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Díptico de Wilton
El Díptico de Wilton, es obra de un pintor anónimo del siglo XIV, denominado Maestro Inglés o Maestro del Díptico de Wilton. Este artista estuvo activo en Inglaterra alrededor de 1390-1395. Pertenece al estilo gótico internacional.
El díptico está realizado con pintura al temple sobre tabla, con unas dimensiones de 45,7 x 29,2 cm cada una de las tablas, y fue pintado hacia 1395 o más tarde. Se conserva en la National Gallery de Londres. Es un pequeño retablo portátil formado por dos paneles. La supervivencia de una tabla religiosa como esta, de finales de la Edad Media en Inglaterra, es extremadamente inusual.
Ricardo II de Inglaterra (Burdeos, 6 de enero de 1367-Yorkshire, c. 14 de febrero de 1400), llamado también Ricardo de Burdeos, fue rey de Inglaterra desde 1377 hasta su derrocamiento en 1399.
El díptico se pintó para el rey Ricardo II de Inglaterra, que aparece representado de rodillas ante la Virgen con el Niño. La pintura se considera un sobresaliente ejemplo del estilo gótico internacional y posiblemente del arte inglés.
Al otro lado se ve el escudo de armas asociado al rey Eduardo el Confesor atravesado con las armas de los reyes de Inglaterra. El escudo de Eduardo fue una invención posterior al reinado de dicho monarca, ya que los escudos no existían en el siglo XI, cuando él vivió. Ricardo adoptó estas armas en torno a 1395, lo que nos sirve para datar la obra dentro de los últimos cinco años de su reinado.
Se conoce la identidad del rey arrodillado debido a que los ángeles que rodean a la Virgen lucen la insignia de Ricardo II, el White Hart (literalmente, «ciervo blanco»), que también aparece en el brocado de la tabla izquierda y en la parte exterior del díptico. Al tiempo que Ricardo se arrodilla, el Niño Jesús se inclina hacia él bendiciéndolo
El cuadro es representativo de la confianza de Ricardo en su derecho divino a reinar y de su genuina devoción cristiana. También simboliza (por medio del estandarte) la entrega de su reino a la Virgen María, continuando así con una larga tradición por la que Inglaterra llegó a denominarse «la dote de María» y se consideraba bajo su protección especial.
La visión de San Eustaquio es una pintura al temple sobre madera obra de Pisanello. Probablemente pintado a finales del siglo XIV, pertenece al movimiento gótico.
La leyenda cuenta que San Eustaquio, un caballero romano, se convirtió al cristianismo durante una cacería tras toparse con un gran ciervo que portaba un crucifijo en la cornamenta. Pese al cariz religioso de la escena, su carácter no es meramente el de una escena de devoción, sino que posee elementos de escena de caza; por ejemplo, el artista plasmó cuidadosamente los elementos distintivos de las diferentes razas de perros empleados para la caza mayor en la época.
Pisanello, (h. 1395- probablemente 1455), erróneamente llamado Vittore Pisano por Giorgio Vasari, fue un pintor y medallista cuatrocentista italiano. Los humanistas de su época lo aclamaron, lo mismo que poetas como Guarino da Verona. Porcellio le comparó con nombres tan ilustres como los de Cimabue, Fidias y Praxíteles.
San Jorge y la princesa (c. 1436-1438), Iglesia de Santa Anastasia (Verona)
Su vida está oculta en el misterio. Nació entre 1380 y 1395 y murió entre 1450 y 1455 (probablemente entre el 14 de julio y el 8 de octubre de 1455). Llevó una vida errante de corte en corte, lo mismo que Gentile da Fabriano. Estuvo empleado por el Dogo de Venecia, el Papa en el Vaticano y las cortes de Verona, Ferrara, Mantua, Milán, Rímini, y por el Rey de Nápoles. Gozó de la consideración de las familias Gonzaga y Este.
Se le considera nativo de Pisa, de donde le viene el sobrenombre.
Este Retrato de una princesa de la casa de Este está pintado a la témpera sobre madera, y está atribuido al pintor italiano de finales del gótico Pisanello. Probablemente se ejecutó entre 1435 y 1449. Se atribuye a Pisanello por su estancia en Ferrara en esa época, donde también acabó un retrato y una medalla conmemorativa del Marqués Leonello de Este. Se encuentra en el Museo del Louvre en París, Francia.
La princesa se muestra de perfil contra un fondo de numerosas mariposas y aguileñas (Aquilegia vulgaris).
El sujeto de la pintura ha sido identificada como Ginevra d'Este (siendo una clave para ello la presencia de juniperus, ginepro en italiano), aunque inicialmente se creyó que podría ser Margarita Gonzaga, esposa de Leonel de Este. De hecho, las flores del fondo no contienen referencias a símbolos de los Gonzaga, mientras que un jarro, símbolo de los Este, sí está presente. Ginevra de Este se casó con el condottiero y señor de Rímini, Segismundo Malatesta, pero este la mató tras descubrir sus infidelidades. La presencia de la aguileña, símbolo del matrimonio pero también de la muerte, ha llevado a pensar que la pintura fue ejecutada por Pisanello después de la muerte de Ginevra, en los años 1440.
La mariposa cerca de la ceja de la princesa es un símbolo del alma.
Domenico di Michelino (Florencia, 1417-Florencia, 18 de abril de 1494) fue un pintor florentino, cuya única obra documentada es una alegoría sobre Dante y su Divina Comedia que se encuentra en la catedral de Florencia. La obra (que, según las fuentes, recibe distintos títulos) fue pintada en 1465 para conmemorar el segundo centenario del nacimiento de Dante. Se trata de una témpera sobre tela y está en alto, adosada a un muro lateral, en la nave del evangelio. Representa al poeta florentino en medio de un paisaje evocador de su Divina comedia, libro que lleva abierto en su mano derecha y del que se pueden leer sus tercetos iniciales
Domenico di Michelino: Dante y su poema (1465). Catedral de Santa Maria del Fiore, Florencia.
A la derecha de la figura de Dante, Michelino reproduce una vista urbana de Florencia (dominada por la gran cúpula de Brunelleschi); a la izquierda de Dante, se representa el Infierno; a espaldas del poeta, figura la montaña del Purgatorio, coronada por el Paraíso donde se ve a Adán y Eva en el momento de su tentación, todo ello bajo las esferas celestiales.
Le Livre de la mutation de fortune es un poema de 1403 de Christine de Pizan. Es una historia universal que cuenta la historia de cómo la Fortuna ha afectado los acontecimientos. El marco narrativo describe el proceso de transformación del narrador en hombre tras la muerte de su marido y, como tal, es un texto temprano sobre la transición de género.
El marido de Christine de Pizan, Étienne du Castel, murió en 1389, dejándola a cargo de su madre y sus hijos como escritora de la corte. Su trabajo enfatiza cómo el aprendizaje la reconfortó después de su muerte.
Christine de Pizan completó este poema de 23.636 versos en 1403. El narrador del texto explica cómo se convirtieron en hombres después de la muerte de su marido para convertirse en escritores, una ocupación considerada masculina.
La autora y la narradora comparten el mismo nombre: Christine. El texto enumera las transformaciones sucesivas realizadas por el personaje de la Fortuna. El narrador indica que fueron transformados en hombre por la Fortuna después de que su esposo muriera en un naufragio cuando tenían 25 años y ya eran madres. Afirman que 13 años después, son y siguen siendo un hombre. Su poema es, por lo tanto, un relato temprano de la transición de género.
Algunas de las miniaturas del libro inspiraron obras de Robinet Testard y Jean Pichore que trabajaron para Luisa de Saboya, entre ellas el rostro de la diosa o la rueda horizontal.
Miniatura de una edición francesa en pergamino de La ciudad de las damas. BnF.
Al iluminador se le conoce como el Maestro de La Ciudad de las Damas.
El libro es la respuesta de Pizan al popular Roman de la Rose, de Guillaume de Lorris, que había acabado Jean de Meung. Las afirmaciones que hay en el Roman de la Rose sobre las mujeres son combatidas por Pizan mediante una ciudad alegórica:4 Pizan defiende a las mujeres citando una amplia gama de figuras femeninas ilustres, que estarán «alojadas» en la Ciudad de las Damas. A medida que Pizan construye su ciudad, nombra a mujeres ilustres para defenderse de los argumentos misóginos vertidos por numerosos y sabios autores. Cada mujer nombrada va a ser un ejemplo de esa contraargumentación.
Nueve de la Fama
Los Nueve Valerosos son nueve personajes históricos que fueron considerados como los máximos representantes del ideal de la caballería. Jacques de Longuyon fue el primero en agruparlos bajo este nombre en su Voeux du Paon / Votos del Pavón en 1312. Se les estructuró en tres ternas, según su religión, mostrando a los mejores caballeros del paganismo, el judaísmo y el cristianismo. Su elección pronto se convirtió en un tema común en la literatura y el arte de la Edad Media y quedó establecida en la imaginería popular.
Esculturas más antiguas conocidas de los Nueve de la Fama en el antiguo ayuntamiento de Colonia (Alemania). De izquierda a derecha aparecen Carlomagno, Arturo y Godofredo de Bouillón (los tres cristianos), Julio César, Héctor y Alejandro (los tres paganos), David, Josué y Judas Macabeo (los tres judíos).
Ya en 1351, por ejemplo, se documenta en Aragón un tapiz sobre la Istoria Novem Militum, y en una carta del año 1356 Pedro IV se refiere a un paño en el que aparecen las figuras de «Julio César, Héctor, Alejandro, Judas Macabeo, David, Josué, Carlomagno, Godofredo y el rey Arturo» y pide información sobre ellos al tesorero de la catedral de Gerona. Al correr del tiempo, sin embargo, tanto el número como los nombres de los famosos caballeros cambia, se reduce o amplía a la conveniencia o intereses del autor.
Castello della Manta - Italia
Godofredo de Bouillon (Boulogne-sur-Mer, Reino de Francia, c. 1060-Jerusalén, 18 de julio de 1100) fue un noble franco medieval conocido por su papel como uno de los principales líderes durante la Primera Cruzada. Como consecuencia de esta exitosa expedición militar a Tierra Santa, Godofredo se convirtió en el primer gobernante del recién establecido Reino de Jerusalén. Se dice que Godofredo se negó a aceptar el título de "Rey", eligiendo adoptar el título de Advocatus Sancti Sepulchri, que significa "Abogado / Protector del Santo Sepulcro" en su lugar.
Castello della Manta es un castillo en Manta cerca de Saluzzo, provincia de Cuneo, región de Piamonte, en el norte de Italia.El edificio original, que data del siglo XII, fue posteriormente ampliado y transformado en residencia noble por la familia Saluzzo della Manta, margraves de Saluzzo.
Atribuida a Giacomo Jaquerio
Entre las numerosas salas, el Salón Baronal (Salone Baronale) destaca por el ciclo de frescos que decora sus paredes, una rara obra maestra de la pintura gótica tardía en el norte de Italia. La obra se atribuye al anónimo Maestro de Castello della Manta. El ciclo, completado poco después de 1420, retrata a las Nove Prodi, las Nueve Dignas con sus Nueve Heroínas Femeninas.
Manta es una comuna (municipio) en la provincia de Cuneo en la región italiana de Piamonte, ubicada a unos 50 kilómetros (31 millas) al suroeste de Turín y a unos 25 kilómetros (16 millas) al norte de Cuneo.La atracción principal es el Castello della Manta, que alberga una serie de preciosas pinturas del siglo XV.
La Fuente de la Juventud, hacia 1420, Giacomo Jaquerio
Giacomo Jaquerio (c. 1375 - 1453) fue un pintor medieval italiano, uno de los principales exponentes de la pintura gótica en el Piamonte. Estuvo activo en su Turín natal, en Ginebra y en otras localidades de Saboya.
El Calvario, en la Abadía de Sant'Antonio di Ranverso
La Abadía de Sant'Antonio di Ranverso es un complejo religioso en Buttigliera Alta, en la ciudad metropolitana de Turín, en el norte de Italia.
Mille-fleurs ("mil flores" y se refiere a un fondo realizado con muchas florecilla y plantas. Fue un motivo especialmente popular en los tapices y otras artes aplicadas y artesanía durante la Edad Media en Europa.
El estilo mille-fleurs fue muy popular a finales del siglo xv y principios del xvi en los tapices franceses y flamencos, siendo sus mejores ejemplos La dama y el unicornio y La caza del unicornio. El término también se usa para describir alfombras orientales con un diseño similar, originariamente persas pero posteriormente producidas en gran parte de Oriente Medio y la India mogol – el estilo europeo medieval pudo haber sido influido por miniaturas o alfombras persas.
Los tapices del unicornio, es una serie de siete tapices realizados entre 1495 y 1505. Los tapices muestran a un grupo de nobles y cazadores persiguiendo a un unicornio, lo capturan y lo llevan a la corte de su señor y su dama. Se cree que los tapices se confeccionaron en los Países Bajos meridionales. o también es posible que se confeccionaran o, al menos, diseñaran, en París. Actualmente se pueden ver en el The Cloisters del Met, en Nueva York (Manhattan).
El unicornio en cautividad, ya no está muerto
Las dos principales interpretaciones de los tapices giran en torno al simbolismo pagano y cristiano. La interpretación pagana se centra en la tradición popular medieval de amantes burlados, mientras que los escritores cristianos interpretan el unicornio y su muerte como la Pasión de Cristo.
Los mitos originales alrededor de La caza del unicornio se refieren a una bestia con un cuerno que solo puede ser domado por una virgen; posteriormente, los eruditos cristianos tradujeron esto a una alegoría para la relación de Cristo con la Virgen María.
En la tapicería gótica, los autores consideraban eventos bíblicos como "históricos", y unían las narraciones bíblicas y seculares en el tejido de tapices. El arte medieval ilustraba principios morales, y los tapices usaban alegorías narrativas para ilustrar esta moral.
A Tour of The Cloisters | Metropolitan Museum of Art | Manhattan | New York City, pincha aqui
Rockefeller compró el sitio del museo en Washington Heights en 1930 y lo donó junto con la colección Bayard al Museo Metropolitano de Arte en 1931.
The Cloisters (en español: “Los Claustros”) es un museo situado en el Fort Tryon Park, de Nueva York. especializado en arte y arquitectura medieval europea, con un enfoque en los períodos románico y gótico. Administrado por el Museo Metropolitano de Arte, contiene una gran colección de obras de arte medieval que se muestran en los escenarios arquitectónicos de los monasterios y abadías francesas. Sus edificios se centran en cuatro claustros, Cuixà, Saint-Guilhem, Bonnefont y Trie, que fueron adquiridos por el escultor y marchante de arte estadounidense George Gray Barnard. Desmantelados en Europa entre 1934 y 1939, y trasladados a Nueva York. Fueron adquiridos para el museo por el financiero y filántropo John D. Rockefeller Jr.. Otras fuentes importantes de objetos fueron donadas por las colecciones de J. P. Morgan y Joseph Brummer.
El corcel dorado (denominado usualmente Goldenes Rössl en idioma alemán y titulado en francés como La Vierge à l'Enfant en un jardín en manière de treilles -"La Virgen y el Niño en un jardín emparrado"-) es una obra maestra de la orfebrería parisina de comienzos del siglo XV, en el estilo denominado gótico internacional.
La pieza fue encargada por Isabel de Baviera-Ingolstadt para su esposo Carlos VI de Francia, y fue ofrecida al rey como regalo (cadeau d'étrennes) el día primero de enero de 1405.
La Virgen, vestida con manto blanco con reverso de oro, se sienta sobre una silla curul situada sobre un estrado, todo bajo un cenador de frutas y flores representados con gran cantidad de zafiros, rubíes y perlas, y en la cual dos ángeles sostienen una corona. Ante María, a su mismo nivel, se arrodillan San Juan Bautista y San Juan Evangelista, este con un cáliz de oro y aquel con un cordero; Santa Catalina de Alejandría, vestida, como el Niño, con túnica roja, tiende una palma de oro a éste, que estira el brazo para cogerla. Al pie del estrado, el rey Carlos VI, con armadura y cubierto de una corta hopalanda azul cubierta de flores de lis en oro, está arrodillado sobre un cojín ante un reclinatorio, de perfil al espectador. Su maréchal se encuentra en una postura similar, frente a él, del lado derecho, y porta su casco coronado. Todos los personajes de esta escena ponen su mirada en la Virgen y el Niño. En el nivel inferior, un palafrenero aproxima su mano a un caballo ricamente enjaezado, el que da nombre a la pieza.
La arquitectura está realizada en oro; los rostros de los personajes, sus vestiduras, el caballo y el cordero en oro esmaltado; las armaduras y algunos otros elementos, en plata. El esmalte blanco sobre altorrelieve de oro es característico de la orfebrería parisina de finales del siglo XIV y comienzos del XV, su época de apogeo. La riqueza de la representación y el realismo con el que se tratan personas y animales, son excepcionales.
El último duelo
El último duelo, es una película histórica de suspenso y drama dirigida por Ridley Scott en 2021.
Ambientada en la Francia del siglo xiv, cuenta la historia de Marguerite de Carrouges, que declara haber sido violada por el escudero Jacques Le Gris, el mejor amigo de su marido. Al no creerla nadie, su marido, Jean de Carrouges, acusa a su mejor amigo ante el rey Carlos VI, quien decide autorizar un duelo a muerte entre ambos.
Carlos VI (3 de diciembre de 1368-21 de octubre de 1422), apodado el Amado (en francés: le Bien-Aimé) y más tarde el Loco (en francés: le Fol o le Fou), fue rey de Francia desde 1380 hasta su muerte en 1422. Es conocido por su enfermedad municipio de Mehun-sur-Yèvre, departamento de Cher, en la región Centro-Val de Loire, antiguamente en el Ducado de Berry. Actualmente en ruinas, se encuentra sobre una eminencia rocosa que domina la confluencia del Yèvre y el Annain.
El castillo de Mehun-sur-Yèvre es una antigua fortaleza medieval situada en el municipio de Mehun-sur-Yèvre, departamento de Cher, en la región Centro-Val de Loire, antiguamente en el Ducado de Berry. Actualmente en ruinas, se encuentra sobre una eminencia rocosa que domina la confluencia del Yèvre y el Annain.
La tentación de Cristo, folio 161v de Très Riches Heures du Duc de Berry, el castillo alrededor de 1420, Musée Condé, Chantillí, ms. 65
Los Valois : las transformaciones del duque de Berry
Jean de France, duque de Berry (1340-1416), encargó la construcción de una fortaleza defensiva en Mehun-sur-Yèvre, que fue transformada en una lujosa residencia de recreo de inspiración gótica, con las decoraciones más suntuosas de su época, por su primer Maestro General de Obras, Guy de Dammartin . El sitio de construcción fue prodigioso y el trabajo comenzó con el regreso del príncipe de su cautiverio inglés en 1367 y se prolongó durante cincuenta años, hasta su muerte en 1416.
LA CASA MAS BELLA DEL MUNDO
Melchior Broederlam fue un pintor flamenco perteneciente al estilo gótico internacional.
Poco se sabe de su vida, solo que estuvo al servicio del duque Felipe el Atrevido de Borgoña en Ypres (Flandes), en el tiempo entre 1391 y 1401. Aparece desde 1387 como ayuda de cámara y después, a partir de 1391, como pintor de la corte.
Las revueltas iconoclastas han provocado que de toda su obra solo hayan quedado de este autor dos tablas realizadas para Felipe el Atrevido. Son dos alas de un retablo para la cartuja de Champmol en Dijon datadas en 1394-1399, pintadas al temple sobre madera.
Felipe II de Borgoña (Pontoise, 17 de enero de 1342-Halle, 27 de abril de 1404) fue un duque de Borgoña perteneciente a la dinastía Valois. Mereció el sobrenombre de Atrevido por el arrojo del que dio muestras en la batalla de Poitiers (1356), en la cual participó con solo quince años de edad.
Hacia 1400, en esa misma corte de Borgoña en que trabajaron los hermanos Limbourg, apareció un estilo diferente, más robusto, de mayor peso y envergadura en las obras de Claus Sluter. Una serie de esculturas destinadas a la Cartuja de Champmol, cerca de Dijon (en la que se iban a situar las tumbas de los Duques de Borgoña), deja ver que, paralelamente al estilo gótico, se va a ir formando una nueva manera de entender el arte, más sobrio, sereno y clásico. En el grupo del Duque de Borgoña, obra realizada en mármol por Sluter, representa a Felipe el Calvo con su santo patrón, éste presenta u perfil quebrado y de agitados ropajes, típicamente gótico, mientras que la silueta del duque arrodillado, contenida en un triángulo, nos introduce en un nuevo estilo. La ausencia de detalles que se aparten del tema principal y la severidad del tratamiento de las superficies de mármol, remiten más a Giotto y a Pisano, que al estilo gótico contemporáneo.
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