lunes, 29 de mayo de 2017

Henri Julien Félix Rousseau llamado "El aduanero Rousseau"

(Laval, 21 de mayo de 1844 – París, 2 de septiembre de 1910), fue un célebre pintor francés, uno de los máximos representantes del arte naíf. No confundir con Henri Émilien Rousseau (1875-1933)
Este cuadro Rousseau se encuentra entre con los que afirmó haber inventado un nuevo género, el retrato-paisaje, que consistía en pintar un paisaje sobre el que se añadía el retrato de la persona. En este caso eligió uno de sus lugares favoritos en París, añadiendo luego el autorretrato en primer plano.
Porta una paleta y un pincel. En la primera se pueden leer los nombres «Clemence» (nombre de su primera esposa, Clemence Boitard) y «Josefina» (nombre de su segunda esposa, Josefina Noury), los que parecen haber sido escritos sobre otra inscripción que ha quedado borrada.
En la solapa izquierda lleva la insignia de Les Palmes académiques, premio otorgado por un ministerio francés.
Moi même (Yo mismo), autorretrato de H. Rousseau, 1890, Galería Nacional de Praga. En el cuadro se puede ver a un Rousseau muy bien vestido, con la barba muy cuidada y rodeado de símbolos de modernidad: un puente de metal, un globo, un barco con las banderas naúticas de señales en el Sena y la recién inaugurada Torre Eiffel.
Henri Rousseau dedicaba mucho tiempo a cada uno de sus cuadros, he aquí que su obra sea relativamente escasa.
Henri Émilien Rousseau (17 de diciembre de 1875 en El Cairo – 28 de marzo de 1933 en Aix-en-Provence), firmó sus trabajos artísticos como H. Rousseau, no confundir con Henri Julien Félix Rousseau. Es artista, pintor, dibujante e ilustrador.
Nació en Laval, de Mayenne. Laval es también ciudad natal de Alfred Jarry, una de las primeras personas en reconocer su talento. Henri Rousseau vivió en su juventud en Angers, que no era una ciudad grande en ese tiempo, de historia medieval, al borde del río Loira. Angers tuvo una tradición de tapicerías medievales, Al trasladarse a París, en 1868, a sus 24 años, esa tradición se refleja en sus visitas frecuentes al Museo Cluny, especializado en el arte medieval francés.

Alfred Jarry (Laval, 8 de septiembre de 1873 - París, 1 de noviembre de 1907) fue un dramaturgo, novelista y poeta francés, conocido por sus hilarantes obras de teatro y su estilo de vida disoluto y excéntrico.
El Museo Nacional de la Edad Media o Museo Cluny (Musée National du Moyen Age o Musée Cluny) es un museo estatal francés situado en la plaza Paul Painlevé, en el Barrio Latino de París.
El lugar que ocupa el edificio ha tenido distintos usos desde la Edad Antigua, conservándose aún unas termas galo-romanas del siglo I (también es conocido con el nombre de termas de Cluny). El nombre se lo debe a haber sido desde el siglo XIII sede del hospicio-residencia de los Abades de Cluny.
En 1560 fue elegido como palacio de la reina viuda de Francia, María Estuardo, que lo ocupó brevemente.
El museo contiene una gran variedad de objetos medievales de suma importancia.
Coronas votivas del Tesoro de Guarrazar, orfebrería visigoda del siglo VII (las piezas están repartidas entre este museo y dos de Madrid: la Armería Real y el Museo Arqueológico Nacional).
El tesoro de Guarrazar es un tesoro de orfebrería visigoda compuesto por coronas y cruces que varios reyes del reino visigodo de Toledo ofrecieron en su día como exvoto. Fue hallado entre los años 1858 y 1861 en el yacimiento arqueológico denominado huerta de Guarrazar, situado en la localidad de Guadamur, muy cerca de Toledo.
La dama y el unicornio, tapiz flamenco, finales del siglo XV.
La dama y el unicornio'es rosa (en francés: La Dame à la licorne) es el título moderno que se da a un ciclo de tapices flamencos de finales del siglo XV frecuentemente considerado como una de las grandes obras del arte medieval en Europa. Fueron tejidos con lana y seda, a partir de diseños (cartones) dibujados en París.
Se dedicará a la pintura 4 años después de su llegada en 1868, de manera autodidacta.


A pesar de las intenciones "realistas", en la obra de Rousseau destacan el tono poético, la búsqueda de lo exótico y, sobre todo, su estilo naíf, reflejo de una aparente sensibilidad infantil propia de los artistas con poca o nula formación académica; esta ingenuidad otorga con frecuencia a sus trabajos un aspecto involuntario de caricatura. En el caso del pintor de Laval, es efectivamente su formación autodidacta junto a una primacía de la fantasía sobre lo real lo que determina este estilo, de difícil inclusión en movimientos artísticos de la época. A pesar de desconocer las técnicas compositivas, logró dotar a sus obras de un sugerente y complejo colorido, muy elogiado entre sus seguidores.

La gitana dormida (La bohémienne endormie) es un óleo sobre lienzo pintado en 1897 por el artista naíf francés Henri Rousseau. El propio artista lo describe como sigue:
Una negra errante, una bandolinista, yace, en un sueño profundo, vencida por el cansancio, con su jarrón al lado (un jarrón con agua para beber). Un león que pasa por allí, capta su olor pero no la devora. Hay un efecto de la luz de luna, muy poético.
En 1939 fue adquirido por Simon Guggenheim quien lo donó al Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Aproximadamente desde 1890 se observa una maduración en su lenguaje pictórico. Si bien durante toda su carrera artística pintó obras de corte realista, con frecuencia también dejó que su fantasía se potenciara hasta casi el surrealismo. Por ejemplo, en La gitana dormida (1897) se ve a una mujer durmiendo plácidamente en medio de un exótico desierto mientras un león la observa muy de cerca; el paisaje y el león podrían ser una fantasía onírica de la gitana. En El sueño (1910), esta potencialización de lo superrealista es igual de perceptible.

El sueño (en francés: La Rêve, a veces también conocida como Le Songe o Rêve Exotique) es una gran pintura al óleo obra de Henri Rousseau. Rousseau la pintó en 1910, y es una de las más de 25 pinturas con un tema de selva. Fue el último trabajo que logró completar, se exhibió por primera vez en la Salon des Indépendants entre el 18 marzo al 1 de mayo 1910, pocos meses antes de su muerte el 2 de septiembre de 1910. Las primeras obras de Rousseau no habían sido bien recibidas, pero el poeta y crítico Guillaume Apollinaire comentó sobre el debut de "El sueño": "La imagen irradia belleza, ello es indiscutible. Creo que nadie se reirá este año."
El sueño es la más grande de las pinturas de la selva, mide 204,5 x 298,5 cm. Presenta un retrato casi surrealista de Yadwigha (Jadwiga), la joven amante polaca de Rousseau, desnuda sobre un sofá a la izquierda del cuadro, mirando por encima de un paisaje de follaje selvático exuberante, incluyendo flores de loto, y animales, incluidos aves, monos, un elefante, un león y una leona y una serpiente. Las formas estilizadas de las plantas de la selva se basan en observaciones de Rousseau en el Museo de Historia Natural de París y su Jardin des Plantes. El brazo izquierdo del desnudo señala a los leones y un negro encantador de serpientes que se enfrenta el espectador tocando su flauta, apenas visible en la oscuridad de la selva bajo la tenue luz de la luna llena. Una serpiente de vientre rosado se desliza a través de la maleza, su forma sinuosa refleja las curvas de la cadera de la mujer y su pierna.
Se considera que la primera (y la más representativa) de sus "junglas" es: Tigre en una tormenta tropical (en francés, Tigre dans une tempête tropicale or Surpris!, conocido también como ¡Sorprendido!) es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1891 por el pintor francés Henri Rousseau. Se exhibe en la Galería Nacional de Londres.
Expuesto en el Salón de París, su aceptación limitada por el público decepcionó al autor. En la obra se percibe cierto aire esotérico propio del simbolismo.
A menudo se incluye a Rousseau dentro del post-impresionismo francés. En cualquier caso, se le reconoce un estilo naíf original y muy intuitivo que le otorga un lugar destacado en la pintura francesa de finales del XIX y principios del XX, junto a sus coetáneos impresionistas, fauvistas y cubistas.
La denominación naif (del francés naïf, 'ingenuo') se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira en) el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico.
Según el crítico Arsène Alexandre, el pintor describía sus visitas frecuentes al Jardín de las Plantas de esta manera: “Cuando me introduzco en los invernaderos de cristal y veo las extrañas plantas de tierras exóticas, tengo la sensación de entrar en un sueño”.

Museo de Orsay, París - La encantadora de serpientes (en francés, La Charmeuse de serpents) es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1891 por el pintor francés Henri Rousseau. Sus dimensiones son de 169 × 189,5 cm.
La pintura muestra un paisaje nocturno exótico e irreal de compleja estructura, iluminado por una luz fría que se refleja en el agua, resaltando las figuras inmóviles y planas. Para su realización, Rousseau, se inspiró en un grabado sobre madera de Paul Gauguin expuesto en 1906.
En 1907 la madre de Robert Delaunay, Berthe, condesa de Delaunay le compra el cuadro La encantadora de serpientes.
La cabalgada de la discordia (Rousseau, 1894)
 “La guerra pasa aterradora, dejando por doquier la desesperación, el llanto y la ruina.”
Este mensaje apocalíptico es presentado con la utilización de una imaginación refinadamente macabra; las figuras del desabrido paisaje han sido construidos por medio de grandes planos de color que se recortan con la nitidez de las piezas de un rompecabezas.

En el centro, un personaje femenino sujeta una espada y una antorcha. Esta especie de Belona, diosa romana de la guerra, monta un caballo que se parece más a un monstruo híbrido. El suelo oscuro está cubierto por un montón de cuerpos, de cuervos deleitándose de esta carroña humana. Los árboles parecen calcinados. Las nubes son rojas. Sin elemento anecdótico o narrativo, Rousseau logra poner en imagen el drama. La abundancia de las formas despedazadas y sobre todo la elección de los colores contribuyen en ello: el verde de la esperanza está totalmente ausente; el negro y el rojo, colores del duelo y de la sangre, dominan.
A pesar de las intenciones “realistas”, en la obra de Rousseau destacan el tono poético, la búsqueda de lo exótico y, sobre todo, su estilo naif, reflejo de una aparente sensibilidad infantil.
Una tarde Pablo Picasso entra donde el anticuario Pere Soulier, en la calle de los Mártires, y descubre un lienzo que le llama poderosamente la atención.¿Quién pintó ese cuadro? –pregunta. -Henri Rousseau –le responde Soulier-, está a la venta por cinco francos. Picasso no duda en hacerse con la obra. Le ha causado una impresión extraña y poderosa, extrema, que oscila entre la sincera admiración y las ganas de reír, pero que es, al mismo tiempo, profundamente liberadora. Y no cabe duda que el creador es un artista primitivo, como un diamante en estado bruto, que prescinde de la perspectiva, en cuya tela el fondo es traído al primer plano, lo que constituye uno de los principios del naciente cubismo. Picasso desembolsa la cantidad pedida y lleva la pintura a su taller, donde lo expone. Se trata de Retrato de una mujer (Portrait de femme, 1895), que conservará en su colección particular desde entonces, hasta su muerte.
Junto a sus escenas exóticas hubo una producción simultánea de imágenes topográficas más pequeñas de la ciudad de París y sus alrededores. Estas tienen en ocasiones detalles relacionados con el progreso técnico y científico de la época: chimeneas de fábricas, aerostatos, dirigibles, postes de telégrafo, biplanos, etc. 

Henri Rousseau - Paysage avec le dirigeable 'Patrie' (1908)
Henri Rousseau - La passerelle de Passy (1904)
Estos cuadros, en los que la vegetación tiene un aire atemporal, representan a menudo lugares que él frecuentaba.

En sus retratos, sean o no retratos-paisajes, los personajes están rígidos, en pose, casi inexpresivos, frecuentemente con los ojos muy abiertos y "mirando" frontalmente al espectador. Si los personajes son varios, están yuxtapuestos: uno al lado del otro. El paisaje de fondo, cuando lo hay, parece estar en el mismo plano por la falta de perspectiva.

Retrato de Pierre Loti, 1910.
Julien Viaud, conocido como Pierre Loti, (14 de enero 1850, Rochefort, Charente Marítimo, Francia - 10 de junio 1923, Hendaya, Pirineos Atlánticos, Francia), escritor francés y oficial de la Marina Francesa, autor de novelas de estilo impresionista. Elegido miembro de la Academia Goncourt en 1883, y miembro de la Academia Francesa en 1891. Fue enterrado en la isla de Oleron.
En 1886 —época en que pintaba principalmente retratos y escenas parisinas— expone invitado por los antiacademicistas en el Salon des Indépendants. El primer cuadro que expone es Soirés au carnaval (Velada en carnaval). Es entonces cuando recibe los elogios de Paul Gauguin, Georges Seurat, Félix Vallotton (que llega a afirmar que las obras de H.Rousseau son el Alfa y Omega de la pintura)

En 1908 Picasso encuentra a Rousseau intentando vender sus cuadros en las calles de París, Picasso, ya bastante célebre, reconoce el genio de Rousseau y le ofrece un banquete de homenaje (mitad burlesco, mitad serio) en el atelier (taller) que el español poseía en el Bateau-Lavoir.
El Bateau-Lavoir es un inmueble situado en el barrio de Montmartre, en el distrito 18 de París. Es sobre todo conocido por haber sido, a principios del siglo XX, lugar de residencia y de reunión de numerosos pintores y escritores.
 Conocido al principio como La casa del trampero, fue rebautizado por Pablo Picasso y sus compañeros en 1904 como Bateau-Lavoir (barco-lavadero) porque su estructura de madera recordaba a los barcos amarrados a las orillas del Sena y utilizados como lavaderos.
Poco a poco Rousseau logra hacerse reconocer por pintores vanguardistas como André Derain y Henri Matisse; entabla amistad con Robert Delaunay, Guillaume Apollinaire y, bastante después, con el español Pablo Picasso.

En 1905 Matisse elogia el cuadro de Rousseau titulado El león arrojándose sobre el antílope expuesto en la primera exhibición de los "Fauves" (ver fovismo), en el Salón de Otoño de 1905.
El león y el antílope han sido ubicados con precisión en el centro, rodeados de otros animales que observan el espectáculo violento que se les ofrece. 
Rousseau frecuentemente desconoce u olvida las perspectivas y las proporciones. En su obra, los claroscuros no sirven para dar profundidad ni una impresión de contorno, con lo que sus figuras suelen parecer "planas".
Su técnica habitual era la de capas de óleo, comenzando por los cielos y el fondo y concluyendo con la figuración de los personajes y animales.

Friné ante el Areópago, 1861
Jean-Léon Gérôme (Vesoul, 11 de mayo de 1824-París, 10 de enero de 1904) fue un pintor y escultor francés academicista cuyas obras son, por lo general, de tema histórico, mitológico, orientalismo, retratos y otros temas, con lo que lleva al Academicismo tradicional a un clímax artístico. Es considerado uno de los pintores más importantes de este período académico, y además de ser pintor y escultor, fue también un maestro con una larga lista de estudiantes.
Friné  hija de Epicles, es el apodo de una famosa hetaira griega, célebre por su proverbial belleza, nacida en Tespias (Beocia) - De origen humilde, fue la amante y modelo predilecta de Praxíteles, quien se inspiró en ella para la creación de varias estatuas de Afrodita.
Rousseau declaró que no tuvo otro maestro que la naturaleza, aunque admitió haber recibido algunos consejos de dos pintores academicistas: Félix-Auguste Clément y Jean-Léon Gérôme.



viernes, 26 de mayo de 2017

(Recomendado) El mensaje bíblico de Marc Chagall en Niza

En 1973 se inauguró en la ciudad maditerránea de Niza el Museo Nacional "Mensaje Bíblico Marc Chagall" (MBMC), en un edificio construido por el arquitecto André Hermant en estrecha colaboración con Chagall. En la fotografía observamos una amplia, luminosa sala. Alberga el museo fundamentalmente 17 grandes cuadros, doce de ellos dedicados a escenas del Génesis y Éxodo. Y cinco, la joya de la corona, al Cantar de los Cantares. A este inicial catálogo habría que añadir esculturas, mosaicos, tapices, bocetos, grabados, litografías..., siempre sobre tema religioso... El Museo, rodeado de un hermoso jardín, cuenta con un bello auditorio mágicamente iluminado por tres vidrieras del pintor de Vitebsk sobre la Creación del Mundo.

 “Mi patria está , quizá, únicamente sobre mis telas “Chagall
       
Interior del museo (Niza)

1. La creación del hombre
Hay dos registros: el del cielo y el de la tierra. Un ángel lleva a Adán en brazos emergiendo del océano. También los animales anteriores a la creación del hombre. Se distinguen representaciones del pueblo judío y episodios de historia bíblica.
La creación del hombre

2. El paraíso
El cuadro está concebido como un díptico. A la izquierda la creación de Eva. A la derecha la tentación. El paraíso es verde y azul. Los animales giran felizmente alrededor de Adán. Se deciden a probar el fruto prohibido. La serpiente enroscada les observa.


Adan y Eva

3. Adán y Eva expulsados del paraíso 
El paraíso ha quedado alterado y descompuesto por fuertes colores.hay desconcierto en el paraíso. El ángel enseña a Adán y Eva el camino del exilio, transportados por un gallo rojo símbolo de vitalidad y fertilidad. En el ángulo inferior derecho una maternidad, tema muy habitual en la pintura de Chagall. En la parte superior se representa el trabajo. La tela refleja la historia de los hombres.



4. El arca de Noé
Por primera vez se representa en la pintura el arca de Noé desde dentro. Las aguas del diluvio parecen haber invadido todo el cuadro bañado en una atmósfera acuática y vaporosa.
Contrariamente al relato bíblico en el arca se acumula una gran multitud además de diversos animales. Hay también maternidades futuro de la humanidad. Algún niño con los brazos en cruz parecen evocar la historia de Cristo, alusión a las desgracias futuras del pueblo judío.

5. Noé y el arco iris 
La primera alianza entre Dios y los hombres se hace evidente por una elipse que sostiene toda una composición equilibrada con manchas de colores primarios rojo, amarillo y azul Noé está dormido (en hebreo significa reposo y consuelo)El ángel anuncia las dichas que seguirán a esta alianza expresadas en al parte alta.También aparecen las desgracias de los judíos descritas en la Biblia


6. Abraham y los tres ángeles
Destaca en este cuadro un color rojo vivo junto al dorado de los iconos que resaltan el color blanco de las alas de los tes ángeles.
Abraham y Sara parecen sorprendidos por el anuncio del nacimiento del hijo a suavanzada edad .
En lo alto y a la derecha se representa el anuncio de los ángeles a Abraham de la destrucción de Sodoma y Gomorra.



7. El sacrificio de Isaac
Tiene una fuerte intensidad dramática. El ángel detiene el brazo de Isaac cuando se decide a sacrificar a su hijo. No falta la escena del martirio de Cristo y una maternidad evocando la desgracia de los descendientes de Abraham.
Los colores que representan a Isaac son los del holocausto.

8. El sueño de Jacob 
Es un díptico con dos escenas netamente separadas 
El sueño está impregnado de luces violetas. Los ángeles suben y bajan una escalera en alusión a la larga descendencia. Los ángeles parecen danzar como en un circo tema que Chagall amaba mucho. 
A la derecha un ángel lleva el candelabro judío iluminado y resplandece la noche azul y manifiesta la plena esperanza en el mensaje divino.


9. La lucha de Jacob y el ángel 
Jacob está de rodillas delante del ángel, que parece bendecirle tocando su frente. 
La escena se desarrolla en el cielo.en la parte inferior se representa el pueblo natal del pintor, Vitebsk. 
Está muy claro que aquí Chagall entremezcla su biografía con la del pueblo judío.



10. Moisés y la zarza ardiente 
Moisés está aquí representado en este cuadro en dos ocasiones. A la derecha Moisés todavía en el país de Madian cae de rodillas frente a la zarza que arde y no se consume 
El ángel le anuncia que el pueblo hebreo debe salir de Egipto en medio de un circulo coloreado que recuerda la obra de Delanuay. A la izquierda la travesía del mar Rojo. 
A la izquierda Moisés seguido por su pueblo. La nube divina le protege de la ira del faraón


11. La roca que mana agua
Moisés huye con su pueblo por el desierto y están sometidos al hambre y la sed. 
La presencia divina aparece en forma de luz que permite el milagro de la salida del agua de una roca.



12. Moisés recibiendo las tablas de la ley
El cuadro es una apoteosis de luz. Moisés se eleva para recoger las tablas ofrecidas por Dios representado por dos manos que surgen de las nubes.
Están presentes Aaron. David y Jeremías. Algunos adoran el becerro de oro
Una pareja que se abraza y una isba evocan la vida de Chagall en Rusia.


Chagall Glass



Cantar de los cantares

1. En el primer cuadro, la pareja enlazada y la joven desnuda son motivos recurrentes de esta serir. El rey David se representa bajo la forma de un pájaro que toca la lira.Se describen árboles y flores así como la ciudad de Jerusalén que completan el cuadro



2. Sobre la cuida iluminada por la luna una joven desnuda con los ojos cerrados parece balancearse sobre una hoja vigilada por su amante. Quizá se trate de un autorretrato de Chagall
No falta en el cuadro la cabra símbolo que representa a la obra de Chagall el hogar. El rey David aparece en forma de angel en su trono.


3. Este lienzo representa en tres espacios la historia de Chagall. Jerusalén es remplazado por Vence, con su catedral y Vitebsk, su pueblo natal reconocible por su campanario y los tonos verdes característicos. Hay un homenaje a su primera esposa bella. La parte alta sería un homenaje a su segunda esposa Vavá


4. Representa la pareja enlazada sobre un caballo alado que sobrevuela la ciudad de Jerusalén.
Chagall destaca la pujanza del amor carnal y el caballo Pegaso, que en la mitología griega significaba la poesía y puede elevarse hasta lo divino. La multitud al pie del cuadro llevan el candelabro de 7 brazos con parejas de amantes y maternidades.

5. La obra se organiza alrededor de dos colinas; su pueblo natal Vitebsk y Jerusalén con el trono del rey David, con cabeza de pájaro cuyo canto evoca el de los pájaros y los ángeles.


A Valentina, precisamente, es a quien dedica este ciclo gráfico del Cantar de los Cantares:
"A Vava, mi mujer, mi gozo, mi alegría." 



Marc Chagall pintor francés de origen bielorruso

(Vítebsk, Imperio Ruso, 7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence, Francia, 28 de marzo de 1985) fue un pintor francés de origen bielorruso.
Fue uno de los más importantes artistas del vanguardismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños.

En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo, donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte y lugar en el que estudió bajo la tutoría de Nikolái Roerich. Entre 1909 y 1911 estudió en la escuela de Elizaveta Zvántseva bajo la tutoría de Léon Bakst. Tras de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vítebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permaneció en su pueblo natal. En 1915 se casó con Bella y el siguiente año tuvieron una hija a la que llamaron Ida.
«El Salvador Increado y los Príncipes Santos»Mosaico según un bosquejo de N.Roerich. Iglesia de la Trinidad, provincia Ternopol, Ucrania
Nikolái Konstantínovich Roerich (27 de septiembre/9 de octubre de 1874, San Petersburgo — 13 de diciembre de 1947, Kulu, Himachal-Pradesh, India) fue un ilustre artista ruso, filósofo, escritor, arqueólogo, viajero y persona pública. Pintó más de 7.000 lienzos (muchos de los cuales se encuentran en galerías famosas por todo el mundo) y escribió más de 30 obras literarias. Fue el inspirador del acuerdo internacional sobre la protección de las instituciones artísticas, científicas y los monumentos históricos (el llamado "Pacto Roerich"), y el fundador del movimiento internacional de protección de la cultura.
Zinaída Guíppius. 1906
León (Lev) Nikoláyevich Bakst (Goradnia, 10 de mayo de 1866 - París, 28 de diciembre de 1924) fue un pintor ruso y diseñador escenográfico y de vestuario que revolucionó las artes en las que trabajó.
Marc Chagall
Chagall se volvería un participante activo en la Revolución rusa de 1917, por lo que fue nombrado Comisario de Arte para la región de Vítebsk, donde fundó la Escuela de Arte de Vítebsk en 1919. Sin embargo, debido a la carga burocrática del puesto de director en la Escuela y a las desavenencias con Kazimir Malévich, profesor de la Escuela, se mudó a Moscú en 1920 y luego a París en 1923.
Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la deportación de los judíos a los campos de exterminio nazis, Marc Chagall tuvo que abandonar París.

El cumpleaños (1915)
Algunos de sus trabajos más importantes son La aldea y yo (1911), El violinista verde (1923-1924, Museo Guggenheim, Nueva York), El cumpleaños (1915), Soledad (1933, Museo de Tel Aviv). Los cuadros de Chagall se han llegado a vender por más de 6 millones de dólares, y también sus litografías alcanzan un considerable valor.

El violinista verde (1923-1924, Museo Guggenheim, Nueva York)
Soledad (1933, Museo de Tel Aviv)
Cabe destacar su estancia en la Costa Brava, concretamente en la localidad de Tosa de Mar, donde pasó un par de veranos, en 1933 y 1934. Actualmente se conserva en el Museo Municipal de Tosa de Mar, la célebre obra titulada El violinista celeste. 
El violinista celeste
En 1964, por encargo de Charles de Gaulle Marc Chagall pintó el techo de la Ópera de París. En 1977, fue condecorado con la orden de Legión de Honor de Francia.
Vista parcial de la sala
Techo de la Ópera de París por Marc Chagall 
La Ópera Garnier, también conocida como Palacio Garnier u Ópera de París, es uno de los edificios más característicos del IX Distrito de París y del paisaje urbano de la capital francesa. Napoleón III ordenó su construcción al arquitecto Charles Garnier, quien lo diseñó en estilo neobarroco.
Fachada de la Ópera Garnier
El Palacio Garnier fue oficialmente inaugurado el 5 de enero de 1875, con una espléndida ceremonia que incluía la presentación del tercer acto de la ópera La Juive, de Halévy, y extractos de la ópera Les Huguenots, de Meyerbeer. La compañía de ballet presentó un divertimento representado por el maestro de ballet Louis Mérante que consistía en la célebre escena de Le Jardin Animé de Joseph Mazilier, recreada de su ballet Le Corsaire.
Desde su inauguración en 1875, la ópera fue llamada oficialmente Academia Nacional de Música — Teatro de la Ópera. Conservó su título hasta 1978, cuando fue renombrada Teatro Nacional de la Ópera de París. En 1989 la Compañía de la Ópera trasladó su sede al recién construido Teatro de la Bastilla y su vieja sede recibió el nombre de Palacio Garnier, donde permanece la Academia Nacional de Música. A pesar del cambio de nombre oficial y del traslado de la Compañía de la Ópera, el Palacio Garnier sigue siendo conocido popularmente por el nombre de Ópera de París. Comparable a la Scala de Milán, la Wiener Staatsoper y la Ópera Semper de Dresde, es índice inequívoco de consagración y cita ineludible de quienes aman la música.
Interior de la Ópera Garnier
Grand Escalier
Marc Chagall se inspiró en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando así su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos.
La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno. Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el cubismo y el fauvismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, como Amedeo Modigliani.

Desnudo recostado, 1919, Museum of Modern Art, Nueva York.
Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884-París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, quien trabajó principalmente en Francia. Es conocido por sus retratos y desnudos en un estilo que se caracterizaba por el alargamiento de los rostros y las figuras, lo cual no fue bien acogido durante su vida, pero que logró gran aceptación posteriormente. Pasó su juventud en Italia donde estudió el arte de la antigüedad y el Renacimiento. A los 22 años, en 1906, se mudó a París donde entró en contacto con prominentes artistas, tales como Pablo Picasso y  Constantin Brâncuși.
La obra de Modigliani es profusa en pinturas y dibujos, si bien desde 1909 a 1914 se dedicó principalmente a la escultura. Durante su vida tuvo poco éxito y no fue sino posteriormente que su obra fue apreciada logrando sus trabajos un alto precio. Murió a los 35 años de una meningitis ocasionada por tuberculosis.

En sus obras abundan las referencias a su niñez, aún al precio de evitar las problemáticas experiencias que después vivió. Sus obras comunican la felicidad y el optimismo a aquellos que las observan mediante intensos y vívidos colores. Chagall gustaba de colocarse a sí mismo, a veces junto con su mujer, como observador del mundo, un mundo de colores visto a través de un vitral. Muchos consideran que La crucifixión blanca (y sus ricos e intrigantes detalles) es una denuncia del régimen de Stalin, del holocausto nazi y de toda la opresión contra los judíos. Chagall cultivó durante más de ochenta años un arte inspirado en el amor, los recuerdos, las tradiciones rusas y judías, los acontecimientos históricos o los hitos artísticos de los que fue testigo y, en muchas ocasiones, protagonista.
 Crucifixión Blanca, 1938. Art Institute of Chicago (EEUU)

Photo of stained glass window at the United Nations building in NY


Bella Rosenfeld Chagall 
(Vitebsk, 1895, - Nueva York, 2 de septiembre de 1944) era una escritora rusa esposa del pintor Marc Chagall, modelo para muchas de sus obras.


Nació en la actual Bielorrusia, por aquel entonces Imperio ruso, en una familia de ricos joyeros judíos.

Bella Rosenfeld
Conoció a Marc Chagall en 1909 cuando era aprendiz de Léon Bakst. Chagall escribiría más tarde que su amor comenzó con el primer vistazo para seguir 35 años. Se casaron en 1915 y se instalaron en Petrogrado, donde nacería su hija Ida al año siguiente.


En 1918, volvieron a Vitebsk, en 1922 pasaron por Lituania, Alemania y finalmente se instalaron en Francia en 1924, en París, y más tarde en el sur en 1939.


En 1941, con la Ocupación, se instalaron en Marsella y más tarde en Estados Unidos, donde falleció en Nueva York de una infección viral.
En 1946, su esposo publicó su libro más célebre de Belle, Las luces iluminadas.
Autorretrato de Marc Chagall, después de la muerte de su esposa, titulado “En torno a ella”. Este cuadro es totalmente terapéutico, pues Chagall dejó de pintar con la muerte de Bella y tardó un año en volver a tomar sus pinceles. La tristeza que se refleja en el cuadro de tonos azules es la tristeza de perder aquello que más le gustaba pintar. Son muchísimos los cuadros donde su mujer era personaje de sus pinturas. Por suerte, encontró nuevos temas y volvió a pintar la belleza y lo que más amaba.
With wife Vava in 1967
Se vuelve a casar por segunda vez con Valentina Brodsky, apodada Vava. Muere con 97 años y está enterrado en Francia junto a su esposa Vava y su cuñado. 
Vava