(44) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - UN SISTEMA DEL ARTE ESPAÑOL - GALERIAS Y GALERISTAS. Los orígenes de la Casa Macarrón - Helga de Alvear - LA GALERIA BIOSCA Y JUANA MORDÓ, pincha aqui
GALERÍA VANDRÉS Y FERNANDO VIJANDE
En 1980 se celebró en el Guggenheim de Nueva York la exposición New Images from Spain comisariada por Margit Rowell, con quien la galería Vandrés tuvo una estrecha relación durante los viajes de ésta a España. Esta exposición situaría a Vijande en el panorama internacional.
Vistas de The Solomon R. Guggenheim Museum con las exposiciones
New Images from Spain y Eduardo Chillida, 20 de marzo de 1980.
Fotografías: Luis Pérez-Mínguez
La galería Vandrés cerró sus puertas en 1980 y Fernando Vijande, ya en solitario, fundó la Galería Vijande en 1981. Con ella trajo a España a figuras internacionales como Mapplethorpe o Warhol.
El 16 de Octubre de 1981 se inauguró en la galeria Vijande de Madrid la exposición "El Chochonismo ilustrado". Este acontecimiento fué la presentación en sociedad de COSTUS, acompañados de toda "la tribu de las Chochonis". En el catálogo dice así: "Costus presentan El Chochonismo ilustrado. Pinturas y dibujos. Juan de O. Enrique Naya. Fanny. Alaska. Miguel Ordóñez. Clarlos G. Berlanga. Tesa". La inauguración tuvo lugar en la enorme galería nueva de Fernando Vijande -Un garaje subterráneo reconvertido en galería de arte- donde se pudieron ver una colección impresionante de cuadros de los antes citados, con claro predominio de Costus y de Fanny. De la obra de Costus se recoge todo lo que habían pintado entre 1878 y 1981, mostrando desde los Chulos de Juan hasta La serie de Caños de Meca de Enrique y pasando por la serie conjunta de las muñecas de Marín, las Marinas, también conocida como la serie "La marina te llama". Fué un momento mágico de explosión de creatividad. Esta exposición supuso el reconocimiento de los pintores Costus y su afianzamiento como personajes de la Movida. Además, al estar con un galerista de la talla e importancia de Fernando Vijande su carrera cogió impulso y velocidad
Costus, de O, 1981, Acrílico/Aglomerado, 200×100
Obra individual de Juan Carrero. El «Chulo rubio» conocido por el Chulo nº 1, es uno de los cuadros que Juan presentó en la gran exposición del «Chochonismo ilustrado». El uso del color alcanza en esta etapa de Juan una fuerza asombrosa dentro de un estilo que es como una continuación del expresionismo alemán de principios de siglo (Die Brücke – El Puente- sobre todo Karl Schmidt-Rottluff) mezclado con el Fauvismo, en especial con el aire de Matisse. De esta manera Juan continúa una tradición de «modernidad» que nació con el siglo XX y que el desarrolló hasta sus extremos. En ese sentido es notable la influencia de Picasso en las esculturas de Juan y a menudo en sus dibujos de carasCostus es el pseudónimo que desde 1981 utilizaron Enrique Naya Igueravide (1953-1989) y Juan José Carrero Galofré (1955-1989), dos artistas plásticos españoles que también fueron pareja en la vida privada. Gran parte de su obra ha quedado asociada a iconografía básica de la Movida Madrileña.
Ruta vermella, 2009. 65 x 154 x 97 cm. Acero, aluminio y pintura. Foto: Pau Aguilar Amorós. Cortesía MACBA.
Sergi Aguilar i Sanchis (Barcelona, 24 de abril de 1946) es un escultor, orfebre, dibujante y fotógrafo español.
En el inicio de su actividad artística se dedicó a la joyería, con un estilo vanguardista e innovador. Desde 1974 compaginó esta labor con la escultura, que ha practicado igualmente con un fuerte sello innovador, especialmente en cuanto a formas y materiales. También practica el dibujo y la fotografía
«¿Cómo construir unos objetos físicos que proceden, y en cierta forma remiten, a la más pura inmaterialidad?» Esta incógnita es la obsesión que ha estimulado la investigación artística de Sergi Aguilar
"NEW IMAGES FROM SPAIN. Guggenheim NY, 1980"
La comisaria, Margit Rowell, después de ir visitando desde 1978 por toda la geografía española casi un centenar de estudios, seleccionaría para esta muestra a una decena de artistas (Sergi Aguilar, Carmen Calvo, Teresa Gancedo, Antoni Muntadas/Germán Serrán Pagán, Miquel Navarro, Guillermo Pérez Villalta, Jordi Teixidor, Darío Villalba y Zush, añadiéndose a ellos José Luis Alexanco en Hastings Gallery) y de todos estos nombres casi un centenar de piezas.
Carmen Calvo. Por encima del error, 2013
La valenciana Carmen Calvo (1950), cuya obra, muy difícilmente clasificable, transita entre lo exuberante y lo minimalista y cuestiona los modos de relación y comportamiento humanos a partir de textos de Pessoa, Eluard, Rimbaud, Lorca o Buñuel
Calvo comenzó a destacar en el panorama artístico español en los setenta, bajo la influencia del Pop Art y Equipo Crónica y actualmente es uno de los referentes en la conceptualización contemporánea de la idea de fragmento, pues su producción tiene una esencia de hallazgo y de reminiscencia próxima a la de la arqueología: busca en rastros, recurre al azar o peina la realidad para encontrar elementos que, reconstruidos y ordenados, se transforman en obras de arte, en la plasmación de sus vivencias o en la huella que ha dejado en su vida la poesía.
Teresa Gancedo (Tejedo del Sil, León, España; 1937) es una pintora de origen leonés que reside en Barcelona. Es una de las pocas artistas españolas que ha expuesto en el museo Guggenheim de Nueva York, en cuya colección también figura obra suya. Su trabajo artístico, con un estilo muy singular, se caracteriza por la diversidad de medios expresivos — pintura, dibujo, grabado, cerámica, instalaciones e intervenciones, entre otros — y por la incorporación de elementos cotidianos que integra en sus obras, componiendo un universo creativo tan personal como universal y tan sencillo como poderoso.
Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, 12 de mayo de 1948) es un pintor, escultor, grabador y diseñador español, integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los pintores más representativos del posmodernismo en España. Algunas fuentes le incluyen en una corriente que llaman neomanierismo.
Sin duda la característica de éste versátil creador es la pintura y el dibujo, aunque ha "tocado todos los palos", la arquitectura y el diseño sobre todo, Pérez Villalta bebe de las fuentes de la luz mediterránea que alumbra toda su obra con el esplendor de la fantasía y la iluminación que solo los mediterráneos saben dar a sus obras.
Actualmente y desde su estancia en los 90 en Italia, Pérez Villalta ha derivado hacia el clasicismo, pero es en su obra de los 70 y 80 donde identificamos al representante de la Nueva Figuración, del llamado posmodernismo.
Pop Soul. Encapsulados & otros. Darío Villalba
Darío Villalba Flórez (San Sebastián, 22 de febrero de 1939 - Madrid, 16 de junio de 2018) fue un pintor y fotógrafo español.23 En su juventud también fue patinador, y representó a España en los Juegos Olímpicos de Cortina d'Ampezzo 1956.
En París pintó en el taller de André Lhote durante unos meses. En 1962 recibió una beca para estudiar en la Universidad de Harvard, lo que supuso una serie de exposiciones en USA, dando a conocer sus series: La Duquesa de Alba y Fósiles, torsos y huellas. En 1967 comenzó sus viajes a Londres que se convirtieron en una excelente fuente de imágenes fotográficas urbanas. Su serie Los Encapsulados le proporcionó un gran éxito internacional.
La confusión del pasado en el Zerebro, 1969 - Evru/Zush (0404) | MACBA
Alberto Porta, también conocido como Evru (Evrugo Mental State, 2001) o como Zush es un artista de formación autodidacta definido por él mismo como ArtCieMist, una suma de artista, científico y místico. Anteriormente conocido como Zush (1968 - 2001) y Alberto Porta (1946 - 1968), empezó de la mano del galerista René Metras y desde entonces su obra ha recorrido todo el mundo a través de importantes museos como el MoMA (Nueva York), Pompidou (París), MNCARS (Madrid), MACBA (Barcelona), Guggenheim (Nueva York) o Ye Um Foundation (Seúl), entre muchos otros.
Evru trabaja con muy diversas técnicas y se mueve en diferentes disciplinas. En su obra encontramos pintura, fotografía, collage, escultura, música, diseño, etc.
Destaca por ser pionero en el uso de la tecnología para la creación artística y su defensa de la capacidades terapéuticas del arte.
Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) es un artista internacional multimedia, residente en Nueva York desde 1971.
Desde una perspectiva crítica, su obra aborda temas sociales, políticos y de comunicación de todo el mundo, como la relación entre el espacio público y privado dentro de determinados marcos sociales o los canales de información y la forma en que son utilizados para censurar o promulgar ideas. De esta forma, los términos ‘media landscape’ (o ‘paisaje mediático’, que alude a la constante expansión de los medios masivos, la publicidad y el material audiovisual en el espacio público) y ‘critical subjectivity’ (o ‘subjetividad crítica’, para referirse a los modos críticos de percepción, pensamiento y configuración del sujeto), que el propio Muntadas ha planteado y acunado, son clave para entender su propuesta artística.
"Atención, la percepción requiere implicación". Esta frase, en diferentes idiomas, la ha editado Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) en pegatinas, carteles y postales. Es su manera de decir que puede haber muchas lecturas de una misma cosa y una llamada a que el espectador asuma una mirada crítica no sólo ante lo que le presenta el artista, sino también ante la realidad y lo que le explican los medios.
Robert Mapplethorpe (Nueva York, 1946 – Boston, 1989) crece a las afueras de Nueva York en un entorno católico, sin vínculos con el mundo del arte. En 1963 se inscribe en el Pratt Institute, cerca de Brooklyn, donde estudia dibujo, pintura y escultura, y comienza a conocer y adentrarse en el trabajo de artistas como Joseph Cornell y Marcel Duchamp. En 1970 adquiere una Polaroid y realiza sus primeras fotografías, que empieza a incorporar a los collages. Progresivamente, va abandonando el collage para centrarse solo en la fotografía, realizando su primera exposición individual Polaroids en la Light Gallery de Nueva York.
En estos años Mapplethorpe va expandiendo su entorno social y, en paralelo, progresa en su dominio de la fotografía a través de retratos a sus conocidos en el círculo artístico, nocturno y underground de la ciudad de Nueva York.
José María Sicilia Fernández-Shaw (n. Madrid, 1954) es un pintor español.
En la década de los ochenta se le considera uno de los jóvenes artistas españoles más prestigiosos. En 1989 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España.
Ha participado en numerosas exposiciones, colectivas e individuales, en las principales ciudades del mundo. Su obra se encuentra representada en museos como el Museo Reina Sofía de Madrid, el MOMA o el Museo Guggenheim de Nueva York. Actualmente, reside entre París y Sóller, donde ha creado una fundación dedicada a jóvenes artistas. En 2015, fue galardonado con la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes
Nino Longobardi (nacido en 1953) es un artista italiano, conocido por la pintura y la escultura.
El terremoto de Irpinia de 1980 tuvo lugar cerca de Nápoles, causando muchos daños, al tiempo que cambió el trabajo artístico y la carrera de Longobardi.
Después del terremoto, Longobardi comenzó a centrar su trabajo en la figura humana y el tema de la vida o la muerte. Sus pinturas comenzaron a mostrar imágenes como calaveras, nadadores y figuras desnudas posando. Utilizó una paleta de colores limitada, a menudo en negro, blanco, marrón, tostado y gris. A veces, la obra tenía imágenes repetidas, visualmente similares a las del grabado.
Mi recorrido por España - Cuenca (II) - Colección Roberto Polo (Imprescindible), pincha aqui
Roberto Polo cede al Arzobispado de Toledo la escultura 'La Ascensión' conocida como 'El Cristo del hula-hoop'
La escultura de Longobardi fue concebida por el artista en el año 2000 y realizada por la Fundición «Nolana del Giudice», de Nola (Nápoles), en el año 2022. Se trata de una Ascensión del Señor de 4,42 metros de altura total, valorada por el autor en 250.000 euros.
Fernando Vijande 1981
Hedonista, ambiguo y seductor. Así era Fernando Vijande, el galerista que trajo a Warhol a España
Fernando Vijande junto a Andy Warhol en la inauguración de la exposición Pistolas, cuchillos y cruces, en la Galería Vijande. Fotografía de Luis Pérez Mínguez, Madrid 1983. CORTESÍA DE LA FUNDACIÓ SUÑOL
En la España de 1971 los cuerpos policiales tenían mucha plancha, pero así y todo encontraban tiempo para presentarse de vez en cuando en una galería de arte e ir retirando, por entregas, algunos de los cuadros debido a su contenido indecente. Eros y el arte actual en España era una exposición en la que le tout de los artistas nacionales de la época presentaban algunas de sus obras con contenido más erótico, lo que había motivado una denuncia por parte de sectores recalcitrantes. Así que, si había que requisar un dibujo de Picasso o poner bragas a un maniquí, pues se hacía, y ni media broma.
Uno de los propietarios del local, Fernando Vijande, movido tanto por el pundonor profesional como por una chulería que le venía de serie, decidió que cada vez que le desterraran una pieza, en lugar de acomodar las demás para disimular el hueco, colocaría un cartel con la leyenda “Este cuadro ha sido retirado por orden de la autoridad gubernativa”. Eran tiempos en los que en nuestro país hasta ser galerista de arte podía considerarse una profesión de riesgo. Y el protagonista de nuestra historia lo asumió mejor que nadie.
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Doble retrato de Vijander, realizado por Andy Warhol en 1983, expuesto en la muestra de la Fundació Suñol. / PERIODICO
Fernando Vijande Brees había nacido en Barcelona en 1929, en el seno de una familia burguesa y cosmopolita: su padre era un ingeniero catalán y su madre una socialite belga (por cierto que Carmen, una de sus hermanas, disfrutaría muchos años más tarde de una inesperada fama como sexóloga mediática gracias al programa Crónicas Marcianas )
Rodrigo Vijande de Navia-Osorio recuerda que pasaban con su padre un fin de semana sí y otro no, y que en los que sí aquello era directamente lanzarse a la aventura. Lo mismo podía recogerlos un estupendo coche que una furgoneta destartalada, y a partir de ahí, lo que tocara. Siendo aún niños, uno de esos fines de semana conocieron a “la americana”.
“La americana” era Gloria Kirby, una rica estadounidense residente en Madrid a la que Vijande habría conocido en España, según algunos; otros ubican en Essaouira, Marruecos, el lugar de este encuentro. Ella le financió su primer negocio, una almoneda situada en la madrileña calle Don Ramón de la Cruz. “Para las mujeres, Fernando era un gran seductor”, explica el pintor Rafael Cidoncha. “Iba siempre impecable, tenía muy buena facha y muchísima clase, y con eso obtenía lo que quería de ellas”. Rodrigo Vijande suscribe estas palabras, y explica que el local disponía de dos pisos, y que su padre decidió pronto dedicar uno de ellos al arte contemporáneo, sector en el que intuía un hueco por cubrir.
Gloria Price Kirby (19 de abril de 1928 - Tánger, Marruecos, 3 de agosto de 2017) fue una galerista, coleccionista y fotógrafa estadounidense, fundadora de la Galería Vandrés, Madrid. Vivió en Madrid y desde 1990 en Tánger
No es que no existiera entonces en Madrid ninguna buena galería –estaban por ejemplo Theo, Edurne o la mítica de Juana Mordó-, pero él albergaba ciertas ideas de enfoque que podían convertir la suya en algo único en su especie. El problema era que ni Vijande ni Kirby tenían grandes nociones sobre últimas tendencias artísticas: ilustra bastante el hecho de que en la casa en la que Fernando se había criado consideraran a Picasso un indeseable comunista y un asesino de la belleza del arte. Según después confesaría (quizá a modo de boutade), pese a todos sus viajes no había conocido hasta entonces más museo que el del Louvre.
Cartel de la exposición colectiva 'Vandrés 1970-1975' de la galería Vandrés en Madrid (1975) . CORTESÍA DE LA FUNDACIÓ SUÑOL
“Pues tengo a la persona que necesitáis”, aseguró Valvidieso. Esa persona era Marisa Torrente Malvido, hija del escritor Gonzalo Torrente Ballester, casada con el pintor Juan Giralt. Era joven y sofisticada, y estaba introducida en e_l who’s who_ de la pomada artística. Para convencerla de que aceptara la dirección de la galería, Valdivieso le dijo que Vijande tenía “el mejor hashisch de Madrid”. Era 1971.
Marisa Torrente recuerda con simpatía aquellos tiempos en los que codirigió la galería Vandrés, la primera de Fernando Vijande. “Caímos bien porque éramos divertidos, alegres, guapos, generosos y también algo frívolos. Y yo siempre digo que la primera Movida sucedió en la galería Vandrés. Allí se celebraron las fiestas más enloquecidas y divertidas de Madrid, mucho más que las de los 80. Fueron unos años muy creativos: se juntaron el fin del movimiento hippy, el post-mayo del 68 y los aires hedonistas de California. Además, era un momento en el que en España todavía había represión, lo que lo hacía todo más peligroso”.
“La gente venía a las fiestas disfrazada, es decir, disfrazada desde el punto de vista de hoy”, recuerda Marisa Torrente. ”Y había una mezcla que incluía aristócratas, arquitectos, abogados de grandes despachos o profesores de universidad, y también a Paloma Chamorro, un jovencísimo Almodóvar o la pintora Maruja Mallo, que iba por ahí desnuda debajo de su abrigo de pieles”.
Todos destacan la asombrosa rapidez con la que Vijande se hizo con las claves de aquel mundo del que poco antes desconocía hasta lo más básico. “Era un fenómeno”, describe Torrente. “Lo absorbía todo, en cualquier aspecto de la vida. Y aprendió de manera natural e intuitiva.
- Promovió la obra de sus artistas en instituciones de todo el mundo
- “Vijande dio el paso del antiguo marchante de arte al galerista con un auténtico proyecto”
En Vandrés se activó además una práctica insólita para aquellos días –y para estos también, nos tememos- como era pagar un salario mensual a sus artistas. Muchos recuerdan las 25.000 pesetas que recibían al final de cada mes –cantidad muy respetable si consideramos que en 1971 el salario mínimo interprofesional se había fijado por Decreto en 4.080 pesetas-, lo que permitió por ejemplo que Luis Gordillo dejara de buscarse la vida dando clases de francés para dedicarse únicamente a la pintura. Al cierre de cada año se hacían cuentas con las obras que se habían vendido, que por otro lado no solían ser muchas. “No había demasiada presión por vender”, admite Torrente, “porque Gloria Kirby sostenía económicamente la galería con su fortuna”.
Así fue durante casi una década, hasta que Kirby y Vijande tuvieron un duro enfrentamiento que terminó con el cierre de su proyecto conjunto, y con Gloria retirándose a Tánger poco después. Pero Fernando ya no estaba dispuesto a abandonar aquel mundo del que se había convertido en un pequeño emperador: si en verano de 1981 abandonaba Vandrés, ese mismo octubre inauguraba, en un garaje de la calle Núñez de Balboa, una nueva galería, ya bajo su propio nombre. El local ocupaba las distintas plantas subterráneas del garaje, todo en cemento y ladrillo visto. Se accedía a él por unas escaleras que descendían a un lado de la rampa de vehículos, diseñada por Alexanco, que explica: “era un concepto muy novedoso que Fernando había importado de Nueva York”. Y allí lo visitaron sus amigos neoyorquinos, empezando por Andy Warhol.
Fuente: VanityFair
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