencia de la cultura autóctona. El Movimiento de la Escuela Vasca se articularía en cuatro grupos: Gaur en Gipuzkoa, Emen en Bizkaia, Orain en Álava y Danok en Navarra, aunque este último no llegó a constituirse. En los años 60, la clase obrera comienza a organizarse en sindicatos y grupos políticos; los universitarios también se movilizan,... Esta radicalización social no dejará de influir en el desarrollo de la vida artística y cultural de esta década. Las ideas de asociacionismo y de colectivismo se manifiestan también entre los artistas vascos de los años sesenta, que se agrupan y se reúnen con ideales comunes. A pesar de que los grupos creados fracasaron debido a disparidades políticas y estéticas, los artistas consiguieron e impulsaron la renovación del arte vasco que rompió sus límites geográficos para extenderse e impregnarse de ideas nuevas. 

Así la llegada en 1948 de Jorge Oteiza de su exilio, empiezan a darse intentos renovadores en la plástica vasca, en 1951 Eduardo Chillida regresa de París, un año más tarde, en 1952, regresan del exilio Agustín Ibarrola y Néstor Basterrechea. 

Ese mismo año surge el Equipo o grupo de Aránzazu. En 1957 aparece el Equipo 57, formado por Agustín Ibarrola y otros pintores-escultores que trataban de cambiar la panorámica de las artes plásticas.

Agustín Ibarrola Goikoetxea (Bilbao, Vizcaya, 18 de agosto de 1930-Usánsolo, Vizcaya, 17 de noviembre de 2023) Nace  en el seno de una familia obrera. Muy pronto ingresa en la Escuela de Artes y Oficios de Bilbao y ya en 1948 celebra su primera exposición individual. A raíz de esta muestra en la capital vizcaína, se traslada a Madrid e ingresa en el taller de Daniel Vázquez Díaz. Desde muy joven se interesa por aunar la tradición pictórica vasca con las corrientes de vanguardia del Arte Contemporáneo.

A la izquierda, Agustín Ibarrola; a la derecha, el escultor Jorge Oteiza (1908-2003). Ambos pertenecieron al Equipo 57, un grupo de artistas españoles que se fundó en el café Rond Point de París y que recibieron en 1993 la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes.

Como miembro del Partido Comunista es detenido en 1962 y juzgado, por un tribunal militar, a nueve años de encarcelamiento. Dentro de la cárcel sigue pintando y dibujando aunque no puede firmar las obras ni exhibirlas en el exterior. Un año después Appel for Amnisty, organiza una exposición en Londres, París, Bélgica, Alemania e Italia con estas obras «ilegales».

1962 y 1963, representa una fila de presos

En 1965 es puesto en libertad y se embarca, junto a otros artistas vascos, en la creación de los grupos artísticos de la Escuela Vasca, Gaur, Emen, Orain y Danok. En 1967 es detenido nuevamente y encarcelado en Basauri (Bizkaia) hasta 1969. Participa en diversos eventos artísticos como los Encuentros de Arte de Pamplona de 1972 o la Bienal de Venecia de 1976. En Mayo de 1975 la extrema derecha incendia su caserío-estudio, situado en Gametxo (Ibarrangelua).

Bosque de Oma (Bizkaia), realizado entre 1982 y 1991. Esta obra sufrió varios atentados terroristas, los árboles fueron agredidos con hachas o pintadas. En el bosque, Ibarrola "juega" con la perspectiva, interrelaciona troncos muy lejanos unos de otros pero los une a través de sus dibujos. SANTOS CIRILO

Monumento a las víctimas del terrorismo en Ermua (Bizkaia). Ibarrola ha sufrido "dos dictaduras", la de Franco y la de ETA, las dos le restaron libertades. Fue uno de los fundadores de la plataforma ¡Basta Ya! y del Foro de Ermua, a raíz del asesinato de Miguel Ángel Blanco. LUIS ALBERTO GARCÍA

Alfredo Melgar, dueño del terreno donde se sitúan las aproximadamente 130 rocas pintadas por Ibarrola durante los veranos de los años 2005-2009. Melgar e Ibarrola se conocieron durante las manifestaciones de ¡Basta Ya!, un amigo común les puso en contacto y el artista decidió refugiarse en Ávila para salir del ambiente hostil que vivía en el País Vasco a causa de las amenazas de ETA y de los ataques a su obra.

JAIME VILLANUEVA

El artista se apoya en una de las esculturas de su jardín, lo que el denomina "su lugar de descanso" BERNARDO PÉREZ

Las traviesas de tren han marcado los caminos que llevan a tantos lugares por recorrer. Al artista le gustaría intervenir en todas esas poblaciones que han ido perdiendo sus habitantes para darles una vía de recuperación económica. Asegura que hay pobreza en algunos lugares de España en la que no tendía que haberla. BERNARDO PÉREZ

Fuente: El País - RUT DE LAS HERAS BRETÍN

GALERÍA:

Ibarrola-pintura-retratos-mar-10

Esfuerzo por dar entidad a la Pintura Social

Dentro de la ‘Pintura social’ puede decirse que el pintor vizcaíno Ibarrola representa uno de los esfuerzos más originales para darle una nueva expresión a esta corriente artística.

Pintura Social que retrata la deshumanización del entorno

El origen del Bilbao industrial

Para entender la obra de Agustín Ibarrola durante la época de la férrea industrialización, hay que retrotraerse al origen de la capital vizcaína.

La construcción de poblaciones enteras, incluida la de Bilbao, se había hecho en función de los barcos que llegaban hasta la ría, de las industrias metalúrgicas, del comercio que eso generaba y de la explotación de las minas.

Crearon unos núcleos de población alrededor de las fábricas, carentes de un gramo de planificación para el hábitat humano.

El Equipo 57 

Fue un grupo de artistas españoles, fundado en el café Rond Point de París, que estuvo activo entre 1957 y 1962.​ Formaban parte de él escultores, arquitectos y pintores.

Los artistas que inicialmente formaron el grupo en París, en mayo de 1957, fueron: los escultores Jorge Oteiza y Luis Aguilera y los pintores Ángel Duarte, José Duarte, Juan Serrano y Agustín Ibarrola.

RICHARD MORTENSEN - OPUS TAMARIS 1954, Serigrafía, 35,4 x 48,9 cm

Los pintores del Equipo 57 fueron influidos por el danés Richard Mortensen, además de por la pintura española clásica. Se apartaron del arte informal. Cultivaron un estilo abstracto geométrico.

Oteiza abandonó el grupo, al que se incorporaron posteriormente el arquitecto Juan Cuenca, Néstor Basterretxea y Francisco Aguilera Amate, así como el danés Thorkild Hansen.

Hacia 1962 es detenido Agustín Ibarrola y Ángel Duarte marcha a Suiza. El grupo se deshace.

El Grupo Gaur (hoy en euskera) lo constituyeron un grupo de artistas plásticos en Guipúzcoa (España)​.

El grupo nació con la intención de recuperar el diálogo y la relación con la vanguardia internacional y acabó convirtiéndose en punto de referencia a escala internacional de la actividad artística vasca del momento​.

Se inició con una exposición en la galería Barandiarán de San Sebastián en 1966. Los artistas que participaron fueron (por orden alfabético) Amable Arias, Néstor Basterrechea, Eduardo Chillida, Remigio Mendiburu, Jorge Oteiza, Rafael Ruiz Balerdi, José Antonio Sistiaga y José Luis Zumeta​.

Continuaría su actividad hasta 1969 con la celebración de varias exposiciones en pueblos guipuzcoanos y ciudades próximas. Sin embargo, debido en gran parte a discrepancias entre dos de sus componentes más influyentes, Eduardo Chillida y Jorge Oteiza, el grupo se disolvió.

Asociación Artística Vizcaína 

Bizkaia

Durante la primera mitad de los sesenta la Asociación Artística Vizcaína acapara casi todas las actividades artísticas  confiriéndoles un carácter rígido, tradicional y conservador. En 1962 surge el grupo Estampa Popular Vizcaína

En 1966 se constituye el grupo Emen que congregó a un elevado número de artistas de diferentes tendencias, de edades diferentes sin ningún nexo generacional: de acuerdo con el planteamiento inicial de la Escuela Vasca.

El Grupo Emen estaba formado por pintores y escultores de edades diferentes sin ningún nexo generacional.

Álava

A principios de los años 60, la escasa actividad artística en Álava se encontraba dominada por el paisajismo del grupo Pajarita.

Los componentes del Grupo Pajarita con Benjamín Palencia

Benjamín Palencia Pérez (Barrax, Albacete, 7 de julio de 1894-Madrid, 16 de enero de 1980) fue un pintor e ilustrador español, fundador de la Escuela de Vallecas. En el amplio conjunto de su obra sobresale la poética del paisaje castellano definida por la generación del 98.

Es uno de los principales artistas españoles del siglo XX y uno de los grandes artistas de la pintura española, pieza transformadora del paisajismo castellano y figura imprescindible del vanguardismo pictórico español del siglo XX. Su prolífica obra está formada por 600 pinturas y 10 000 dibujos.

Benjamín Palencia (1894-1980)  Serranillos

Autorretrato de Benjamín Palencia y 'Feria de ganado' (1977). Museo de Albacete

En 1963 los pintores Juan Abad, Joaquín Fraile y Víctor Ugarte, fundan en Vitoria el “Equipo 63”,  contando con una sola exposición, celebrada en la Sala Olaguíbel en diciembre de 1963. Entre los tres pintores había serias diferencias artísticas, ya que los pintores Juan Abad y Víctor Ugarte cultivaban el paisajismo tradicional, mientras que Joaquín Fraile estaba metido dentro del ámbito informalista. 

[Exposición “Pintura actual alavesa” en Caja de Ahorros Municipal de Vitoria en 1965] [Expediente de archivo] En esta muestra, se presentaron obras de varios artistas alaveses. Algunos de los participantes incluyeron a Abad-biota, Fraile, Lafuente, Mieg, Moraza y Vizcarra. 

En 1966, después de haberse creado Gaur en Gipuzkoa y Emen en Bizkaia, nace Orain en Álava. Los artistas de Orain se agruparon como representantes de los movimientos artísticos del arte contemporáneo internacional. Esta fue una de las causas del fracaso asociativo pues en la exposición inaugural del grupo, los artistas alaveses excluyeron a algunos artistas de Emen que no llegaban al nivel estético exigido. A pesar de las protestas y de la solidaridad de ciertos artistas con los excluidos, la exposición se llevó a cabo en el Museo de Vitoria.

Grupo Danok 1966-1967 Una modernidad incompleta

Este movimiento fue un intento, finalmente no culminado, de aglutinar en un grupo de vanguardia a los artistas del entorno navarro, a la manera de los grupos Gaur (Hoy) de Guipúzcoa, Emen (Aquí) de Bizkaia y Orain (Ahora) de Álava. En Navarra, este grupo llevaría el nombre de Danok (Todos). Este último grupo, Danok, fue casi inexistente, un intento que no fructificó y del que se conoce muy poco. La exposición es una revisión crítica de este grupo y de los artistas que pudieron formarlo, así como de las circunstancias que propiciaron aquella iniciativa asociada al proyecto de los grupos de arte de la Escuela Vasca, auspiciados fundamentalmente por Jorge Oteiza, en compañía de otros artistas de Guipúzcoa, Bizkaia y Álava.