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El Monumento a la Tercera Internacional, o Torre de Tatlin,
Fue un proyecto arquitectónico del escultor ruso Vladímir Tatlin, que fue presentado a comienzos de los años veinte para ser construido en Petrogrado como monumento y sede de la Tercera Internacional.
Anunciaba el “glorioso futuro del comunismo”, pero debido al encarecimiento de los materiales a consecuencia de la guerra civil rusa nunca llegó a ser edificada.
Vladímir Yevgráfovich Tatlin, (Moscú, 28 de diciembre de 1885-31 de mayo de 1953) fue un pintor y escultor ruso, considerado como iniciador del constructivismo, que abarcó múltiples facetas: escultura, pintura, proyectos arquitectónicos, objetos inventados, de diseño, y decorados teatrales.
En 1914, fundó el constructivismo, siendo el principal inspirador de la vanguardia artística de mayor impacto en la URSS, junto con el futurismo.
Tatlin diseñó también el Letatlin (letat significa volar en ruso), aparato volador sin motor de uso individual que permitiría a los ciudadanos soviéticos desplazarse sin crear contaminación y de manera natural.
En 1914, durante su estancia en París, conoció a Picasso y pasó por varios movimientos artísticos. Quiso materializar el arte con montajes, y promover la muerte del arte de museo: "la Obra debe participar en la vida y en la construcción del mundo"
Luego de su visita a París, se convirtió en el líder de un grupo de artistas rusos que trataron de implementar técnicas de ingeniería a la construcción escultórica, movimiento que evolucionó hacia el constructivismo.
El Komintern encargó a Vladímir Tatlin que proyectara un monumento que lo representara a la Tercera Internacional. La presentación de la maqueta del monumento tuvo lugar en Petrogrado en 1920, coincidiendo con el aniversario de la revolución rusa.
El monumento nunca llegó a construirse, pues la guerra civil disparó la carestía de los materiales impidiendo que la Torre de Tatlin pasara de la fase inicial de proyecto.
Se trataba de una torre de estilo constructivista de unos 400 metros de alto, superando en altura a la Torre Eiffel de París. Consistiría en una estructura espiral de hierro y acero, volcada hacia un lado en el ángulo del eje terrestre, conteniendo en su interior cuatro estructuras de vidrio con diferentes formas: un cubo, una pirámide, un cilindro y media esfera. Todos estos elementos rotarían a distintas velocidades. El cubo completaría su giro en un año, la pirámide en un mes, el cilindro en un día y la semiesfera en media hora. Según T. M. Shapiro, que ayudó a Tatlin en la construcción del modelo de la torre, sus dos enormes curvaturas inferiores habían sido ideadas para colocarse a horcajadas sobre el río Nevá.
En su interior se situaría la sede de la Internacional Comunista, así como una oficina de telégrafos y varios restaurantes. Dispondría de una serie de pantallas gigantes por las que se mostrarían las últimas noticias mundiales. Emblema de la “utopía socialista”, el monumento se imaginaba como un faro que alumbra el nuevo mundo.
Francisco Umbral decía que “la pintura es la gran pizarra de la Historia” y en el caso de Kazimir Malévich no podría ser más acertado. La obra del artista ruso refleja perfectamente el periodo convulso que le tocó vivir. Asistió a la caída de la Rusia zarista, momento en que dio sus primeros pasos como pintor figurativo; fue testigo de la Revolución de 1917, en la que participó con su innovador Cuadrado negro, y con la llegada de Stalin retornó al orden establecido, abandonando el Suprematismo, considerado entonces antisoviético.
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(Kiev, actual Ucrania, 1878-Leningrado, actual San Petersburgo, 1935) Pintor ruso.
Su padre era un mal supervisor en refinerías de azúcar por lo que se ve obligado a viajar constantemente. En Parjómovka (raión de Krasnokutsk de Járkov), Kazimir completa los cinco años de Escuela de Agricultura; le gusta el campo y aprende por sí mismo a pintar los paisajes y los campesinos que le rodean.
En 1886 la familia se traslada a Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril. A través de reproducciones, Malévich conoce el trabajo de Iván Shishkin e Iliá Repin, dos pintores naturalistas pertenecientes a un grupo conocido como Peredvízhniki.
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Self-Portrait - Kazimir Malevich
El suprematismo
Fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia en 1915-1916. Fue fundado por Kazimir Malévich. Surgió en Rusia paralela al Constructivismo (alrededor de 1915). Se inició con las ideas del pintor Kasimir Malévich, quien promovía la abstracción geométrica y el arte abstracto, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El Suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica. Se desarrolló entre los años 1913 y 1923, siendo su primera manifestación la pintura de Malévich “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1915. La primera exposición del suprematismo fue en Moscú en 1915 donde se mostró por primera vez el Cuadrado Negro y el Cuadrado rojo. Ese mismo año el pintor Kasimir Malévich y el poeta Vladímir Maiakovski escriben el manifiesto. En 1920 Malévich completa sus teorías escribiendo un ensayo El suprematismo (también conocido como El mundo de la no representación). Los suprematistas se juntaron en un grupo denominado Supremus (sociedad de artistas) cuyo líder era Malévich, entre ellos se encuentran Liubov Popova, El Lissitzky, Aleksandr Ródchenko.
Kazimir Malevich - El suprematismo - El constructivismo - Tatlin - Liubov Popova - Ródchenko - Mayakovski (Recomendado), pincha aqui
"Los Mejores Directores de Cine" - Los hermanos Lumière - Méliès, pincha aqui
Marie-Georges-Jean Méliès
(París, 8 de diciembre de 1861-París, 21 de enero de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía.
Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, popularizó técnicas como el stop trick y fue uno de los primeros cineastas en utilizar exposiciones múltiples, la cámara rápida, las disoluciones de imágenes y la película en colores. Fue también pionero en el uso de guiones gráficos. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine».
Le Voyage dans la Lune (titulada Viaje a la Luna en español) es una película francesa de 1902, en blanco y negro, muda y de ciencia ficción dirigida por Georges Méliès. El guion, escrito por el director y por su hermano mayor Gaston Méliès, inspirada en una amplia variedad de fuentes entre las que destacan De la Tierra a la Luna, de Julio Verne, y Los primeros hombres en la Luna, de H. G. Wells. La película dura 14 minutos con 12 segundos si se proyecta a una velocidad de 16 fotogramas por segundo, y algo más de ocho proyectada a 25 f/s. Narra la aventura de un grupo de astrónomos que viaja a la Luna en una cápsula impulsada por cañones, explora la superficie del satélite, escapa de un grupo subterráneo de selenitas (habitantes lunares) y regresa a la Tierra con un selenita cautivo.
Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y Viaje a través de lo imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896).
Auguste Marie Louis Nicolas Lumière
(Besanzón, 19 de octubre de 1862-Lyon, 10 de abril de 1954) y Louis Jean Lumière (Besanzón, 5 de octubre de 1864-Bandol, 6 de junio de 1948) fueron dos hermanos franceses, inventores del cinematógrafo.
La Sortie de l'usine Lumière à Lyon o La Sortie des usines Lumière (La salida de la fábrica Lumière en Lyon) fue el primer documental, a modo de película muda, dirigido y producido por Louis Lumière. Es considerada, generalmente, la primera producción en la historia del cine, siendo exhibida en 1895 en Francia, pero lo cierto es que La escena del jardín de Roundhay es anterior.
En el cortometraje se muestra la salida de los obreros de una fábrica de los hermanos Lumière en Lyon (Francia), durante 46 segundos.
ARTE NORMATIVO ESPAÑOL FUE UN MOVIMIENTO DE VANGUARDIA TAN EFÍMERO COMO SIGNIFICATIVO, EN LA ESCENA ARTÍSTICA ESPAÑOLA MÁS RENOVADORA DEL PERIODO FRANQUISTA.
El arte normativo o normativismo fue la etiqueta autóctona propuesta, en la España de finales de la década de los cincuenta, con la intención de crear un amplio movimiento representativo, e inédito en nuestro país, de un arte abstracto geométrico heredero del neoplasticismo, el constructivismo y la Bauhaus. Formada por 12 esculturas, 27 pinturas, 5 relieves luminosos, 5 fotografías, 2 tablas y otros elementos expositivos como el cartel de la exposición de 1960 y una película del Equipo 57.
Grupo Parpalló
El Grupo Parpalló fue un grupo de artistas formado en Valencia y alrededores de la comunidad en octubre de 1956. Se fundó para, al igual que otros grupos de postguerra, conectar la creación artística valenciana con el panorama internacional después de la interrupción a causa de la guerra civil española. Se disolvió oficialmente en 1961.
Fue el primer foco de introducción del informalismo en la Comunidad Valenciana y pronto consiguió una formulación rigurosa dentro de esta tendencia artística, si bien entre 1960 y 1961 el grupo perdió su conexión como resultado de las diferentes trayectorias artísticas de los miembros entre los que cabe señalar: Vicente Aguilera Cerní, crítico de arte y el único que fue miembro desde la fundación del grupo hasta su disolución.
Vicente Aguilera Cerni (Valencia, 1920 - Valencia, 1 de enero de 2005) fue un crítico de arte, ensayista y académico de la Comunidad Valenciana, España. Fue Presidente del Consejo Valenciano de Cultura entre 1994 y 1996.
Gil Pérez, Manuel. Valencia, 1925 – VIII.1957
Este artista constituye una de las figuras claves dentro del panorama pictórico valenciano de los años cincuenta. Estudia en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Valencia (1941-1942) y luego en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos (1943- 1950).
Fue siempre un hombre muy emprendedor e inconformista con el arte que se realizaba en la Valencia del momento. Intervino de forma decisiva en la fundación y desarrollo del Grupo Z (1947-1950), del Grupo Parpalló (1956-1961) y colaboró con el Movimiento Artístico del Mediterráneo (1956-1961).
Inicialmente desarrolló una primera etapa de tintes expresionistas, que él mismo denomina “pintura negra”, dedicada al retrato, al cuadro de interior, a la naturaleza muerta y al grabado calcográfico del paisaje.
La pintura del Renacimiento italiano, y en especial Piero della Francesca, fue una verdadera revelación para él.
Su admiración por el Quattrocento italiano parece ya no satisfacerle y en 1954 su espíritu inconformista le lanza a la investigación de nuevas formas pictóricas de expresión y nuevas temáticas que empezarán a dar frutos en 1955. Se interesa por la representación del mundo mítico, tanto cristiano como de otras culturas.
En el verano de 1956 establece contacto con Jorge de Oteiza. Su influencia marcará la obra que Manolo Gil va a realizar hasta su muerte en agosto de 1957.
Eusebio Sempere Juan
(Onil, Alicante, 3 de abril de 1923 - Onil, 10 de abril de 1985) fue un escultor, pintor y artista gráfico español representativo de la corriente creativa arte cinético.
En 1935 se trasladó a Alcoy para cursar estudios de bachillerato, que concluiría cinco años después en Valencia, en el contexto histórico de la Guerra Civil Española.
En noviembre de 1948 Eusebio recibió una beca del Sindicato Español Universitario (SEU) de tres mil pesetas para ir a París, donde tomaría contacto con los movimientos de vanguardia, alojado en la Casa de España de la ciudad universitaria en París, en compañía de otros artistas como Eduardo Chillida y Pablo Palazuelo. En aquella época recibe influencias de Paul Klee, Wassily Kandinsky, Henri Matisse, Piet Mondrian o Georges Braque (a quien suele visitar en su taller).
En ese periodo se sitúa el inicio de su inmersión en la pintura abstracta y la geometría, siguiendo a Klee, Kandinsky y Mondrian, primero en gouaches, cartulinas y acuarelas, en una búsqueda de lo que el artista definió como «vocabulario de significantes propios».
En 1963 y 1966 viajó becado a Estados Unidos. En la década de 1960 expuso además en Italia, Alemania o Japón, y se especializó en la técnica de la serigrafía que desarrollaría en la década siguiente. En su última etapa vital se interesó por la escultura y su relación con lo cinético, lo óptico y la luz. Según sus propias manifestaciones, concebía sus esculturas como «pinturas en tres dimensiones o anti-esculturas», piezas de hierro o acero de depurada técnica y síntesis geométrica, móviles o giratorias, colgantes o sobre peanas o plataformas.
Doro Balaguer
(Valencia, 1931-Valencia, 29 de enero de 2017), fue un pintor de estilo abstracto y político español, miembro del Grupo Parpalló y dirigente del Partit Comunista del País Valencià primero, y fundador de Unitat del Poble Valencià después.
Proveniente de una familia de industriales y comerciantes, Doro Balaguer estudió Bellas Artes en el Antiguo Convento del Carmen de Valencia, donde se encontraba la Escuela y vivió en París, donde recibió la influencia de las tendencias más vanguardistas de la pintura de los años 1950 y se comprometió políticamente ingresando en el Partido Comunista de España (PCE).3 Al volver a Valencia formó parte del grupo Parpalló, fundado en 1956.
Durante el franquismo llegó a ser uno de los dirigentes del PCE en la clandestinidad en la actual Comunidad Valenciana. Con la llegada de la Transición democrática y la agrupación de las formaciones comunistas territorialmente en Valencia en una sola formación, el Partit Comunista del País Valencià, Balaguer sería uno de sus líderes hasta los años 1980
Doro Balaguer fue candidato a la presidencia de la Generalidad Valenciana por UPV en las elecciones a las Cortes Valencianas de 1983, donde obtuvo poco más del 3 % de votos y, aunque quedó como cuarta fuerza política, no obtuvo escaños. El fracaso le llevó a abandonar la política en los años 1990. En 2009 regresó a la pintura, siendo su estilo abstracto, y en 2011 realizó una gran exposición antológica en Valencia patrocinada por la Fundación Chirivella Soriano. Desde entonces continuó pintando y exponiendo, especialmente en la Comunidad Valenciana y Aragón.
La revista De Stijl ('El Estilo')
En 1917 Van Doesburg fundó la revista De Stijl, cuyos cofundadores fueron A. Kok, J. P. Oud, Piet Mondrian y V. Huszar. Desde su primer número, la revista fue el órgano de un estilo colectivo. Las primeras obras fueron las Composiciones en planos de colores, de Mondrian, en las que los rectángulos de colores primarios destacan sobre un fondo blanco. Se sumaron obras paralelas de Van Doesburg y Van der Leck. En estos cuadros aparecieron dos hechos nuevos: la preponderancia del color y una composición centrífuga que remplaza a la orientación centrípeta de las obras precedentes.
Piet Mondrian (7 de marzo de 1872-Nueva York, 1 de febrero de 1944) fue un pintor vanguardista neerlandés.
Fue miembro de la corriente De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Vasili Kandinski y Kazimir Malévich.
El Neoplasticismo es un movimiento artístico iniciado en Países Bajos en 1917 por Piet Mondrian. También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo y al futurismo).
La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es de una regularidad absoluta.
Arquitectura neoplasticista
Theo van Doesburg, Architectuuranalyse de 1923
Un ejemplo claro de arquitectura neoplasticista es la Casa Schröder de Gerrit Rietveld y Truus Schröder-Schrader, quien encargó el proyecto para lo que fue su residencia, y la de sus tres hijos, hasta su muerte en 1985. El requisito principal era un diseño preferiblemente sin paredes. Ejerció también influencia sobre Pieter Oud, Walter Gropius, van der Rohe, Le Corbusier...
Por su maestría en el uso de un lenguaje geométrico, los artistas del Stijl fueron, desde aquel momento, capaces de abstenerse de toda referencia a la realidad percibida y de representar la esencia misma de la realidad en sus nuevas obras. Puesto que éste fue el objetivo del grupo y de su arte: hacer visible la esencia de la realidad, que no estaba más que velada por las formas individuales de la naturaleza y por el temperamento característico del artista. De Stijl aspiraba a la expresión de lo universal. Mondrian definió este objetivo al escribir: «Si verdaderamente la elaboración apropiada de los medios de expresión y su utilización -es decir, la composición- es la única expresión pura del arte, entonces los medios de expresión han de estar en completa conformidad con aquello que deben expresar. Si pretenden la expresión directa del universo, no pueden ser más que universales, es decir; abstractos».
Esta toma de posición está en la base del arte del Stijl, para el cual Mondrian encontró el nombre de neoplasticismo. Después de los primeros intentos, Mondrian y sus compañeros dieron forma a un lenguaje geométrico sobrio y claro, que era capaz de expresar esta esencia de la realidad, este tema del que las apariencias de la naturaleza no eran más que sus variaciones. En 1918, Mondrian unió las líneas a los colores, introduciendo las horizontales y las verticales y entrecruzándolas; de esta manera se formaban rectángulos, pero resultaba también así una nueva unidad del color y del fondo blanco que, desde entonces, formaba parte del mismo plano visual.
LXXVII - LA BAUHAUS Y LA MODERNIDAD - NEOM: La 'meca' futurista de Arabia Saudí - El Organicismo - Frank Lloyd Wright - pincha aqui
LXXV - (2)LA BAUHAUS Y LA MODERNIDAD - El Cabaret y la República de Weimar - El estallido cultural: la Deutsche Kultur se vuelve loca, pincha aqui
La Bauhaus (2) - Ludwig Mies van der Rohe - Herbert Bayer - Marcel Breuer - Hans Emil Meyer (Director de la Escuela de la Bauhaus de 1928 a 1930, después de Walter Gropius), pincha aqui
La Bauhaus - El Expresionismo - Edvard Munch - Ernst Ludwig Kirchner, pincha aqui
"UNA FORMA VISIBLE Y TANGIBLE DE COSAS QUE NO EXISTÍAN ANTES, PARA REPRESENTAR PENSAMIENTOS ABSTRACTOS EN UNA FORMA SENSIBLE Y TANGIBLE"
Andreu Alfaro Hernández
(Valencia, 5 de agosto de 1929 - Valencia, 13 de diciembre de 2012) fue un escultor español, calificado como uno de los más relevantes del siglo XX.
La fuerte carga humanística y la educación recibida le llevaron a entender que la vida, la sociedad y la cultura eran una sola cosa.
Paralelamente, su padre se dedicaba al negocio de la carne y a muy pronta edad, Alfaro comenzó a ayudarle. Se encargó tanto del trabajo en la propia carnicería, situada en el centro de Valencia, como en el de la selección de carnes desplazándose hasta los establos donde estaba el ganado. Pero sus inquietudes artísticas le llevaron, desde bien joven, a experimentar con el dibujo. Según sus propias palabras, la necesidad de adentrarse en la escultura se debió a la superación de los límites del papel, buscando llegar más allá.
En 1954 se reencuentra con la antigua afición por el dibujo durante un viaje a Italia, plasmando en un cuaderno que llevaba consigo paisajes y monumentos. Sería este el germen de lo que a la postre le llevaría a convertirse en el artista que fue.
Maguncia es la capital del estado federado alemán de Renania-Palatinado. Es una ciudad situada en el suroeste de Alemania, a orillas del río Rin, en la margen opuesta a la desembocadura del Meno, por lo que es un importante puerto fluvial de Alemania. En la orilla contraria se encuentra la ciudad de Wiesbaden, en el estado de Hesse.
Destaca por ser el lugar donde Johannes Gutenberg inventó la imprenta de caracteres móviles.
En el año 1958, y junto con varios amigos, se desplazó hasta Bruselas, donde se estaba celebrando la Exposición General, y donde entró en contacto con la obra de Constantin Brâncuşi, lo cual fue determinante para que decidiese priorizar sus creaciones en el campo de la escultura.
Constantin Brancusi - Henry Moore - Chac mool, PINCHA AQUI
Constantin Brancusi
Nació en Rumania en 1876 y estudió escultura en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest. En 1904 se instaló definitivamente en París, donde conoció a Auguste Rodin y a Amadeo Modigliani, con quien mantuvo una profunda amistad. Su obra llamó la atención de Rodin, proponiéndole trabajar en su taller. Brancusi rechazó su oferta, aunque siempre consideró que el escultor francés era el punto de partida de la escultura contemporánea. Las primeras obras muestran la influencia de Rodin y de los impresionistas, pero a partir de 1907-1908 evoluciona hacia un estilo mucho más personal. Inicia un proceso en el que sus figuras se simplifican y tienden hacia la abstracción. Se interesa por el arte primitivo, por la escultura prehistórica y africana y por las esculturas de Gauguin. Es en este momento cuando inicia El Beso.
Relacionado con el Grupo Parpalló (1957) e influido por los constructivistas, como Constantin Brâncuşi o Antoine Pevsner, y por Jorge Oteiza. Comenzó haciendo uso de latas y alambres para, poco a poco, ir profundizando en las posibles aplicaciones y formas de los distintos metales, hasta el punto de dominarlos.
Esta obra escultórica creada por el artista Andreu Alfaro en 1999 es la más importante del campus de la UAB --Está ubicada en la entrada sur del campus de la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB). Las Columnas de Bellaterra son cuatro esculturas de granito rojizo que se retuercen y se estiran simultáneamente buscando el cielo, como se aprecia en las fotografías. Las columnas despegan entre 25 y 40 metros y se encuentran en medio de una zona verde. Las acompañan diversas placas de piedra en las que están inscritos los nombres de todas las universidades de la Xarxa Vives d'Universitats. Esta obra es un símbolo que se dirige al futuro y sienta las bases de la durabilidad de la unión entre la comunidad universitaria catalana y las relaciones inseparables entre la naturaleza, la ciencia, el arte y la identidad, según el proyecto del artista.
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