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José de Ribera y Cucó (1591–1652) fue en realidad un artista italiano, ya que desarrolló casi toda su producción en este país. Por ello es también conocido como Giuseppe Ribera o Lo Spagnoletto («El Españolito»), debido a su baja estatura. Fue el más grande pintor de la escuela napolitana y sus obras tuvieron una enorme influencia en otros españoles como Velázquez y Murillo, y en autores posteriores que llegan hasta Matisse.
La obra de Ribera tiene fama de truculenta y sombría, casi de terror. «Ribera empapaba el pincel en la sangre de los santos…», dijo Lord Byron. Será por los innumerables cuadros de martirios y el tenebrismo que usó en buena parte de su producción, si bien es verdad que era el estilo de la época.
Hijo de zapatero, marchó muy joven a Italia (15 años) para aprender el oficio de la pintura. Ahí se convirtió en uno de los primeros seguidores de Caravaggio, diciendo algunos historiadores que llegaron a conocerse. De Roma marchó a Nápoles (española, recordémoslo) donde se vivía un gran esplendor cultural. Ribera era considerado ya, pese a su juventud, un maestro.
La Iglesia católica y acaudalados coleccionistas privados serían sus principales clientes.
Justamente acaudalado él también, Ribera nunca quiso volver a España explicando:
Mi gran deseo es volver a España, pero hombres sabios me han dicho que allí se pierde el respeto a los artistas cuando están presentes, pues España es madre amantísima para los forasteros y madrastra cruel para sus hijos.
Aún así, su obra fue adquirida masivamente por españoles (eso explica su fuerte presencia en El Museo del Prado) y muy admirada por sus coetáneos de toda Europa. Rembrandt en concreto admiraba más que nada sus grabados.
En Italia se habló mucho de la actividades mafiosas del pintor, ejerciendo de «Padrino» napolitano, prestamista truculento y rompehuesos ocasional.
(CC) Miguel Calvo Santos, 27-09-2016
TENEBRAE: JOSÉ DE RIBERA (1591-1652)
XAVIER BRAY - Director, The Wallace Collection, Londres
Xavier Bray se doctoró en Trinity College, Dublín, y en la actualidad es director de la Wallace Collection. Fue conservador jefe del Museo de Bellas Artes de Bilbao y la Dulwich Picture Gallery, y antes había sido ayudante de conservador de pintura europea de los siglos XVII y XVIII en la National Gallery de Londres, donde comisarió varias exposiciones, entre ellas The Sacred Made Real: Spanish Sculpture and Painting 1600–1700 (2009) y Goya: The Portraits (2015).
El tenebrismo
Es un estilo pictórico del Barroco (siglo XVII) caracterizado por el uso extremo del contraste entre luz y sombra. La luz ilumina intensamente ciertas partes de la escena, mientras el resto queda en profunda oscuridad.
Características principales
- Contraste muy fuerte (claroscuro radical)
- Fondos oscuros o negros
- Luz dirigida que destaca rostros, manos o elementos clave
- Gran dramatismo y realismo
- Sensación de teatralidad y emoción intensa
Principal representante
- Caravaggio → Pintor italiano considerado el creador del tenebrismo. Sus obras muestran escenas religiosas con personajes muy humanos y realistas.
Otros artistas tenebristas
- Georges de La Tour (Francia)
- Francisco de Zurbarán (España)
- José de Ribera (España/Italia)
Diferencia con el claroscuro
- El claroscuro es una técnica para modelar volumen con luz y sombra.
- El tenebrismo es una forma extrema del claroscuro, donde la oscuridad domina casi toda la composición.
La figura central es la de Sileno, leal compañero de Baco y el más borracho, más viejo y más sabio de sus seguidores. Ribera le representa recostado junto a una gran tina de madera (empleada para exprimir la uva en la vendimia) durante un festejo en honor de Baco y en el acto de acercar un recipiente (una concha) a un personaje situado detrás, quien vierte vino de un pellejo que porta sobre el hombro.
Récord de un cuadro de José de Ribera vendido en subasta por 4,45 millones de euros (09 de julio 2009)
'Prometeo' pulverizó la mayor marca lograda en Sotheby's
Se vendió por 3,84 millones de libras (4,45 millones de euros) en una subasta de Sotheby's celebrada en Londres. El óleo se convirtió en la obra más cara de Ribera al pulverizar la anterior marca, que ostentaba El martirio de San Bartolomé, por el que se pagaron 2,75 millones de libras (3,19 millones de euros) también en la sede londinense de Sotheby's en julio de 1990.
(En el verano de 2009, Barbara Piasecka-Johnson (1937-2013), una ex criada polaca que, después de un matrimonio exitoso, se convirtió en heredera del gigante imperio farmacéutico Johnson & Johnson, lo puso a la venta.
Según Sotheby's, el cuadro es el primero de un grupo de obras inspiradas en los titanes que Ribera pintó en la década de los treinta del siglo XVII, de los que sólo se conservan tres originales: los otros dos están en el madrileño Museo del Prado.
Prometeo es una obra emblemática del pintor español José de Ribera. En ella se representa el castigo que el titán Prometeo recibió por robar el fuego de los dioses para dárselo a los humanos. Ribera captura la escena en la que Prometeo es encadenado a una roca mientras un águila devora su hígado, que se regenera cada día para volver a ser devorado.
La representación de Prometeo en el cuadro de Ribera es cruda y realista, mostrando el sufrimiento del héroe mitológico de manera impactante. La intensidad de las expresiones y el uso de la luz y la sombra contribuyen a crear una atmósfera de tormento y desesperación.
La obra de José de Ribera destaca por su maestría en el uso del claroscuro y por su capacidad para representar el sufrimiento humano de manera visceral. Prometeo es un ejemplo magistral de la habilidad del artista para transmitir emociones a través de la pintura.
El cuadro Prometeo de José de Ribera fue encargado por un noble italiano que admiraba el trabajo del artista español.
La obra tuvo un gran impacto en la época, siendo admirada por su intensidad emocional y su maestría técnica. Prometeo se convirtió en una de las obras más emblemáticas de Ribera, consolidando su reputación como uno de los grandes maestros del barroco.
En la década de 1630 el estilo de Ribera experimentó una transformación que le llevó a aclarar su paleta, abriéndose a una nueva concepción neoveneciana del color que desde Roma se había extendido hasta Nápoles. Sin embargo, sus figuras se seguirían construyendo con un potente modelado plástico y acentuados contrastes luminosos que se atenuarán según los temas. En el cambio que se produjo entonces en su colorido es probable que desempeñara un papel importante la presencia en Nápoles de pinturas de artistas flamencos, como Rubens y Van Dyck, así como la actividad de pintores como Pietro Novelli, conocedor de la obra de Van Dyck, y de Giovanni Lanfranco.
La piedad se inscribe dentro de un periodo de transición en el que el pintor todavía no había abandonado sus iluminaciones tenebristas, pero en el que se empezaba ya a percibir una preocupación por el nuevo colorido. La obra, que procede de la colección del marqués de Heredia, escenifica un tema que Ribera trató con numerosas variaciones a lo largo de su carrera.
Autor: Caravaggio - Fecha: 1601 - Ubicación: Capilla Cerasi, iglesia de Santa Maria del Popolo (Roma)
Estilo: Barroco – Naturalismo tenebrista
La obra fue encargada para la Capilla Cerasi y forma conjunto con la Conversión de San Pablo. Representa el martirio de San Pedro, quien pidió ser crucificado cabeza abajo por humildad, al no considerarse digno de morir como Cristo.
La Capilla Cerasi se encuentra en la iglesia de Santa Maria del Popolo, en el barrio de Piazza del Popolo, Roma. Fue encargada por Tomaso Cerasi, tesorero del papa Clemente VIII, a comienzos del siglo XVII.
Caravaggio pintó dos obras principales para la capilla:
Conversión de San Pablo – óleo sobre lienzo
Crucifixión de San Pedro – óleo sobre lienzo
Caravaggio rompe con la tradición idealizada y muestra la escena como un hecho brutal y cotidiano.
Los verdugos son hombres comunes, con ropas sencillas y gestos concentrados en su trabajo. No hay heroísmo clásico, sino esfuerzo físico real.
La obra encarna los ideales de la Contrarreforma: claridad narrativa, emoción directa y cercanía humana. El martirio no se presenta como gloria celestial, sino como sacrificio físico real, lo que invita al espectador a la empatía y la reflexión.
- Caravaggio: drama concentrado, luz como protagonista, sobriedad, enfoque en la aceptación del santo.
- Ribera: drama físico extremo, composición más compleja, anatomía detallada, mayor espectacularidad emocional.
Se muestra el esfuerzo muscular de los hombres que levantan la cruz. San Pedro aparece anciano, con un cuerpo pesado y vulnerable, pero con expresión de aceptación y firmeza espiritual.
Ribera pintó esta obra en su etapa temprana en Nápoles. El tema representa el martirio de San Pedro, quien, según la tradición, pidió ser crucificado cabeza abajo por no considerarse digno de morir como Cristo.
El episodio también fue tratado por Caravaggio, cuya influencia es evidente en el realismo y el uso dramático de la luz.
La obra de Ribera transmite una intensa sensación de dramatismo y angustia, con una iluminación tenebrosa que subraya la tragedia del momento. A pesar de la oscuridad de la escena, se pueden apreciar detalles realistas y expresivos que dan vida a la composición.
La Crucifixión de San Pedro es considerada una de las obras más importantes de José de Ribera, destacando su habilidad para capturar emociones intensas y su maestría en el uso de la luz y la sombra para crear un efecto de profundidad y movimiento.
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