domingo, 19 de noviembre de 2017

(II) George Cukor "El director de las actrices"

My Fair Lady (1964) fue el éxito de una década en que el director empezó a espaciar sus trabajos. Audrey Hepburn se sumó con éxito a la legión femenina que había pasado por la dirección de Cukor, aunque no apareció entre las doce nominaciones y los ocho Oscar que obtuvo la película, durante cuyo rodaje fue asesinado el presidente Kennedy.

Versión cinematográfica del mito de Pigmalión, inspirada en la obra teatral homónima del escritor irlandés G.B. Shaw (1856-1950). En una lluviosa noche de 1912, el excéntrico y snob lingüista Henry Higgins conoce a Eliza Doolittle, una harapienta y ordinaria vendedora de violetas. El vulgar lenguaje de la florista despierta tanto su interés que hace una arriesgada apuesta con su amigo el coronel Pickering: se compromete a enseñarle a hablar correctamente el inglés y a hacerla pasar por una dama de la alta sociedad en un plazo de seis meses.
"Magistral adaptación de la comedia musical de Lerner y Loewe, que a su vez se inspiraba en el Pigmalión de Bernard Shaw. Gozoso espectáculo en el que todos sus elementos se ensamblan de manera mágica. Elegante, deliciosa, vibrante, una obra maestra más allá del bien y del mal"
1964: 8 Oscars, incluyendo mejor película, director, y actor. 12 nom.
1964: 3 Globos de Oro, incluyendo Mejor película - Comedia o Musical. 5 nominaciones
1964: Premios BAFTA: Mejor película. 2 nominaciones
1964: Sindicato de Directores (DGA): Mejor director
1964: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión musical
1964: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película y actor (Harrison)
1964: Premios David di Donatello: Mejor actor, actriz y producción extranjeros
1964: National Board of Review: Top 10 mejores películas

My Fair Lady - The Rain In Spain, pincha aqui

Audrey Kathleen Ruston (n. Bruselas, Bélgica; 4 de mayo de 1929 — m. Tolochenaz, Suiza; 20 de enero de 1993) más conocida artísticamente como Audrey Hepburn, fue una actriz, modelo, bailarina y activista británica de la época dorada de Hollywood, considerada por el American Film Institute como la tercera mayor leyenda femenina del cine estadounidense y formando parte de la Intenational Best Dressed List Hall of Fame.
En 1935 sus padres se divorciaron, y su padre, simpatizante nazi, abandonó a la familia. Ambos padres eran miembros de la unión británica de fascistas a mediados de los años treinta, según Unity Mitford, amiga de Ella van Heemstra y seguidora de Adolf Hitler. Audrey llamó más adelante a este hecho «el momento más traumático de su vida». Recién mucho más tarde consiguió localizar a su padre en Dublín a través de la Cruz Roja. Desde entonces permaneció en contacto con él y lo apoyó financieramente hasta su muerte.
Durante su juventud, Audrey sufrió la Segunda Guerra Mundial, primero en Bélgica y luego en los Países Bajos, de donde era originaria su madre. Para evitar que sus orígenes ingleses se revelaran, la madre de Audrey la llamaba Edda Van Heemstra, como ella, y la obligó a hablar holandés. Audrey hablaba perfectamente inglés, francés, holandés e italiano, hablaba un poco de alemán y también de español. Estudió para ser bailarina, pero la mala alimentación durante la guerra hizo estragos en su constitución, así que, pese a seguir estudiando y practicando, se vio en la obligación de elegir una nueva profesión, que fue la de actriz.
Reginald Carey Harrison, (n. 5 de marzo de 1908 - m. 2 de junio de 1990), conocido como Rex Harrison, fue un actor de teatro y cine inglés.
De sus últimos cinco títulos, dos fueron trabajos para la televisión, y las otras tres cerraron con broche de oro la fructífera relación que el director mantuvo con las actrices. Viajes con mi tía (1972), basada en la novela de Graham Greene, retomaba la comedia y daba uno de sus mejores papeles a la británica Maggie Smith, que fue nominada al Oscar. En El pájaro azul (1976), un cuento protagonizado por Jane Fonda y Ava Gardner, la búsqueda del "pájaro de la felicidad" se convertía en la principal meta de dos niños campesinos. Y, finalmente, , que Cukor dirigió con ochenta y dos años y que protagonizaron Jacqueline Bisset y Candice Bergen, es un conmovedor y realista retrato de la amistad.

Viajes con mi tía, pincha aqui

Dame Margaret Natalie Smith Cross CH, DBE (Ilford, Inglaterra; 28 de diciembre de 1934),​ más conocida como Maggie Smith, es una consagrada actriz de teatro, cine y televisión británica. Ha grabado más de 50 películas y su extensa carrera, la cual abarca más de 60 años, la ha convertido en una de las actrices europeas de mayor reconocimiento en el mundo. Es considerada una figura importante dentro de cultura británica, fue nombrada «Dama» (Dame en inglés) por la reina Isabel II por su contribución a las artes interpretativas en 1990 y recibió la Orden de los Compañeros de Honor en 2014.
La vida de un empleado de banca metódico y sedentario cambia radicalmente con la llegada de una excéntrica dama que dice ser su tía. Esa peculiar mujer arrastrará a su sobrino a un viaje alrededor del mundo que estará lleno de sorpresas y aventuras. Gracias a esta experiencia el joven cambiará su concepción de la vida. 
El pájaro azul 1976 en español parte 2, pincha aqui

Dos niños, hijos de un leñador, buscan ”El Pájaro Azul de la Felicidad” para curar a una vecinita enferma. En su viaje, los guía la Luz y los acompaña su viejo amigo El Pan y su compañero más fiel, El Perro. En su búsqueda llegan al castillo de La Noche, al engañoso Jardín de los Sueños, al Campo de la Voluptuosidad y al Bosque, de cuyos terrores logran huir ayudados por El Perro. Por fin, encuentran un lugar apacible: el Reino del Futuro, donde esperan su nacimiento generaciones enteras. Allí vive El Padre del Tiempo, que observa cuidadosamente lo que la Tierra puede necesitar. En su viaje, los niños han descrito un círculo completo, porque El Pájaro Azul de la Felicidad estaba donde había estado siempre: en su propia casa. 
Fonda en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 2007.
Jane Fonda (Nueva York, 21 de diciembre de 1937) es una actriz estadounidense de larga y polifacética trayectoria, que ha trabajado también como escritora, editora de libros y realizando videos de aeróbic, y como activista política y blogger.
Ava Lavinia Gardner (Brogden, Carolina del Norte, 24 de diciembre de 1922 - Ciudad de Westminster, 25 de enero de 1990) fue una actriz de cine estadounidense nominada a los Premios Óscar, considerada una de las grandes estrellas del siglo XX y como uno de los mitos del Séptimo Arte. Conocida por su exuberante y fotogénica belleza, se dice de ella que fue "el animal más bello del mundo".
Estados Unidos, años 40. Merry Noel (Bergen) y Liz Hamilton (Bisset), íntimas amigas desde el colegio, donde habían sellado un pacto de fidelidad, se separan cuando Merry se casa. Veinte años después, Merry, prototipo de mujer burguesa, madre y ama de casa, se ha convertido en una popular escritora de best-sellers. Liz, en cambio, como escritora de carácter intelectual, no goza de la misma popularidad. Aprovechando una gira por California, Liz visita a Merry, que parece feliz dentro de un ambiente frívolo y superficial. El reencuentro sacará a relucir lo que ambas han cambiado durante todo ese tiempo. 
Ricas y famosas (1981) de George Cukor, pincha aqui

Jacqueline Bisset (Winifred Jacqueline Franser Bisset) (n. Surrey, Reino Unido, 13 de septiembre de 1944) es una actriz de cine británica. Ganadora de un Globo de Oro por mejor actriz de reparto de serie, miniserie o telefilme por Dancing on the Edge.
Candice Patricia Bergen (n. 9 de mayo de 1946; Los Ángeles, Estados Unidos) es una actriz y productora de cine y televisión estadounidense. Ganadora de dos Globos de Oro y de cinco Premios Emmy. Candidata a los Premios Óscar, BAFTA y los Premios del Sindicato de Actores.​ Conocida por sus intervenciones en películas como Vivir por Vivir (1967), Starting Over (1979), Rich and Famous (1981), Gandhi (1982), Miss Congeniality (2000) o Sweet Home Alabama (2002). También ha participado en series de televisión como la exitosa Murphy Brown (1988-1998) y Boston Legal (2005-2008).
Cukor siempre fue un director muy apreciado por la intelectualidad cinematográfica europea; entre otros, François Truffaut y Eric Rohmer reconocieron su capacidad artística y creativa y se identificaron con su inigualable tratamiento de la clase media.

François Truffaut (París, 6 de febrero de 1932 - 21 de octubre de 1984) fue un director, crítico y actor francés. Fue uno de los iniciadores del movimiento llamado la Nouvelle vague, si bien luego evolucionó de un modo muy personal.
Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.
Éric Rohmer, seudónimo de Maurice Henri Joseph Schérer (Nancy, 4 de abril de 1920 - París, 11 de enero de 2010),​ fue un crítico y director de cine, además de periodista, novelista, guionista y profesor francés. Figura intelectual importante de la llamada Nouvelle vague (Nueva Ola) francesa de posguerra, y editor de la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinéma, es recordado sobre todo por tres series de películas: Seis cuentos morales, las seis Comedias y proverbios y los Cuentos de las cuatro estaciones.
Cukor debió de haber sido el director de "Lo que el viento se llevó", de hecho David O. Selznick le puso al mando en 1937 y Cukor pasó un año en las labores de reproducción de la película, incluso, llegó a ensayar  con las actrices Vivien Leigh y Olivia de Havilland. No obstante, a Cukor le molestaron ciertos cambios de guión y al protagonista masculino Clark Gable le incomodaba la abierta homosexualidad de Cukor, pues el director, aunque discreto, nunca ocultó su sexualidad. Ambas razones llevaron a David O. Seilnick a despedir a Cukor, no obstante, el continuó ayudando en la producción, ya que fue contratado para ensayar con Leigh y de Havilland.

Lo que el viento se llevó (título original en inglés: Gone with the Wind) es una película estadounidense de cine épico, histórico y romántico de 1939, adaptación de la novela de 1936 de Margaret Mitchell del mismo título, producida por David O. Selznick y dirigida por Victor Fleming.
La supuesta homofobia de Gable no era un patrón con el que Cukor se enfrentara a menudo en Hollywood, de hecho, el director contaba con gran cantidad de amigos entre los actores, directores y técnicos que lo visitaban con regularidad. En su casa se celebraban grandes fiestas a las que estos acudían con asiduidad y, ya que no tenía familia propia, esta casa estaba decorada con las fotos de los que Cukor consideraba sus amigos.

George Cukor's Mediterranean-Style Residence in California
Marilyn Monroe ríe en la piscina de la mansión de Cukor durante el rodaje de ‘Something’s Got To Give’ (fotografía de Lawrence Schiller)
¿Fue Clark Gable Homosexual?
Uno de los grandes galanes de la historia del cine. Reunía todas las cualidades que podían presentar por ejemplo Gary Cooper, Cary Grant y Gregory Peck juntos. Era un hombre grande, fuerte, rebelde, atractivo y con personalidad, dentro y fuera de la pantalla. Lo más parecido que podríamos encontrar hoy sería... George Clooney!?
Alcanzó la fama con It Happened One Night (Frank Capra, 1934), y la inmortalidad con el papel de Rhett Butler en Gone with the Wind (Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood, 1939).
Mantuvo romances con algunas de las mayores celebridades de la época, casándose cinco veces. Tal fama, tal reconocimiento no es extraño que hagan despertar rumores sobre su vida privada. Pocas son las estrellas que se libran. En el caso de Gable fue su pasado de chapero en los años 20 con celebridades gays de Hollywood.Todo surgió en los años 30 cuando Gable empezó a coger fama en Hollywood. No era más que un rumor que el mismo actor desmentía cuando la prensa le preguntaba. Pero no fue hasta el rodaje de Lo que el viento se llevó cuando el rumor pasó  a ser cotilleo de primer nivel.Para el papel del galán Rhett Butler la productora no se lo pensó dos veces y contrató a Clark Gable, era la elección perfecta. El director escogido para rodar la épica cinta había sido George Cukor, y ahí empezó el problema. George Cukor era uno de los directores en auge en los años 30, y el contar con él para dirigir la cinta parecía una apuesta segura. Pero aquí viene el dato: Cukor era abiertamente homosexual y como tal, sabía quien lo era y quien no en Hollywood. Él era una de esas personas que sabía sobre el pasado de Gable, o que al menos había oído los rumores de primera mano. De ahí que Gable exigiera que despidieran a Cukor tras un año de pre-producción, ya que le incomodaba la idea de con Cukor airease esos rumores. La productora no tuvo más remedio que aceptar.
 Pedro Almodóvar Caballero (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 25 de septiembre de 1949) es un director de cine, guionista y productor español, el que mayor aclamación y resonancia ha logrado fuera de España en las últimas décadas desde el cineasta Luis Buñuel. Ha recibido los principales galardones cinematográficos internacionales, entre otros dos premios Óscar, en diversas categorías y varios Premios Goya. En 2017 fue el presidente del jurado del Festival de Cannes.
"Yo creo que soy uno de los hombres menos machistas del mundo, más auténticamente feministas (...) Defiendo a las mujeres, pero no creo que sean unos arcángeles". Como Cukor, Almodóvar es un cineasta marcado por el misterio de la complicidad femenina. Por la fuerza de la maternidad, por el poder de su locura de amor, por su fe en la pasión. En sus películas, los hombres no son más que títeres, ausencias o signos de opresión: habrá que esperar hasta una película de madurez, Hable con ella, para encontrar en su obra a dos personajes masculinos que han asumido su lado femenino, su capacidad para llorar reflejados en un espejo de dolor común.
Un cine que se cimenta en influencias tan variopintas como la comedia sofisticada de mujeres de Cukor, el melodrama esteticista y arrebatado de Douglas Sirk, el movimiento underground de transexualidad y drogas de la Movida madrileña e, innegablemente, una educación sentimental, religiosa y manchega, sagrada y profana, que está siempre presente en su trabajo. 
Ostenta la condición de Caballero de la Orden de la Legión de Honor francesa (1997), además de haber obtenido la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1998). Fue investido doctor honoris causa por la Universidad de Harvard en 2009, condecoración que también recibió en junio de 2016 en la Universidad de Oxford.
Cukor murió a los 83 años y sorprendentemente, debido a su homosexualidad, fue su último deseo ser enterrado junto a Francis Howard Goldwyn, viuda de Samuel Goldwyn, de quien dijo, en su testamento, haber estado enamorado toda su vida.

Frances Howard (4 de junio de 19031​ - 2 de julio de 1976) fue una actriz de nacionalidad estadounidense, conocida por ser la segunda esposa del productor ganador de un Premio Oscar Samuel Goldwyn.
Samuel Goldwyn, nacido como Schmuel Gelbfisz (Varsovia, 17 de agosto de 18791​ – Los Ángeles, 31 de enero de 1974) fue un productor de cine estadounidense de origen polaco, ganador del Óscar de la Academia y del Globo de Oro, fundador de varias productoras. Cofundador de la Metro-Goldwyn-Mayer.

LOS MEJORES DIRECTORES DE CINE - Katharine Hepburn

(Nueva York, 1899 - Los Ángeles, 1983) Director de cine estadounidense. Casi desde el principio de su carrera fue descrito como "director de mujeres", fama que se consolidó con el paso de los años por las interpretaciones notables que fue capaz de conseguir de estrellas como Greta Garbo, Katharine Hepburn y Joan Crawford.

Especialista de las formas más brillantes, con fama de ser el más prestigioso "director de actrices" de Hollywood, George Cukor ha elevado el clasicismo a su nivel máximo de perfección. Con su encanto seductor, nos describe una humanidad contrastada, en ocasiones con cruelodad, aunque frecuentemente deje aflorar la emoción
George Cukor estudió derecho en la De Witt Clinton High School de Nueva York, carrera que abandonó por el teatro. Su habilidad como director de actores y su dominio de la técnica comenzaron a formarse en Broadway, donde trabajó como director antes de dedicarse al cine. Esta afición teatral la heredó de su madre, que solía disfrazarse para entretener a sus amistades, imitando a actrices famosas.

El concepto del disfraz, incluso el de transformismo, será recogido y homenajeado por el director en varios de sus títulos, como Historias de Filadelfia (1940), La costilla de Adán (1949) o Luz que agoniza (1944). El extendido rumor sobre su condición homosexual encontró su anclaje en muchos de estos detalles, pero Hollywood suavizó la supuesta "falta" calificándolo de gran director de actrices. Ciertamente consiguió que ocho de sus actrices fueran nominadas al Oscar, pero no es menos cierto que Cukor acabó reduciendo ese calificativo a una mera anécdota gracias a su saber hacer.

La mansión de los Lord se prepara para celebrar la segunda boda de Tracy Lord (Katharine Hepburn) con el rico George Kittredge (John Howard). Para inmortalizar los festejos una pareja de periodistas, Macauley Connor (James Stewart) y Elizabeth Imbrie (Ruth Hussey), son invitados especialmente por C.K. Dexter Haven (Cary Grant), el primer marido de Tracy. 
Cary Grant, Katharine Hepburn, James Stewart y Ruth Hussey en un fotograma del reclamo de la película.
En la elegante Filadelfia, un ex marido aparece en casa de su ex mujer justo un par de días antes de que ésta se case de nuevo. Su llegada revolucionará a toda la familia... Pocos nombres cinematográficos despiertan tantas simpatías como cuando oyes "C.K. Dexter Haven", el personaje interpretado por un Cary Grant en estado de gracia en esta inmortal comedia, protagonizada por tres de las más gloriosas leyendas del cine americano. Una producción de Joseph L. Mankiewicz para la MGM llena de encanto, sonrisas e inteligencia. Imprescindible.
George Cukor comenzó su trayectoria cinematográfica con Grumpy (1930), un melodrama protagonizado por Cyril Maude y basado en una obra de teatro. Durante la década de los treinta comenzó a mostrar interés por todo tipo de historias, desde el drama protagonizado por Tallulah Bankhead, Honor mancillado (1931), o Hollywood al desnudo (1932), cuyo guión fue nominado al Oscar, hasta la comedia romántica Cena a las ocho (1933), protagonizada por Marie Dressler.

Hollywood al desnudo, pincha aqui

Hollywood al desnudo
Mary Evans es una camarera cuya amistad con Max Carey, un director de cine alcohólico, le permite relacionarse con peces gordos. De esta manera llama la atención del millonario Lonny Borden, un productor de Hollywood cansado de la vida de la costa este y de ser un segundón de Max. 
En 1935 dirigió uno de sus mayores éxitos de crítica y público dentro de la década, David Copperfield, basada en la novela de Charles Dickens y protagonizada por Freddie Bartholomew. La película fue nominada al Oscar, así como el montaje. Fue la gran baza para ese año de la Metro Goldwyn Mayer, y la inversión dio sus frutos; pero quienes mayor beneficio obtuvieron de la película fueron sin duda sus actores, ya que David Copperfield se mostró como un vehículo de lucimiento inestimable para nombres como Basil Rathbone, Edna May Oliver o el mismo Lionel Barrymore, que tuvo un pequeño papel.

Charles Dickens -- (Portsmouth, Reino Unido, 1812 - Gad's Hill, id., 1870) Escritor británico. En 1822 su familia se trasladó de Kent a Londres, y dos años más tarde su padre fue encarcelado por deudas. El futuro escritor entró a trabajar entonces en una fábrica de calzados, donde conoció las duras condiciones de vida de las clases más humildes, a cuya denuncia dedicó gran parte de su obra.
Cuando muere su madre (Elizabeth Allan), David (Freddie Bartholomew) queda tutelado por su padrastro, que lo lleva a Londres y lo obliga a trabajar para un supuesto tío suyo bastante excéntrico.
David Copperfield di Charles Dickens, pincha aqui

George Cukor descubrió a Cary Grant como el actor mejor dotado para la comedia romántica a partir de La gran aventura de Silvia (1936), basada en la novela de Compton MacKenzie. Él mismo dirigiría a Grant en dos títulos más, Vivir para gozar (1938) e Historias de Filadelfia (1940), pero también lanzó otras carreras, como la de Jack Lemmon, Anthony Perkins, Katharine Hepburn o Spencer Tracy.

Vivir para Gozar trailer (1938), pincha aqui
Un hombre prometido, poco antes de la boda, se da cuenta de que está enamorado de su cuñada.

Cary Grant
(Archibald Alexander Leach; Bristol, Inglaterra, 1904 - Davenport, Estados Unidos, 1986) Actor cinematográfico estadounidense de origen británico. Mítico galán de la época dorada de Hollywood, fue el gran maestro de la alta comedia americana. Desde 1932, fecha en la que debutó en el cine, hasta 1966, año de su último filme, intervino en un total de 72 películas, muchas de ellas hechas a su medida para explotar su personalidad interpretativa. Cary Grant supo construir un perfecto gentleman, atractivo, seductor, elegante y con un toque humorístico sobriamente británico; tal labor lo convirtió en un referente indiscutible del star-system durante las tres décadas de plenitud del cine norteamericano.
Jack Lemmon --(Boston, 1925 - Los Ángeles, 2001) Actor de cine estadounidense, uno de los grandes talentos de la historia del cine y uno de los más queridos por el público, recordado especialmente por papeles cómicos en películas como El apartamento o Con faldas y a lo loco, pese a que también destacó en el género dramático
Katharine Hepburn -- (Katharine Houghton Hepburn; Hartford, Connecticut, 1907 - Old Saybrook, Connecticut, 2003) Actriz estadounidense, gran dama del teatro y protagonista de grandes títulos clásicos de la historia del cine. Katharine Hepburn nació en el seno de una familia aristocrática que decía descender de un hijo bastardo del príncipe Juan de Inglaterra. Esta alcurnia y el hecho de que sus antepasados hubieran llegado a Estados Unidos en el Mayflower eran referencias que los Hepburn mantenían muy frescas.
«Hay mujeres, y además está Kate. Hay actrices, y además está Hepburn», dijo de ella Frank Capra cuando la dirigía en El estado de la Unión (1948), uno de los títulos que reafirmó la química perfecta de la actriz con Spencer Tracy. Aunque la inconfundible máscara profesional de la Hepburn (la voz que oscilaba entre el tono reposado y el sobreagudo, el elegante acento de Nueva Inglaterra, la réplica veloz, el andar ágil y desenvuelto) establecía químicas insospechadas.
En el verano de 1932 rodó su primera película, Doble sacrificio, nada menos que junto a John Barrymore, y desde el primer día congenió con el director, George Cukor, que enseguida supo que había escogido a una actriz de gran talento instintivo. Cukor la dirigiría en una decena de filmes, entre ellos Mujercitas (1933), basada en la novela de Louise M. Alcott, en la que por supuesto encarnó a la masculina Jo, un papel que contribuyó a cimentar su propia androginia en una época en que imperaban mitos de feminidad como Jean Harlow o Mae West.
 Mujercitas (1949) Trailer Subtitulado, pincha aqui
Las cuatro hermanitas - Mujercitas (1933)  -- Cuatro jóvenes hermanas, Josephine, Margaret, Amy y Beth March, realizan un aprendizaje, a veces doloroso, a veces fascinante, de la vida y del amor al cuidado de su madre mientras su padre lucha en la Guerra Civil Americana (1861-1865). Las cuatro van creciendo y abandonando, una a una, el hogar familiar para casarse y crear sus propias familias. Sólo se queda Jo, que quiere ser escritora. A pesar de que tiene la sensación de que para ella ya no es posible la felicidad, sigue escribiendo y consigue publicar su primera obra. 
El éxito de esta película y de Gloria de un día (1933), de Lowell Sherman, que le valió su primer Oscar, abrió una etapa de auge en su carrera que, contra todo pronóstico, no tardó en declinar, durante la segunda mitad de la década, de forma paralela a la decreciente repercusión comercial de algunas sus películas. Algo que hoy resulta incomprensible, dado que precisamente en esos años rodó títulos del calibre de Damas del teatro (1937), de Gregory La Cava; Vivir para gozar (1938), de George Cukor, o La fiera de mi niña (1938), de Howard Hawks, pero que entonces obligó a la actriz a regresar a Nueva York y retomar su labor en los escenarios.
Vivir para gozar (1938)
Comedia llena de situaciones espléndidas y diálogos inteligentes, llenos de ternura, vivacidad y sentido del humor, que hacen la delicia del espectador y reflejan a la perfección la psicología de los personajes. Pero es, también, la película de las contradicciones. Contradicción entre dos formas de vida, el sueño americano, que antepone el triunfo económico a cualquier otro proyecto vital, y la vida en libertad sin rendir culto al dinero. Contradicción entre los caracteres de Linda, que encarna la libertad, y Julia, que encarna la aceptación del statu quo familiar. Contradicción entre los amigos de Julia, todos ricos y bastante hipócritas, y los de Johnny, profesores despistados (llámeme Potter), honestos y solidarios. 
Su reaparición en Broadway supuso un nuevo auge en su carrera: su trabajo en la comedia de Philip Barry Historias de Filadelfia llegó a las cuatrocientas representaciones y recibió el aplauso unánime de crítica y público. Tras su fracaso en Hollywood (le habían colgado el mote de «veneno de la taquilla» y se había visto rechazada en favor de Vivien Leigh para protagonizar Lo que el viento se llevó), la actriz se sentía tan feliz con este nuevo triunfo que el multimillonario Howard Hughes, con quien había tenido un romance, le regaló los derechos de The Philadelphia Story para que únicamente ella pudiese hacer la versión cinematográfica.
Historias de Filadelfia (1941)
Ganó cuatro oscars, obtuvo 12 candidaturas y fue una de las pocas intérpretes que consiguieron cruzar el campo de minas de la edad. A los 74 años rodó En el estanque dorado. Pero Katharine empezó a convertirse en una actriz cuando no era más que una adolescente. Su hermano Tom, al que ella adoraba, se ahorcó -"La gente es tan complicada que en realidad nunca podemos conocerla"-, y ella aprendió entonces a ocultar sus sentimientos, "a crear una persona que daría la cara al mundo mientras escondía otra que mantendría privada a toda costa", 
Y la Hepburn, tras comprar su libertad a la RKO (cancelar el contrato le costó 220.000 dólares), volvió a la Costa Oeste para ofrecerle la adaptación al zar de la Metro Goldwin Mayer, Louis B. Mayer, quien aceptó, aunque no se plegó a las exigencias de la actriz de que los coprotagonistas fueran Clark Gable y Spencer Tracy. Le proporcionaron a Cary Grant y James Stewart y tuvo a Cukor como director, y la química conseguida prueba que fue la elección perfecta para una película memorable. Esta vez perdió el Oscar injustamente frente a Ginger Rogers, pero ganó con justicia un prestigio que ya no la abandonaría.
Durante los años cincuenta y sesenta rebajó mucho su ritmo de trabajo, lo cual no le impidió cosechar grandes éxitos como La reina de África (1951), que coprotagonizó con Humphrey Bogart, o la citada Adivina quién viene esta noche (1967) y El león en invierno (1968), por los que obtuvo sendos Oscar de forma consecutiva.
Spencer Tracy -- (Spencer Bonaventure Tracy; Milwaukee, 1900 - Beverly Hills, 1967) Actor estadounidense. Católico de ascendencia irlandesa, realizó sus primeros estudios en varios colegios (su rebeldía le llevó a ser expulsado en numerosas ocasiones) hasta que entró en la Academia Marquette, un riguroso centro jesuita. Al estallar la Primera Guerra Mundial sirvió en la Armada y, finalizada la contienda, cuando aún no había cumplido los veinte años, se sintió atraído por el mundo de la interpretación dramática mientras estudiaba en el Ripon College, centro desde el que inició una gira por varias ciudades del país. Esta vocación lo llevó a inscribirse como alumno en los cursos que se impartían en la Escuela de Arte Dramático de Nueva York.
A partir de 1936 llegó una etapa más romántica en la carrera de Cukor. Títulos como Romeo y Julieta (1936), con Leslie Howard y Norma Shearer en los papeles principales; La dama de las camelias (1937), con Greta Garbo nominada al Oscar a la mejor actriz; y Vivir para gozar (1938), explotando de nuevo el filón Grant-Hepburn, mostraron las distintas caras del romance, que Cukor dominaba con maestría. También coqueteó con el cine de aventuras, en películas como El prisionero de Zenda (1937) o Las aventuras de Huckleberry Finn (1938), aunque no figuró en los créditos.

(Leslie Howard Stainer; Londres, 1893 - 1943) Actor de cine británico. Su vida profesional comenzó lejos de las tablas y de los focos: era un administrativo más que trabajaba en un banco londinense, sin nada que pudiera indicar que iba a convertirse en uno de los actores más interesantes de los años treinta. Sirvió en el ejército británico durante la Primera Guerra Mundial, y no fue hasta finalizada la contienda cuando inició su actividad teatral; al poco tiempo debutó también en el cine, en cortos y largos todavía mudos.
(Greta Lovisa Gustafson; Estocolmo, 1905-Nueva York, 1980) Actriz de cine sueca. Hija de una familia humilde, tras estudiar en el Teatro Real de Estocolmo conoció a Mauritz Stiller, quien acuñó su nombre artístico, Greta Garbo, y le dio un papel en la película Gösta Berling Saga (1923). Rodó luego en Alemania La calle sin alegría (1925).
Tras ser unos de los directores que pasaron por el decorado de Lo que el viento se llevó (1939), Cukor inició una serie de títulos que estaban claramente dedicados al mundo femenino: Mujeres (1939), con un reparto de lujo y unos ciento treinta personajes, todos ellos femeninos; Susan And God (1940) y Un rostro de mujer (1941), ambas protagonizadas por Joan Crawford; o La mujer de las dos caras (1941), en donde repitió con Greta Garbo, atestiguan su conocimiento del universo femenino.

Un rostro de mujer, de George Cukor, pincha aqui


Memorable interpretación de Joan Craword en el papel de una mujer acusada de asesinato que se somete a una operación de cirugía estética para cambiar de vida. Remake de un drama sueco de 1938 protagonizado por Ingrid Bergman. 
Lucille Fay Le Sueur, más conocida como Joan Crawford (San Antonio, Texas; 23 de marzo de 1904-Nueva York; 10 de mayo de 1977), fue una actriz de cine y televisión estadounidense ganadora de un Oscar de la Academia en 1945. En 1999 el American Film Institute la situó como la décima estrella femenina del cine de todos los tiempos.
Karin Borg Blake es una instructora de esquí que da clases a Larry blake, un playboy americano. Poco a poco se van enamorando, pero resulta que Larry tiene una novia en Nueva York que espera su regreso.
La Mujer de dos caras(película completa), pincha aqui

En 1944 Cukor abordó el suspense adaptando la obra de teatro de Patrick Hamilton Luz que agoniza, adaptación que protagonizaron Charles Boyer e Ingrid Bergman y en la que Angela Lansbury hizo su debut. Con este filme se acercó al melodrama gótico, compartiendo tema e interés con otros títulos de la década. Producida en el seno de la Metro Goldwyn Mayer, obtuvo ocho nominaciones a los Oscar, alcanzando el premio a la mejor actriz y a la mejor decoración de interiores.

En la Inglaterra victoriana, una bella mujer (Ingrid Bergman) se casa con un famoso pianista (Charles Boyer). La felicidad desaparece cuando en la casa, donde años atrás se cometió un asesinato, la mujer empieza a oír extraños e inexplicables ruidos.
1944: 2 Oscars: Mejor Actriz (Ingrid Bergman), decorado (B&N). 7 nominaciones --1944: Globos de Oro: Mejor actriz (Ingrid Bergman)

Charles Boyer -- (Figeac, 1899 - Paradise Valley, 1978) Actor de cine estadounidense de origen francés. Sin demasiado interés por el cine en un primer momento, la intención de Boyer era ser un buen actor de teatro; aconsejado por el famoso actor Raphaël Duflos, viajó a París, donde simultaneó estudios de filosofía en La Sorbona con los de teatro en el Conservatorio de Arte Dramático, bajo los auspicios del propio Duflos y de Maurice Escande.
Ingrid Bergman -- (Estocolmo, 1915 - Londres, 1982) Actriz sueca. Huérfana de madre a los dos años y de padre cuando sólo había cumplido los doce, Ingrid Bergman pasó gran parte de su infancia y adolescencia bajo los atentos cuidados de un tío suyo. A los dieciocho años se graduó en el instituto y, para entonces, la tímida y solitaria Ingrid había ya decidido ser actriz. Un año antes, en 1932, había participado sin acreditar en una película, Landskamp, hoy perdida. En 1933 consiguió ser admitida en el Swedish Royal Theatre, pero no soñaba precisamente con ser actriz de teatro; quería ser actriz de cine y lo intentaba denodadamente, presentándose a multitud de pruebas.
La comedia romántica de Cukor se fue adaptando a las distintas décadas, y al llegar a la de los sesenta el mito Marilyn Monroe también hizo aparición en su filmografía. En El multimillonario, el propio Arthur Miller revisó el guión para realzar el protagonismo de su mujer, lo que provocó que actores de prestigio rechazaran interpretar el protagonista masculino. El papel fue finalmente aceptado por Yves Montand, que había protagonizado con anterioridad Las brujas de Salem (1957), basada también en otra obra de Miller.
Un multimillonario (Yves Montand) se enamora de una estrella de Broadway (Marilyn Monroe) que protagoniza un espectáculo en el que se ridiculiza a los millonarios. Para conocerla, convence a Milton Berle, Bing Crosby y Gene Kelly (que se interpretan a sí mismos) para que lo instruyan en las artes de la comedia, la canción y el baile, con el fin de incorporarse a la compañía de teatro. La actriz cae bajo su hechizo, pero, ¿cuánto tiempo podrá mantener el engaño?
"No es un musical al estilo tradicional de Fred Astaire, pero lo es según la tradición de George Cukor" La propuesta es una comedia alegre y vitalista, algo absurda pero con unos números musicales memorables: My Heart Belongs to Daddy (1938) de Cole Porter Su titulo: Let's make love(1960) en un principio el guión que le llegó a Cukor a través de Norman Krasna se llamaba The Billionaire- aquí se tituló así; El multimillonario.
(Un multimillonario) En principio ese papel iba a ser interpretado por Gregory Peck, tambien se pensó en Gary Cooper y Jimmy Stewart.. todos ellos tendrían que dar el perfil de "hombres estoicos y aburridos", a Peck le interesó el guión, todo ésto antes de que la propia Marilyn y Cukor entraran en el proyecto. Una vez que convencieron a la estrella (estaba harta de sus papeles de rubia tonta) empezó a poner pegas para cambiar el guión-sus condiciones físicas tampoco eran las mejores en ese momento- y con los retrasos en la producción ...Gregory Peck abandona. En su lugar Ives Montand europeo, cantante y actor, que no se parecía nada a la propuesta inicial, consigue el papel.
El cantante y su mujer Simone Signoret acababan de interpretar la versión francesa de Las brujas de Salem de Arthur Miller, marido de la actriz, a éste la idea de la película le gusta e influye en Marilyn positivamente y reescribe el guión para adaptarlo a su personalidad. Pero serán Hal Kanter & Norman Krasna quienes finalmente trabajen en él y firmen como autores. Tony Randall, Frankie Vaughan, Wilfrid Hyde-White entre otros en el reparto y Gene Kelly, Bing Crosby y Milton Berle aparecen interpretándose a si mismos..¿por qué..?. Hay que verla para saberlo.
El 5 de agosto de 1962, la actriz estadounidense Marilyn Monroe, el gran mito erótico de los años cincuenta, fue hallada muerta en su casa de Hollywood. Aunque el forense dictaminó que la actriz se había suicidado con una sobredosis de somníferos, las causas de su muerte permanecen aún confusas; se apreciaron algunas contradicciones en el informe médico de su trágico fin.
Las dificultades profesionales y su agitada vida sentimental parecieron estar en el origen de su muerte. En cualquier caso, la jovialidad y el vivir desenfrenado y despreocupado que muchas veces había representado en el cine y fuera de él se corresponden poco con el verdadero perfil de su vida, marcada por las contradicciones y los complejos de una niñez y una juventud desgraciadas, seguidas después de un éxito arrollador al que no supo hacer frente, ni siquiera cuando creyó encontrar, junto a personalidades como Arthur Miller, la estabilidad y la seguridad que persiguió durante toda su vida.
Arthur Miller (Nueva York, 1915 - Roxbury, Connecticut, 2005) Dramaturgo estadounidense. Autor de obras emblemáticas como La muerte de un viajante y Las brujas de Salem, y ganador en dos ocasiones del premio Pulitzer, Arthur Miller está considerado como uno de los mejores dramaturgos del siglo XX. Escritor comprometido, Miller supo trasladar a los escenarios el conflicto del ser humano y el espíritu crítico, arremetió contra el masificador antihumanismo estadounidense, se acercó al marxismo, para después criticarlo, se opuso activamente a la “caza de brujas” del senador McCarthy y denunció la intervención estadounidense en Corea y Vietnam. Su nombre fue sinónimo de audacia y de ruptura, tanto temática como estructural.
Yves Montand (Monsummano Alto, 1921 - Senlis, 1991) Cantante y actor francés de origen italiano. Su familia había emigrado a Marsella huyendo del fascismo, tras la subida de Mussolini al poder. Maravilloso cantante desde la adolescencia, dejó muy pronto el colegio y trabajó en variados oficios. Finalizada la segunda guerra mundial, conoció en el Moulin Rouge a Edith Piaf, que se interesó por su carrera y lo ayudó a convertirse en una estrella de la canción, llevándolo a debutar en las salas parisinas. Fue también ella quien le ofreció su primer papel en el cine.

miércoles, 15 de noviembre de 2017

(II) LOS MEJORES DIRECTORES DE CINE - ¿Que era el toque Lubitsch? - Gary Cooper - Marlene Dietrich

¿Que era el toque Lubitsch?
Como decía su colega y admirador Billy Wilder, "durante veinte años todos nosotros intentamos encontrar el secreto del toque Lubitsch. De  vez en cuando, con un poco de suerte, lográbamos algún que otro metro de película que brillaba momentáneamente como si fuera de Lubitsch, pero no era realmente suyo". El toque Lubitsch era como el aroma de un buen vino que todo el mundo detecta y degusta pero que nadie acierta a explicar del todo. Estaba compuesto por un argumente elegante y sofisticado, por un refinamiento que se deslizaba a menudo hacia la ironía fina.

Refiriéndose a Lubitsch, Francois Truffaut escribió que para él lo esencial era no tratar nunca un tema de forma directo y que de lo que se trataba era de no contar la historia e incluso de buscar el modo de no contarla del todo, y añadía: si nos quedamos fuera de la puerta de una habitación cuando todo ocurre dentro, si nos quedamos en el “office” cuando la acción ocurre en el salón, y en el salón cuando tiene lugar en la escalera, y en el teléfono cuando sucede en la bodega, es porque Lubitsch se ha roto la cabeza para permitir a los espectadores construir por sí mismos, con él, el guión mientras ven la película proyectada. Truffaut remataba su razonamiento diciendo: En el Gruyere Lubitsch cada agujero es genial. Maestro en el arte de divertir a los espectadores haciéndoles descubrir a ellos mismos las cosas y convirtiendo el cine de participación, Lubitsch fue acusado a veces por sus actores de prestar más atención a las puertas que a ellos, cuando en una ocasión había declarado que las puertas son tan importantes como los actores. Pero no solo de jugar con puertas se trata, aunque la puerta es una perfecta metáfora de lo que constituía la esencia de su trabajo: adivina primero lo que está ocurriendo al otro lado y veamos después si acertaste.
En cada escena era tanto lo que se sugería como loo que se mostraba y, en muchas de sus películas, subyacía un erotismo tan sutil, que los censores nunca podían cortarlo, porque no se puede cortar un aroma.

Artista obsesionado por los misterios de las relaciones entre hombre y mujer, la guerra de los sexos se convertiría en el tema central de su obra.

Maestro absoluto de la elipsis, Lubitsch supo burlar las estúpidas normativas censoras de su tiempo (las de cualquier tiempo son igualmente estúpidas) recurriendo a una sugestiva manera de que el espectador reconstruyese con su imaginación cuando la moralina de la época le escamoteaba.

Ernst Lubitsch: el toque mágico de la sugerencia -- Als Ich Tot (1916)
Fue Billy Wilder quien dijo de Lubitsch que "era capaz de decir más con una puerta cerrada que un director moderno con una bragueta abierta"

Estupendo dialoguista y creador de situaciones comprometidas y picantes, que siempre resolvía con una elegancia insuperable, Lubitsch fue un creador que exigía un espectador que supiese leer entre líneas y apreciase el sabroso arte de reconstruir con su imaginación aquellas situaciones que Lubitsch dejaba apenas en boceto. Y es que Lubitsch, como inmenso artista del medio, establecía una comunicación entre el espectador y su arte como pocos directores han sido capaces de plantear, y mucho menos conseguir.
Se ha dicho que los conflictos sexuales y humanos son abordados por Lubitsch en sus comedias de una manera tan elegante, y que los modos y reacciones de sus personajes son tan finos, que sus películas no transcurren en este mundo, sino en un universo paralelo al nuestro llamado "Lubitschlandia"

 Billy Wilder - Nació el 22 de junio de 1906 en la ciudad polaca de Sucha, que entonces formaba parte del Imperio Austro-Húngaro.
¿Cómo lo haría Lubitsch? Mantra indiscutible de Billy Wilder. Su gran maestro, el padre de la comedia, aquel que le enseñó todo lo que sabía y a quién, según él, se pasó toda la vida intentando imitar, sin éxito. Todo empieza y acaba con Lubitsch. Todo empieza con "Ninotchka", su primera colaboración juntos, Lubitsch a los mandos, Wilder al bolígrafo.
Dice de él nuestro director de cine, Trueba: "Wilder era un Dios".
En su lápida reza la inscripción «Soy escritor, pero nadie es perfecto», en alusión al final de ‘Con faldas y a lo loco’. Sin embargo, en los años ochenta ya había dejado caer otro posible epitafio: «Quiero que se me considere un cínico de lengua ácida, no quiero parecer un blandengue».
Falleció el 27 de marzo de 2002 a los 95 años, víctima de una neumonía.
Fue con la llegada del sonoro cuando Lubitsch empezó a deslumbrar de verdad, por su brillante utilización de los diálogos, en títulos como El desfile del amor. Destaca también en el terreno del musical con Paramount on Parade. Tras El teniente seductor fracasa espectacularmente con el drama El remordimiento, por lo que decide centrarse en comedias como la especialmente memorable Un ladrón en la alcoba.

'Remordimiento', contra la estupidez de la guerra
El  21 de noviembre 2008 se puso a la venta 'Remordimiento', el único drama sonoro rodado por ese genio llamado Ernst Lubitsch.
'Remordimiento' es pura emoción, un drama que te mantiene todo el tiempo con un nudo en el estómago y que contiene uno de los mejores discursos antibelicistas que he visto nunca en una película; de una sencilla brillantez que te deja sin habla.
La historia de 'Remordimiento' ('Broken Lullaby' o 'The Man I Killed', 1932) se centra en Paul Renard, un joven soldado francés que vive atormentado por el recuerdo de haber matado, en el transcurso de la Primera Guerra Mundial, a un soldado alemán, Walter Holderlin. Desesperado, acude a Alemania para ver a la familia del soldado muerto y pedirles perdón, pero su voluntad se lo impide cuando conoce a los padres y la prometida del fallecido.
Remordimiento. Lubitsch. Escena 23, pincha aqui
Frantz, de Francoise OzonLa película es una adaptación que hace el director francés, Francois Ozon, de la película estadounidense “Broken Lullaby” (Remordimiento) de 1932, dirigida por Ernst Lubitsch.
2016
Una pequeña ciudad alemana, poco tiempo después de la I Guerra Mundial. Anna va todos los días a visitar la tumba de su prometido Frantz, caído en la guerra, en Francia. Un día, Adrien, un misterioso joven francés, también deja flores en la tumba. Su presencia suscitará reacciones imprevisibles en un entorno marcado por la derrota de Alemania.
El eje temático central es la idea del perdón, de la culpa y de la redención por el amor.
El segundo leit-motiv de la película es la idea de la mentira como vehículo para hacer digerible situaciones insuperables.
Frantz es una película de amor, estructurada a partir del sufrimiento por la pérdida del ser querido
Quien a su vez se había inspirado en la obra de teatro  L’homme que j’ai tué (El hombre que yo maté, 1925),  de Maurice Rostand.
Ozon comienza por la lectura de la obra de Rostand y descubre la película de Lubitsch.
Ozon es fiel al original, aunque varía el punto de vista. El punto de vista de Ozon es el de Anna, la novia del soldado muerto, alemana, que cobra centralidad.
Lubitsch lo hacía desde la perspectiva francesa, en 1932.
“Desde un principio, después de leer la obra de teatro, pensé en contar la historia desde el punto de vista de Anna. De esa forma se crea el suspense porque, al igual que el espectador, Anna no conoce los motivos de la visita de Adrien a Alemania”, relata Ozon.
Un ladrón en la alcoba - Ernst Lubitsch, pincha aqui

Lily (Miriam Hopkins), una carterista que se hace pasar por condesa, conoce en Venecia al famoso ladrón Gaston Monescu (Herbert Marshall), quien a su vez se hace pasar por barón, y se enamoran. Gaston roba al aristócrata François Fileba y huye con Lily antes de que le descubran. Casi un año después, en París, Gaston roba un bolso con diamantes incrustados a la viuda Mariette Colet, pero se lo devuelve y la cautiva de tal forma que lo contrata como secretario.
Tras la llegada de los nazis al poder, Lubitsch acaba nacionalizándose estadounidense. En 1935 se une a la actriz Vivian Gaye (con la que tendrá un bebé), tras divorciarse de Helene Kraus. Ese mismo año, le nombran supervisor de Paramount, cargo que aprovechó para dar trabajo a algunos compañeros que tuvieron que huir de Alemania. Enseguida deja el cargo y entra en su etapa de plenitud creativa, con sus películas más redondas, como Ángel, con Marlene Dietrich, como una mujer que tiene una aventura extraconyugal en París, o La octava mujer de Barba Azul, redondísima comedia con Claudette Colbert y Gary Cooper, que tenía como coguionista a Billy Wilder.

Vivian Gaye - Ernest Lubitsch

Ángel (1937), Ernst Lubitsch, pincha aqui


Marie Magdalene Dietrich, conocida por su nombre artístico Marlene Dietrich (Schöneberg, Berlín, 27 de diciembre de 1901 - París, 6 de mayo de 1992), fue una actriz y cantante alemana que adoptó la nacionalidad estadounidense. Es considerada como uno de los más eminentes mitos del séptimo Arte, y también como la novena mejor estrella femenina de todos los tiempos según el American Film Institute.
Maria es la esposa de Sir Frederick Barker, aristócrata británico que hace tiempo que no le presta atención. Enfadada, se va a París sin decírselo a su marido. Maria conoce allí a Anthony Halton, un americano con quien cena y visita los monumentos de la ciudad...
“Lubitsch era el mejor guionista que haya habido nunca. Recuerdo que en La octava mujer de Barbazul (1938) había una escena en el guión en la que Gary Cooper entra en una tienda en Niza y ve unos carteles. Uno de ellos dice: ‘Se habla español’, en otro pone: ‘Se habla inglés’. Lubitsch cogió un bolígrafo y escribió debajo: ‘Se entiende el americano’. Un chistecito que lo decía todo”, contaba Billy Wilder.
 La octava mujer de Barba Azul, en El Callejón de las Maravillas, pincha aqui

Michael Brandon es un millonario americano que ha ido a pasar unos días a la Costa Azul. Allí conoce a Nicole, hija de un marqués arruinado que intenta meter a Michael en un turbio negocio.Nicole se enamora de él y el día de la pedida de mano, con toda la familia reunida, descubre que no es la primera mujer en su vida, sino la octava.
Frank James Cooper, más conocido como Gary Cooper (Helena, Montana, 7 de mayo de 1901-Los Ángeles, California, 13 de mayo de 1961), fue un actor estadounidense de ascendencia inglesa. Ganó el premio Óscar en tres ocasiones; el último le fue concedido en reconocimiento a toda su carrera.
Su gran popularidad se basaba en su estilo sobrio y natural a la hora de actuar. Era alto y desgarbado, encarnando mejor que nadie al "americano ideal", hombre íntegro y caballeroso.
Mantuvo una buena amistad con Picasso y con Ernest Hemingway, con quien coincidió en el rodaje de Adiós a las armas.
Fue miembro de la asociación anticomunista de actores Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals. Pero a pesar de tener ideas conservadoras evitó delatar a sus compañeros de profesión durante la famosa Caza de brujas.
Aunque tuvo muchos romances, sólo se casó una vez, con la actriz Verónica Balfe. En especial, mantuvo una fuerte relación sentimental con la actriz Patricia Neal, desde que rodaron juntos El manantial (The Fountainhead), en 1949, idilio que finalizó tras protagonizar la pareja la película El rey del tabaco (Bright Leaf, 1950), dado que la mujer del actor se negó a concederle el divorcio.
Murió el 13 de mayo de 1961, a los 60 años, víctima de un cáncer, como consecuencia de su adicción al tabaco.
En los años 40, Lubitsch acumula títulos memorables como El bazar de las sorpresas, o El diablo dijo no. Aunque su gran especialidad siguen siendo las críticas políticas, a través de ingeniosas sátiras. Le dan juego especialmente los totalitarismos: el comunismo (Ninotchka) y el nacionalsocialismo (Ser o no ser). También le sacó mucha punta a las costumbres tradicionales británicas en El pecado de Cluny Brown.

El film se inicia con la llegada al infierno del envejecido protagonista, Henry Van Cleve, quien está tan convencido de que no le aceptarán en el cielo que ni se ha molestado en probar suerte ahí. Sin embargo, el Diablo no conoce la razón por la que Van Cleve deba ir al infierno, así que le pide que le cuente la historia de su vida para poder juzgar si debe entrar o no. A partir de aquí se inicia un relato en flashback de la biografía de Henry Van Cleve centrado en su relación con las mujeres.
Como no podría ser de otra manera con Lubitsch, la vida de Henry Van Cleve nos es narrada a través de su relación con el amor comenzando por la divertida escena en que su madre y su abuela disputan por cuidarlo y acaban dejándole abandonado mientras se pelean. El momento más importante y que seguramente era especialmente importante para el director llega cuando un adolescente Henry es instruido en las nuevas reglas que rigen el mundo sexual de su época por una criada que, cómo no, es francesa. 
El diablo dijo no~español completa, pincha aqui

Cuando muere a los 70 años, Henry Van Cleve va al Infierno, donde lo recibe un caballero bien vestido que le exige que confiese sus delitos. Henry comienza entonces a contar su historia: desde niño, su acaudalada familia le proporcionó todos los lujos y satisfizo todos sus caprichos. Siendo ya adulto, llevó una vida disipada, entregado a la bebida y a las mujeres. Pero su vida cambió radicalmente el día en que conoció a Martha Strabel, la mujer de sus sueños. Tras escuchar su relato, el caballero le hace saber que en el Infierno no se aceptan personas como él. 
Ninotchka (Ernst Lubitsch, 1939). Guión de Billy Wilder (escena con el mayordomo), pincha aquí

Los camaradas Iranoff, Buljanoff y Kopalski han sido enviados a París para obtener dinero para el Gobierno ruso mediante la venta de las joyas confiscadas a la gran duquesa Swana, que vive en la capital francesa. Los tres camaradas se instalan en un hotel de lujo mientras los tribunales franceses deciden quién es el verdadero propietario de las joyas. El Gobierno ruso envía a Nina 'Ninotchka' Ivanovna Yakushova a arreglar las cosas.
Ser o no ser (1942) Ernst Lubitsch, película completa pincha aqui

Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Varsovia, durante la ocupación alemana. El profesor Siletsky, un espía al servicio de la Gestapo, está a punto de entregar una lista con el nombre de los colaboradores de la Resistencia. Joseph Tura, actor polaco, intérprete de Hamlet y esposo de María Tura, también conocida actriz, intentará evitarlo. Con la ayuda de los actores de su compañía, se hará pasar por el cruel coronel Erhardt y por Siletsky para entrar en el cuartel general de las SS. 
Continúo trabajando hasta su muerte en Los Angeles durante el rodaje de la opereta "La dama de armiño" 1948 que terminó Otto Preminger

Otto Ludwig Preminger (n. Wiznitz; 5 de diciembre de 1905 - f. Nueva York; 23 de abril de 1986) fue un director de cine estadounidense de origen judeo-austríaco.
Es considerado uno de los primeros directores que quebrantaron la censura en los Estados Unidos.
En total participó en alrededor de 30 películas como actor y 40 como director en su periodo alemán, y otras 30 películas solo como director en la etapa americana.
Opereta que narra dos historias paralelas que tienen lugar en el pequeño ducado italiano de Bérgamo: una ambientada en el siglo XIX, y la otra en el XVI. Como Lubitsch murió durante el rodaje, la película fue terminada por Otto Preminger. 
El 13 de marzo de 1947, Hollywood le dedicó un Oscar especial por toda su carrera. En el escenario sufrió un súbito dolor en el pecho. Logró recuperarse, pero ocho meses más tarde, el 30 de noviembre de 1947 otro ataque al corazón (según parece) un infarto poscoital (si sexto que le daba en los últimos años), acabó con él, después de hacer el amor con una candidata a actriz. Tenía 55 años.
“Nos hemos quedado sin Lubitsch”, le dijo Billy Wilder a William Wyler en su funeral. “Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch”, replicó éste. Por desgracia, tenía razón y ya no se hacen películas como las suyas.
Premios destacados: Nominado al Oscar como mejor director en tres ocasiones por las películas "!El patriota" 1930, "El desfile del amor" 1930 y "El diablo dijo no" (1944), nunca lo ganó en competición.

1947 Oscar honorífico