XXXIV - Tiziano - Alfonso I de Este - Giovanni Bellini - El Camerino d’Alabastro - Lotis - Príapo - La Ofrenda a Venus - Bacanal

XXXIII - Monarquía Hispánica - Tiziano - Las Furias y los condenados - Ixión : Néfele - Prometeo (el que piensa antes), pincha aqui

XIII - Las metamorfosis - Ovidio - La Ilíada, Canto XV - Federico II Gonzaga - Correggio - Leda y el cisne - Dánae - El rapto de Ganímedes - Giovanna Piacenza (Abadesa de San Paolo, Parma), pincha aqui

Flora es una pintura al óleo de Tiziano, pintor italiano de la escuela veneciana, fechada en 1515 y actualmente conservada en la Galería Uffizi de Florencia.

La obra fue reproducida en numerosos grabados en el siglo XVI. Más tarde, pasaría por varias manos en Bruselas y Viena.

Flora (1515), sirve como representación del ideal de belleza renacentista (Galería Uffizi).

Representa a una bella mujer idealizada, modelo establecido en la escuela veneciana del maestro de Tiziano, Giorgione con su Laura. Su mano izquierda sostiene un abrigo rosa, mientras que la otra sostiene un puñado de flores y hojas.

Orfeo era hijo de Eagro, rey de Tracia, y de la musa Caliope. Apolo le regaló una lira, haciéndose famoso por sus melodías con las que conseguía enternecer hasta las fieras. Enamorado de Eurídice, los jóvenes se desposaron pero la dicha fue breve ya que una serpiente mordió a la bella muchacha provocándole la muerte. Orfeo no lo dudó y bajó al Hades para recuperar a su esposa, encantando con su música a Plutón y Proserpina. Los dioses de los Infiernos le devolvieron a su esposa, imponiéndoles una condición: no mirar hacia atrás antes de llegar al mundo de los vivos. Sin embargo, Orfeo dirigió su mirada hacia atrás cuando Eurídice todavía no había salido de la caverna que conducía a los infiernos, por lo que la bella esposa volvió de nuevo al mundo de los muertos.Esta triste historia de amor tomada de la "Metamorfosis" de Ovidio es la que interpreta Tiziano en este "cassone", un panel de madera empleado como frente decorativo de un arcón. Debido al tema podría tratarse de un regalo nupcial. El maestro sigue el esquema aprendido de Giorgione al insertar las figuras en la naturaleza, pero también manifiesta dependencias del arte del norte de Europa al presentar la naturaleza de manera real. La tabla muestra dos escenas: en primer plano el momento en que Eurídice es mordida por la serpiente -con la ciudad de Venecia al fondo- y en segundo plano el gesto del desdichado Orfeo al perder a su esposa por segunda vez, empleando como fondo una ciudad en llamas en alusión al reino del Hades del que Orfeo intentó en dos ocasiones sacar a la bella Eurídice con tan tristes resultados.

Tiziano Vecellio di Gregorio, conocido tradicionalmente en español como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, Véneto, hacia 1488/1490-Venecia, 27 de agosto de 1576), fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.

Reconocido por sus contemporáneos como «el sol entre las estrellas», en homenaje a la línea final del Paraíso de La Divina Comedia de Dante Alighieri,​ Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.

En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.

Alfonso I de Este (Ferrara, 21 de julio de 1476 – ibídem, 31 de octubre de 1534) fue un noble italiano, duque de Ferrara, de Módena y de Reggio, que intervino en las Guerras Italianas firmando la Liga de Cambrai.

La Liga de Cambrai fue una alianza militar contra la República de Venecia, organizada en los dos tratados firmados en la ciudad francesa de Cambrai el 10 de diciembre de 1508. La liga de Cambrai fue una de las importantes alianzas insertas en las guerras italianas. El papa Julio II quería intentar por la fuerza mermar la influencia de Venecia en el norte de Italia y para ello ideó una alianza entre las principales potencias europeas. La Liga se constituyó entre Luis XII de Francia, el papa Julio II, el emperador Maximiliano I de Austria y Fernando II de Aragón. Venecia se vería despojada de todos sus territorios en tierra firme. El acuerdo preveía el completo desmembramiento de los territorios venecianos en la península itálica y su reparto entre los aliados.

Hijo de Hércules I de Este y de Leonor de Aragón, sucedió a su padre como duque de Ferrara, de Módena y de Reggio en 1505. Al año siguiente ordenó ejecutar a sus hermanos Fernando y Julio por haber conspirado contra él. 

Para la Cámara de Alabastro del castillo de Ferrara encargó Alfonso d´Este una serie de cuadros de temática mitológica a Giovanni Bellini, Rafael, Fra Bartolomeo y Tiziano. Bellini entregó en 1514 su cuadro, siendo éste el primero en formar parte de la decoración de la Cámara. Según las radiografías, Tiziano retocó el paisaje dispuesto por su maestro, ocupando todo el fondo de la tela. Este paisaje comprende la masa de árboles del fondo y un alineamiento arbóreo en la derecha. Así, las figuras se integran de manera más acertada en el paisaje aunque la obra no goza de la organización ni el estilo que presentan las "Bacanales" pintadas por Tiziano: la Ofrenda a Venus, la Bacanal y Baco y Ariadna. El repinte tuvo que realizarse hacia 1529, durante una estancia del maestro en Ferrara. 

El festín de los dioses, es una de las últimas obras del pintor renacentista Italiano Giovanni Bellini. Se conserva en la Galería Nacional de Arte, Washington D. C. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 170 cm de alto y 188 cm de ancho.

Giovanni Bellini (h. 1430 – 1516) fue extraordinariamente famoso en su tiempo por sus obras de carácter religioso que decoraban las mejores iglesias de su Venecia natal.

El artista comenzó trabajando en el taller familiar de su padre, Jacopo Bellini. Allí aprendería junto a su hermano, Gentile, todas las técnicas del oficio. 

Todo ello sin duda Giovanni lo aprendió con destreza, y en especial el asunto de los colores, algo muy característico de toda la pintura veneciana.

Todo ello se nos muestra en todo su esplendor en esta obra que ya realizó en sus últimos años de vida, en 1514.

En él vemos un grupo numeroso de personajes bañados por una intensa luz, que todavía destaca más sobre el fondo oscuro que supone el bosque donde se ambienta la escena. Son todos seres mitológicos en pleno festejo dominado por el dios del vino: Baco. Es una escena inspirada en la obra poética Fastos de Ovidio. Allí están todos los episodios que nos relata como que la ninfa Lotis esté durmiendo borracha, y como el dios de la virilidad Príapo le intenta levantar la falda. También andan un poco bebidos Júpiter, Mercurio estirado sobre un tonel o Poseidón cortejando a deidades tan terrestres como Cibeles o Ceres.

Detalle de El festín de los dioses (Festino degli dei, ca. 1514): Príapo y Lotis

Pero más allá de lo que narra, lo interesante es el color de Bellini, que sin duda conocía y admiraba a Giorgione, y que a su vez será todo un referente para Tiziano. De hecho se dice que Tiziano, después de 1516, año de la muerte de Bellini, modificó ligeramente el paisaje de esta tela, ya que debía acompañar a sus cuadros de la Banacal y la Ofrenda a Venus en una de las estancias que poseía el duque de Ferrara.

El Castillo de los Este es el principal monumento de Ferrara. Es un edificio de ladrillo de planta cuadrada dotado de cuatro torres defensivas y rodeado por un foso de agua, que está situado en el centro de la ciudad. Durante los siglos xv y xvi albergó una extraordinaria colección de pinturas, que luego se dispersó.

Ferrara es un municipio italiano de la región de Emilia-Romaña, capital de la provincia homónima. Con una población de 135 369 habitantes (2010), está situada sobre el río Po de Volano. La ciudad tiene una estructura urbanística que se remonta al siglo xiv, cuando era gobernada por la familia de los Este. El diseño realizado por Biagio Rossetti la convirtió en la primera ciudad moderna de Europa. De este hecho histórico, además de la conservación del estilo y materiales arquitectónicos en la zona del centro histórico, deriva en gran parte su reconocimiento como Patrimonio Mundial de la Humanidad en 1995 (al centro histórico de Ferrara), ampliado en 1999 al delta del Po. 

El Camerino d’Alabastro era una habitación construida en la Via Coperta en Ferrara, al norte de Italia, que une el Castello Estense al Palacio Ducal.

Destinada a contener obras de temática clásica, formó el studiolo de Alfonso I de Este, duque de Ferrara. En él se encontraban varias pinturas de Tiziano (La bacanal de los andrios, Ofrenda a Venus, Baco y Ariadna) Giovanni Bellini (El festín de los dioses) y Dosso Dossi (Triunfo de Baco en India y diez lienzos formando un friso, ahora dispersos en varios museos y colecciones).
El camerino fue desmontado y sus obras dispersadas en 1598, cuando la familia D'Este entregó el territorio de Ferrara al papado.

En la mitología griega, Lotis es una náyade.

Es citada brevemente dos veces por Ovidio, que no especifica su ascendencia. En Las metamorfosis, refiere de pasada su historia: perseguida por Príapo, fue transformada en árbol de loto para escapar de él. Sin embargo, en los Fastos da Ovidio una versión más completa, según la cual el asno de Sileno se puso a rebuznar cuando Príapo se acercó a la adormilada náyade; asustada, esta huyó dando grandes gritos, y despertó así a los demás dioses, que se burlaron de Príapo.

La historia de Príapo y Lotis representada en un grabado de Giovanni Battista Palumba (ca. 1510).

Fraco de Príapo pesando su miembro en una balanza contra la ganancia obtenida de los campos (casa de los Vettii, Pompeya).

En la mitología griega, Príapo es un dios menor rústico de la fertilidad, tanto de la vegetación como de todos los animales relacionados con la vida agrícola. Era adorado como protector de los rebaños de cabras y ovejas, de las abejas, del vino, de los productos de la huerta e incluso de la pesca.

Príapo suele ser considerado hijo de Dioniso y Afrodita. Se dice que esta había cedido a los abrazos de Dioniso, pero durante la expedición de este a la India le fue infiel y vivió con Adonis (quien sería su padre según un escolio Sobre Licofrón señalado por Kerényi 1951). A la vuelta de Dioniso Afrodita volvió a su lado, pero pronto le abandonó de nuevo y marchó a Lámpsaco para dar a luz al hijo del dios. Hera, decepcionada por la conducta de Afrodita, la tocó y su poder mágico hizo que alumbrase un hijo extremadamente feo y con unos genitales inusualmente grandes.  

Madurez 1516 - 1530 

Su tema es mitológico: el antiguo rito romano de culto a Venus que tenía lugar el primer día de abril de cada año, cuando las mujeres hacían ofrendas a la diosa para limpiar "toda mancha de su cuerpo".

La Ofrenda a Venus es una obra de Tiziano pintada entre 1518 y 1520 (óleo sobre lienzo, 172 × 175 cm) conservada actualmente en el Museo del Prado. Procede de un conjunto pictórico que decoró el Castillo de los Este en Ferrara, al que también pertenecían La bacanal de los andrios (Prado) y Baco y Ariadna (National Gallery de Londres). Los tres cuadros alcanzaron fama internacional por su influencia sobre Rubens, Van Dyck, Francesco Albani...y porque fueron difundidos en grabado por Giovanni Andrea Podestà.

Debemos señalar que Tiziano recibió el encargo de la decoración del Camerino tras el fallecimiento en el año 1517 del pintor Fra Bartolomeo; éste era quien había recibido el primer encargo de realizar la obra de La Ofrenda a Venus y cuando Tiziano recibió el encargo un año después no sólo hubo de seguir los dictámenes de la narración de Filóstrato sino que también contaba con un dibujo preparatorio que Fra Bartolomeo había realizado de la composición.

Fray Bartolomeo (di Pagholo) (Savignano di Prato, Toscana; 28 de marzo de 1472-Florencia, 31 de octubre de 1517) es considerado uno de los grandes pintores del Renacimiento en Florencia. Su nombre original era Baccio della Porta, tomando el nombre de Fray Bartolomeo en el año 1500 cuando ingresó en la orden Dominicana.

Tiziano se basó más en las Imágenes que en el dibujo de Bartolomeo de modo que representó la ofrenda a la diosa Venus en un espacio natural y abierto. En la esquina inferior izquierda aparecen dos ninfas que se sitúan al lado de una estatua de la diosa aunque algunos autores apuntan a que más que ninfas se trate de dos prostitutas que se acercan a la celebración para honrar a la diosa del amor, la cual está representada por una estatua de mármol.

Con todo, los verdaderos protagonistas del lienzo son los numerosos angelitos –también conocidos como cupidos o puttis- que pueblan la pradera. Hay una gran multitud de ellos y cada uno con una actitud o postura diferente, así mientras unos se besan amorosamente, otros comen o se tiran del pelo en una cariñosa pelea. Es precisamente a partir de la incorporación de estos angelotes que Tiziano logra recrear una perspectiva en la composición, la idea tradicional de incorporar arquitecturas en la pintura ha dado paso a una perspectiva a base de personajes en la que el enmarque es natural y el color uno de los mayores protagonistas de la composición de acuerdo con los paradigmas de la escuela veneciana.

Para la representación de las figuras, Tiziano se inspiró en fuentes clásicas y contemporáneas. Por ejemplo, el desnudo femenino del ángulo inferior derecho de la obra bebe de la Ariadna del Vaticano, personaje mitológico relacionado con Baco, y podría representar a Violante, mujer que frecuentaba el pintor en la época de la realización de la tela. Por otro lado, el personaje masculino desnudo que escancia vino a la izquierda se inspira en el Galo herido, una escultura helenística hallada en Roma unos diez años antes de que Tiziano elaborara esta pintura. La influencia de Miguel Ángel se aprecia en la corporeidad que muestran las figuras masculinas.

El duque de Ferrara encargó a Tiziano tres lienzos: La ofrenda a Venus, Baco y Ariadna y El festín de los Andrios, obra que aquí analizamos. Se trata de un óleo sobre lienzo de formato casi cuadrangular y grandes dimensiones que mide unos ciento setenta y cinco centímetros de alto y algo más de ciento noventa centímetros de ancho. La pieza representa una gran fiesta en honor al dios del vino Baco celebrada en la isla de Andros, la cual según la tradición era uno de los lugares preferidos del dios quien hacía manar vino de sus arroyos y manantiales.

De esta manera encontramos a una multitud de personajes que celebran una gran fiesta al aire libre, unos bailan y gritan mientras otros se dejan llevar por la embriaguez producida por el vino en un estado de semiinconsciencia. Aparecen personajes en múltiples posturas, en realidad todas ellas bastante exageradas, que se mueven y flexionan y en cuyos gestos se aprecia una gran variedad. Todo ello aparece enmarcado en un idílico paisaje naturalista a la sombra de algunos árboles.

La obra se encuentra en la actualidad en el Museo del Prado de Madrid ya que a finales del siglo XVI el ducado de Ferrara pasó a manos del papado y éste se quedó con algunas de las posesiones de los duques. El Vaticano envió en el año 1637 algunas de las obras incautadas al duque al monarca español Felipe IV como pago por la ayuda prestada en el Piombo, pasando la obra a las colecciones españolas.

Bacanal es una pintura de 1615 del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens.
La pintura muestra al viejo Sileno borracho rodeado de sátiros, los acompañantes del dios Baco durante las bacanales. El dios aturdido es sostenido por dos mujeres: una satiresa rubia y una ménade representada como una mujer negra con una pandereta, aludiendo a las regiones lejanas y exóticas por las que el dios pasó, hasta la India. A la derecha, Rubens ha situado otras dos satiresas recostadas, una de espaldas y la otra de frente amamantando a sus pequeños en primer plano, abajo a la derecha. Un tercio del cuadro está dedicado a una vid entrelazando un árbol. Un sátiro barbudo asoma desde detrás de las hojas. Otro, de facciones animalescas, se cuelga divertido de una rama.
Bacanal fue una de las más populares de las varias obras dedicadas a Dionisos por el maestro flamenco barroco.

Dioses, hombres y niños se unen en la celebración de los efectos del vino, cuyo consumo, en palabras de Filostrato, hace a los hombres ricos, dominantes en la asamblea, dadivosos con los amigos, guapos y de cuatro codos de altura.

XXXIII - Monarquía Hispánica - Tiziano - Las Furias y los condenados - Ixión : Néfele - Prometeo (el que piensa antes)

XXXIII - Continuación de METAMORFOSIS ARTE Y MITO - Gerard van Honthorst - Carlos I de Inglaterra y de Escocia - Las hijas de Doña Juana I de Castilla - Leoni, Pompeo - El palacio de Oriz, pincha aqui 

Monarquía Hispánica

Tiziano

El Tiempo ¿tiene tres caras? La intuición nos dice que sí: pasado, presente y futuro. Arraigados en el lenguaje, en los recuerdos y en las esperanzas que albergamos en lo que está por llegar.

Tiziano Vecellio di Gregorio: Alegoría del Tiempo gobernado por la Prudencia (c. 1550-70), óleo sobre lienzo, National Gallery de Londres.
Tiziano Vecellio di Gregorio, conocido tradicionalmente en español como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, Véneto, hacia 1488/1490-Venecia, 27 de agosto de 1576),1​ fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.

Y esto es justamente lo que el gran pintor renacentista Tiziano representa en su cuadro llamado Alegoría del Tiempo gobernado por la Prudencia, actualmente conservado en la Galería Nacional de Londres.

• A la izquierda, el autorretrato del propio Tiziano, plasmado como un anciano de barba blanca.
• En el centro, su hijo Orazio Vecellio (nacido en 1528) que también era pintor, siguiendo los pasos de su padre.
• A la derecha, su nieto y pupilo Marco Vecellio, nacido en 1545.

Retrato de Federico II Gonzaga (1500-1540), primer duque de Mantua e hijo del marqués Francisco II Gonzaga y de la marquesa Isabel de Este.

El emperador Carlos V con un perro es un retrato de cuerpo entero pintado al óleo por Tiziano, quien podría haberlo pintado en Bolonia donde el emperador permaneció entre el 13 de diciembre de 1532 y el 28 de febrero de 1533. El cuadro se conserva en el Museo del Prado de Madrid, donde ingresó procedente de la colección real.

La Iconografía mitológica en el Palacio de Binche bajo María de Hungría

María de Hungría, hermana de Carlos V y Gobernadora de los Países Bajos entre 1531 y 1556, tuvo un papel fundamental como coleccionista y comitente en el campo de las artes. El presente trabajo viene a matizarlo desde un punto de vista muy concreto: el uso de temas mitológicos en las artes realizadas a su servicio en el palacio de Binche.

La “salle enchantée” de Binche, en las fiestas de agosto de 1549

En los primeros días del mes de octubre de 1548 el príncipe de Asturias don Felipe partía para su “felicíssimo” viaje -nombrado así por el cronista de la Corte, Calvete de Estrella-, realizado a instancias de su padre, el Emperador, para que el futuro señor de la Monarquía Hispánica conociera sus posesiones en Italia y Flandes. Felipe debía darse a conocer en sus lejanos reinos, y convivir con quienes tendrían las riendas del gobierno -por supuesto, en su nombre- en territorios tan alejados de Castilla.

Debido al lamentable estado de abandono que presentaba el antiguo Castillo condal de Binche, María de Hungría mandó construir un suntuoso palacio, en su lugar, digno de las residencias señoriales francesas.

Pero de todas estas fiestas y bailes el príncipe guardó un inolvidable recuerdo de las realizadas en el palacio de Binche en agosto de 1549 por su tía María de Hungría, en donde el refinamiento palatino, pleno de alusiones caballerescas, alcanzó verdaderos extremos: “Más bravas que las fiestas de Bins”, sería un refrán de uso corriente en la corte española desde entonces. Ya anciano, el rey Felipe seguía rememorando aquellas felices jornadas.

Binche es un municipio de Bélgica, localizado en la provincia de Henao. El 1 de enero de 2019, tenía una población de 33.473 habitantes

Las Furias y los condenados

Metamorfosis IV 456-463

Morada maldita se llama aquella, allí ofrecía Ticio sus entrañas para que se las despedazasen, tendido como estaba a lo largo de nueve yugadas; tú, Tántalo, ninguna agua puedes coger, y huye de ti el árbol que está sobre tu cabeza; y tú , Sísifo, o buscas o empujas la piedra que ha de volver; Ixión gira, persiguiéndose y huyendo de sí mismo..."

Las Furias, de Tiziano a Ribera. 

Laocoonte es un personaje de la mitología griega, la romana y el ciclo épico, sacerdote de Apolo Timbreo en Troya.
Grupo escultórico El Laocoonte y sus hijos es una obra hecha por los escultores Atenodoro, Polidoro y Agesandro, de la escuela de Rodas.
El relato más famoso de los acontecimientos está en la Eneida de Virgilio, donde Laocoonte era sacerdote de Poseidón (o Neptuno para los romanos), quien fue asesinado junto con sus hijos después de intentar exponer el engaño del Caballo de Troya golpeándolo con una lanza.​ Después de que los sitiadores aqueos hubieran simulado una retirada, los troyanos encontraron un caballo construido de madera en las puertas de Ilión.

Los cuatro cuadros que realizó Tiziano para el Palacio de Binche, en Bruselas por encargo de María de Hungría en 1548. Representan a los personajes de la mitología griega que fueron castigados al Hades por enfadar a los dioses: Tántalo a no conseguir la ansiada comida que le sacie; Tício a ser devorado su hígado por un buitre; Ixión a dar vueltas a una rueda eternamente y a Sísifo a portar una piedra enorme sobre sus hombros subiendo una montaña para luego caer y volver a empezar, que dio lugar al ensayo filosófico de Albert Camus, El mito de Sísifo como metáfora del esfuerzo y absurdo de la vida humana. Estos cuadros fueron utilizados políticamente por la hermana del emperador Carlos V como representación alegórica  de los príncipes alemanes que se habían alzado contra el emperador.

Ixión (1632), por José de Ribera (Museo del Prado)
Se trata de la única Furia de Tiziano de la que no queda testimonio visual, y tampoco fue muy frecuentada por pintores anteriores, ya fuera en Italia o los Países Bajos.
 Ixión, progenitor de la raza de los centauros, intentó suplantar a Zeus en el lecho de Hera, por lo que fue castigado a dar vueltas sin fin en una rueda.

Ixión y Néfele (1615), por Pedro Pablo Rubens
Este personaje entra en la literatura a finales del siglo VI a.C y su leyenda tiene gran éxito en la tragedia ateniense. Inició su carrera criminal negándole a su suegro los presentes de boda prometidos y matándolo después. Esto lo volvió loco - sin duda por la acción de las Erinias (Furias)- pero Zeus se apiadó de él y lo purificó. Sin embargo, Ixión se mostró tan desagradecido que intentó violar a Hera, y lo hubiera logrado si ella no hubiera interpuesto una nube con su figura para evitarlo

Zeus, aunque enfurecido, pensó que beber el néctar de los dioses había trastocado a Ixión, por lo que se conformó con desterrarlo. Pero cuando vio que el ingrato presumía de haber seducido a Hera, lo mató con un rayo (la única forma de morir que tenían los que habían probado la ambrosía), y lo condenó al Tártaro, donde Hermes le ató con serpientes a una rueda ardiente que daba vueltas sin cesar. Solo descansó de su tormento el tiempo que Orfeo estuvo en los infiernos, pues su maravilloso y hermoso canto hizo que se parara la rueda.

Ticio, por intentar violar a una amante de Zeus, había sido condenado a que un buitre devorara su hígado, que se regeneraba una y otra vez.

El delito de Sísifo fue haber delatado las infidelidades de Zeus y haber engañado a los dioses. por lo que fue castigado a portar cuesta arriba una enorme piedra que siempre caía antes de llegar a la cima y que debía de nuevo eternamente cargar.

Tántalo, por servir a su hijo de festín a los dioses, fue castigado a procurarse en vano alimento.

Para la composición de los lienzos, Tiziano, se va a valer del uso de referentes clásicos, de tal manera que podemos rastrear en ellos los modelos de prestigio de importantes esculturas de la tradición clásica greco-latina. Así en el Sísifo el referente es el busto belvedere de los Museos Vaticanos. En la postura del Ticio podemos reconocer la figura del Laocoonte pero en la versión antigua, -cuando reconstruyeron el brazo derecho alargándolo, antes de que la aparición del brazo original le devolviera el aspecto primero-. Para el Tántalo el modelo fue un Gálata herido.

Tántalo: Giulio Sanuto (según Tiziano). Grabado, 1565. Budapest, Szépművészeti Múzeum

Gálata moribundo. Copia romana de original helenístico. Museo arqueológico. Venecia

El torso de Belvedere es un fragmento de la estatua de un desnudo masculino firmado por el escultor ateniense Apolonio de Atenas. La estatua fue descubierta en su estado actual en el Campo de' Fiori (campo de las flores) durante el papado de Julio II (1503-1513). Se creía que se trataba de un original del siglo I a. C. pero en la actualidad se estima que se trata de una copia de una estatua más antigua, probablemente datada en el siglo II a. C.

A lo largo de un siglo y medio, desde mediados del siglo XVI hasta finales del siglo XVII, el tema gozó de una gran popularidad en Europa y asumieron otros significados.

El tema de las Furias, como conjunto, fue concebido en 1548 como una alegoría de índole política. Ese año, María de Hungría encargó a Tiziano cuatro grandes lienzos con cada uno de estos personajes para su residencia, el palacio de Binche en las afueras de Bruselas, en la actual Bélgica. Su idea era que lucieran junto con otros para exaltar la monarquía de su hermano, el emperador Carlos V. Los condenados y castigados en el Hades por desafiar a los dioses, serían el símbolo que encarnaría a los príncipes alemanes que habían sido derrotados por su hermano en la batalla de Mülhberg ese mismo año. De paso serían una advertencia del destino que les esperaba a aquellos que osasen desafiar el poder imperial. Al elegir estos cuatro personajes como motivo de esos lienzos, estaba creando una alegoría política de carácter totalmente novedoso.

El castigo de Ixión, representado en un fresco de la Casa de los Vettii: Ixión atado a la rueda, Hefesto, Hermes con el caduceo, Néfele a sus pies, Hera en el trono y, detrás, Iris.

En la mitología griega Néfele era una diosa o ninfa hecha de nubes. Es llamada Nube​ y Nébula​ en latín. Néfele aparece en varias versiones de los mitos, estando relacionada con la saga de los argonautas o con la estirpe de los centauros.

Néfele es la esposa de Ixión y antepasada de los centauros del monte Pelión de Tesalia. Es la nube​ que Zeus creó a imagen y semejanza de Hera para engañar a Ixión y poner a prueba su integridad.

Escultura de un centauro hallada en una pedanía de la localidad de Caravaca de la Cruz (España), conocida como el «Centauro de Royos», del siglo vi a. C. Se expone en el Museo Arqueológico Nacional de España.
Vivían en las montañas de Tesalia y se les consideraba hijos de Centauro —un hijo de Ixión y Néfele—, y algunas yeguas magnesias.
Magnesia (en griego Μαγνησία Magnisia) es una de las cuatro prefecturas griegas en las que se subdividía Tesalia. Se encuentra al este, sobre una gran bahía del mar Egeo, el golfo Pagasético, formado por el promontorio del monte Pelión y delimitado por la parte septentrional de la isla de Eubea.

Los centauros son muy conocidos por la lucha que mantuvieron con los lápitas, provocada por su intento de raptar a Hipodamía el día de su boda con Pirítoo, rey de los lápitas y también hijo de Ixión.

Centauro luchando contra un lápita (detalle del Partenón).

Jápeto y sus hijos: los titanes antecesores de la humanidad según los antiguos griegos.

De acuerdo con la mitología más aceptada, Prometeo era hijo de Jápeto y la oceánide Asia o de la también oceánide Clímene. Era hermano de Atlas, Epimeteo y Menecio, a los que superaba en astucia y engaños. No tenía miedo a ninguno de los dioses, y ridiculizó a Zeus y a su poca perspicacia. Sin embargo, Esquilo afirmaba en su Prometeo encadenado que era hijo de Gea o Temis. Según una versión minoritaria, el gigante Eurimedonte violó a Hera cuando esta era una adolescente y engendró a Prometeo, lo que causó la furia de Zeus.

Prometeo considerado el dios de la previsión y el consejo astuto, recibió la tarea de de moldear a la humanidad de arcilla. Sin embargo los intentos de mejorar las vidas de su creación lo llevaron a entrar en conflicto con Zeus.

En primer lugar engañó a los dioses para que la mejor parte de los sacrificios se quedará con los hombres, lo que provocó la ira de Zeus, que retuvo el fuego como un objeto divino, al ver que su creación estaba sufriendo frío, robó el fuego del cielo y lo entregó a los mortales en un tallo de hinojo.

Prometeo entrega el fuego a la humanidad. Pintura de Heinrich Füger. Vía Wikimedia Commons.

Como castigo por estos actos rebeldes, Zeus ordenó que Prometeo fuera atado a una hoguera en el monte Cáucaso, donde un águila estaba lista para alimentarse de su hígado, el sitio que sean los griegos contenía el alma, cada día, ya que este órgano se regeneraba. Varias generaciones más tarde el gran héroe griego Heracles liberaría al viejo Titán de su tortura.

Óleo en lienzo de Dirck van Baburen: Prometeo encadenado por Vulcano (1623). Museo Nacional de Ámsterdam.

Como introductor del fuego e inventor del sacrificio, Prometeo es considerado como el titán protector de la civilización humana.

Prometeo tenía tres hermanos: Epimeteo, Menecio y Atlante. Los dos últimos se unieron a Cronos y los demás titanes en la rebelión contra los dioses del Olimpo. Prometeo, que era el más inteligente de todos y había previsto el final del enfrentamiento —su nombre significa "mirar adelante"— convenció a Epimeteo y ambos se apuntaron al bando de Zeus. La guerra entre titanes y dioses acabó a favor de los primeros.

Antes, mucho antes, nuestro titán había creado la humanidad: Prometeo, luego de modelar a los hombres con agua y tierra (Apolodoro). 

Eso es precisamente lo que refleja el altorrelieve del Museo del Prado que actualmente forma parte de la exposición Arte y mito. Los dioses del Prado. El más sabio de los titanes —pues la propia Atenea le había enseñado todas las artes y era su protegido— aparece moldeando en arcilla el primer hombre mientras la diosa de la sabiduría asiste al evento y ella misma le da vida colocándole una mariposa sobre la cabeza. Y así tenemos la primera coincidencia: la creación de la humanidad a partir del barro, igual que en el Génesis.

Prometeo es un mural del pintor mexicano José Clemente Orozco, lo terminó en junio de 1930 en el refectorio del Pomona College tras tres meses de trabajo en los que Orozco vivió en el campus. En él se observa al Titán Prometeo robando el fuego a los dioses para dárselo a los humanos. El mural se sitúa sobre una chimenea en el refectorio, y tiene cuatro paneles, el mayor frente al área de comidas. La Universidad Pomona (Pomona College en idioma inglés) es una universidad privada de artes liberales situada en Claremont, California, Estados Unidos.

Y luego está el mito del diluvio en el que Deucalión (Noé), hijo de Prometeo, construye una embarcación aconsejado por éste y salva así la vida. Y también tenemos a Pandora (Eva), la primera mujer mandada por Zeus para castigar al titán por los engaños y desafíos a que había sometido al jefe del Olimpo. De hecho, esta relación puede leerse como paralela a la de Lucifer, el ángel caído, con el dios del Génesis, castigado finalmente a vivir en el infierno.

Cuenta Ovidio en el libro VI de Las metamorfosis que Atenea, estando en un banquete, inventó la flauta a partir de los huesos de un ciervo. Pero cuando fue a tocarla, Hera y Afrodita se burlaron de cómo dicho instrumento deformaba su rostro. Atenea corrió a mirarse en un río de Frigia para comprobar que, ciertamente, aquel instrumento la afeaba. Acto seguido arrojó la flauta lejos y prometió terribles castigos a quien la encontrase.

El sileno Marsias tuvo la mala suerte de ser él quien encontrara la flauta maldecida por Atenea. Marsias, contento con su hallazgo y viendo que con él podía producir una bella música, decidió desafiar a Apolo y su lira para ver quién era capaz de producir el sonido más hermoso. Apolo aceptó el reto, pero a cambio estipuló el premio del vencedor: el vencido quedaría a su merced y sería tratado como el ganador quisiera. Como en un primer momento no hubo un resultado, Apolo desafío a Marsias a tocar el instrumento al revés –como hacía él con su lira– para ver quién era capaz de producir la música más bella de ese modo. Haciéndolo así, Marsias fue derrotado por la dulce melodía de la lira de Apolo y este, haciendo uso del derecho establecido por ser el vencedor, decidió que Marsias sería atado a un árbol y desollado. Sin embargo, poco después Apolo se arrepintió de su ira y rompió su lira.

Las estancias de Rafael

La escena de desollamiento fue plasmada re­petidas veces durante el helenismo. También Ribera pintó dos versiones de la misma. Natu­ralmente, es muy otra la visión de Marsias por Rafael. Es la eterna lucha entre los aspectos apolíneos y dionisíacos de la naturaleza humana, el caos y la mesura, tan opuestos y complementarios a la vez.

XXXIII - Continuación de METAMORFOSIS ARTE Y MITO - Gerard van Honthorst - Carlos I de Inglaterra y de Escocia - Las hijas de Doña Juana I de Castilla - Leoni, Pompeo - El palacio de Oriz

XXXII - Francia XVI - El castillo de Anet - Francisco I de Francia - La escuela de Fontainebleau - Francia XVII - Diana y la nobleza, pincha aqui 

Gerrit van Honthorst o Gerard van Honthorst (Utrecht, 4 de noviembre de 1590 — Utrecht, 27 de abril de 1656)1​ fue un pintor caravaggista neerlandés del siglo XVII, de historia, de género y retratista. También es conocido por el sobrenombre Gerardo Della Notte, puesto que los italianos encontraban su nombre de difícil pronunciación. Nacido en una familia de artistas, van Honthorst fue alumno de Abraham Bloemaert. Llega a Roma en 1610, un año después de la muerte de Caravaggio. Posteriormente reside en Londres, acompañado de su discípulo Joachim von Sandrart, donde ejecuta para el rey Carlos I cuadros destacados. Regresa a su país, donde se convierte en el más destacado de los pintores de la Escuela de Utrecht, seguidores holandeses del artista italiano Caravaggio.

Retrato doble de Federico Guillermo y Luisa Enriqueta de Nassau-Orange

La alcahueta es una obra del pintor holandés Gerard van Honthorst. Está realizado al óleo sobre tela, y fue pintado en el año 1625. Mide 71 cm de alto y 104 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Centraal Museum de Utrecht, en los Países Bajos.
Este cuadro es un ejemplo del estilo característico de Gerard van Honthorst, conocido como «Gerardo de la noche» a causa de su gusto por este tipo de composiciones caravagistas de ambientación nocturna en las que una parte del cuadro se muestra intensamente iluminada y el resto envuelto en tonos oscuros y sombríos, en un intenso claroscuro. Aquí el centro de atención es una joven risueña, con tocado de plumas (clásico símbolo de libertinaje), al tiempo que sostiene un laúd (otro símbolo de lujuria). La luz de la vela sobre la mesa enfatiza su escote provocativo. Frente a ella se recorta la silueta del cliente con una bolsa de dinero y ofreciéndole unas monedas, mientras a la izquierda la vieja alcahueta de pie observa y señala satisfecha la transacción.

Carlos I de Inglaterra y de Escocia (Escocia, 19 de noviembre de 1600 - Palacio de Whitehall, Londres, 30 de enero de 1649) fue rey de Inglaterra, Escocia e Irlanda, desde el 27 de marzo de 1625 hasta su ejecución en 1649.

Carlos I en armadura, retrato por Anthony van Dyck, c. 1640
Anton van Dyck (Amberes, 22 de marzo de 1599-Londres, 9 de diciembre de 1641) fue un pintor y grabador flamenco especialmente dedicado a la elaboración de retratos. Dado que alcanzó gran fama internacional, su nombre se adaptó a diferentes idiomas: en inglés, Sir Anthony van Dyck; en español, Antonio o Antón van Dick. Llegó a ser el primer pintor de corte en Inglaterra tras una larga estancia en Italia. Es universalmente conocido por sus retratos de la nobleza genovesa y de Carlos I, rey de Inglaterra y Escocia, de los miembros de su familia y de su corte.

El nuevo Príncipe de Gales se vio notablemente influido por el favorito de su padre, George Villiers, I duque de Buckingham, el cual lo llevó a una expedición a España en 1623 para buscar una alianza con este país mediante un eventual matrimonio con la hija menor del rey español Felipe III, la infanta María Ana. El enlace nunca se celebró debido a que la corona española exigía la conversión del príncipe de Gales al catolicismo. Cuando volvieron a Inglaterra, tanto Carlos como el duque de Buckingham exigieron al rey Jacobo que declarara la guerra contra España.

George Villiers, I Duque de Buckingham (Leicestershire, 28 de agosto de 1592 – Portsmouth, 23 de agosto de 1628). Favorito del rey Jacobo I de Inglaterra y de su hijo Carlos I.

El rey Jacobo I se encaprichó de él y llegó a declarar públicamente: «Si Cristo tuvo a su Juan, yo tengo a George». El sentimiento del rey fue correspondido por Villiers, como atestiguan las cartas de amor que le escribió; en una de ellas se lee: «Amo tu persona, y amo todas tus partes». Un testimonio de la época le describió como «el cuerpo mejor formado de Inglaterra».

"Anthony van Dyck, Retrato doble de George Villiers, marqués y más tarde primer duque de Buckingham, y su esposa, Katherine Manners, como Venus y Adonis (1620-21) 
Venus fue la diosa del amor, la belleza y la fertilidad de la mitología romana a quien se adoraba y festejaba en muchas fiestas y mitos religiosos romanos. Desde el siglo III a. C., la creciente helenización de las clases altas romanas la identificó con la diosa griega Afrodita. Era la esposa de Vulcano. Julio César la adoptó como su protectora y Virgilio, como halago a su patrón Augusto y a la gens Julia, señaló que Venus era el ancestro femenino del pueblo romano a través de su legendario fundador Eneas y su hijo Ascanio
En la mitología griega, Adonis era un amante de Afrodita eternamente joven que simbolizaba la muerte y la renovación anual de la vegetación y cuya naturaleza estaba atada al calendario.
El joven Adonis resultó sumamente hermoso, hasta el punto de que la diosa Afrodita se enamoró de él locamente. En una ocasión en que Adonis andaba de caza, lo mató un jabalí salvaje.

De acuerdo a los deseos del rey, George Villiers se casó con la hija del VI duque de Rutland, lady Katherine Manners, el 16 de mayo de 1620. Tanto ella como su padre habían planteado objeciones a la boda, pero tuvieron que acceder después de que ella pernoctó una noche «bajo el mismo techo» que el favorito. Aunque seguramente no ocurrió nada comprometedor, lady Katherine se convenció de que lo más prudente era casarse con él. Del matrimonio subsiste un curioso retrato de Van Dyck, donde aparecen caracterizados como Venus y Adonis.

Jacobo Carlos Estuardo​ (Edimburgo, 19 de junio de 1566-Theobalds House, 27 de marzo de 1625) fue rey de Escocia como Jacobo VI desde el 24 de julio de 1567 y rey de Inglaterra e Irlanda como Jacobo I desde el 24 de marzo de 1603 hasta su muerte. Los reinos de Escocia e Inglaterra eran Estados soberanos, separados en ese momento, que contaban con sus propios parlamentos, poder judicial y conjunto de leyes, y que pasaron a ser gobernados por un mismo soberano, en virtud de una unión personal. Hijo de María I de Escocia (María Estuardo), fue proclamado rey con un año de edad.

El viaje a Madrid es considerado por los historiadores como determinante en el posterior interés de Carlos por el arte, afición a la que destinaría cuantiosas sumas de dinero y que en parte le acarreó su creciente impopularidad. En Madrid el rey Felipe IV obsequió al príncipe inglés con cuadros y también con ejemplares de caballos de raza española, lo que más adelante contribuyó a que en Inglaterra surgiesen los purasangre.

En el ámbito de las artes, Carlos I ostenta un papel clave como uno de los mayores coleccionistas de pintura en Europa, con quien apenas podía rivalizar Felipe IV de España.

Enriqueta María de Francia, esposa de Carlos I, retratada por Anthony van Dyck (1636-1638).
La reina Enriqueta María partió al extranjero en 1642 en busca de financiación para su marido cuando la oposición parlamentaria a Carlos I se recrudeció. 
Enriqueta María de Francia - Henrietta Maria of France (Palacio del Louvre, París, 25 de noviembre de 1609 - Colombes, 10 de septiembre de 1669) nació siendo hija de Francia, título concedido en Francia a los hijos e hijas nacidos en legítimo matrimonio de un rey de Francia. 
Su identidad como católica la hizo impopular en Inglaterra y también le prohibió ser coronada.
Fue la hija menor de los 6 hijos del rey Enrique IV de Francia y de María de Médicis, su segunda esposa. 

El reinado de Carlos I fue tumultuoso debido a la lucha de poderes que sostuvo con el Parlamento. Carlos era un abogado acérrimo del derecho divino de los reyes a gobernar. De buena presencia, impresionaba como un verdadero caballero. Hablaba con propiedad, gustaba de la música y de la pintura. Sin embargo, era pedante, desconfiado y muy mentiroso. Muchos en Inglaterra, por lo tanto, temieron que procurara obtener el poder absoluto. Hubo una amplia oposición a muchas de sus acciones, especialmente la creación de impuestos sin el consentimiento del Parlamento. Esta fue una de las muchas manifestaciones del descontento popular contra una monarquía absoluta que pretendió llevar Carlos I.

Oliver Cromwell (Huntingdon, Inglaterra; 25 de abril de 1599-Londres, 3 de septiembre de 1658) fue un líder político y militar inglés. Convirtió a Inglaterra en una república denominada Mancomunidad de Inglaterra. Su carrera está llena de contradicciones. Fue un regicida que se cuestionó si debía o no aceptar la corona para sí mismo y finalmente decidió no hacerlo, pero acumuló más poder que el propio Carlos I de Inglaterra. Bajo su mando, el Protectorado permitió que los blasfemos fueran torturados, además de perseguir cruelmente a los católicos. Se mostró a favor del criterio de equidad en la justicia, pero encerró a aquellos que criticaron su política de incrementar los impuestos sin el permiso del Parlamento de Inglaterra. Cuando los monárquicos volvieron al poder, su cadáver fue desenterrado, colgado de cadenas y decapitado, y su cabeza expuesta durante años para escarnio público. En una encuesta de 2002 de la BBC (Los 100 británicos más importantes), ocupa la posición número 10. 

Los últimos años del reinado de Carlos I estuvieron marcados por la Guerra Civil Inglesa; se vio enfrentado a las fuerzas del Parlamento (que se le opuso tenazmente en sus tentativas de aumentar su poder) y a los puritanos (quienes eran contrarios a su política religiosa). La guerra terminó con la derrota de Carlos, que fue enjuiciado, condenado y ejecutado posteriormente bajo el cargo de alta traición. La monarquía fue abolida, y se estableció la República. Con el tiempo, este régimen devino cada vez más dependiente del ejército y se convirtió en una dictadura militar, dirigida por Oliver Cromwell. Varios factores tanto políticos como socioeconómicos condujeron a su colapso final, una vez fallecido Cromwell. El hijo de Carlos, Carlos II, restauró la monarquía en 1660.

Doña Juana "la Loca" (1877), de Francisco Pradilla. Museo del Prado (Madrid)
Francisco Pradilla y Ortiz (Villanueva de Gállego, 24 de julio de 1848-Madrid, 1 de noviembre de 1921) fue un pintor español, director de la real Academia de España en Roma y del Museo del Prado.

Las hijas de Doña Juana

Juana I de Castilla, llamada «la Loca» (Toledo, 6 de noviembre de 1479-Tordesillas, 12 de abril de 1555), fue reina de Castilla de 1504 a 1555, y de Aragón y Navarra, desde 1516 hasta 1555, si bien desde 1506 no ejerció ningún poder efectivo y a partir de 1509 vivió encerrada en Tordesillas, primero por orden de su padre, Fernando el Católico, y después por orden de su hijo, el rey Carlos I.

Isabel de Austria (18 de julio de 1501 - 19 de enero de 1526) fue archiduquesa de Austria e infanta de Castilla y Aragón, fue reina de Dinamarca, Suecia y Noruega como la esposa del rey Cristián II. Fueron los últimos soberanos de la Unión de Kalmar. Isabel era hija de Felipe I de Castilla y Juana I de Castilla y hermana del emperador Carlos I de España y V del Sacro Imperio Romano Germánico. Nació en Bruselas. Sirvió como regente de Dinamarca en 1520.

Cristián II (Nyborg, 1 de julio de 1481 - 25 de enero de 1559). Rey de Dinamarca y Noruega (1513-1523), y de Suecia (1520- 1521) bajo la Unión de Kalmar. Hijo del rey Juan I de Dinamarca. Fue el último monarca que gobernó la Unión de Kalmar, que incluía los tres reinos nórdicos. En Suecia se le conoció como Cristián el Tirano.

Leonor de Austria (Lovaina, cerca de Bruselas, 15 de noviembre de 1498 - Talavera la Real, entonces dentro del término municipal de Badajoz, 18 de febrero de 1558),​ reina de Portugal y Francia, hija primogénita de Felipe I de Habsburgo, archiduque de Austria y duque de Borgoña, y de Juana I de Castilla, reina de Aragón y Castilla, conocida como “La hermana fiel”.

Fue célebre en su tiempo por su extraordinaria belleza y cultura,​ siendo pretendida por los reyes de Francia Luis XII y Francisco I y por el conde palatino Federico II del Rin, con el que íntimamente ella hubiera deseado casarse.

Manuel I de Portugal, apodado el Afortunado (Alcochete, 31 de mayo de 1469 - Lisboa, 13 de diciembre de 1521) fue rey de Portugal. Fue el octavo hijo del infante Fernando de Portugal, duque de Viseu y nieto de Eduardo I, y de Beatriz, nieta de Juan I.

Consorte:

• Isabel de Aragón (Dueñas, 2 de octubre de 1470 - Zaragoza, 23 de agosto de 1498), fue la hija mayor de Fernando II de Aragón e Isabel I de Castilla. Fue princesa de Asturias en dos ocasiones, infanta de Castilla y Aragón y, más tarde, reina consorte de Portugal.
• María de Aragón (Córdoba, Reino de Córdoba, 29 de junio de 1482 - Lisboa, Portugal, 7 de marzo de 1517), cuarta hija de los Reyes Católicos, Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, fue reina de Portugal como segunda esposa de Manuel I, fallecido en 1521.

María de Hungría nacida como María de Habsburgo o bien María de Austria (palacio de Coudenberg, Bruselas, 15 de septiembre de 1505-Cigales, provincia de Valladolid, 18 de octubre de 1558) fue la tercera hija, y quinta descendiente en orden de nacimiento, de Felipe el Hermoso, archiduque de Austria y duque de Borgoña, y de Juana de Castilla, heredera de los reinos de Aragón y Castilla, conocida como Juana la Loca. Por tanto fue infanta de España y archiduquesa de Austria.

Reina consorte de Hungría desde el 11 de diciembre de 1521 hasta el 29 de agosto de 1526, por su matrimonio con el rey Luis II de Hungría. Fue una mujer de alta calidad moral y de una notabilísima habilidad política y administrativa, siendo ampliamente reconocida en el seno de la familia Habsburgo como la de mayor inteligencia en la familia. Gracias a ella, que fue la mediadora entre sus hermanos Carlos V y Fernando, se evitó la ruina de la dinastía al mantener vivo el vínculo entre ambos.

Díptico con los seis hijos de Juana I de Castilla

Carlos V necesitaba el apoyo de la nobleza centroeuropea para poder contrarrestar el poderío del Imperio otomano. De acuerdo a las alianzas tejidas para ello, se concertó el matrimonio de María con Luis II, rey de Hungría, Bohemia y Croacia. La boda se celebró en Praga el 13 de enero de 1522. La nueva reina María fue muy querida por sus súbditos y la nobleza, cosa rara en aquella época tratándose de una mujer extranjera.

La Casa de Habsburgo, también llamada Casa de Austria fue una de las más influyentes y poderosas casas reales de Europa. Los Habsburgo ocuparon el trono del Sacro Imperio Romano Germánico de forma continua desde 1438 hasta 1740 y ocuparon en distintos momentos los tronos de España, Portugal, Bohemia, Inglaterra, Hungría, Croacia y el Segundo Imperio Mexicano.
Los Habsburgo eran originarios de un modesto castillo en Argovia, actual Suiza. El fundador de la dinastía, el conde Radbot de Habsburgo (c. 985-1045) pasó a controlar el castillo como vasallo del duque de Suabia a principios siglo XI
A partir del reinado del emperador Carlos V (1519-1556), la Casa de Habsburgo se dividió en dos ramas. La rama principal de los Austrias españoles, que gobernó el Imperio español, se extinguió en 1700 a la muerte de Carlos II de España sin descendencia. La rama cadete de los Habsburgo austríacos, que gobernó el Sacro Imperio Romano y los territorios de Austria-Hungría (y pasó a ser la primogénita tras la desaparición de la española), se extinguió en la línea agnática en 1780 a la muerte de la emperatriz María Teresa I de Austria, mientras que continua hasta el día de hoy en la línea cognática.

La invasión de los turcos era cada vez más cercana, pues habían llegado a las fronteras del reino húngaro. María solicitó ayuda a su hermano Carlos V para poder contener al ejército otomano.

Con dos reyes coronados y un enorme ejército otomano ocupando parte del reino húngaro y favoreciendo a Juan I, quien le había prometido fidelidad al sultán, María, viuda y sin hijos a los 21 años de edad, logra refugiarse al lado de su hermano Carlos V, el cual muy pronto le entrega grandes responsabilidades políticas.

Mapa de los territorios de los Habsburgo (en verde) después de la batalla de Mühlberg (1547), reseñado en el Cambridge Modern History Atlas (1912)

Tras la muerte de Margarita de Austria en 1530, el cargo de gobernador de los Países Bajos queda vacante. El emperador decide darle dicho cargo a su hermana María, quien se muda para Bruselas junto con su secretario personal el clérigo húngaro Nicolás Olahus, nombrado al poco tiempo regente de los Países Bajos. Durante los 24 años que duró su gobierno en los Países Bajos (1531-1555), dichos Estados conocieron una prosperidad y tranquilidad que no habían tenido en siglos.

Margarita de Austria (Bruselas, Bélgica, 10 de enero de 1480 - Malinas, Bélgica, 1 de diciembre de 1530) fue archiduquesa de Austria, princesa consorte de Asturias, de Gerona, duquesa consorte de Saboya y gobernadora de los Países Bajos
Se casó con Juan de Aragón y Castilla, el hijo de los Reyes Católicos, heredero al trono de Castilla y Aragón con el título de Príncipe de Asturias. Hermana menor del archiduque Felipe el Hermoso, casado con Juana I de Castilla, también hija de los Reyes Católicos, y de esta manera tía paterna de los hijos de éstos: Carlos I de España y V del Sacro Imperio Romano Germánico, Fernando I de Habsburgo, que también llegaría a ser emperador de los germanos; Leonor de Austria, reina de Portugal y luego de Francia; Isabel de Austria, reina de Dinamarca; María de Austria, reina de Hungría; y Catalina de Austria, reina de Portugal.
Ella enviudo de su segundo marido en el año 1504. Su hermano Felipe el Hermoso murió joven en el año 1506, entonces fue cuando su padre le ofreció la regencia de los Países Bajos y la tutela de su sobrino, el futuro Carlos V, y sus hermanas Leonor, Isabel y María de Austria por amor a la memoria de su difunto hermano.

Las sucesivas muertes de sus hermanos Leonor (18 de febrero de 1558) y de Carlos V (21 de septiembre de 1558) provocaron en María una profunda melancolía y con ello decayó su salud. Para animarla -y también porque la necesitaba con urgencia- Felipe II la convence de regresar a los Países Bajos y hacerse cargo nuevamente de la gobernación.

Los Países Bajos de los Habsburgo (anaranjado) en 1548, con los enclaves eclesiásticos de Lieja (púrpura) y Stavelot-Malmedy (rosado).

María de Hungría es especialmente recordada entre los expertos en arte por las importantes pinturas y demás objetos valiosos que reunió en vida, algunos de ellos encargados por ella, como el gran retrato Carlos V a caballo en Mühlberg de Tiziano. También gracias a ella recaló en España el Descendimiento de Rogier van der Weyden, que compró en una iglesia de Lovaina y que su sobrino Felipe II de España llevó a Madrid.

El retrato ecuestre de Carlos V en Mühlberg es un cuadro pintado al óleo sobre lienzo por el pintor veneciano Tiziano Vecellio en 1548. Mide 335 cm de alto y 283 cm de ancho.​ Se exhibe actualmente en el Museo del Prado de Madrid. El artista veneciano lo realizó para representar al emperador del Sacro Imperio Romano y rey de España, Carlos I, como triunfador en la batalla de Mühlberg (24 de abril de 1547). Es un cuadro de extraordinario valor histórico y que ejerció gran influencia en la época barroca.

El cuadro conmemora la victoria de Carlos V sobre la Liga de Esmalcalda, que se oponía a su autoridad imperial y defendía el protestantismo, en la batalla de Mühlberg, acaecida el año anterior. Muestra al emperador a caballo, detenido frente al río Elba; detrás de él, sólo un bosque. Tanto la luz como los colores son cálidos, rojos, ocres. El rostro del emperador está serio e impasible. Tiziano fue muy hábil, al suavizar los rasgos menos agraciados del monarca (el prognatismo). 

María de Hungría- Leoni Pompeo

Leoni, Pompeo

Milán, Hacia 1533 - Madrid, 1608

Además de colaborar con su padre, Leone Leoni, en todos sus trabajos, Pompeo Leoni fue capaz de crear un taller en Madrid y de ocuparse de algunas otras obras, al margen del retablo de El Escorial, que le supuso continuos desplazamientos y largas estancias en la ciudad de Milán. Cuando desembarcó en España, el 28 de septiembre de 1556, con la serie de retratos imperiales, la reina regente Juana de Austria le asignó un salario de 30 ducados al mes. 

La estatua fue encargada en 1549 por Carlos V (1500-1558) al escultor italiano Leone Leoni. El artista hizo fundir la obra en Milán por partes: en 1551 la figura desnuda del emperador que se muestra en esta ficha (no inventario E000273/001), en 1533 realizó la armadura desmontable y en 1555 el pedestal con trofeos y armas. La inscripción latina en la base: «CAESARIS • VIRTUTE • DOMITUS • FUROR», indica que el grupo representa una alegoría política: «Por la virtud del César está dominado el Furor»; es decir, el desorden, la rebeldía y el caos. El retrato de Carlos V está concebido como una imagen doble: puede mostrarse desnudo en pose heroica, y vestido con una armadura de su época, con el Toisón de Oro y la banda de general. Los distintos elementos de bronce están ensamblados mediante gruesos tornillos que facilitan su rápido montaje y desmontaje. La estatua de Carlos V desnudo de Leoni es excepcional en su género.

Respecto a la Furia, desde un punto de vista conceptual se inspira en la medalla que acuñara Cellini del papa Clemente VII, donde aparece también encadenada y sentada sobre una pila de armas a las puertas del templo de Jano, con la Paz de pie y a la izquierda prendiendo fuego a las armas con una antorcha, un motivo derivado de unos versos de la Eneida de Virgilio, Saeva sedens super arma, que el propio Leoni invocó en sus cartas. La escultura establecía así un paralelismo entre Augusto, descendiente de Eneas y destinatario de la Eneida, y Carlos, apuntando el inicio de una nueva era de paz y prosperidad que reflejaba el optimismo de la corte imperial tras Mühlberg. La postura de la Furia, está tomada, sin embargo, del grabado del Martirio de San Lorenzo de Bandinelli (concretamente de la figura sentada a la derecha de san Lorenzo), mientras su realismo anatómico -en el que insistía Leoni en sus cartas- y su pathos dramático remitirían al Laoconte. La figura resulta fundamental también para dotar de profundidad al conjunto y permitir su contemplación desde todos los lados sin que una figura oculte la otra, con una multiplicidad de puntos de vista que potencia su basa circular.

Para su obra maestra, los mausoleos de Carlos V y de Felipe II, que se encuentran en la iglesia del monasterio de El Escorial a ambos lados del altar mayor, Pompeo Leoni ya no pudo contar con la ayuda de su padre, que había fallecido. Tuvo que realizarlos en Madrid con la colaboración de otro escultor italiano, Jacopo Nizzolo da Trezzo y del famoso orfebre Juan de Arfe.

Emplazados en un suntuoso marco de arquitecturas clasicistas de mármoles de colores, en contraste con la austeridad monocroma del resto del templo escurialense, los grupos orantes Carlos V y Felipe II, obra de Juan de Herrera y Pompeo Leoni dan un nuevo sentido a la imagen de los soberanos en contacto con la Divinidad y la Muerte, configurando mediante unos recursos clasicistas y unos caracteres máximos de distanciamiento y frialdad una visión majestuosa y solemne del tema de la muerte, acorde con la función de panteón real que asume el edificio. El cenotafio está decorado con su escudo de armas.

Carlos V como Júpiter
Júpiter, también llamado Jove (Iovis), es el principal dios de la mitología romana, padre de dioses y de hombres. Su equivalente griego es Zeus, aunque esta deidad latina no fue tomada de la mitología griega, como sí ocurrió en otros casos. Sus atributos son el águila, el rayo, y el cetro.

Esta medalla, considerada una de las mejores medallas fundidas por el artista, representa en el anverso busto laureado y barbado de Carlos V, a la derecha. Lleva armadura con peto de parada a la romana ricamente labrada, sobre la que pende el Toisón de Oro y manto. En el reverso Júpiter, sentado sobre un águila, en medio de los dioses, fulminando con un rayo a los Titanes que intentan escalar el Olimpo.

El reverso conmemora la victoria obtenida en las inmediaciones de la ciudad de Mühlberg el 24 de abril de 1547 por parte de las tropas españolas al mando de Carlos V y del duque de Alba frente a los protestantes alemanes con Juan Federico el Magnánimo.

1547, el Emperador venció en Mühlberg a los protestantes, aniquilando la Liga de Smakakalda. Sin embargo, esta victoria alió contra él a sus enemigos, los cuales acabaron por obligarle a firmar, en 1555, la Paz de Augsburgo.

Por ella Carlos V reconocía oficialmente el luteranismo y permitía a los príncipes alemanes optar libremente por el protestantismo o el catolicismo. A partir de entonces Carlos V, desilusionado y enfermo, abdicaba en favor de su hijo y de su hermano Fernando, muriendo tres años después 

El palacio de Oriz se encuentra en un enclave discreto y sosegado, escondido de este pandémico siglo XXI. Es un caserón apacible que susurra historia entre sus paredes ancladas en tiempos pretéritos, un refugio para la memoria, para el retiro del alma… Una isla orgullosa y casi olvidada dentro del propio Valle de Elorz.

La familia Eslava Zozaya, propietaria del palacio. Hoy en día es un hogar habitado, propiedad privada que guarda con orgullo el legado de su esplendor que no solo sobrevive, sino que sigue vigente reclamando la atención que bien merece. Mi anfitrión, David Pérez de Ciriza Eslava, me conduce por pasillos y cámaras mostrándome el valor de la historia que refleja sus estancias, decoradas con la esencia del pasado de hidalgos y señores. 

El paso del Elba en Mülhberg" compuesta por dos lienzos que conforman una escena de 1.87 por 6,70 metros.
Se trata de una pintura de gran valor, dado el escaso interés de los temas de batalla en la pintura de la época y las limitadas representaciones artísticas que existen de Carlos V en su faceta militar.

“Aquí durmió Felipe II en 1592” (la reina Ana de Austria, el futuro Felipe III y la infanta Isabel Clara Eugenia), me indica David mientras contemplo en silencio la escena. Frente a la cama todavía se aprecian restos de pinturas al fresco que en 1942 fueron trasladadas al museo de Navarra. El mural de La batalla de Mühlberg es una verdadera joya artística y cultural perteneciente a la familia Cruzat, anfitriona del monarca. Se dice que, durante su estancia, Felipe II observaba en silencio las pinturas de los combates dirigidos por su padre el rey Carlos I de España y V de Alemania. Aquella batalla vencida a los protestantes en 1547 .

Texto extraído de Mikel Navarro Ayensa / Manuel Sagüés (Noticias de Navarra)