miércoles, 22 de noviembre de 2023

(3)LA RUTA DE LA SEDA (2ª PARTE) -Los Hui - Dinastía Song (960 a 1276 d. C.) - Dinastía Tang (618 - 907 d. C.) - Los uigures - La Mezquita del Profeta - La Meca - La Kaaba - La Piedra Negra

(2)LA RUTA DE LA SEDA (2ª PARTE) - LA ERA DE LOS CALIFATOS - Herederos de Mahoma - LOS CUATRO CALIFAS PERFECTOS La Primera Expansión Musulmana La emperatriz Wu (Wu Zetian) - ¿Que ocurrió en la dinastía Tang?, PINCHA  AQUI

El Imperio Tang estuvo en su apogeo hasta mediados del siglo VIII

A comienzos del siglo VIII los califas musulmanes se apoderaron de la Transoxiana, con las ciudades caravaneras de Bujará y Samarcanda. Sólo tenían que cruzar el Pamir para adentrarse en territorio Chino.




Naciones que adoptan o reconocen la religión islámica en sus distintas variantes como oficial representados con el porcentaje de creyentes sobre la población. En verde los suníes, en rojo los chiíes y en azul los ibadíes, este último dominante únicamente en Omán. (En la actualidad)

  • HERVIDERO DE RELIGIONES (MÁS DE LAS QUE HOY EXISTEN)
  • CRISOL DE RELIGIONES Y GENTE.
  • POCO A POCO SE INTRODUCE EL MUSULMÁN, 
  • EN ASIA CENTRAL EN EL SIGLO XIV ES MAYORITARIA.

EL ISLAM PUDO LLEGAR A CHINA POR TIERRA O POR MAR

Asia en 1200, antes del Imperio Mongol.


La Ruta de la Seda conectaba diversas civilizaciones a lo largo de Asia.

La Mezquita Huaisheng, también conocida como la Mezquita Faro, es la mezquita más importante de Cantón, China. Fue reconstruida varias veces a lo largo de su historia. Tradicionalmente se cree que se construyó hace más de 1300 años,​ lo que la haría una de las mezquitas más antiguas del mundo. Fue nombrada en honor al profeta Mahoma.


La característica más inusual (en el contexto chino) de la mezquita es su "torre de llamada" (minarete). Esta torre circular tiene 36 metros de altura y un extremo puntiagudo.​ El minarete pudo haber funcionado como un faro para los barcos, lo que explicaría su nombre (Guangta, literalmente "torre de luz"). Guangta también se puede traducir como "torre lisa", refiriéndose a la superficie sin adornos del minarete.

LOS CHINOS QUE SE CONVIERTIERON AL ISLAM SON LOS ANTEPASADOS DE LOS HUI, LOS CHINOS MUSULMANES (CA. 23 MILLONES)

Un hui en el patio de la Gran Mezquita de Xi'an

Los Hui se concentran principalmente en China del Noroeste (Gansu, Qinghai, Shaanxi, Ningxia y Sinkiang) y en la Llanura Central aunque se pueden encontrar en todo el país.

La mayoría de los Hui son étnicamente y lingüísticamente de la Etnia han, pero con las diferencias que supone pertenecer al islam como una dieta sin cerdo, combinación de cocina y artes marciales musulmanas, diferenciadas de las chinas, etc.

Dinastía Tang (618 - 907 d. C.)
La llegada del Islam a China tuvo lugar en la Dinastía Tang, durante el siglo VII. La etnia Hui, como la conocemos hoy en día, tiene diversos orígenes según la situación geográfica en la que nos establezcamos. Se cree que los primeros Hui en llegar a China eran comerciantes extranjeros provenientes de Arabia y Persia.

Dinastía Song (960 a 1276 d. C.)
Debido a la gran acogida del comercio que encontraron, durante la Dinastía Song, nuevas familias de comerciantes, diplomáticos y mercenarios musulmanes entraron por el norte de China, dirigiéndose a las capitales Chang’an (actual Xi’an) y Luoyang.


APROVECHANDO LA DERROTA DE LA DINASTÍA TANG EN LA BATALLA DE TALAS Y LA LEJANÍA DEL CALIFATO ABASÍ, UNAS TRIBUS TURCAS, LOS UIGURES, SE APODERARON DEL TAKAMAKAN Y EL CORREDOR DEL GASU (SS. VIII-IX).

Hoy 11 millones en China
Los uigures,  son un grupo étnico que vive en las regiones del noroeste de la República Popular China, principalmente en la Región Autónoma Uigur de Sinkiang. También se encuentran miembros de este pueblo en Kazajistán, Kirguistán y Uzbekistán. Otro grupo habita en la zona de Hunan. Son uno de los 56 grupos étnicos reconocidos oficialmente por el gobierno chino.

Extensión del Kanato Uigur en el siglo IX

ONU dice estar ‘profundamente preocupada’ por un informe sobre los uigures en China
Tras meses de trabajo, un grupo de juristas y expertos en derechos humanos reunidos en Londres afirmó el jueves que el trato de China a la minoría musulmana uigur equivale a un genocidio (2021 - La Razón)

Tras meses de trabajo, un grupo de juristas y expertos en derechos humanos reunidos en Londres afirmó el jueves que el trato de China a la minoría musulmana uigur equivale a un genocidio y a crímenes contra la humanidad, lo que desencadenó indignación en Pekín.  


2020
Esterilizaciones forzadas, abortos masivos, imposición de utilizar dispositivos intrauterinos serían los métodos implementados por el gobierno chino con el objetivo de reducir la tasa de natalidad de las minorías étnicas musulmanas. Así lo describe la investigación del antropólogo alemán Adrien Zenz quien analiza documentos oficiales que dan cuenta de un plan financiado por el gobierno chino para reducir los nacimientos de las minorías étnicas musulmanas en China. En este programa conversamos con Adrian Zenz quien detalla los hallazgos de su investigación.

Los abusos en contra de las minorías étnicas musulmanas uigures, en China, han sido largamente documentados en los últimos años; testimonios de aquellos que lograron escapar de los campos de internamiento - o de reeducación como los llama el gobierno chino -
Entre 2015 y 2018, el crecimiento de esta población bajó un 84%. En 2019, la tasa de natalidad de Xinjiang cayó un 24% más. En paralelo, la tasa de natalidad de otras regiones también bajó pero solo en 4.2% entre 2018 y 2019. 


El califato abasí hacia el 850.

A PARTIR DEL SIGLO VIII, LA MAYOR PARTE DE LA RUTA DE LA SEDA QUEDÓ EN MANOS DE LOS ABASÍES, APORTANDO ENORMES INGRESOS AL CALIFATO. TODAVÍA HOY EL CAMINO Y LOS PRODUCTOS DE ORIENTE SE ASOCIAN CON ESTE CONTEXTO DE ESPLENDOR Y RIQUEZA.



La Mezquita del Profeta  es una mezquita establecida y construida originalmente por el profeta islámico Mahoma, ubicada en Medina, en la región de Hiyaz en Arabia Saudita. Fue la tercera mezquita construida en la historia del Islam y ahora es una de las más grandes del mundo. Es la segunda mezquita más sagrada del islam —entre la Gran Mezquita en La Meca y la mezquita de Al-Aqsa (al lado de la Cúpula de la Roca, en Jerusalén)—. La mezquita original fue construida por el profeta Mahoma. Los siguientes califas aumentaron el tamaño y la decoración de la mezquita. La mezquita original no era muy grande y solo representaba una pequeña parte de la actual mezquita. El tamaño de la mezquita se aumentó de modo considerable tras la fundación de Arabia Saudita. La última renovación tuvo lugar bajo el rey Fahd. Siempre está abierta, independientemente de la fecha o la hora.

Tras una expansión durante el reino del califa omeya Al-Walid I, la mezquita incorpora ahora las sepulturas de Mahoma y de los dos primeros califas RashidunAbu Bakr y Úmar.

Masjid al-Nabawi, en Medina. 

(2)LA RUTA DE LA SEDA (2ª PARTE) - LA ERA DE LOS CALIFATOS - Herederos de Mahoma - LOS CUATRO CALIFAS PERFECTOS La Primera Expansión Musulmana La emperatriz Wu (Wu Zetian) - ¿Que ocurrio en la dinastía Tang? PINCHA AQUI

La Meca  es la principal ciudad de la región del Hiyaz,​ en la actual Arabia Saudita, y una de las más importantes de la península de Arabia. Está situada al oeste de la península y cuenta con 1 675 368 habitantes (censo de 2010), localizada en un estrecho valle, a 277 m sobre el nivel del mar; se ubica a 80 km del mar Rojo.

Ciudad natal de Mahoma, es la más importante de todas las ciudades santas del islam, visitada cada año por millones de peregrinos. Antes de que Mahoma predicara el islam, esta era ya para los paganos una ciudad santa, con varios lugares de importancia religiosa, entre ellos el más importante de todos: la Kaaba.


La Kaaba, es una construcción cuya forma es la de un prisma que está dentro de la mezquita Masyid al-Haram de La Meca (Arabia Saudita), centro religioso del islam.​ Representa el lugar sagrado y de peregrinación religiosa más importante del islam.​ Para los musulmanes la Kaaba es la Bayt Allāh, la «casa de Dios», donde lo divino toca lo terrenal
Los musulmanes creen que la Kaaba ha sido construida y reconstruida muchas veces a lo largo de la historia, de manera más famosa por Ibrahím (Abraham) y su hijo Ishmael, cuando regresó al valle de La Meca varios años después de abandonar a su esposa Hajar (Agar) y a Ishmael allí por órdenes de Alá.

En el interior de la Kaaba había varias esculturas y pinturas. Se sabe que una estatua de Hubal (el ídolo principal de La Meca) y otras estatuas de otras deidades paganas, estaban colocadas en la Kaaba o en sus alrededores. Había pinturas decorando las paredes, una de ellas, según algunas fuentes, era la imagen de Isa (Jesús) sentado en el regazo de su madre Maryam (María). También se mencionan un par de cuernos de carnero, pertenecientes al animal sacrificado por Ibrahim en lugar de su hijo Isaac.

Sin embargo, ni la Kaaba ni la Piedra Negra son objetos de adoración en el islam, pues los musulmanes adoran única y exclusivamente a Alá.


La Piedra Negra  es una reliquia musulmana, que según la tradición islámica se remonta a los tiempos de Adam (Adán) y Hawa (Eva). Es considerada por los musulmanes como una piedra del Paraíso. Se encuentra en la esquina oriental de la Kaaba.
 La Piedra Negra es, según la tradición, un meteorito que el arcángel Gabriel (Yibril) entregó a Abraham (Ibrahim). De acuerdo a las creencias islámicas, descendió a la tierra más blanca que la leche, pero los pecados de los hijos de Adam (Adán) la volvieron negra. 

¿Qué es el Hajj?
El Hajj en el Islam es una peregrinación sagrada realizada por los musulmanes en la mezquita sagrada Masjid al-Haram en La Meca, Arabia Saudita. Es uno de los cinco pilares del Islam y tiene lugar durante el mes de Dhul Hijjah, el duodécimo mes en el calendario islámico.
El peregrinaje del Hajj se lleva a cabo durante cinco o seis días. Desde el día 8 al 12 o 13 del mes de Dhul Hijjah.
MAHOMA lo instituyó

martes, 14 de noviembre de 2023

(12) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - DESDE LOS AÑOS 50 UN CAMBIO DE RUMBO - LA BIENAL DE VENECIA - 59 Bienal de Venecia – La Leche de los Sueños (1) – Maruja Mallo -Mary Leonora Carrington - Teresa Solar -June Crespo Oyaga - Ignasi Aballí - La Bienal de São Paulo -Benjamín Palencia Pérez

(11) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - Pabellón de España en la Bienal de Venecia - El mítico Caffè Florian de Venecia - Mariano Benlliure Gil -  Mariano Fortuny y Madrazo -  José Gutiérrez Solana - Ignacio Zuloaga Zabaleta - José Aguilar, PINCHA AQUI

DESDE LOS AÑOS 50 UN CAMBIO DE RUMBO

LA BIENAL DE VENECIA
El 17 de julio de 1976 se inauguró la XXXVII Bienal de Venecia, dedicada a España con un programa cultural cuyo lema era «La España de la Resistencia». En este marco se realizó la exposición «España. Vanguardia artística y realidad social, 1936-1976».

El contenido de esta exposición y la polémica en torno a su selección ilustran con nitidez la realidad del arte en el franquismo y la Transición como vanguardia de lucha por la democracia.

“La elaboración del proyecto ha corrido a cargo de una Comisión, integrada por Antoni Tápies, Antonio Saura, Agustín Ibarrola y el Equipo Crónica (pintores); el arquitecto Oriol Bohigas, el grafista Alberto Corazón, los historiadores Tomás Lloréns y Valeriano Bozal, con la asistencia del arquitecto Víctor Pérez Escolano, la profesora Inmaculada Julián, el pintor Josep Renau y el fotógrafo José Miguel Gómez, ejerciendo funciones coordinadoras, a título de secretario, Mantiel García García,

1.-Arte y realidad socio política en la guerra civil española: a) Reconstrucción del Pabellón de España en la Exposición internacional de París de 1931, con la presentación de las obras de Picasso, Miró, Calder, etc., que en él estuvieron expuestas. b) Muestra del cartelismo y la gráfica durante la guerra civil, con una selección de los más destacados cartelistas (Ballester, Renau, Solá, Fontseré, Tejada, Bardanaso, etc.) y artistas (Castelao, Souto, Rodríguez Luna, Arteta Prieto, García Maroto, etc.) de la época.

2.- Muestra monográfica de los autores que estuvieron ligados a la actividad plástica de la época; Pablo Picasso, Joan Miró, Alberto Sánchez, Julio González, Josep Renau.

3.- Desarrollo crítico de la pintura y escultura española desde 1939 a 1976, con especial atención a las tendencias expresadas en el período y los grupos ligados a las mismas (Dau al Set, El Paso, Equipo 57, Estampa Popular, etc.)

Fue la representación no oficial del arte español.
Por una parte, Rafael Alberti, Vicente Aguilera y José María Moreno Galván criticaron la composición del comité, reconociendo (El País, 25 de julio de 1976) que se habían negado a colaborar porque “supimos que el gran ideador de la exposición española de esta Bienal era Eduardo Arroyo”, miembro permanente de la Bienal y al que acusaron de “ultraizquierdista”.
Los artistas vascos Chillida, Oteiza e Ibarrola retiraron sus obras de la exposición porque no habían sido invitados a participar en representación de Euskadi, sino de España en general.
EL ARTE FRENTE AL FRANQUISMO

La represión franquista de las culturas de las nacionalidades españolas y el fomento de una identidad sobre la patria, generó un rechazo generalizado y una búsqueda por parte de los artistas de una identidad propia diferente.
En este enfrentamiento estético destacaron dentro de España los pintores del grupo El Paso (Antonio Saura, Manolo Millares, Pablo Serrano, Rafael Canogar, Luis Feito y otros) (1957-1959) y, desde Valencia, los del Equipo Crónica (Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo) (1964), junto a otros muchos pintores.

59 Bienal de Venecia – La Leche de los Sueños (1) – Maruja Mallo

The Milk of Dreams (La leche de los sueños) es el lema elegido para La Bienal de Venecia de 2022. Está inspirado en el libro homónimo de la artista surrealista Leonora Carrington, que describe un mundo mágico en el que la vida puede cambiar y transformarse. En el pabellón central se mostrarán obras de las pintoras españolas ya fallecidas Maruja Mallo, Remedios Varo, Josefa Tolrá y la británica, nacida en Las Palmas de Gran Canaria, Georgina Houghton. También se han seleccionado piezas de las artistas españolas contemporáneas June Crespo y Teresa Solar. Este artículo es el primero de una serie que quiere ser un pequeño homenaje a todas ellas.


Mary Leonora Carrington (Lancashire, Inglaterra, 6 de abril de 1917-Ciudad de México, 25 de mayo de 2011)​ fue una pintora surrealista y escritora inglesa nacionalizada mexicana.
En 1936 ingresó en la academia Ozenfant de arte, en la ciudad de Londres. Al año siguiente conoció a quien la introdujo indirectamente en el movimiento surrealista: el pintor alemán Max Ernst, a quien volvió a encontrar en un viaje a París y con quien no tardó en establecer una relación sentimental. Durante su estancia en esa ciudad entró en contacto con el movimiento surrealista y convivió con personajes notables del movimiento como Joan Miró y André Breton, así como con otros pintores que se reunían alrededor de la mesa del Café Les Deux Magots, como Pablo Picasso y Salvador Dalí.

El mundo mágico de los mayas es un mural de la pintora Leonora Carrington realizado entre 1963 y 1964 para el Museo Nacional de Antropología, por encargo de su director Ignacio Bernal. En este mural se funden imágenes provenientes del Popol Vuh, libro sagrado de los antiguos mayas-quichés, con observaciones directas de la sociedad tradicional maya contemporánea y algunos elementos de la Mitología celta, utilizados en gran parte de su producción artística.


Autorretrato (la posada del caballo del alba) es una pintura onírica y surrealista ejecutada por la artista Leonora Carrington y actualmente en la colección del Museo Metropolitano de Arte.​ Comenzó a pintarla en Londres en 1937 y la completó en París en 1938.4​ Es una de sus obras más reconocidas y ha sido llamada su "primera obra verdaderamente surrealista".​ La presencia de caballos y hienas pronto se convirtió en un rasgo común en su obra.

Maruja Mallo (1902-1995) está considerada como una de las artistas plásticas más reconocidas de la generación del 27, esa generación de las vanguardias que, en muy pocos años, irrumpió en este país, España, con una fuerza inusitada y con obras excepcionales.

Grajo y excrementos (detalle) 1931 y Máscaras, de 1942. Ambas obras pertenecen a la colección del Museo Patio Herreriano de Valladolid

En Lisboa, con ayuda de la poeta y diplomática Gabriela Mistral, embarcó hacia Buenos Aires llevando consigo su lienzo La sorpresa del trigo, inspirado en una manifestación del primero de Mayo. Casi treinta años pasó en aquellas tierras, con producción artística dispar, viajando y exponiendo su obra por todo el continente. En 1948 expuso con gran éxito en EEUU, pero a finales de los cincuenta acabará retirándose tras fracasar varias exposiciones. En 1965 vuelve a España definitivamente viviendo una vida solitaria pues ya no quedan amigos. Sin embargo, su figura empieza a ser reivindicada tras la muerte del dictador Franco y en los 80 se convierte en la musa de la movida madrileña.

Teresa Solar, la estrella de la Bienal de Venecia que salió de un taller de costura clandestino

La artista madrileña es parte de la representación española en la cita italiana, donde también coincide con June Crespo y Maruja Mallo
Llevaban coqueteando desde la primavera de 2020, pero el amor entre Cecilia Alemani, directora artística de la Bienal de Venecia, y Teresa Solar se consumó el pasado septiembre. «Me gustas, proponme algo», le dijo la primera a la artista madrileña, y esta aceptó, sin dudarlo, por supuesto, el reto de estar en la 59ª edición de la cita italiana, que comienza hoy y donde, junto a los trabajos de June Crespo y Maruja Mallo, será la representación española en la exposición principal. «No me pidió nada más, lo que me pareció increíble, aunque también es verdad que mis líneas de creación van en el sentido en el que ella ha dirigido la Bienal», explicaba Solar a LA RAZÓN, en su taller, días antes de viajar a la feria.

La instalación de Solar en la Bienal de Venecia EFE/EPA/Zsolt CzeglediLa instalación de Solar en la Bienal de Venecia EFE/EPA/Zsolt CzeglediZsolt CzeglediEFE

Solar viene de exponer en Liverpool, Barcelona, Bruselas, La Haya, Berlín, Estocolmo, México, Madrid... Pero reconoce que estar en Venecia «es otra liga. Es el reconocimiento europeo. Es el gran salto dentro de una carrera». Aun así, la «velocidad», dice, con la que se ha cerrado la colaboración ha hecho que la artista no sienta el vértigo de una cita de semejante altura: «Ha habido tan poco tiempo para formalizar la propuesta que eso ha jugado a mi favor porque no te lo puedes pensar dos veces. Ha salido todo rápido y sin miramientos».
Fuente: Creada: 23.04.2022 - JULIÁN HERRERO - La Razón

June Crespo Oyaga (Pamplona, 1982) es una artista española.

June Crespo nació en Pamplona en 1982 y se licenció en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco en 2005. Para su formación artística participó en 2005 en el Taller de práctica artística Lupa e Imán en San Sebastián y, al año siguiente, en KUB Kunsthaus de Bregenz, Austria.
Trabaja la escultura, la litografía, el dibujo..., con materiales diversos como la tela, el hormigón, fibra de vidrio, escayola o cera.​ Sus obras forman parte de las colecciones del Museo Reina Sofía y del Museo Artium, entre otros.

La pamplonesa June Crespo participa en la Biennale de Arte 2022 de Venecia
La artista mostrará las obras 'Helmets IV', 'Helmets IX' y 'Helmets X', en el Pabellón Central (Gli Giardini) tras recibir una invitación de la organización.


La presente edición, retrasada un año por la pandemia, lleva por título 'The Milk of Dreams' ('La leche de los sueños'), tomado de un libro de Leonora Carrington, una idea concebida bajo la dirección artística de Cecilia Alemani.


Las obras de Crespo forman parte de un itinerario singular, conformado por piezas de 213 artistas de todo el mundo, que invita a reflexionar sobre "lo humano y lo no humano, la vida y nuestras responsabilidades con el planeta, las personas y otras formas de vida", han explicado desde Etxepare.
La obra de June Crespo se sitúa en este mismo contexto. En sus piezas trabaja desde la escultura "un lenguaje que remite al cuerpo y a sus relaciones con la arquitectura". 

Trabajando directamente con la arquitectura del pabellón
de España, el artista Ignasi Aballí propone "Corrección" en la
Bienal de Arte de Venecia de 2022
“Corrección” es la propuesta de Ignasi Aballí (Barcelona 1958) para el pabellón de España en la Bienal de Arte de Venecia de 2022 y actúa directamente sobre la propia arquitectura, celebrando así los cien años de su construcción. El proyecto fue elegido mediante un concurso en 2020 pero, debido a la pandemia, se vio retrasado, lo que felizmente hace que coincida con el centenario de su construcción. El pabellón original es obra de Javier de Luque (1922) y la fachada fue restaurada por Joaquín Vaquero Palacios (1952).


La propuesta artística de Aballí utiliza herramientas arquitectónicas para intervenir directamente sobre el pabellón a escala 1:1. Busca corregir los errores que el artista ha descubierto en su investigación sobre el pabellón y su relación con la ciudad de Venecia. Como percibió Aballí, el pabellón está girado respecto a los otros edificios que le rodean en los Giardini, no se alinea con los pabellones vecinos de Bélgica y Holanda.


Por ello, su intervención corrige este desajuste girando los muros de su interior diez grados. El espacio del pabellón se ve modificado por la supuestamente correcta disposición de la distribución interior. Se generan interesantes juegos de luces y sombras gracias al sol que se introduce por los lucernarios. Se dan situaciones extrañas en los encuentros entre los muros existentes y los muros corregidos, generando paradojas y extrañamientos en sus giros y apareciendo, en algún caso, espacios absurdos. Trabaja con lo invisible, con lo vacío, con la presencia y la ausencia de la obra.


Hay una segunda intervención que pasa totalmente desapercibida para las personas visitantes. Consiste en seis guías turísticas gratuitas sobre el agotado modelo de turismo en Venecia, intentando señalar los serios problemas del turismo de masas que están llevando a Venecia al borde del colapso. Han sido distribuidas en diferentes puntos de La Biennale di Venezia y de la ciudad. 


V  - Venecia - San Marcos - VENEZIA: LOS LEONES DEL ARSENAL - Encuentro del cuerpo de san Marcos - Giustiniano Participazio (El undécimo dux de Venecia), pincha aqui


Recorriendo el Arsenal, XVII Bienal de Arquitectura en Venecia
Desde la primera edición de la Bienal de Arquitectura en 1980 estos edificios ha sido parte de los espacios expositivos de la muestra.

Se trata de un antiguo complejo industrial, las naves donde en algún momento más de dos mil personas trabajaban para la industria naviera, esa que hizo de la República Veneciana una enorme potencia comercial. 

Son un escenario ideal, antiguas construcciones que con sus materiales vernáculos logran un ambiente perfecto para la Bienal.

La primera parte que se recorre, y tal vez la más grande, es la nave de “le corderie”, el espacio donde se hacían las cuerdas para la navegación, y se trata de un edifico de casi 500 metros de largo. La muestra otorga los primeros lugares de este espacio a los invitados del curador, se trata (como en el pabellón internacional en la sección de los jardines) de una propuesta que busca ilustrar la visión del curador con el apoyo de un muy variado grupo de colaboradores.


Dentro del Arsenal se encuentran pabellones de un puñado de naciones que no cuentan con un espacio fijo en los tradicionales “Jardines”. Naciones más jóvenes o que llegaron al concierto internacional en fases más tardías. Países más alejados al juego internacional que dio lugar en un principio a las bienales de esta naturaleza. La mezcla de naciones es heterogénea y por lo tanto las respuestas de cada nación contrastan enormemente.

Brasilia - Oscar Niemeyer - El Palacio de la Alvorada - El Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer Avilés (España) - Lúcio Costa -  Le Corbusier - Nadir Afonso Rodríguez - La plaza de los Tres Poderes - Bruno Giorgi - La Catedral de Brasilia, PINCHA AQUI

(II) Rio de Janeiro - El Edificio Gustavo Capanema  - Le Corbusier  - Candido Portinari - Iglesia San Francisco de Asís (Belo Horizonte) - Lúcio Costa - Oscar Niemeyer - Juscelino Kubitschek de Oliveira (médico y político brasileño, presidente de Brasil entre 1956 y 1961), pincha aqui

Rio de Janeiro - Brasil - La Independencia de Brasil - Cristo Redentor - Las favelas - Copacabana - Ipanema - Pedro I de Brasil y IV de Portugal, pincha aqui

LAS BIENAL DE SAO PAULO - UN PASEO POR EL RÉGIMEN 1951

Edificio Pavilhão Bienal, de Oscar Niemeyer

La Bienal de São Paulo es una exposición internacional de arte moderno creada en 1951 y celebrada cada dos años en el Pabellón Ciccillo Matarazzo​ ubicado en el Parque do Ibirapuera de la ciudad de São Paulo, Brasil. Iniciativa del Director del Museo de Arte Moderno de São Paulo, Ciccillo Matarazzo inspirado en la muestra de la Bienal de Venecia con el objetivo inicial de difundir el arte moderno brasileño. Es considerada la segunda Bienal de Artes en importancia después de la Bienal de Venecia. Está considerada una de las principales exhibiciones de arte moderno latinoamericano.​ En su versión de 2002 (25ª) tuvo seiscientos setenta mil visitantes. Su entrada es gratuita desde el año 2004 (26ª).

1.º Bienal -- 1951 -- 20 de octubre a 23 de diciembre
Presidente del Museo de Arte Moderno de São Paulo: Ciccillo Matarazzo
Director Artístico: Lourival Gomes Machado
Artistas: 729 -- Obras: 1854 -- Países: 25

España ha obtenido reconocimientos en todas las categorías internacionales de la Bienal, desde el Gran Premio 
de Rafael Canogar, a los de Oteiza, Cuixart, Olmos, Ponç, Berrocal, Villalba y Verdes. Esta exposición rastrea la 
participación española en la Bienal, mostrando las obras que concurrieron al certamen y que, en algunos casos, 
nunca antes habían sido exhibidas en España

Exposición "Vuelta al revés del revés. España en la Bienal de São Paulo". Rafael Canogar. PINCHA AQUI


Francisco Antonio Paulo Matarazzo Sobrinho (20 de febrero de 1898 - 16 de abril de 1977), conocido como Ciccillo Matarazzo, fue un industrial brasileño, fundador del Museo de Arte Moderno de São Paulo y de la Bienal de Arte de São Paulo.
Matarazzo nació en São Paulo. Era hijo del millonario Andrea Matarazzo, uno de los hermanos del conde Francesco Matarazzo. Matarazzo era primo del conde Francisco Matarazzo II, Ciccillo.
Francesco Antonio Maria Matarazzo, Conde Matarazzo (Castellabate, 9 de marzo de 1854 - São Paulo, Brasil, 10 de diciembre de 1937), fue un empresario brasileño de origen italiano que creó un gran negocio en América del Sur, particularmente en Brasil.  Inicialmente vendió naranjas y billetes de lotería y lustró zapatos, reinvirtiendo las ganancias en nuevos negocios, que finalmente incluyeron plantaciones de té, café, maíz, arroz, caucho y algodón.

Creador de la Bienal de Arte de São Paulo y empresario, Matarazzo se convirtió en el principal motor del arte moderno en Brasil. 

Benjamín Palencia Pérez (Barrax, Albacete, 7 de julio de 1894-Madrid, 16 de enero de 1980) fue un pintor e ilustrador español, fundador de la Escuela de Vallecas. En el amplio conjunto de su obra sobresale la poética del paisaje castellano definida por la generación del 98.


Es uno de los principales artistas españoles del siglo xx y uno de los grandes artistas de la pintura española, pieza transformadora del paisajismo castellano y figura imprescindible del vanguardismo pictórico español del siglo xx.

Su necesidad de silencio y soledad le llevó, a partir de 1941, a pasar los veranos en el pueblo de Serafín, su criado, Villafranca de la Sierra, en la provincia de Ávila. 

En 1974 ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y cuatro años después en la catalana de San Jordi.


Deslumbrado inicialmente por un surrealismo de formas zoomórficas y vegetales, guardó en su retina ciertos aspectos del cubismo que resultaron claves en la esquematización de sus paisajes, sin duda lo más representativo de su abundante obra. 

Repercusión internacional

En entrevistas y memorias se habla, por ejemplo, del cuadro que quiso comprarle Braque y que Palencia le regaló (París, 1933); o del que le compró Jacqueline Kennedy en Filadelfia a principios de los sesenta; o de la exposición que le invitó a hacer en su palacio romano la princesa Paravicini (Roma, 196

(11) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - Pabellón de España en la Bienal de Venecia - El mítico Caffè Florian de Venecia - Mariano Benlliure Gil - Mariano Fortuny y Madrazo - José Gutiérrez Solana - Ignacio Zuloaga Zabaleta - José Aguilar

(10) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - LA ARQUITECTURA EN LOS AÑOS 40 - El cine Dorado Zaragoza- Edificio de la Cámara de Comercio de Córdoba - Pabellón español IX Trienal de Milán 1951 - ARTE Y RELIGIÓN - El Grupo R -  El santuario de Nuestra Señora de Aránzazu  - - pincha aqui

LAS BIENALES DE ARTE - UN SISTEMA DE PROPAGANDA

Pabellón de España en la Bienal de Venecia

Bienal de Venecia es una fundación cultural con sede en la ciudad de Venecia y subvencionada por el gobierno italiano. Desde 1895 cada dos años organiza la Exposición Internacional de Arte de Venecia, conocida como Bienal de Arte de Venecia, considerada en su género, la más importante de Italia y una de las más relevantes del mundo.​ Además organiza otras exposiciones, centradas en la música, el cine, el teatro, la arquitectura y la danza


Popularmente se conoce a la Bienal de Venecia como la Exposición Internacional de Arte de Venecia,​ al ser el primero y con mayor importancia internacional de los eventos organizados por la institución desde el año 1895, siendo un evento referente internacional del arte contemporáneo, además del único que mantiene la estructura de representación mediante pabellones nacionales.
En 1919,​ el entonces Director General de Bellas Artes, Joaquín Caro y del Arroyo, Conde de Peña Ramiro, solicita al Ministro de Instrucción Pública que le autorice a iniciar gestiones para adquirir un pabellón en la Bienal de Venecia, ya que hasta 1950 la competencia para la organización de estas exposiciones recaía en la Dirección General de Bellas Artes. Desde entonces se ocupa de la representación española en la Bienal el Ministerio de Asuntos Exteriores, probablemente por las implicaciones que tiene lo que se expone en la imagen internacional del país.

El proyecto se asigna inicialmente a Antonio Flórez, aunque finalmente será realizado por el arquitecto Javier Luque, quién diseñó una planta semejante a la de otros pabellones internacionales, con una sala central, flanqueada de laterales, que permitió ampliar el espacio para exposición de obras. En 1922 se inaugura el Pabellón sin decoración de fachada, que no se terminará hasta 1924. Esta fachada, de inspiración barroca, será sustituida en 1952, por un diseño más sobrio, de manos de Joaquín Vaquero. 

El mítico Caffè Florian de Venecia
Por sus mesas han pasado personalidades como Charles Dickens, Claude Monet, Coco Chanel y Andy Warhol: el Caffè Florian acaba de celebrar sus 300 años (2020) ¡y queremos que cumpla muchos más! 

A través de sus vidrieras, el Florian ha visto pasar tres siglos de historia, siendo testigo mudo del esplendor y la caída de la Repubblica Serenissima di Venezia o de las conspiraciones secretas de quienes querían subvertir el dominio francés y luego el austríaco.

Antes de la pandemia, el Florian recibía 450.000 clientes por año (1.250 al día) Caffè Florian.
La clientela ilustre se remonta hasta sus comienzos, cuando los nobles venecianos se sentaban junto a embajadores, comerciantes, buscadores de fortuna, hombres de letras y artistas, pero también codo con codo con ciudadanos comunes.


LA BIENNALE
A finales del siglo XIX Riccardo Selvatico, el entonces alcalde de Venecia, y sus colegas intelectuales solían reunirse en la Sala del Senado del Caffè Florian.

Fue durante una de esas reuniones cuando nació la idea de organizar una exposición bienal de arte, como homenaje al rey Umberto y la reina Margherita de Italia. La primera Esposizione Internazionale d’Arte, conocida luego en todo el mundo como La Biennale di Venezia se celebró en 1895.


El arte y el Florian siempre se han llevado bien, y desde hace más de tres décadas, el café organiza eventos culturales del más alto nivel, especialmente enfocados en el arte contemporáneo.
Frente a otras exposiciones de carácter más técnico o científico se propusieron afianzar una cita cultural que se ha convertido en una cita ineludible.

Es el intercambio de ideas, información, arte y otros aspectos de la cultura entre las naciones y sus pueblos para fomentar el entendimiento mutuo" 
  • EXOTISMO DE TONO ORIENTALIZANTE
  • EL EXOTISMO COMO CARACTERÍSTICA PROPIA DE LA IMAGEN ESPAÑOLA (EXPOSICIÓN MUN)
  • ESPAÑA COMO DECORADO MORISCO
Mariano Benlliure Gil (Valencia, 8 de septiembre de 1862-Madrid, 9 de noviembre de 1947) fue un escultor español, considerado como el último gran maestro del realismo decimonónico.


Casado con la famosa tiple Lucrecia Arana,​ formó una de las parejas más populares del momento. Gozó de reconocimiento en vida y de una situación económica saneada. Puede decirse que fue el escultor oficial de la Restauración y por su taller madrileño de la calle José Abascal pasaron todos los personajes públicos de ese periodo.
Mariano Benlliure que participó en muchas de las bienales a lo largo de su vida, incluida la primera celebrada en 1895, y fue el gran impulsor de que España contara con un pabellón propio. Ya a principios de 1913 escribió el historiador  y crítico de arte Vittorio Pica, uno de los fundadores de la Bienal y su secretario general a partir de 1920, exponiéndole su "vivo  entusiasmo" porque se pudiera construir un pabellón español para la exposición de 1914, y le pidió todo tipo de  información sobre la construcción de los pabellones de otras naciones, su coste, además de solicitarle todas las normativas.

Mariano Fortuny y Madrazo (Granada, 11 de mayo de 1871-Venecia, 3 de mayo de 1949) fue un pintor, inventor, grabador, fotógrafo, diseñador textil, diseñador de moda empresario y escenógrafo español.

Nació en Granada en 1871, en el seno de una familia volcada por completo en el mundo del arte. Su padre era el pintor español Mariano Fortuny y su madre, Cecilia de Madrazo, también provenía de una familia de artistas pues era hija del también pintor Federico de Madrazo y hermana de Raimundo de Madrazo. Su abuelo, Federico de Madrazo (1815-1894), era un reconocido retratista que fue nombrado director del Museo del Prado en 1861.

Murió en 1949 en su palacio veneciano y fue enterrado en el Cementerio de Verano de Roma. Su viuda donó parte de su legado y el palacio, que actualmente acoge el Museo Fortuny, a la ciudad de Venecia tras haber sido rechazado por el estado español.

 

(XLV) (4) El placer de coleccionar arte - "Los madrazo" - Mariano Fortuny y Madrazo - (Adèle) Henriette Negrin - El Palazzo Fortuny​, pincha aqui

(XLV) (3) El placer de coleccionar arte - "Los madrazo" - Cecilia de Madrazo Garreta  - Mariano Fortuny y Marsala​, pincha aqui

(XLV) (2)El placer de coleccionar arte - "Los madrazo" - Pedro de Madrazo y Kuntz - Luis de Madrazo y Kuntz - Juan de Madrazo y Kuntz - Raimundo de Madrazo y Garreta - Ricardo de Madrazo y Garreta, pincha aqui

(XLV) (XLV) El placer de coleccionar arte - "Los madrazo" - José de Madrazo y Agudo - Federico de Madrazo y Kuntz, pincha aqui



José Romano Gutiérrez-Solana y Gutiérrez-Solana (Madrid, 28 de febrero de 1886-24 de junio de 1945) fue un pintor, grabador y escritor expresionista español.
Al parecer ciertos trágicos sucesos de su infancia marcaron su carácter y su obra, llegando a ser conocido como «el pintor de la España negra».

José Gutiérrez Solana, Murga o máscaras tocando, 1912-1913, Hispanic Society of America

Se instala en Madrid a finales de 1917, donde además de frecuentar bailes y merenderos, el Museo del Prado y el entonces solitario y destartalado Museo Arqueológico Nacional se hace asiduo de las tertulias del Nuevo Café Levante, donde alterna con personajes como Ramón María del Valle Inclán, Ricardo Baroja, Julio Romero de Torres e Ignacio Zuloaga, y de la que en el café de Pombo preside Ramón Gómez de la Serna, donde conocerá a otros pintores, escritores e intelectuales de la época.

Y este tétrico cuadro Chulos y Chulas que le mereció una mención honorífica en la Exposición anual de Bellas Artes en este año de 1906 que el pintor rechazó por haberse enviado otras obras suyas a la famosa y denigrante "Sala del Crimen".
La "Sala del Crimen"  eran las salas habilitadas a donde iban a parar las obras que el Jurado de la Exposición Nacional Anual de Bellas Artes consideraba como de faltas de calidad, que trataban temas inmorales, que eran excesivamente innovadoras ú otras razones análogas por lo que no merecían ser expuestas con las demás obras.

Hizo su primera exposición en París en 1928; resultó un fracaso. En otra a la que acudió Alfonso XIII, sus cuadros se colgaron detrás de una puerta para que no incomodasen al monarca. Pero en 1936, cuando comienza la guerra civil española, Solana es famoso y reconocido fuera y dentro de España. Se traslada a Valencia y luego a París, donde publica París (1938). En 1939 vuelve a Madrid, donde fallece el día de San Juan de 1945.

El cuadro de 1920 La Tertulia del Café Pombo, es un fiel retrato de este mundo.
Aunque en el cuadro de Gutiérrez Solana sólo aparecen nueve de sus miembros, la Tertulia del Café Pombo incluía a muchos más escritores y artistas. Gómez de la Serna es una de las figuras más representativas del momento. Hombre polifacético y controvertido será uno de los ejes centrales de las vanguardias en nuestro país.
Ramón Gómez de la Serna Puig (Madrid, 3 de julio de 18881​-Buenos Aires, 12 de enero​ de 1963) fue un prolífico escritor y periodista vanguardista español, generalmente adscrito a la generación de 1914 o novecentismo, e impulsor del género literario conocido como greguería.


Su pintura, de gran carga social, intenta reflejar la atmósfera de la España rural más degradada, de manera que los ambientes y escenarios de sus cuadros son siempre arrabales atroces, escaparates con maniquíes o rastros y ferias dignos de Valle-Inclán (por los que sentía especial predilección), tabernas, "casas de dormir" y comedores de pobres, bailes populares, corridas, coristas y cupletistas, puertos de pesca, crucifixiones, procesiones, carnavales, gigantes y cabezudos, tertulias de botica o de sacristía, carros de la carne, caballos famélicos, ciegos de los romances, "asilados deformes", tullidos, prostíbulos, despachos atiborrados de objetos, rings de boxeo, ejecuciones y osarios.

Ignacio Zuloaga Zabaleta (Éibar, 26 de julio de 1870-Madrid, 31 de octubre de 1945) fue un pintor español, de los más destacados del siglo xx. Obtuvo grandes premios y distinciones tanto a nivel nacional como internacional. La crítica de París lo denominó «el último gran maestro de la Escuela Española de pintura».

Ignacio Zuloaga. Charles Morice y su mujer, c. 1898 Museo Ignacio Zuloaga. Castillo de Pedraza, Segovia

(5) QUE SABEMOS SOBRE LA HISTORIA DEL ARTE - INDEPENDENCIA Y LIBERTAD - UNIDAD/PATRIA Y RELIGIÓN - GLORIFICACIÓN DE LA PATRIA - CRONOLOGIA Y EVOLUCIÓN - Epílogo: Cambio de siglo - Realismo social - La modernidad pictórica -  Luminismo valenciano - Una historia de la Hispanic Society - Pintores que buscan plasmar la España negra, pincha aqui

José Aguilar, "S.E. il Generalísimo Franco" reproducción en Jefatura Nacional de Bellas Artes.
Biennale di Venezia 1938


Bienal de Venecia 1938