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El informalismo,
Conocido como un arte sin forma, ha sido catalogado como el movimiento artístico final de todas las vanguardias de la historia, aunque este creció al mismo tiempo que el expresionismo abstracto. Dentro del informalismo se encuentran una gama de artistas y obras que se caracterizan por la utilización de la abstracción de manera radical.
Este movimiento artístico se desarrolló luego de la Segunda Guerra Mundial, en varios países del continente europeo y también en Japón. Los aires de esta corriente artística continuaron hasta la década de los años 70 e, incluso, los 80 en diferentes países como, por ejemplo, España. Pero, ¿tiene características particulares?, ¿por qué decimos que consolida la estética vanguardista del siglo XX?
¿Qué es el Informalismo?
Informal hace referencia a un arte sin forma, por lo que este fue un movimiento pintoresco que abarcó por completo las tendencias del arte abstracto y gestual que surgieron en Europa, particularmente en España, Italia y Francia. Los materiales cumplían un rol muy importante en las obras de este movimiento, el cual se desarrolló al mismo tiempo que el expresionismo abstracto estadounidense.
El informalismo tiene profundas marcas expresionistas y del arte abstracto. Sin embargo, no es justamente expresionismo abstracto, la gran diferencia entre estas dos corrientes artísticas radica en lo geográfico y en que las obras del informalismo son más poéticas, más íntimas, estéticas y discretas. Este no tuvo un impacto muy notorio en la historia del arte, ya que no era muy comercial.
Origen del Informalismo
El informalismo surgió en Francia en los años 50 después de la Segunda Guerra Mundial. El término «Informalismo» fue utilizado por primera vez por el artista Georges Mathieu en una de sus obras llamada Esbozo para una embriología de los signos esta pintura se publicó en el año 1950.
Sin embargo, el concepto de lo informal es atribuido al crítico de origen francés Michel Tapié quien lo usó para referirse a aquellas obras en que la visión de percepción de la materia sostenía un único significado. Además, explicó cuáles eran los conceptos básicos que definían el informalismo.
Este arte se volvió más popular en los años cincuenta en el país español, pues en ese tiempo estaban naciendo nuevos artistas, los cuales tenían una forma de expresión que rayaba en el informalismo y en el arte abstracto estadounidense. Para la década de los 70 y 80, esta corriente artística estaba desapareciendo, sin embargo, en países como España aún se mantenía en auge.
ESTAMPA POPULAR
REALISMOS Y CRÍTICA POLÍTICA
Esta (relativa) expansión del negocio galerístico en España coincide con la crisis de la estética informalista. En 1962 James Rosenquist, Roy Lichtenstein y Andy Warhol realizan sus primeras exposiciones individuales en Nueva York, confirmando la primacía del pop en la escena internacional. En otoño de ese mismo año el galerista neoyorquino Sidney Janis inaugura la muestra «International Exhibition of the New Realists», en la que establece una conexión entre el pop norteamericano y los llamados «nuevos realistas» franceses. Aunque existían, sin duda, diferencias importantes entre la obra de unos y otros, norteamericanos y europeos compartían un claro rechazo de la abstracción gestual y, en particular, del mito del genio creador, exaltado hasta la saciedad por los defensores del informalismo. En España, la crítica a la pintura informalista adoptó en ocasiones un tono incluso más beligerante, ya que esta era percibida por algunos como un lenguaje próximo al poder.
El propio Antonio Saura, representante destacado de El Paso, escribe en 1961 una «Carta abierta» en la que critica la evolución de la corriente informalista:
Toda una parte del Art Action ha caído en una expresividad física tan desnuda como elemental, rozando lo atlético y lo deportivo. Hemos visto cómo pintores importantes se han convertido en fabricantes en serie de un tic nervioso, de una firma gratuita, incontrolada, inofensiva y decorativa.
CRISIS DE LA ESTÉTICA INFORMALISTA
El pop art, conocido en español como arte pop, es un movimiento plástico que tuvo su origen en la década de 1950. Nació entre Gran Bretaña y Estados Unidos, pero fue este último el país que se convirtió en el abanderado del movimiento. Sin embargo, el arte pop generó una onda expansiva en todo el mundo, tanto en Europa como en América Latina, Asia y Oceanía.
El arte pop se contextualiza en el pleno proceso de conformación de la sociedad de consumo, cuyo impulso definitivo tuvo lugar tras la segunda guerra mundial y la llegada de la televisión, la nueva invasora de los hogares.
Este estilo artístico nació como un intento de hacer un arte que tomara en cuenta el universo de símbolos y temas de interés masivo, es decir, los símbolos "populares" a los cuales la élite cultural parecía dar la espalda y negar su movilizadora penetración en el imaginario colectivo.
El pop art comprendía que incluso los objetos de la cultura de masas podían contener elementos de belleza, y no solamente las venus y madonas de la Antigüedad. Claro que esto no dejará de ser también una provocación para el entorno intelectual, aspecto que los artistas pop aprovechan muy bien a su favor.
ESTAMPA POPULAR
Un primer síntoma del protagonismo creciente del realismo lo encontramos en la fundación, a finales de los cincuenta, del colectivo de grabadores antifranquistas Estampa Popular.
José García Ortega (n. Arroba de los Montes, Ciudad Real; 1921 - f. París; 1990), conocido como José Ortega, Pepe Ortega o Pintor Ortega, fue un importante pintor y grabador, representante del Realismo social de la posguerra española y uno de los miembros más importantes del grupo Estampa Popular, del cual es fundador.1
Su ideología y actividad política -era militante del entonces ilegalizado Partido Comunista de España- le llevó a la cárcel y al exilio. En Francia siguió alternando el activismo político con la pintura y el grabado, siendo amigo de Picasso y Santiago Carrillo entre otros. También se destacó como ilustrador, entre sus realizaciones merece ser recordada "Simón Bolívar", monumental edición de Arte publicada en 1980 por la TREC de Roma. Residía entre Italia y Francia y con la llegada de la Democracia volvió a España, presentándose como candidato del PCE por la provincia de Ciudad Real.
José García Ortega: «un arte realista, que no es un reflejo pasivo de la realidad, ni una evasión ante ella, sino una realidad interpretada, enjuiciada por el artista y proyectada hacia una mejor comprensión de la vida y del hombre como ser social».
Dos años después, García Ortega, junto a un grupo de artistas jóvenes y comprometidos, Ricardo Zamorano, Dimitri Papaguerorguiu, Luis Garrido, Antonio Valdivieso, Javier Calvo, Pascual Palacios Tárdez, Manuel Ortiz Valiente y Antonio Zarco, funda el primer grupo de Estampa Popular en Madrid. El grabado parecía una técnica idónea porque permitía la reproducción de imágenes a bajo coste y sobre todo, hacía posible el trabajo en la clandestinidad, evitando el filtro de una censura a la que no habrían podido escapar de haberse centrado en otras esferas de la cultura popular como la ilustración de revistas, el cine o la televisión.
Uno de los aspectos más interesantes de Estampa Popular fue su estructura descentralizada. En efecto, al núcleo de Madrid se añadieron pronto otras agrupaciones en distintos lugares de España, que trabajaron de forma autónoma: en 1960 surgió el Grupo Sevilla, más tarde rebautizado como Estampa Popular de Sevilla; al año siguiente se formó el grupo cordobés a partir de la unión de antiguos miembros del Equipo Córdoba y del Equipo 57; otro integrante del Equipo 57, Agustín Ibarrola, participó ese mismo año en la creación de Estampa Popular de Vizcaya; en 1964 se sumaron Estampa Popular Valenciana y Estampa Popular de Cataluña y en el año 68 nació la última de las agrupaciones, Estampa Popular Galega.
Se entiende así que en la iconografía de Estampa Popular abunden las escenas de corte simbólico, en las que la denuncia de la dictadura se disfraza bajo el ropaje protector de la metáfora o la reflexión abstracta: madres dolientes que protegen a sus hijos; imágenes de presos encadenados; militares que hacen brillar sus espuelas y condecoraciones; campesinos de rostros ajados por la pobreza; mujeres que lloran sobre el cuerpo de sus muertos... Un ejemplo lo hallamos en la litografía de Francisco Álvarez Manifestación, de 1962.
Lo Informal es amoral por su
propia naturaleza
Josep Guinovart i Bertran (Barcelona, 20 de marzo de 1927-12 de diciembre de 2007) fue un pintor, dibujante y grabador español.Tras realizar sus estudios en la escuela de la Lonja y en el Fomento de Artes Decorativas de Barcelona, ganó una beca en el año 1953 del Instituto Francés para realizar un viaje a París de cinco meses.A su vuelta a Barcelona y después de una temporada trabajando en ilustraciones y decorados escenográficos, hacia el año 1957 inició una decantación hacia el arte abstracto, su obra poco convencional, utiliza elementos tridimensionales casi constantemente en sus obras, la mayoría también de gran formato.
A su vuelta de París, colabora con arquitectos y también trabaja en ilustraciones y decorados escenográficos. En 1957 y 1958 participa en algunas exposiciones colectivas, entre las cuales, destacan la Bienal de Sao Paulo de 1957 y la de Venecia de 1958. Entre 1957 y 1958 llega a la abstracción absoluta con elementos tridimensionales en sus obras y otra característica que siempre aparece es la desintegración formal a través de la descomposición de la figura.A partir de 1958 aunque todavía mantiene una cierta estructura, empieza a interesarse en el informalismo utilizando textura gruesa, sobre todo, madera quemada.
La necesidad de denuncia social le lleva a participar en el movimiento Estampa Popular, y a dedicar homenajes a aquellos personajes que se han convertido en símbolos vivos de la lucha por la libertad, como Picasso o Che Guevara. Creando bastante cantidad de obras de denuncia relevando los problemas sociales en esa época, sobre todo, bajo la influencia del Guernica.
CARTELERA TURIA
Verónica Luján, la "hippy" que se anticipó al destape - pasó un mes en la cárcel de Carabanchel y otro en un manicomio.
Pinta al óleo temáticas que retrataban el mundo obrero, de trabajo, el de los hogares y también el de la familia. Colaboró en actividades antifranquistas junto a su marido Gonzalo e, imbuida de una profunda conciencia social, decidió realizar, junto a Ismael Fidalgo y Agustín Ibarrola, exposiciones itinerantes por los pueblos de Vizcaya, con el objetivo de acercar el arte al pueblo.
Poco después creó, junto a Agustín Ibarrola y Dionisio Blanco, Estampa Popular de Vizcaya. Aquí, a través del grabado, creó obras de gran dureza temática, impactantes, políticamente comprometidas y con una alta carga social. Obreros, mineros, pescadores, mujeres trabajadoras
Pero su acentuada lucha antifranquista la llevó en 1962 a la cárcel al igual que a su marido, tan comprometido como ella, y a otros artistas e intelectuales de la época. Estuvo encarcelada dos años, época que relató en su libro ¡Sr. Juez!. Apoyó a las personas que luchaban contra Franco y que querían destacar en el arte.
Era la época de final de los 60, cuando nació la Revista el Abra, con la que mantuvo buena relación sobre todo con algunos de sus miembros.
En 1971 en una entrevista que publicó la revista, se sinceraba con Marrodán, explicándole su situación:
Pinto poco porque soy mujer y las mujeres llevamos dos alienaciones: si permanecemos solteras, nadie te exime de los trabajos “propios de la mujer” y no te sirve de nada decir que tratas de lograr tu profesión. No toman en serio la pintura y hoy lo justifico: el arte sigue siendo un lujo en nuestro país. He matrimoniado y la responsabilidad de un hogar y dos hijos varones con unos valores insoslayables tiran de mi contra mi vocación y mis enormes propósitos. Llevo una temporada haciendo retratos y bajorrelieves en madera, trabajo fuerte que nuestro pueblo entiende mejor que el lirismo pictórico.
LOS SUCESORES
Equipo Crónica, de cuando el pop-art se convirtió en protesta
Fue un grupo artístico fundado en 1964 por tres pintores valencianos, a partir de las propuestas del historiador Tomás Llorens Serra. Sus integrantes fueron Manolo Valdés (1942), Rafael Solbes (1940-1981) y Juan Antonio Toledo (1940-1995) si bien este último se desligó pronto del grupo. Conjuntamente firmaron un manifiesto redactado por el crítico Vicente Aguilera Cerni en el que se expone la filosofía del colectivo.
La producción del Equipo Crónica se enmarca entre el último periodo del franquismo y el inicio de la transición a la democracia.
Equipo Crónica se apartó del arte informal para cultivar una pintura figurativa dentro de la tendencia Pop art. Sus obras son auténticos reportajes o crónicas de denuncia sobre la situación política de España y la historia del arte del momento. Se inspiró en obras clásicas como el Guernica de Picasso o Las meninas de Velázquez.
El objetivo de Equipo Crónica fue el de transmitir un mensaje crítico y social de carácter antifranquista y contra el individualismo imperante. Para ello, con la intención de facilitar la lectura, utilizaron un estilo figurativo directo y claro. Su temática se centra en los acontecimientos políticos y sociales de su época, constantemente cuestionada a través de una forma de activismo político que se mantiene patente hasta el final del régimen franquista. La selección de temas quedaba justificada por la elección de imágenes de fotografías de prensa, cómics o semanarios gráficos sobre los acontecimientos de actualidad del momento.
Algunas de sus series más emblemáticas son la dedicada al Guernica o la contundencia de su «Serie negra».
«Guernica 69» es una brillante distopía pictórica de la España franquista de 1969. Una serie concebida como un falso relato de la vuelta del Guernica de Picasso dictada por el régimen, que incluye las escenas de su instalación en un museo, la visita de la autoridades… En «Serie negra», su pintura da un giro de lo político al propio proceso pictórico. Los elementos más significativos del cine negro norteamericano se mezclan en esta serie, con escenas de violencia donde la referencia al oficio de pintar es constante.
Son maestros del collage, la distorsión, la ironía…
Los elementos dispares en origen y tiempo que pueblan sus cuadros, ese corta-y-pega que pareciera aleatorio, adquiere un nuevo significado en la recuperación, al ser agrupados de nuevo en el mismo encuadre. La mirada es irónica, humorística… Las imágenes a veces, se deforman como esas aplicaciones fotográficas que nos distorsionan. La producción de Equipo Crónica provoca la sonrisa, el juego de complicidades, e ingenio: descubrir el porqué de la asociación mostrada.
Homenajean a la pintura dentro de la pintura.
Sorolla, Picasso, Kandinsky, Lissitzky, Lichtenstein, Fernand Léger, Cézanne… Muchos son los pintores que aparecen de alguna forma en sus cuadros, en ocasiones directamente a través de sus obras, otras, ampliando su discurso pictórico mediante un emulado trazo.
Un juego de espejos para reflejar la historia de la pintura y sus grandes maestros que adquiere con los años una belleza y elegancia absolutas. En contraposición Goya, Velázquez (con una obsesión evidente por «Las meninas»), El Greco… y sus iconos reconocibles servirán para criticar las viejas estructuras políticas y sociales de la realidad. La cultura española clásica ejemplifica la rémora para que el país avance.
La antesala, 1968. Colección Fundación Juan March. Museo Fundación Juan March
Autopsia de un oficio: 1970-1971
El título de esta serie parte de una premisa, la muerte del arte, y se sirve de imágenes tomadas de la obra de Velázquez. El humor y la ironía está presente en todas las obras, sobre todo a través de los títulos –«El sublime arte de la creación», «Érase una vez una niña roja y gualda»– y de la presencia de los artistas, el propio Solbes y Valdés, ridiculizados al presentarse con el torso desnudo y en bañador.
Pertenece a un conjunto de cien figuras diferentes que representan a miembros de la policía secreta que fueron colocados entre el público del Frontón Labrit durante los Encuentros de Pamplona 1972 - Equipo Crónica - Espectador de espectadores
Manolo Valdés (Valencia, 8 de marzo de 1942), es un pintor y escultor español residente en Nueva York. Fue el introductor en España de una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía.
Uno de las piezas que compone el conjunto escultórico Asturcones, en Oviedo.
Además de los trabajos expuestos como parte del Equipo Crónica, Valdés realizó, entre los años 1965 y 1981, más de 70 exposiciones, tanto individuales como colectivas. Como escultor, es autor de La Dama del Manzanares (2003), obra de 13 metros de altura situada en el Parque Lineal del Manzanares (Madrid). En el año 2005 llevó a cabo el conjunto escultórico Asturcones, para la ciudad de Oviedo.Rafael Solbes (Valencia, 1940 - Valencia, 10 de noviembre de 1981) fue un pintor y artista español miembro del Equipo Crónica.En 1964 Manolo Valdés y Rafael Solbes participaron en la exposición España libre realizada en Rímini, en la que expusieron junto con numerosos artistas contemporáneos, entre ellos los españoles Eduardo Arroyo, Rafael Canogar, Antoni Clavé, Antonio Saura y Antoni Tàpies. A raíz de esta exposición, nació la idea de crear un proyecto artístico alternativo. Junto con Tomás Llorens, Rafael Solbes y Manuel Valdés llevaron a cabo conversaciones entre artistas como Juan Antonio Toledo, Ana Peters, Carlos Mensa, Martí Quinto o Ramón Montesa. La iniciativa tomó dos caminos, que se consolidaron con la creación de dos grupos: Estampa Popular y un grupo en el que sus integrantes compartían una misma tendencia artística, que posteriormente pasaría a llamarse Equipo Crónica.Tomás Llorens Serra (Almazora, Castellón, 4 de octubre de 1936 - Denia, Alicante, 10 de junio de 2021) fue un historiador del arte, crítico de arte y museólogo español.Licenciado en Derecho y en Filosofía y Letras, fue el primer director del Instituto Valenciano de Arte Moderno (1986-1988), director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1988-1990) y conservador-jefe de la colección Thyssen-Bornemisza, (1991-2005).Autor de numerosos artículos y ensayos sobre la crítica de arte, Historia del arte del siglo XX, arquitectura o semiótica, comisarió algunas de las mejores exposiciones que se han podido ver en España en los siglos XX y XXI.
Fue un grupo de artistas plásticos formado por Joan Cardells (Valencia, 1948-2019) y Jorge Ballester (Valencia, 1941-2014). Empezó su andadura en 1966 y se mantuvo activo hasta 1976, tras el inicio de la Transición española. Formaron parte de la corriente valenciana Crónica de la Realidad, un movimiento de figuración crítica y de estética pop que se desarrolló en los años sesenta, y que tuvo en el crítico de arte Vicente Aguilera Cerni su teórico.
Su primera etapa se encuentra cercana a los presupuestos de la corriente "Crónica de la realidad", en la que también se encuadró el Equipo Crónica.
El grupo surgió en la Escuela de Bellas Artes de Valencia.
Tras unos años de transición en que hacen dos viajes a París, trabajan durante un año en Italia y replantean los objetivos de su producción, Equipo Realidad inicia una segunda etapa a partir de 1972. A partir de ese momento crean grandes series de óleos sobre lienzo reutilizando fotografías o cuadros ya existentes,16 que recurren a procedimientos de distorsión y manipulación de la imagen para subrayar su carácter fabricado y artificioso. Buscan hacer visible su condición de "imágenes de imágenes", y afirman que lo que les interesa “no es la realidad, sino su imagen”.
En obras como la serie Hogar, dulce hogar (1972) utilizan estos mecanismos para cuestionar la domesticidad burguesa que se vendía como un nuevo ideal aspiracional, resignificando imágenes de catálogos y revistas de decoración.1819 Otras series de este periodo son Del antiguo y ropajes (1972), Retrato del retrato de un retrato de... (1972) y Cuadros de historia (1973-1975). El uso de la sátira en estas piezas se aborda de forma más estratégica y sutil, evitando un uso más indiscriminado de la misma.
En esta época comienzan a trabajar con la Galería Punto de Valencia, lo que les permitió conseguir cierta estabilidad económica. No obstante la relación del grupo con las galerías y los circuitos comerciales fue un objeto constante de debate interno durante su trayectoria.
En 1976 Joan Cardells abandonó Equipo Realidad. Jorge Ballester continuó trabajando bajo el nombre del grupo, y durante un año colaboró con el fotógrafo Enrique Carrazoni. En 1978 dejó de añadir “Equipo Realidad” a su firma de forma definitiva.
La pintura del Equipo Realidad plantea una reflexión acerca del estatuto de las imágenes visuales en la sociedad moderna de masas. Tras unos comienzos de sensibilidad común, un rasgo distintivo diferencia a ambos equipos: mientras el Equipo Crónica atienden la imagen pictórica (la imagen inscrita en la Historia del Arte), el Equipo Realidad centran su foco de atención sobre la imagen fotográfica de la realidad cotidiana (el hogar, el ropaje, el retrato…) difundida o perpetuada por los medios de comunicación de masas. Su divisa es: “Lo que nos interesa no es la realidad, sino su imagen”. Su pintura incide, con acento crítico y aguzada ironía, en la propuesta del “modelo de comportamiento oficial” de la sociedad vigente hasta el fin de la dictadura y el advenimiento de la democracia en España.
Recepción oficial. Don Juan Carlos y el representante de los excombatientes y extrema derecha Girón de Velasco dándose la mano. El rostro del futuro Rey está sólo dibujado, no tiene todavía color ni expresión.
José Antonio Girón de Velasco (Herrera de Pisuerga, 28 de agosto de 1911-Fuengirola, 22 de agosto de 1995) fue un político español conocido por su papel durante la dictadura de Franco. Llegó a desempeñar la cartera ministerial de Trabajo entre 1941 y 1957.
Reconocimiento del cadaver de Calvo Sotelo por el juez de guardia y el medico forense en el cementerio de la Almudena de Madrid en julio de 1936.
Entre uno y otro cuadro, numerosas pinturas pertenecientes a diversas series del catálogo de los Realidad. Pero me interesa subrayar el impacto visual que siguen produciendo los dos cuadros dedicados a la inspección del cadáver de Calvo Sotelo por el juez y el forense. La misma composición la pintaron dos veces, idénticas en casi todo, excepto en la situación del cadáver. La primera reproduce la foto de la enciclopedia, la segunda eleva el cadáver a la parte superior dispuesto a caer como una losa sobre los personajes del cuadro y la sociedad que representan. Anverso y reverso de nuestra historia contada en imágenes.
El reportatge. Exposició Equipo Realidad, pincha aqui
- Realizaron ocho cuadros que se exponen hoy en el Museo Reina Sofía como parte de su colección permanente.
- En ella puede verse una narración, casi, de cómic a través de ocho escenas.
- Hay tres imágenes que pertenecen a obras del propio Marcel Duchamp, dentro de la secuencia de Vivir y dejar morir o el fin trágico de Marcel Duchamp.
- Desnudo bajando la escalera, La fuente y El gran vidrio, son recreaciones de las obras de Duchamp.
«Vivir y dejar morir o el fin trágico de Marcel Duchamp» se considera un verdadero manifiesto y declaración de las intenciones pictóricas de sus autores. En ella se reivindica la acción de la autoría colectiva, frente al individualismo de una abstracción convertida en tendencia dominante. Quieren representar una alternativa figurativa mediante la cual expresar su rechazo a los paradigmas de la vanguardia histórica, convertidos ya en lenguajes canónicos.
El cuadro se inscribe dentro de una corriente pictórica que se desarrolla en Francia en los 60 llamada «figuración narrativa». Se trata de un estilo pictórico y un movimiento artístico que surgió en oposición a la abstracción y al Nuevo realismo. Se relaciona con la nueva figuración o con el pop art.
“La falta de respeto que muestro a veces por la pintura prueba, lo contrario, mi amor por la pintura”, dijo Arroyo en una entrevista una tarde de noviembre de 2007. En el respeto de las tradiciones refleja cómo el artista ha desmitificado la historia del arte y se ha apoderado de la propiedad plástica privada para otorgarse el derecho de pintar a la antigua y de ejercer una pintura bien pensada. Tal vez de niño, en sus excursiones al Prado con su abuelo, vio el aforismo de Eugenio D’Ors tallado en la fachada norte del Casón del Buen Retiro: “todo lo que no es tradición es plagio”, una ida que ha repetido hasta la saciedad.
Eugenio d'Ors Rovira (Barcelona, 28 de septiembre de 1881-Villanueva y Geltrú, 25 de septiembre de 1954) fue un escritor, ensayista, jurista, periodista, dibujante, filósofo y crítico de arte español. Escribió tanto en castellano como en catalán.
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