Las pasiones en el arte - (6) EL DESEO - BRUSELAS (CENTRO DE PODER) - Isabel Clara Eugenia de Austria - Pedro Pablo Rubens - David Teniers el Joven - Países Bajos - Ámsterdam - Eglon Hendrick van der Neer - Caspar Netscher - Rembrandt - Jean Louis Marie Eugène Durieu, PINCHA AQUI
Noelia García Pérez, el arte como nunca antes contado
Directora del departamento de Historia del arte de la Universidad de Murcia. Melilla, 1976. Impulsora de 'El Prado en femenino'
Su pasión se despertó en la niñez. A los 10 años quedó maravillada por la Capilla Sixtina, y en el colegio Hispania de Cartagena, ciudad a la que su familia se trasladó cuando ella tenía 2 años, descubrió de la mano de la profesora Choni Carrillo su amor por el arte y su vocación por la docencia, tarea que ejerce con un entusiasmo que contagia a los alumnos.
En 2022, la pinacoteca madrileña se fijó en su trabajo de contar el arte como nunca antes se había realizado, y el círculo se cerró. Con el compromiso del equipo del museo se lanzó 'El Prado en femenino' para visibilizar el papel de la mujer en el mundo del arte, que ahora emprende un nuevo itinerario con tres protagonistas: Cristina de Suecia, Mariana de Austria e Isabel de Borbón. La iniciativa, que cosecha premios, ha animado a otros museos a seguir los mismos pasos. Noelia García, agradecida, dice que la experiencia «es el regalo que me ha hecho la vida».
La mirada del amor en la creación artística
La doncella corintia, 1782-1784, lienzo de Joseph Wright donde se representa el mito de Butades
Joseph Wright (Derby, 3 de septiembre de 1734-ibídem, 29 de agosto de 1797), conocido como Wright of Derby, fue un pintor inglés famoso por sus pinturas de paisajes y sus retratos. Ha sido considerado el «primer pintor profesional que expresó el espíritu de la Revolución industrial»
Se casó en 1773, y a finales de ese año visitó Italia, donde permaneció hasta 1775. Estando en Nápoles fue testigo de una erupción del monte Vesubio, que fue el tema de muchas pinturas posteriores. A su regreso de Italia se estableció en Bath como retratista; pero ante la falta de estímulos regresó a Derby, donde pasó el resto de su vida.
Butades de Sición fue un artista legendario de la Antigua Grecia de época desconocida, probablemente del siglo VII a. C., acerca del que refiere Plinio el Viejo una tradición corintia que le atribuye la invención de las figuras plásticas de tierra cocida, es decir de la escultura.
Cayo Plinio Segundo (Comum, c. 23-Estabia, 25 de agosto de 79)2 fue un escritor y militar romano del siglo I, conocido por el nombre de Plinio el Viejo para diferenciarlo de su sobrino e hijo adoptivo Plinio el Joven. Perteneció al orden ecuestre y ejerció cargos administrativos y financieros en la Galia y en Hispania.
Joseph Benoît Suvée (1743-1807) La invención del arte del dibujo, 1791 - Óleo sobre lienzo. 267 x 131,5 cm - Groeningemuseum, Brujas
«(...) pasemos a la plástica. La primera obra de este tipo la hizo en arcilla el alfarero Butades de Sición, en Corinto, sobre una idea de su hija, enamorada de un joven que iba a abandonar la ciudad: la muchacha fijó con líneas los contornos del perfil de su amante sobre la pared a la luz de una vela. Su padre aplicó después arcilla sobre el dibujo, al que dotó de relieve, e hizo endurecer al fuego esta arcilla con otras piezas de alfarería. Se dice que este primer relieve se conservó en Corinto, en el templo de las Ninfas». Plinio el Viejo, Historia Natural, XXXV, 43
En la Historia Natural de Plinio el Viejo, un compendio de libros reales e inventados que se recogen en formato enciclopédico en 37 volúmenes, se recrea el mito corintio que relata el origen de la pintura, cuyo nacimiento sitúa en la Grecia del siglo VII a. C. Igualmente, señala como autora del descubrimiento a la joven Kora, hija del alfarero Butades de Sición al que Plinio también atribuye el germen de la escultura, aunque, rigurosamente, se debería tratar a Kora como la descubridora del dibujo.
Los 4 tipos de amor según los antiguos griegos (cuáles son y su significado)
Los antiguos griegos empleaban cuatro palabras distintas para definir lo que hoy día conocemos por el término “amor”, estas eran: eros, ágape, philia y storge. Cada una de ellas tiene un sentido más profundo que el que le damos actualmente a una sola palabra.
Por un lado, el eros supone el amor pasional, aquel que se deja llevar por el deseo y la atracción. Por otro lado, el amor storge es fraternal, implica la admiración y el cariño recíproco. En cambio, el ágape refiere al amor incondicional, aquel que acepta al otro tal y como es. Mientras que philia es similar a la amistad, supone fraternidad y admiración.
AMOR EROS - AMOR ERÓTICO O PASIONAL
Psique reanimada por el beso del amor, obra de Antonio Canova, expuesta en el Museo del Louvre, París.
Antonio Canova (Possagno, 1 de noviembre de 1757-Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un escultor y pintor italiano del neoclasicismo.
Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la antigüedad, fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini.
Esta escultura representa la historia amorosa de Psique y Eros de La Metamorfosis de Apuleyo. Afrodita envidiaba a Psique, una joven bellísima, por lo cual envió a su hijo Eros para que le lanzara una flecha y se enamorara del hombre más repugnante del reino. Los planes de Afrodita salieron mal, ya que su hijo se enamoró de Psique y desechó la flecha. Eros, conocedor del carácter de su madre, decide ocultar a su querida en la oscuridad y esta a pesar de no poder ver su rostro se enamora de él. Un día, la joven no pudo aguantar más las ganas de ver el aspecto de Eros, por lo que encendió una lámpara, cayendo de esta una gota de aceite que quemó el rostro de su amado. Eros, guiado por el enfado, decide abandonar a Psique e irse lejos. La joven no estaba dispuesta a perderlo y lo busca desesperadamente hasta acabar en el infierno, donde abre un cofre con sueño estigio (un vapor que sume en la amnesia a los muertos cuando llegan al Hades) y queda en coma. Eros, aún enamorado, voló en busca de su amada y al encontrarla, con un beso logró limpiar dicho sueño de sus ojos. Ambos prometieron no alejarse jamás el uno del otro y fueron felices para siempre.
En la mitología griega el Dios Eros representa la atracción, la pasión y la fertilidad. El tipo de amor eros se refiere al amor apasionado que implica deseo y atracción.
A diferencia del amor tal y como se entiende hoy día, eros ocupa una dimensión semántica más profunda. El eros griego a veces se trata solo de deseo o pasión.
En una de sus obras más famosas, El Banquete, Platón habla de la naturaleza del eros.
Para el filósofo, eros es el amor-deseo que mueve al mundo inteligible.
En el arte se ha representado el eros en múltiples ocasiones. Un ejemplo de ello supone la escultura neoclásica de Antonio Canova, donde queda enaltecida la pasión amorosa que representa este tipo de amor.
En el arte se ha representado el eros en múltiples ocasiones.
El mito en la cultura popular
Psique abriendo la puerta al jardín de Cupido (1903) - John William Waterhouse
Museo Harris, Preston, Inglaterra
John William Waterhouse (Roma, 6 de abril de 1849 - Londres, 10 de febrero de 1917) fue un pintor británico. Hijo de artistas, sus comienzos como pintor estuvieron influidos por el neoclasicismo victoriano. En la fase siguiente, se convierte en un pintor prerrafaelita. Más tarde estuvo atraído por el plenairismo de los impresionistas franceses. Si al principio de su carrera se dedicó a temas de la antigüedad clásica, más adelante abordó los literarios, siempre con un estilo suave y misterioso, imbuido de romanticismo, que permiten encuadrarlo dentro del simbolismo.
Esta historia ha cautivado a distintos artistas alrededor del mundo. Uno de los ejemplos más famosos es la escultura de Antonio Cánova, Psique reanimada por el beso del amor (1787 y 1793). Esta obra es una de las grandes representantes del estilo neoclásico y muestra dos figuras que expresan pasión y cariño al mismo tiempo.
Por otro lado, también destaca la pintura Psique abriendo la puerta al jardín de Cupido (1903) de John William Waterhouse. Este artista fue uno de los mayores exponentes del prerrafaelismo, un movimiento artístico que buscaba volver la mirada hacia la naturaleza y alejarse del arte académico que predominaba en la Inglaterra del siglo XIX.
Así, la pintura muestra el momento en que la joven encontró el jardín con el palacio encantado y, con ello, su destino.
(Recomendado) Los Prerrafaelitas (2) - Rossetti - Alma-Tadema (Museo Thyssen-Bornemisza), pincha aqui 
Es en la mitología romana, el dios de del deseo amoroso. Una de las versiones más difundidas es que es el hijo de Venus, la diosa del amor, la belleza y la fertilidad, y de Marte, el dios de la guerra.
Muchos, desconocen el verdadero significado que esta obra que no solo representa a Cupido, sino que su contenido iconológico es realmente particular, pues se trata del Amor Domato o Amor domado. “Éste ha rendido sus armas y lo simboliza cediendo una flecha a la paloma que, en este caso, puede significar el amor conyugal. La paz y entrega del protagonista se contraponen al vuelo del cupidillo del fondo, quien permanece en guardia para disparar sus dardos”.
Reni, Guido Calvezzano, Bolonia, Emilia-Romaña, 1575 - Bolonia, Emilia-Romaña, 1642 - Artista largamente ignorado, fue sin embargo considerado en su época uno de los pintores más importantes de Italia.
Su obra, fue profundamente influida por la Antigüedad clásica y por Rafael y constituye una de las más vigorosas muestras de la tendencia clasicista del arte barroco y de la confluencia de arte y política durante la época.
Uno de los primeros documentos de esta obra, hace referencia en las colecciones del rey Felipe IV, en 1666. Luego se las regalaría a Massimo. El Cardenal las ofrecería al monarca durante su etapa como nuncio pontificio en la corte española entre 1654 y 1656.
Este regalo diplomático tuvo un valor especial a razón de la llegada de Massimo a Madrid. Esta y otras obras lo consagrarían como un soberano famoso por su pasión coleccionista.
Cupido tallando su arco es una pintura al óleo sobre tabla (135 cm x 65,3 cm) de Parmigianino, datado en 1533-1535 y conservada en el Kunsthistorisches Museum de Viena.
Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parma, 11 de enero de 1503 - Casalmaggiore, cerca de Cremona, 24 de agosto de 1540), llamado il Parmigianino (el "parmesanito") por su lugar de nacimiento, además de por su reducida estatura y aspecto grácil. Fue un pintor y grabador italiano, considerado uno de los primeros y máximos exponentes del manierismo.
La atención en la mitad inferior de la obra es atraída por los dos putti que se ven entre las piernas de Cupido, a media figura más allá de la mesa de apoyo principal, estrechados en un abrazo forzado. El niño, que es alado, dirige al espectador una mirada de maliciosa complicidad, estrechando con fuerza a la niña, que intenta rebelarse en una mueca de enfado muy bien representada, que seguramente requirió un exacto estudio del natural. Él le sujeta una muñeca mientras la agarra del otro brazo, abrazándola contra sí, en un gesto que Vasari leyó, como «uno toma el brazo del otro y riendo quiere que toque a Cupido con un dedo, y este, que no quiere tocarlo, llora mostrando tener miedo de quemarse en el fuego del amor». Los dos niños representan quizás las insidias del amor no correspondido que Cupido, fabricando su arma, pronto remediará.
Venus, Adonis y Cupido, c. 1590, Museo del Prado, Madrid.
Venus, diosa romana del Amor y la Belleza, es accidentalmente herida por su hijo Cupido con una flecha, desencadenando así su pasión por Adonis, una historia de amor que acabara con la trágica muerte del héroe. La escena está basada en las Metamorfosis de Ovidio (libro X), una de las fuentes mitológicas más importantes para los artistas de la época. La composición y técnica pictórica de esta obra es un buen ejemplo de las diferentes influencias que Annibale Carracci recibió y reinterpretó a lo largo de su vida. El fondo de paisaje y la luz crepuscular enlazan con el cromatismo veneciano y la producción de Tiziano, mientras que el delicado pero potente clasicismo de las figuras fue desarrollado por el artista a partir de la escultura greco-romana y la obra de Correggio, Rafael y Miguel Ángel.
Annibale Carracci (Bolonia, 3 de noviembre de 1560-Roma, 15 de julio de 1609) fue un pintor y grabador italiano del barroco, perteneciente a la corriente del clasicismo romano-boloñés. Es el miembro más famoso de la dinastía de pintores Carracci. Considerado el rival de Caravaggio, encarnó una opción artística opuesta a la de aquel.
Apolo persiguiendo a Dafne - Óleo sobre lienzo, 1636 - 1638 - Thulden, Theodoor van (S'Hertogenbosch (Países Bajos), 1606 - S'Hertogenbosch (Países Bajos), 1669)
Apolo persiguiendo a Dafne o Apolo y Dafne es una pintura que Giambattista Tiepolo realizó en torno a 1755-1760. Está realizada en óleo sobre lienzo y sus dimensiones son 68,5 cm de alto y 87 de ancho. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington.
Giambattista (o Giovanni Battista) Tiepolo (Venecia, 5 de marzo de 1696-Madrid, 27 de marzo de 1770) fue un pintor y grabador italiano, considerado el último gran representante de la pintura barroca. Es una de las figuras más importantes del rococó italiano, tanto por sus pinturas murales al fresco como por las realizadas al óleo sobre lienzo.
El tema del cuadro es el mito griego de Apolo y Dafne interpretado a través de Las metamorfosis de Ovidio. Eros, dios del amor, había disparado dos flechas, una que provocaba el amor y la otra el efecto contrario. Por ello, el dios Apolo queda lleno de deseo por la ninfa Dafne, pero su amor no es correspondido. Apolo, lleno de deseo por la ninfa, persigue a Dafne. Esta, en su huida, invoca a su padre, el dios-río Peneo, le pide que transforme su figura para evitar a su perseguidor y al instante queda convertida en un árbol de laurel. El cuadro muestra el preciso momento en el que se está produciendo la transformación de la ninfa.
En la mitología griega, Hera envió a la serpiente Pitón para que devorara a Leto y sus hijos, pero Apolo, con apenas cuatro días de nacido, mató a la serpiente con un arco y flechas. El dios tomó los huesos de Pitón y los colocó en un caldero, el cual depositó en uno de sus templos. La confrontación entre Apolo y Pitón dio inicio a una narrativa épica de confrontación divina y triunfo sobre el caos.
Peter Paul Rubens (1577–1640)
LVIII- Grandes hitos de la arquitectura universal - Gian Lorenzo Bernini - La Cátedra de San Pedro - Scala Regia - La Via della Conciliazione - San Pablo de Londres - San Pablo de Londres - Carlo Maderno - El Gran Incendio de Londres - Christopher Wren - PINCHA AQUI Gian Lorenzo Bernini - El Palazzo Barberini - Pietro da Cortona - Santa Agnese in Agone - Carlo Rainaldi - El Éxtasis de Santa Teresa, pincha aqui
(II) Gian Lorenzo Bernini - La escultura de la Fuente de los Cuatro Ríos - La Plaza Navona - Palazzo Pamphili - Sant'Andrea al Quirinale - El Palacio del Quirinal - El Obelisco della Minerva - La Fuente del Tritón - El Éxtasis de la beata Ludovica, pincha aqui
Apolo y Dafne es una escultura realizada por el italiano Gian Lorenzo Bernini entre los años 1622 y 1625. Pertenece al estilo barroco. Se trata de un grupo escultórico de mármol y de tamaño natural expuesto en la Galería Borghese (Roma)
Cuenta el mito de Apolo y Dafne que Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas. Eros, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él y para ello le arrojó una flecha de oro, que causaba un amor inmediato a quien hiriere. Otro disparo hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plata, que causaba el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su padre, el río Peneo, el cual determinó convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: «Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las personas en señal de victoria».
La transformación la relata Ovidio en el poema Las metamorfosis. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel.
Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios
Esta escultura se inspiró en el Apolo Belvedere de Leocares. La composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos que reflejan el interés por la representación de las esculturas. Esta preocupación por la expresividad muestra una gran utilización del pathos (capacidad del personaje de mostrar sus sentimientos). Dafne parece desconocer su transformación según mira hacia atrás por encima de su hombro, con los labios entreabiertos por el miedo. Su repentina detención, a consecuencia de su transformación, muestra el cabello de Dafne inmortalizado mientras gira. Mientras, Apolo se muestra estupefacto, no puede creer lo que ven sus ojos.
Chagall se volvería un participante activo en la Revolución rusa de 1917, por lo que fue nombrado Comisario de Arte para la región de Vítebsk, donde fundó la Escuela de Arte de Vítebsk en 1919. Sin embargo, debido a la carga burocrática del puesto de director en la Escuela y a las desavenencias con Kazimir Malévich, profesor de la Escuela, se mudó a Moscú en 1920 y luego a París en 1923.
Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la deportación de los judíos a los campos de exterminio nazis, Marc Chagall tuvo que abandonar París.
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| El cumpleaños (1915) |
Algunos de sus trabajos más importantes son La aldea y yo (1911), El violinista verde (1923-1924, Museo Guggenheim, Nueva York), El cumpleaños (1915), Soledad (1933, Museo de Tel Aviv). Los cuadros de Chagall se han llegado a vender por más de 6 millones de dólares, y también sus litografías alcanzan un considerable valor.
Marc Chagall pintor francés de origen bielorruso, PINCHA AQUI El mensaje bíblico de Marc Chagall en Niza, PINCHA AQUÍ
A Valentina, precisamente, es a quien dedica este ciclo gráfico del Cantar de los Cantares:
"A Vava, mi mujer, mi gozo, mi alegría."
4. Representa la pareja enlazada sobre un caballo alado que sobrevuela la ciudad de Jerusalén.
Chagall destaca la pujanza del amor carnal y el caballo Pegaso, que en la mitología griega significaba la poesía y puede elevarse hasta lo divino. La multitud al pie del cuadro llevan el candelabro de 7 brazos con parejas de amantes y maternidades.
El amor que nos eleva - Lo cotidiano en lo extraordinario
Les Amoureux, 1928. Óleo sobre tela. Colección privada.
El abrazo como expresión fundante del amor es central en esta pintura de Chagall. En la obra se retrató junto a su primera esposa y musa, la escritora, Bella Rosenfeld.
"Cuando Bella falleció, el 2 de septiembre de 1944 a las seis de la tarde, estalló una tormenta eléctrica y una lluvia continua cayó del cielo. Se oscurecieron mis ojos", escribió el artista.
Bella fue el primer amor de Chagall, y con el tiempo, se volvió su inspiración, su guía, su musa, para la creación de las más maravillosas obras. Vivió junto al artista durante veintinueve años, en un período que fue el más importante en el camino hacia el reconocimiento del mismo. Incluso mucho después de su muerte, Chagall siguió haciéndola aparecer en su lienzo, en forma de mujer, novia, madre y ángel.
Marc Chagall y su primera esposa Bella Rosenfeld “Durante años, su amor iluminó todo lo que hice”
Casi siempre la representó con los ojos bien abiertos, como una visionaria del futuro de ambos.
La Segunda Guerra Mundial y las amenazas que pesaban sobre las comunidades judías obligaron a la familia Chagall a huir a Nueva York en 1941.
Sin embargo, la dramática muerte de Bella por una enfermedad vírica lo hundió por meses en una tristeza que le impidió pintar. Gracias al cariño de su hija, pudo volver a tomar los pinceles, pero el dolor se reflejó en cuadros como Autorretrato con reloj de pared y Notturno.
Ida encontró a una inglesa nacida en París que le ayudaría a administrar la casa. La asistente, Virginia Haggard McNeil, era la hija educada de un diplomático.
Justo cuando Chagall luchaba contra el dolor, ella lidiaba con las dificultades de su matrimonio así que no pasó mucho tiempo para que comenzaron una historia de amor de siete años.
En 1946, la pareja tuvo un hijo, David McNeil, y se estableció en la tranquila ciudad de High Falls, Nueva York.
Mientras Chagall disfrutaba de reconocimiento mundial, Virginia se sentía cada vez más infeliz en su papel de esposa y anfitriona.
Ante esto decidió irse en 1952 con los niños, pues ella contaba con una hija de su matrimonio previo, para iniciar su propia carrera como fotógrafa.
Vava - 1955
En menos de un año, Chagall, de 65 años, y Vava, de 40, se casaron. El artista encontró su equilibrio emocional en un segundo matrimonio con Valentina Brodsky, con quien se instaló en el sur de Francia.
En 1967, a los 80 años, pintó dos murales gigantes para el vestíbulo de la Metropolitan Opera House de Nueva York, en el Lincoln Center.
Murales en la Metropolitan Opera House de Nueva York, Lincoln Center, EE.UU.
Sir Peter Paul Rubens (28 de junio de 1577 - 30 de mayo de 1640) fue un artista y diplomático flamenco. Es considerado el artista más influyente de la tradición barroca flamenca. Las composiciones de Rubens, muy cargadas, hacen referencia a aspectos eruditos de la historia clásica y cristiana. Su estilo barroco, único e inmensamente popular, enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad, que seguían el estilo artístico inmediato y dramático promovido en la Contrarreforma.
En 1600 Rubens viajó a Italia con su primer alumno, Deodat del Monte. Primero se detuvieron en Venecia, donde vio pinturas de Tiziano, Veronés y Tintoretto. El colorido y las composiciones de Veronés y Tintoretto tuvieron un efecto inmediato en la pintura de Rubens, y su estilo posterior y maduro estuvo profundamente influenciado por Tiziano.
Helena Fourment (11 de abril de 1614 - 15 de julio de 1673) fue la segunda esposa del pintor barroco Pedro Pablo Rubens.
Helena Fourment se casó con Rubens el 6 de diciembre de 1630 en la iglesia de Saint James en Amberes, cuando ella tenía 16 años y él 53. La primera esposa de Rubens, Isabella Brant, había muerto en 1626. El hermano de Helena, Daniël Fourment el joven, estaba casado con Clara Brant, la hermana de Isabel.
SU MUSA
Rubens con Helena Fourment y su hijo Pedro Pablo de Rubens, 1639, Museo Metropolitano de Arte
Amor sereno, profundo, plenitud y calma
Helena Fourment en un abrigo de piel, también conocida como Het Pelsken de Rubens, 1636-1638, Kunsthistorisches Museum
Helena Fourment de Rubens, c. 1630, colección Cook
Ofrenda a Venus, es uno de los lienzos de Tiziano que se conservan en el Museo del Prado.
Su tema es mitológico: el antiguo rito romano de culto a Venus que tenía lugar el primer día de abril de cada año, cuando las mujeres hacían ofrendas a la diosa para limpiar "toda mancha de su cuerpo".
Dos ninfas, una joven y otra representada como una matrona romana, se sitúan a la derecha de la ceremonia, ante un templo que contiene una estatua de Venus
El santuario está rodeado de tablillas votivas. La mujer mayor escruta la decoración con un espejo que sostiene en su mano derecha.
En el primer plano del lienzo, una multitud de niños alados (cupidos o putti) se divierten con todo tipo de actitudes
En el centro, un prado iluminado por el sol se cierra hacia la izquierda por una ladera sobre la que se levanta una casa, y bajo ella una fila árboles alineados hacia la lejanía, donde la silueta de una ciudad se recorta en el horizonte sobre el que se representa un cielo azul con nubes.
Tiziano fundamentó la iconografía en un texto del sofista griego Filostrato.
Los sofistas, «sabio») eran estudiantes y maestros de retórica, que desarrollaron su actividad en la Atenas democrática del siglo V y IV a. C. Se enfocaban en el relativismo, la naturaleza, creación de leyes, la moralidad, conocimiento del lenguaje, la concepción gnoseológica constructivista y el escepticismo respecto al valor absoluto del conocimiento.
(Lemnos c. 160/170 – c. 249), llamado Filóstrato de Atenas o Filóstrato el Ateniense.
Antípatro de Hierápolis. Será posiblemente este último el introductor de Filóstrato en el círculo de la emperatriz siria Julia Domna, esposa de Septimio Severo.
La bacanal de los andrios es un cuadro del pintor veneciano Tiziano. Realizado hacia 1523-1526, fue pintado al óleo sobre lienzo, originalmente para el Camerino de alabastro en Ferrara.
Perteneciente a la colección real española desde 1639, fue depositado en el Real Alcázar de Madrid, de cuyo incendio de 1734 pudo ser rescatado. Hoy en el Museo del Prado
Esta obra fue un encargo de Alfonso d'Este, duque de Ferrara
Se representa aquí un tema mitológico, una bacanal, fiesta del dios del vino, Baco. Se enmarca en la isla de Andros. La inspiración literaria de esta obra proviene de la obra de Filostrato y la de Catulo.
Los personajes se agitan por toda la parte inferior de la tela, unas se inclinan hablando, otras beben vino, otras bailan, con brazos y piernas formando líneas curvas. Se pasan el vino los unos a los otros. La mujer recostada que ocupa el primer plano del centro de la tela se dice que es Violante, de quien el pintor estaba enamorado por entonces; en su escote se halla la firma del pintor. Junto a ella hay una partitura, en la que se lee: «Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber».
El Camerino d’Alabastro era una habitación construida en la Via Coperta en Ferrara, al norte de Italia, que une el Castello Estense al Palacio Ducal.
Destinada a contener obras de temática clásica, formó el studiolo de Alfonso I de Este, duque de Ferrara. En él se encontraban varias pinturas de Tiziano (La bacanal de los andrios, Ofrenda a Venus, Baco y Ariadna)Giovanni Bellini(El festín de los dioses) y Dosso Dossi (Triunfo de Baco en India y diez lienzos formando un friso, ahora dispersos en varios museos y colecciones).
XXXIV - Tiziano - Alfonso I de Este - Giovanni Bellini - El Camerino d’Alabastro - Lotis - Príapo - La Ofrenda a Venus - Bacanal, pincha aqui
El jardín del Amor es un cuadro de Pedro Pablo Rubens conservado en el Museo del Prado.
Será en el siglo XVIII cuando tome plenitud este tipo de pintura, sobre todo en los pinceles de Watteau, cuya obra tiene mucha influencia de Rubens.
La escena representa una fiesta que se celebra en un parque. El parque es el de la casa del propio Rubens en Amberes, la Rubenshuis. Diversas figuras femeninas y masculinas se encuentran en actitud relajada y satisfecha, unas sentadas y otras de pie, cercanas a una fuente dedicada a la diosa Juno, protectora del matrimonio. A su alrededor revolotean los clásicos amorcillos o putti (término que se da en arte a estas figuras). El papel simbólico de los amorcillos es el del amor y se les suele representar como en este caso, disparando flechas, arrojando flores o portando coronas.
Se cree que con este asunto Rubens trata de hacer un homenaje a su esposa, representando una fiesta conmemorativa. Algunos autores aseguran que el caballero de la izquierda es un autorretrato del autor y la dama que vemos en la parte central, apoyando su brazo sobre otra dama es Elena Fourment, con la que acababa de casarse.
Helene Fourment en su vestido de novia - 1630 - 1631 - Pintura - 1.369m x 1.635m - Actualmente se encuentra en la Alte Pinakothek
Helene Fourment, la segunda esposa de Rubens, representada con su vestido de novia. Aparece sentada y elegantemente vestida, transmitiendo una imagen de riqueza y estatus. El magistral uso de la luz y la sombra por parte del artista enfatiza la riqueza de las telas y la belleza juvenil de la modelo.
Hélène Fourment con dos de sus hijos, hacia 1635, Louvre.
El cardenal infante Fernando de Austria, entonces gobernador de los Países Bajos Españoles, se refirió a ella con estas palabras: sin duda es la mujer más bella que uno pudiera encontrar por aquí. Para el poeta Jan Caspar Gevaerts (1593-1666), amigo de Rubens, Helena de Amberes superaba [en belleza] a Helena de Troya.
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