Me gusta y te lo cuento: Mi excursión por la Rioja

(II) Mi excursión por la Rioja - Museo Würth - Recomendado, pincha aqui (2015)

(I) Mi excursión por la Rioja - Reinhold Würth - Museos Würth, pincha aqui

(67) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - LOS OCHENTA UNA DÉCADA COMPLEJA - Miquel Navarro - Francesco Laurana (1430) - Julio González Pellicer - Joseph Beuys - Fluxus - Chirico, pincha aqui

El museo Würth La Rioja es un museo de arte contemporáneo emplazado en el polígono industrial El Sequero, en el término municipal de Agoncillo (La Rioja, España), perteneciente a la multinacional industrial alemana Würth. El Museo forma parte del complejo económico-cultural del Grupo Würth en Agoncillo, que incluye el Centro Logístico de la empresa y un edificio social y cultural. Los fondos museísticos pertenecen a las colecciones Würth de España y Alemania.

(35) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - Equipo Crónica - Rafael Solbes - Tomás Llorens Serra - Manolo Valdés, pincha aqui

Manolo Valdés Lillie , 2006 Colección Würth España/Würth Spain Collection

La reinterpretación de la Historia del Arte es una de las señas de identidad del trabajo de Manolo Valdés, incluso antes de que comenzara su proyecto en solitario. Desde mediados de los años 60 y hasta el año 1981 Valdés formaba, junto a Rafael Solbes, el Equipo Crónica, un colectivo que trabajaba desde la estética Pop y realizaba un arte abiertamente crítico con la situación política de la dictadura; en el repertorio de Crónica estaba también el Arte, y de hecho una de las reinterpretaciones más celebradas de Las Meninas de Velázquez, La Salita, fue llevada a cabo por ellos en el año 1970.

La escultura que tienen delante, Lillie , es una de las obras más significativas del artista y está basada en un icono, una mujer de Matisse, que Valdés ha representado tanto en escultura como en pintura. Lillie está realizada íntegramente en madera de olivo, una madera de composición especialmente dura y, al igual que sucede con su pintura, está realizada dándole un gran protagonismo al material.

Henri Émile Benoît Matisse (Le Cateau-Cambrésis, 31 de diciembre de 1869-Niza, 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su empleo original y fluido del dibujo.

Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, es reconocido ampliamente, junto con Pablo Picasso, como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera, se le identificó con el fovismo y para los años 1920 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno. Durante su trayectoria, supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas.

Blanca Muñoz - Espacio negativo 1997 - Aluminio y acero

Artista española grabadora y escultora. Utiliza fundamentalmente el acero y chapa perforada, tanto en sus obras monumentales como en piezas pequeñas, incorporando también hilos de acero a sus grabados para convertirlos en esculturas.

El mundo de los libros ha inspirado a artistas de todos los tiempos, de tal forma que las bibliotecas han quedado inmortalizadas a través del arte.

Hoy vamos a recordar un cuadro del mallorquín Miquel Barceló "Biblioteca con Luz Blanca" que se puede ver el el Museo Würth de La Rioja.

Barceló (1957) es uno de los pintores más destacados de nuestro país en la actualidad. En 1986 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 2003 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Su pintura en los 70 estaba compuesta por enormes y figurativos cuadros de animales, pero su obra ha ido evolucionando hacía cuestiones más intelectuales y abstractas.

Durante la década de los 80 Barceló se especializó en series de cuadros siendo repetidos los que tenían una biblioteca como protagonista. "Biblioteca con Luz Blanca" es un impresionante lienzo pintado en 1986 y que se expuso por primera vez en una galería del Soho neoyorquino propiedad de Leo Castell, el padre del pop art.

Vestigio industrial 2005 - Miquel Navarro

(67) ¿QUE ESTÁ PASANDO? - LOS OCHENTA UNA DÉCADA COMPLEJA - Miquel Navarro - Francesco Laurana (1430) - Julio González Pellicer - Joseph Beuys - Fluxus - Chirico, pincha aqui

Georg Baselitz es uno de los artistas alemanes más importantes de la segunda mitad del siglo XX y una de las figuras fundamentales del arte internacional de nuestro tiempo. Su trabajo es provocador y enérgico; irreverente en la forma, culto en las referencias, magistral en la ejecución y refinado en lo intelectual. Pero, sobre todo, es la plasmación de la pasión de la pintura como disciplina y de la reflexión, transversal en su obra, sobre el significado de la representación de la realidad en el arte.

Georg Baselitz (nacido el 23 de enero de 1938) es un pintor alemán que estudió en la antigua Alemania del Este, antes de trasladarse a la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien posmoderno.

Berlín Oriental y Berlín Occidental: primeros años

A principios del año 1938 nace Hans-Georg Kern en el Estado de Sajonia, una zona ubicada en lo que más tarde se convertirá en la Alemania Oriental. Más adelante cambiará su apellido por Baselitz, sobrenombre extraído de su localidad natal, Deutschbaselitz.

‘El corazón’ (1964). En michaelwerner.com

Corre el año 1963 cuando se inaugural la primera exposición de Georg Baselitz. Sus lienzos no solo rompen con el ideal estético del arte, el realismo o las escuelas de vanguardia: también son claramente transgresores desde el punto de vista de la moral de la época. La muestra incluye obras como ‘Der Nackte Mann’ (El hombre desnudo), que son calificadas y denunciadas directamente como pornográficas.

Su carrera comenzó de manera meteórica en los años sesenta después de que la policía actuara contra una de sus pinturas, un autorretrato (Die große Nacht im Eimer) que representaba a un chico menor masturbándose.

Es profesor en la Hochschule der Künste en Berlín.

Die große Nacht im Eimer (La gran noche por el desagüe) es una pintura al óleo sobre lienzo del pintor alemán Georg Baselitz. Fue pintado en 1962-1963 y ahora se conserva en el Museo Ludwig de Colonia.

La pintura representa provocativamente una figura masturbándose. Sus rasgos faciales son apenas reconocibles y parece estar con el torso desnudo y vistiendo pantalones cortos. El fondo de la pintura es completamente oscuro. Un objeto no fácilmente identificable se encuentra detrás de la figura. Una interpretación es que la pintura muestra a un niño después de masturbarse, mientras que otra es que representa a un enano horrible (con peinado de Hitler) con un pene de tamaño grotesco. En ambos casos, el foco de la pintura es el sexo, y el objetivo principal de Baselitz era conmocionar a su audiencia. Baselitz dijo que usó el órgano erecto "como un acto agresivo o un choque",y fue con la actitud que representan los genitales lo que fue ofensivo. Era una caricatura para recordar a los alemanes la Segunda Guerra Mundial.

Inspirado en la pintura Bosque de Wermsdorf (Wermsdorfer Wald, 1859) de Louis-Ferdinand von Rayski, pinta su primera obra con un motivo invertido, El bosque cabeza abajo (Der Wald auf dem Kopf). A esta le sigue una serie de retratos invertidos titulado Amigos (Freunde).

‘El bosque cabeza abajo’ (1969). Museum Ludwig. En artribune.com

Los primeros trabajos de Baselitz sobre el lienzo están claramente inspirados en los paisajistas del movimiento Neue Sachlichkeit o Nueva Objetividad, una escuela que rechazaba el Expresionismo imperante y se acercaba al realismo (con matices).

A pesar de su interés y su talento, su solicitud de ingreso en la Academia de Arte de Dresde es rechazada. En 1956 se matricula en la Academia de Artes Visuales y Aplicadas de Weissensee, situada en Berlín Oriental, donde se forma bajo la tutela del pintor Herbert Behrens-Hangler. Su época en la escuela no dura mucho: tras dos trimestres asistiendo a clases es expulsado del centro. El motivo de su expulsión es su “inmadurez sociopolítica”, un motivo común para artistas que rechazaban abrazar el Realismo Socialista impuesto por el gobierno soviético. Georg Baselitz no duda en trasladarse al Berlín Occidental y matricularse en la Academia de Artes Visuales de Charlottenburg, donde entra en contacto con artistas de vanguardia de la talla de Malevich o Kandinsky.

En 1975, ya convertido en artista de referencia, se muda a Derneburg desde Berlín para trabajar como profesor de pintura en la Academia Estatal de Artes Visuales de Karlsruhe. Al mismo tiempo, continúa trabajando en obras que reflejan la situación de su país, Alemania, tras la guerra y el vértigo emocional y social desencadenado por esta. Sus herramientas: figuras grotescas o abandonadas, imágenes distorsionadas, colores poderosos y trazos bruscos y gruesos.

‘Dormitorio’ (1975). En bordercrossingsmag.com

El cambio de siglo. Esculturas y reinterpretaciones

‘Modelo para una escultura’ (1979-80). En washingtonspeaks.blogspot.com

Las figuras de los lienzos de Baselitz parecen querer escapar e invadir el espacio que les rodea. Su potencia de color y de trazo estalla y arrasa al espectador. El artista, consciente de esta vocación latente en su arte, en 1979 decide dar un paso más y empieza a realizar esculturas talladas en madera de gran envergadura. Las obras están en la misma línea que sus pinturas: son toscas, grandes, invasivas, provocadoras y potentes. Para crearlas, Baselitz emplea herramientas poco propias del arte: el uso de sierras y hachas le permite realizar piezas de carácter monumental, donde la marca del filo o los dientes queda visible. Su obra se aleja un paso más del Expresionismo y se acerca al art brut, una escuela con la que siempre se ha sentido identificado. Las piezas no renuncian al carácter polémico y político que impregna gran parte de su obra pictórica: cuando acude a representar a Alemania en la Bienal de Venecia de 1980, incluye en la selección de obras la pieza 'Modelo para una escultura'. La figura, de madera tallada, parece levantar el brazo reproduciendo el saludo nazi.

‘Freund 66 (Remix)’ (2008). En royalacademy.org.uk

Los años 90 y el fin del siglo XX encuentran al artista en plena producción. A las pinturas y las esculturas se les unen proyectos escenográficos, como el realizado para la representación de 'Punch y Judy' en el Dutch Opera de Ámsterdam.

Fuente: Texto extraído de Alejandra de Argos

OBRAS EN LA COLECCIÓN WÜRTH

En los años "60 el panorama artístico internacional potenciaba los movimientos vinculados con la Abstracción, Informalismo, el Minimalismo y el Arte Pop en Occidente, y con el Realismo Social en los países de la órbita soviética. En este contexto, Baselitz llevó a cabo una reflexión propia sobre el sentido de la pintura, en la que optaba por una representación realista cruda y expresiva, y pretendía explorar la abstracción sin renunciar a la representación figurativa

Península de Lucio 2020 - Bronce dorado al fuego

Volk Ding Zero (Popular cosa Cero), 2009

Bronce patinado y óleo, ej. 1/3, 311 x 122 x 123 cm

Colección Würth

Hay esculturas que cuelgan del techo, pero entonces lo que haces es precisamente colgar del techo. Las esculturas tienen un pedestal, y sobre él se hallan; no es posible desligarlas de la base –es un problema de la escultura, pero un problema sin resolver, porque no en vano hay muchos escultores que sólo se ocupan del pedestal-. La cuestión es más sencilla: el camino de la escultura tiene una tradición muy breve, y lo que se ha hecho fue siempre muy inmediato, lo cual ha llevado a que las esculturas esenciales no se hayan hecho todavía; el pensamiento tradicional ha conducido dentro de la escultura a un fuerte academicismo. Las esculturas que yo hago no se han hecho hasta ahora, por eso las puedo hacer. Los presupuestos son aquí completamente distintos que en la pintura. Si uno cogiera todos los dibujos que se hacen en la playa y los fijara, sería algo parecido a lo que yo hago en la escultura. La manera de pintar que he utilizado desde 1968/69, la versión del motivo, no la he concebido, la he elaborado. No nació de la hipótesis que siempre se le han atribuido, surgió de una manera completamente distinta, concretamente en la búsqueda del ornamento, en la ampliación del ornamento…

Mujeres de Dresde - Junto al Elster 1989

Haya cobriza, pintada al temple

Colección Würth

'Mujeres de Dresde' (1989-90). En fondationbeleyer.ch

'Mujeres de Dresde', inspiradas en las víctimas de los bombardeos de la II Guerra Mundial en Alemania.

Hacia arriba, a la derecha 2015

La jerarquía según la cual el cielo está arriba y la tierra abajo no deja de ser una convención, un acuerdo al que todos nos hemos habituado, pero en el que no hay que creer necesariamente. El cuadro es para mí un objeto autónomo, autárquico, igual da que uno lo vea en la pared o, como dije por aquel entonces, que lo lleve dentro de la cabeza; de ahí que sean banales semejantes cuestiones. Lo único que importa son las posibilidades de poder pintar cuadros.

Davos de día (2000)

Un dibujo encima de una mesa es ya una abstracción de esa jerarquía convencional, por que ahí el cielo está más lejos del dibujante que la tierra, y en este caso la convención deja de ser válida desde el momento en que la hoja yace plana sobre la mesa. Si en este caso la hoja parece que está “del derecho” es únicamente gracias al poder de abstracción. Por eso no es necesario inventar las construcciones que acaba usted de mencionar, porque no es descabellado abandonar sin más esa convención. El cuadro, independientemente de que uno lo coloque delante de un desierto o lo ponga en un rincón, es algo existente, existente en la cabeza –y ahí ignoro por completo si tan siquiera es válida la pregunta de en qué posición existe en la cabeza-. Lo único que me importaba era la posibilidad de hacer cuadros, quizás con una nueva distancia, y nada más. La escultura tiene presupuestos muy distintos, conexiones muy diferentes con el arriba y el abajo.