lunes, 31 de diciembre de 2018

Mi semana en Florencia (XXVI) - El Bargello - Matanza a las puertas del Bargello

Mi semana en Florencia (XXV) - Palazzo Vecchio - El patio - El Salón de los Quinientos, pincha aqui


El Bargello o Museo nacional del Bargello (en italiano, Museo nazionale del Bargello) es uno de los centros culturales más destacados de la ciudad de Florencia. Su colección de escultura renacentista está considerada entre las más notables del mundo: incluye obras maestras de Miguel Ángel, Donatello, Ghiberti, Benvenuto Cellini, Juan de Bolonia, Ammannati y otros escultores importantes, así como una gran colección de artes aplicadas, organizada principalmente por el tipo de objetos. El museo se encuentra en el Palacio Bargello, que también es conocido como Palazzo del Popolo.

Museo Nacional “El Bargello”  con la torre Volognona, realizada en 1250 por el capitán del pueblo por Lapo Tedesco
El Palacio Bargello se construyó en 1255 para albergar el Consistorio de Florencia (Italia) o Pallazzo del Podestà. Posteriormente funcionó como prisión (de hecho, hasta 1786 se celebraron ejecuciones en su patio). Desde 1865 es sede de un museo nacional (Museo Nazionale del Bargello) dedicado principalmente a la escultura.

El Bargello (derecha) y la Badía, dos de los emblemas de la Florencia medieval
La Badìa Fiorentina es una abadía e iglesia de la Fraternidad de Jerusalén situada en la Via del Proconsolo en el centro de Florencia, Italia. Es famosa por haber sido la iglesia parroquial de Beatrice Portinari, el amor de la vida de Dante, y el lugar donde la vio en Misa, pues Dante creció al otro lado de la calle en lo que hoy se llama la Casa di Dante, reconstruida en 1910 como un museo dedicado a Dante (aunque en realidad difícilmente fue su casa de verdad). Habría oído a los monjes cantando la Misa y los Oficios aquí en canto gregoriano latino, todo lo cual incluye en la Divina Comedia. En 1373, Boccaccio dio sus famosos discursos sobre la Divina Comedia de Dante en esta iglesia.
Matanza a las puertas del Bargello El Bargello ha asistido a no pocos episodios tenebrosos. Augustus Hare, biógrafo y escritor viajero 1792-1834, narró así los sucesos del 1 de agosto de 1343: "El duque de Atenas hjabía buscado refugio en la fortaleza, y los miembros de las familias de la nobleza florentina.... que habían sufrido su tiranía rodearon el edificio. Exigían como precio de su vida, que le fueran entregados el Conservatore Guglielmo d'Assisi y su hijo, un muchacho de dieciocho años, que habían servido de instrumentos de su crueldad. Acuciado por el hambre, hizo que se les obligase a salir por la puerta entreabierta, cayendo en manos de un populacho que los desgarró miembro a miembro, despedazando primero al muchacho en presencia de su padre y luego paseando por las calles los sangrientos trozos en las puntas de sus lanzas" Florencia 1834
El Bargello se convertirá, pasados los años, en el modelo del famoso Palazzo Vecchio.

La construcción del edificio, que iba a ser un palacio, comenzó en 1255, a partir del diseño del arquitecto Lapo Tedesco (muerto circa 1280). Desde finales del siglo XIII hasta comienzos del siglo XVI, se conoció al edificio como Palazzo del Popolo (Palacio del Pueblo), y fue hogar del podestà, el magistrado de la ciudad. Alrededor de 1502, el palacio se convirtió en la sede del Consejo de Justicia y, por lo tanto, se transformó en la residencia del bargello, el jefe de la policía, de lo cual deriva el nombre Palazzo del Bargello. El palacio sirvió como prisión en el siglo XVIII, pero en 1865 se convirtió en un museo nacional, que alberga una amplia colección de obras de Miguel Ángel, Verrocchio, Donatello, entre otros. El palacio está diseñado alrededor de un patio abierto de elaborada decoración, rodeado por una galería con grandes columnas octogonales y techos abovedados. En el centro, hay una fuente octogonal. Una escalera del siglo XIV lleva al segundo piso. Las paredes y los pilares del patio están cubiertos de escudos de armas de magistrados y miembros de la Rota, o funcionarios judiciales, así como emblemas específicos de algunos barrios de la ciudad.
Museo Nazionale del Bargello: Verone del Bargello
Sala del Verrocchio
El Tondo Pitti, es una escultura realizada en relieve de mármol con un diámetro horizontal de 82 cm y vertical de 85,5 cm por el escultor Miguel Angel hacia el año 1503 - Consta el tondo o círculo, de tres personajes, la Vírgen María con su hijo Jesús y San Juan Bautista, el gran dinamismo de la escultura es el giro de la Virgen que rompe con los dos puntos estáticos del asiento cúbico donde se encuentra sentada y su cabeza mirando hacia el frente, los dos puntos rompen sobresaliendo la moldura del círculo, la composición es piramidal con frecuentes líneas horizontales y oblicuas que comportan una gran plasticidad. El Niño se encuentra en la derecha descansando sobre un libro abierto sobre las rodillas de su madre. Fue encargado por Bartolomeo Pitti, más tarde regalado por su hijo Miniato Pitti a Luigi Guicciardini y finalmente fue adquirido en 1823 para su exposición en el Bargello.
Miguel Ángel: David - Apollo
Miguel Angel, - Bruto
 Luca della Robbia  (1399–1482) 
El David de mármol de Donatello es una escultura de la etapa de juventud de este gran artista. Data de 1408-1409, es de mármol blanco y mide 191 de altura, con una base de 57,5 x32 cm. Se conserva en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia, en la misma habitación que el famoso David de bronce, el trabajo de plena madurez del artista.

David está representado en el momento de la victoria e inmediatamente después de la derrota del gigante Goliat, cuya cabeza se encuentra a sus pies, con la piedra en medio de la frente. Los brazos son desproporcionadamente largos, pero ya se han incorporado elementos del repertorio clásico, como algún detalle anatómico realista: las manos, el torso, su cabeza coronada de amaranto (símbolo profano). La expresión del rostro es un poco inexpresiva, pero la pose y la actitud parecen expresar el orgullo de su conciencia divina. El desplazamiento del peso sobre la pierna derecha con el torso torcido hacia el lado opuesto, indica la intención para crear un mayor dinamismo con el clásico contrapposto.
El David es una escultura de bronce de 158 cm de altura, obra del escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería colocarla en los jardines de su palacio de Florencia. Actualmente se encuentra en el Bargello. El David de Donatello es una de las obras más relevantes del primer Renacimiento. Era la primera vez que un escultor se atrevía a crear un desnudo masculino desde la Antigüedad clásica. Y también era el inicio por liberar a la escultura del marco arquitectónico.
El florentino Donato di Niccolò di Betto Bardi (1386-1466) es el escultor más representativo de la escultura quattrocentista italiana. Discípulo de Ghiberti hasta que llegó a independizarse, y protegido de Brunelleschi (con quien estudió las ruinas clásicas de Roma), es un renovador de toda la escultura europea, y sobre todo de la técnica del fundido en bronce. Por otra parte, estudió profundamente el ser humano como centro y razón de ser del Universo al cual trata en toda una gama de caracteres y valores, intentando penetrar en su psicología.
Donatello aprendió la técnica de la escultura en bronce con Ghiberti en las puertas del baptisterio de Florencia y pronto rivalizó con su maestro. Fue el escultor más influyente del siglo xv y se le ha comparado con Miguel Ángel y Bernini.
David era hijo de Jesé, de la tribu de Judá. Vivía en Belén con su padre y sus hermanos, y pertenecía a una familia humilde que se dedicaba al pastoreo. Como se relata en 1 Samuel 17:51, los hechos se iniciaron cuando el padre lo envío donde estaba acampado el ejército israelita para que obtuviese noticias de sus tres hermanos mayores. Al llegar al campamento, David se enteró de que un filisteo muy fuerte, un gigante llamado Goliat, estaba desafiando en combate individual a cualquier enemigo; delante de este guerrero ningún israelita se atrevía a enfrentarse. A pesar que era muy joven e inexperto en el arte de la guerra y que Goliat medía dos metros y medio, David rezó a Dios y pidió permiso al rey Saúl para poder enfrentarse al gran guerrero.​ Recordó al rey que cuando un león y un oso habían atacado a su rebaño, había sido capaz de matarlos con su honda. Entonces el rey le dio permiso para combatir con el gigante.
Donatello interpretó este tema bíblico (tomado del Primer libro de Samuel) como un desnudo clásico. De hecho, fue el primer desnudo integral, de bulto redondo, que apareció en la escultura renacentista.
La actitud que presenta el cuerpo, apoyándose sobre la pierna derecha, es una influencia clara del estilo de Praxíteles, que se conoce en el mundo del arte como la «curva praxiteliana» o contrapposto, y que contribuye a romper la ley de la frontalidad proporcionando un movimiento más armónico al cuerpo. Consiste en representar la figura con una pierna ligeramente flexionada, innovación que se atribuye al escultor Policleto.
La composición está muy estudiada. La pierna derecha de un David adolescente soporta el peso de un cuerpo ligero, mientras la izquierda descansa sobre la cabeza del gigante derrotado. El ángulo que aquí genera se contrarresta con el brazo izquierdo apoyado sobre la cadera. El atrevido desnudo de David —viste solo sombrero y botas de piel— realza la inclinación de las caderas y recrea la curva praxiteliana (como ya se ha comentado anteriormente), a la vez que le imprime movimiento y sensualidad a la anatomía del pastor. La superficie pulida y casi negra del bronce realza el atractivo del cuerpo juvenil. La espada que sostiene, la piedra en la otra mano y su mirada satisfecha nos dan también, a pesar de su juventud, una idea de su valentía.
A principios del siglo XV surgió en Europa una sociedad mercantil cuando se fundaron bancos en las ciudades más prósperas, como París o Florencia; en esta última, la prosperidad permitió que subiera al poder de la familia Médici, con la consiguiente influencia política, quienes se convirtieron en los grandes mecenas de todas las artes. 

A lo largo del siglo XV  apareció en Italia el periodo denominado como el quattrocento o el rinascimento dell'antichità, movimiento artístico que evolucionó las técnicas de la pintura, especialmente el dibujo. En el quattrocento se utilizó la perspectiva, como medio para conseguir una mayor exactitud en la expresión de la realidad desde un determinado punto de vista, y se perfeccionó la técnica al óleo. La arquitectura se inspiró en el arte griego, con unas líneas más puras y con cánones de una gran armonía; igualmente, en la escultura se observó un retorno a la imitación de la figura clásica, con la anatomía como centro de atención y buscando la perfección del cuerpo humano. Grandes artistas, como los arquitectos Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti, los pintores Masaccio, Sandro Botticelli, Filippo Lippi y Piero della Francesca, y los escultores Ghiberti o Donatello, contribuyeron al esplendor del arte de esta época.

En 1436, Brunelleschi acabó la cúpula de Santa María del Fiore, la catedral de Florencia, uno de los proyectos arquitectónicos más importantes de la ciudad.
En 1425, el escultor Ghiberti recibió el encargo de realizar la puerta este o Puerta del Paraíso para el Baptisterio de San Juan (Florencia), logrando en esta obra una gran perfección en el bajorrelieve. El ayudante de Ghiberti fue Donatello

“El Mercurio” es una escultura realizada en bronce en el año 1567 y que actualmente se encuentra en el Museo del Bargello de Florencia. Toda la figura se apoya en los dedos del pie del personaje que a su vez son lanzados por un fuerte soplo de aire que sale de la boca de un rostro que hace la función de una roca. La sensación es de un equilibrio inestable, todo se basa en un eje central en el que está todo el peso de la figura, mientras que el brazo derecho que se alza hacia el cielo, el izquierdo que porta el emblema de Mercurio, y la pierna derecha en gesto de carreta hacen de contrapesos para mantener el equilibrio. Y por último la cabeza que soporta al personaje hace de pesada base que sustenta todo. Una de las características típicas de  las obras de Giovanni de Bologna es el movimiento que logra imprimir a sus esculturas.
El David de Andrea del Verrocchio es una estatua de bronce, que probablemente fue realizada entre 1473 y 1475. Fue un encargo de la familia Medici.
La estatua representa al joven David, futuro rey de los israelitas, en una pose triunfante con la cabeza cortada de Goliat a sus pies.

La colocación de la cabeza de Goliat ha sido una fuente de debate para los historiadores del arte. Cuando se exhibió en la Galería Nacional de Arte, la cabeza fue colocada entre los pies de David, como es el caso de la residencia permanente de la estatua, el Museo Nacional del Bargello, en Florencia, Italia. Otra escuela de historiadores de arte han sugerido que Verrocchio quería que la cabeza de Goliat estuviera colocada a la derecha de David. 


El David fue concebido como una representación alegórica de Florencia, ya que ambos eran más poderosos de lo que aparentaban, y tanto el joven pastor y Florencia podían verse como poderes emergentes.

Baco (Miguel Ángel)
Baco (Bacco) es una escultura en mármol realizada entre 1496 y 1497 por Miguel Ángel, la obra de una altura de 203 cm.
La obra fue realizada por Miguel Ángel en su primer viaje el año 1496 a Roma, el encuentro en esta ciudad con la escultura antigua debió de inspirarle para la ejecución del Bacus que muestra una clara tendencia, a una interpretación de las obras, que en aquel momento, se estaban descubriendo por medio de las excavaciones en Roma.


Esta obra es claramente la primera gran obra maestra de Miguel Ángel, donde se muestra la característica constante de la sexualidad en su escultura, que simboliza el espíritu del hedonismo clásico que Savonarola y sus seguidores estaban dispuestos a suprimir de Florencia


Muestra también esta escultura la característica constante en la obra del artista, de evocar la sexualidad, de forma andrógina, como la misma naturaleza del dios en la antigüedad que era ambigua y misteriosa. Muestra el sátiro como referencia a Sileno, sátiro que había sido maestro de Bacus. La piel desollada y llena de uvas simboliza la vida sobre la muerte.


La escultura fue un encargo del cardenal Riario, que rechazada por este, fue comprada y se conservó en los jardines del banquero Jacopo Galli, donde fue dibujada por Martín Heemskerck hacia 1532. En el dibujo se apreciaba la falta de su mano derecha, posteriormente restaurada. Más tarde fue adquirida por Francisco I de Médici en 1572 hasta su paso al Palacio Bargello en 1873.




Imprescindible visitar este extraordinario museo. 

domingo, 30 de diciembre de 2018

Mi semana en Florencia (XXV) - Palazzo Vecchio - El patio - El Salón de los Quinientos - El Inferno de Dan Brown cobra vida en Florencia

Mi semana en Florencia (XXIV) -  Salvatore Ferragamo - El Museo Salvatore Ferragamo, pincha aqui


El Palazzo Vecchio (traducido al español, Palacio Viejo) se encuentra en la Plaza de la Señoría, en Florencia, Italia. Alberga oficinas del Ayuntamiento de la ciudad (Comune di Firenze) si bien las principales salas están abiertas al público como museo donde pueden verse murales y cuadros de artistas célebres de la escuela florentina como Domenico Ghirlandaio, Bronzino y Giorgio Vasari, entre otros.
Llamado en origen Palazzo dei Priori o Palagio Novo, se cambió el nombre por el de "Palacio de la Señoría", el organismo principal de la República florentina, en el siglo XV. Después se conoció como "Palacio Ducal", al establecer allí su residencia Cosme I de Médici en 1540. Después, en 1565, empezaría a llamarse Palazzo Vecchio al haberse mudado Cosme al Palacio Pitti.
La primera construcción se atribuye a Arnolfo di Cambio, que la inició en 1299 incorporando la antigua torre de Foraboschi en la fachada. Tras la muerte de Arnolfo, en 1302, el palacio fue terminado por otros artistas, en 1314. La forma exterior del edificio es la de un paralelepípedo, y en la fachada principal se encuentra la Torre de Arnolfo, uno de los emblemas de la ciudad. En 1400 la torre y el jardín interior tuvieron que ser reconstruidos, ya que corrían peligro de derrumbarse.

Copia del dibujo de Miguel Ángel, de la parte central de La Batalla de Cascina, pintada por Bastiano da Sangallo (Norfolk, Reino Unido, Palacio Holkham Hall).
Es un fresco diseñado por Miguel Ángel para el Palazzo Vecchio de Florencia. No llegó a pintarlo e hizo sólo el cartón (modelo) previo, que fue destruido y es conocido por la copia pintada al óleo por Bastiano da Sangallo y por dos grabados parciales de Marcantonio Raimondi.
Entre 1362 y 1364, una guerra enfrentó a los florentinos comandados por Galeotto Malatesta, y a los pisanos con Giovanni Acuto al frente. El 28 de julio de 1364, los soldados florentinos y sus dirigentes, sofocados por el calor, se bañaban en el río Arno, cuando fueron sorprendidos por los soldados pisanos. 
Miguel Ángel no eligió como motivo la lucha sangrienta de florentinos y pisanos, sino el instante previo cuando aquellos fueron alertados del ataque. Demostró su gran dominio del desnudo, junto con el movimiento dinámico y de creación hasta agotar todas las posibilidades expresivas con gran variedad de técnicas, contornos con carbón, otros con trazos fuertes, esfumados e iluminados con yeso.
Entre sus estancias más importantes, sobresale el Salón de los Quinientos, cuya decoración mural se encomendó a Leonardo da Vinci (La batalla de Anghiari) y a Miguel Ángel (La batalla de Cascina). Lamentablemente, ninguna de ellas se terminó, y las paredes fueron cubiertas por otros frescos en la decoración posterior de Giorgio Vasari.

La batalla de Anghiari (copia de Rubens)
(En italiano, La battaglia di Anghiari) es una pintura al fresco de Leonardo da Vinci, actualmente perdida, pintada en un muro del Salón de los Quinientos del Palazzo Vecchio de Florencia entre 1503 y 1506.
Los dos grandes genios del Renacimiento, Leonardo y Miguel Ángel se encontraron en un momento dado (era abril de 1503), enfrentándose directamente sobre el terreno de la pintura, pues ambos recibieron del confaloniero Piero Soderini un encargo para decorar el Salón de los Quinientos. Miguel Ángel acababa de finalizar su David, cuando fue designado para pintar la pared de la izquierda. Es la única vez que Leonardo da Vinci y Miguel Ángel trabajaron juntos en el mismo proyecto. 
Los emblemas de la fachada
La torre del Palacio fue construida en torno a 1310, cuando el cuerpo del edificio estaba casi terminado.
De una altura cercana a los 94 metros, la torre no está alineada respecto a la fachada.
En torno a una de las columnas se puede ver la pequeña escalera de caracol que permite subir a parte superior del campanario. En la parte más alta se encuentra una gran veleta (cerca de tres metros de altura) con la forma del Marzocco rampante y sosteniendo un bastón coronado por un lirio. Actualmente la veleta que se expone en la cima de la torre es una copia, pudiéndose admirar el original delante del Salón de los Quinientos.
El gran reloj ubicado a la mitad de la torre fue construido del florentino Nicolò Bernardo, pero remplazado en el 1667 por otro, realizado por Giorgio Lederle di Augusta y montado por Vincenzo Viviani. Aún hoy sigue funcionando.
Entrada. Esculturas de David y Hercules matando a Caco
La peana elevada delante del Palacio es el llamado arengario, zona donde se hacían las arengas públicas, que fue eliminada durante las restauraciones del siglo XIX de mano de Giuseppe Del Rosso. Desde este lugar los priores asistían a las ceremonias ciudadanas que se realizaban en la Plaza de la Señoría. Durante el gobierno del Duque de Atenas (1342-1343) se añadieron al arengario dos antepuertas y otros elementos. Al final del Quattrocento fue decorado con esculturas que aún se pueden admirar (la mayoría de ellas son réplicas de las originales). Las más antiguas son El Marzocco y Judith y Holofernes (1455-1460), ambas de Donatello; han sido sustituidas por copias para preservarlas (el Marzocco se encuentra en el Museo del Bargello, mientras que Judith se guarda dentro del Palacio, concretamente en la Sala de los Lirios).
El David de Miguel Ángel fue colocado en la plaza en el 1504, al año de su finalización, mediante un entramado y delicado ingenio del artista que permitía transportar la pesada estatua sin que esta tocara el propio carro que la llevaba, debido al grave peligro de fracturarla. En el 1873 se trasladó a la Galería de la Academia, donde se expone actualmente, siendo sustituido por una copia en 1910. Junto a esta está el grupo Hércules y Caco de Baccio Bandinelli, obra muy criticada por los florentinos por encontrarse al lado de la obra maestra de Miguel Ángel, con la que Bandinelli pretendió rivalizar.
El interior: murales y demás obras de arte
Los interiores del Palazzo albergan una apabullante acumulación de arte, tanto por la decoración de paredes y techos, como por los múltiples cuadros, esculturas, muebles y demás enseres que jalonan las salas.
El Salón del Cinquecento (o de los Quinientos) está decorado con murales de Giorgio Vasari y sus ayudantes, mientras que la Capilla de Leonor de Toledo fue decorada al fresco por Bronzino; a destacar la escena de El paso del Mar Rojo. La llamada Sala Verde tiene el techo decorado con pinturas de Ridolfo del Ghirlandaio. También se guardan tapices diseñados por Stradanus, quien igualmente decoró el Comedor con la pintura La coronación de Esther. La Sala de Audiencias cuenta con murales sobre el general de la antigua Roma Marcus Furius Camillus pintados por Francesco Salviati.

Retrato de Laura Battiferri - Agnolo di Cosimo, llamado Bronzino (Monticelli di Florencia 1503 – Florencia 1572) c 1555-1560, óleo sobre tabla, 87,5x70 cm
Nació en la ciudad de Nueva York en una familia de origen alemán: su padre, Frederick Loeser (1833-1911), fundó Frederick Loeser & Co. Después de completar su maestría en Filosofía en la Universidad de Harvard en 1888, decidió viajar a Europa y visitar a su amigo y compañero de Harvard Alum, George Santayana. Se instaló en Florencia en 1890, donde conoció y se casó con la famosa pianista alemana Olga Lebert Kaufmann, y pasó el resto de su vida aquí coleccionando y estudiando arte y mobiliario medieval y de principios del Renacimiento . Compró su Villa Torri Gattaia alrededor de 1908 y comenzó las renovaciones. Ubicado en las colinas florentinas detrás de San Miniato al Monte. En Florencia, Loeser cultivó sus estudios
El Legado todavía adorna las habitaciones del Quartiere del Mezzanino de Palazzo Vecchio, dispuestas en línea con cánones estéticos similares a los que caracterizan los interiores de la aristocrática Las mansiones de la Florencia renacentista, y que los coleccionistas de la época de Loeser tendían a reproducir en sus residencias privadas.
Villa Torri Gattaia
Entre los cuadros más importantes del edificio, destacan retratos de Cosme I y Leonor de Toledo pintados por Alessandro Allori, así como varios del Legado Loeser, donado por disposición testamentaria del historiador y coleccionista norteamericano Charles Loeser (1864-1928). Mientras que varios cuadros de Cézanne los entregó al Fogg Art Museum de Harvard, Loeser dejó dispuesto que una treintena de obras de arte y mobiliario pasase a manos del ayuntamiento de Florencia. Entre estas piezas destacan el Retrato de Laura Battiferri (esposa de Bartolomeo Ammanati) pintado por Bronzino, una Madonna de Jacopo del Sellaio y otra de Pietro Lorenzetti. Pero para el público interesado en el arte español, la pieza más relevante es un tondo de La Virgen con el Niño y san Juanito pintado por Alonso Berruguete, rarísimo y temprano ejemplo de la inmersión de este artista en el naciente Manierismo florentino.

El studiolo de Francisco I era un studiolo o pequeña estancia del Palazzo Vecchio de Florencia, construida por orden de Francisco I de Médici, en el que el gran duque se dedicaba a sus actividades e intereses privados. Se emprendió un ambicioso plan decorativo en el que participó lo más granado de los pintores manieristas del momento, encabezados por Giorgio Vasari, que se encargó de la dirección del proyecto (1570-1572), ayudado por los humanistas Giovanni Battista Adriani y Vincenzo Borghini.
Alessandro Allori, ritratto di Eleonora di Toledo - Studiolo di Francesco I
Francisco I de Médici, Gran Duque de Toscana por Bronzino.
Francisco I de Médici (Florencia, 25 de marzo de 1541 – ibídem, 19 de octubre de 1587), II gran duque de Toscana, de 1574 a 1587, fue el hijo mayor de Cosme I de Médici, II duque de Florencia y de su esposa Leonor Álvarez de Toledo, hija del virrey de Nápoles Pedro Álvarez de Toledo y Zúñiga.
Juana de Austria, primera esposa de Francisco I de Médici, con su único hijo varón Felipe de Medici.
Juana de Habsburgo-Jagellón (Praga, 24 de enero de 1547 – Florencia, 11 de abril de 1578), fue una Archiduquesa de Austria. Era la menor de los 15 hijos del emperador Fernando I y de Ana Jagellón de Hungría y Bohemia, además de ser la hermana menor del futuro emperador Maximiliano II. Prácticamente no conoció a su madre, pues ella murió a los tres días de su nacimiento.
Bianca Cappello, segunda esposa de Francisco de Médici.
Bianca Cappello (Venecia, 1548 - Poggio a Caiano, Prato, 20 de octubre de 1587) fue una gran duquesa consorte de Toscana, amante y luego esposa del gran duque Francisco I de Medici, famosa por haber sido centro de numerosas intrigas y fallecida según algunos autores por envenenamiento un día después que su marido Francisco.
El patio
El primer patio del Palazzo Vecchio fue construido en la primera mitad del siglo XIV y posteriormente modificado por Michelozzo en el siglo XV.
En la segunda mitad del siglo XVI todo el edificio sufrió una importante obra de modificación, trabajo llevado a cabo por Vasari por orden de Cosimo I de’ Medici.


El patio del Palazzo Vecchio fue decorado en ocasión del matrimonio de Francesco de Medici y Giovanna de Austria (1565), con estucos y pinturas ejecutadas en seco de ciudades de Austria, en honor de la novia.


En el centro del patio es la fuente de Francesco del Tadda (1555-1557) con una reproducción del querubín y delfin de Andrea del Verrocchio (Andrea di Michele di Francesco Cioni) del 1470 (el original se encuentra en el Palazzo Vecchio) 

Las pinturas en el patio del Palazzo Vecchio, Florencia, Italia. Autor y Derechos de Autor Marco Ramerini
Las paredes del patio fueran decoradas en 1565 para Cosimo I de’ Medici, con ocasión del matrimonio de Francesco de Medici y Giovanna de Austria con los puntos de vista de las principales ciudades del imperio austríaco: Praga, Passago (Passau), Stain, Closterneburg (Klosterneuburg), Viena, Innsbruck, Ebersdorf, Costentz (Costanza), Neustadt y Hall (Ala).
Las pinturas, que eran en su mayor parte pinturas ejecutadas en seco, son obra de Bastiano Veronese, Giovanni Lombardi, Cesare Baglioni y Turino di Piemonte. En la parte superior de cada panel se inscribieron las armas de las ciudades que llevan el nombre en alemán, mientras que en el fondo se escribió el nombre en italiano.
Los óvalos colocados en las lunetas por encima de las pinturas de las ciudades representan episodios importantes en el gobierno de Cosimo I. En la pared este del patio hay una inscripción en latín, pintada para dar la bienvenida a la novia. En un nicho es una estatua de Sansón y el filisteo por Pierino da Vinci, el sobrino de Leonardo que murió a la edad de 23 años.
Unb segundo patio conocido como “La Dogana” (“La Aduana”)


Il cortile con pilastri, Palazzo Vecchio, Firenze, Italia. Author and Copyright Marco Ramerini
Salón de los Quinientos 
El Salón de los Quinientos (Salone dei Cinquecento), fue construido en 1495, durante el período de la restauración de la República de Florencia (después de la expulsión de Piero de’ Medici en 1494).


El enorme salón fue construido a instancias de Fra Girolamo Savonarola, en el interior iban a ser alojados los representantes del Gran Consejo (compuesto por 500 miembros), que fue el órgano de gobierno de la ciudad y estaba integrado por todos los ciudadanos varones que habían completado 29 años de edad, pagaban impuestos y que pertenecían a las familias que se han enfrentado a cargos públicos en las tres últimas generaciones.


La realización de la sala se completó en febrero de 1496. Posteriormente, bajo el gobierno de Soderini, entre 1503 y 1504, la República de Florencia se sentía la necesidad de celebrar sus victorias militares a través de la construcción de dos enormes frescos que debería decorar las paredes del Salón.

Piero Soderini (1450-1522) (Ridolfo del Ghirlandaio)
Soderini nació en Florencia en el seno de una antigua familia de médicos prestigiosos. En 1481 ya era prior de la ciudad, y más tarde se convirtió en uno de los favoritos de Piero di Lorenzo de Medici, que lo nombró en 1493, con el título de embajador al reino de Francia. Los florentinos lo eligieron gonfaloniere vitalicio en 1502, pues deseaban conferir mayor estabilidad a las instituciones republicanas, que habían sido restauradas después de la expulsión de Piero de Medici y el martirio de Girolamo Savonarola. Su gobierno fue moderado e inteligente, aunque no tuviera las cualidades de un gran estadista. Introdujo un sistema de milicias nacionales para reemplazar a los mercenarios extranjeros, y durante su gestión la larga guerra con Pisa concluyó finalmente con la captura de esa ciudad por el ejército florentino en 1509. Agradecido a Francia, que le había asistido, siempre se mantuvo favorable a los intereses franceses en la política interna italiana. Pero en 1512 los Medici, con la ayuda de un ejército español volvieron a Florencia, depusieron a Soderini y lo condujeron al exilio.

Se decidió a dar la oficina a Miguel Ángel Buonarroti, que se encargará de la ejecución de la Batalla de Cascina (batalla ganada por Florencia contra Pisa en 1364) y Leonardo da Vinci, que se encargó de la escena de la Batalla de Anghiari (victoria importante de Florencia su las tropas de Milán en 1440).
Ninguno de los dos genios del Renacimiento terminó su trabajo, Miguel Ángel creó sólo un dibujo de su obra, pero Leonardo pintó la escena central de su fresco enorme en la pared oriental del Salón, su obra parece haberse perdido, aunque recientemente los estudios sugieren que existe una brecha entre el fresco de Vasari actual y la antigua muralla, que da esperanzas de que el Vasari, de una persona inteligente que era, no ha destruido el fresco, pero ha preferido ocultarlo para mantenerlo.

“La Batalla de Marciano en el Valle Chiana”, de Giorgio Vasari. En el círculo, el fragmento del estandarte con la leyenda “Cerca Trova”
 Leonardo Da Vinci ha sido un pozo insondable de genialidad, pero también de misterio, ya lo comprobaron sus coetáneos y se ha ido confirmando cuanto más y con más medios se han ido estudiando sus obras.
2012 - Como en una novela de intriga, apenas unas semanas después de que el museo del Prado anunciase el hallazgo de una ‘hermana’ de la Gioconda no sólo elaborada en el propio taller de Leonardo Da Vinci, sino al mismo tiempo que la Monna Lisa de la enigmática sonrisa, el genio renacentista y sus misterios vuelven a dar una nueva sorpresa.
Según Seracini, la muestra de material negro, encontrado en una pared oculta tras un falso muro en el Salón de los Quinientos del Palacio Viejo, tiene una composición química compatible con la usada por el genio renacentista en ‘La Gioconda’ y en el ‘San Juan Bautista’, que se conservan en el Museo del Louvre de París.
“Aunque estamos aún en la fase preliminar de la investigación y hay aún mucho trabajo que hacer para poder resolver el misterio, las pruebas demuestran que estamos buscando en el lugar adecuado”, dijo el investigador.
El Inferno de Dan Brown cobra vida en Florencia

'Cerca Trova'. Busca y encontrarás. Ese es el lema de Inferno
Robert Langdon, el famoso profesor de simbología (nuevamente interpretado por Tom Hanks) se encuentra tras el rastro de una serie de pistas conectadas con el mismísimo Dante. Cuando Langdon despierta con amnesia en un hospital italiano, hará equipo con Sienna Brooks (Felicity Jones), una doctora de la que él espera le ayude a recuperar sus recuerdos. Juntos recorrerán Europa en una carrera a contrarreloj para desbaratar una letal conspiración global. Adaptación del best-seller homónimo de Dan Brown. (FILMAFFINITY)
La máscara del autor de La Divina Comedia, pieza clave del «Inferno» de Tom Hanks, no fue tomada directamente del cádaver del poeta italiano.
A Dante Alighieri la muerte le sorprendió en Rávena la noche del 13 al 14 de septiembre de 1321 y en esa misma ciudad donde el autor de «La Divina Comedia» había pasado sus últimos años de exilio fue enterrado, en la iglesia de San Francisco, aunque es muy posible que antes se tomara un recuerdo en cera o yeso de su rostro para que sirviera de como guía para retratos y esculturas posteriores, tal como era costumbre entre las personalidades de la época.
Boccaccio no menciona ninguna máscara mortuoria en su obra sobre la «Vida de Dante», aunque sí que Guido Novel da Polenta, el caballero que le otorgó su protección en Rávena, no escatimó en su honores para su egregia sepultura. Cabe pensar por ello que se realizó una mascarilla del difunto poeta italiano.
En el pasado se creyó que la máscara de Dante que se guarda en el Palazzo Vecchio de Florencia, y que da una pista vital a Robert Langdon (Tom Hanks) en «Inferno», era su auténtica mascarilla mortuoria, pero estudios recientes apuntan a que sería una copia de una efigie sepulcral realizada en 1483 por Pietro y Tullio Lombardo.
La máscara, que fue propiedad en el siglo XIX de Seymour Kirkurp (de ahí que también se conozca como Máscara Kirkup), fue donada por la viuda del investigador británico al senador Alessandro D'Ancona. Este a su vez la ofreció en 1911 al Palazzo Vecchio, donde se conserva desde entonces.
Fuente: ABC historia
1532-1534 -- Miguel Ángel
El salón es impresionante, 52 metros por 23 metros. Las escenas de batalla son pintados por Vasari: la conquista de Siena, la toma de Porto Ercole, la victoria de Cosme I de Marciano della Chiana, la derrota de Pisa en San Vincenzo, el ataque de Maximiliano de Austria en Livorno, y Pisa atacada por las tropas de Florencia. La decoración del techo representa, en 39 paneles, los episodios más importantes en la vida de Cosme I, los barrios de la ciudad y, en el centro, la escena de su nombramiento a Gran Duque de Toscana. Los lados de las paredes se encuentran seis estatuas, incluyendo el Genio de la Victoria de Miguel Ángel.

El piso superior
En el piso superior son visibles las "habitaciones de los elementos", con salas dedicadas a argumentos mitológicos y frescos, una vez más de Vasari y sus ayudantes; y las "dependencias"de la archiduquesa Eleonora, hija del virrey de Nápoles, Don Pedro de Toledo y entregada como esposa a Cosme I. Enre las salas de mayor interés citamos la sala de la audiencia, con el bellísimo cielo raso artesonado y entallado, obra de Benedetto da Maiano y con los frescos de Francesco Salviati 1550, que cuentan la historia de Cammillo en estilo manierista. 

Judith and Holofernes. Donatello
La estatua de bronce Judith y Olofernes, obra tardía de Donatello, fue retirada recientemente de la plaza de la Señoría y llevada a la sala de la audiencia para protegerla de la intemperie, a la cual había sido sometida con los consecuentes resultados, durante cinco siglos. Citamos después, la "sala de los lirios", llamada así por la decoración de las paredes, y la sala de los mapas, llamada también guardarropa donde sobre los armarios entallados son visibles 53 cartas geográficas de la segunda mitad de 1500, obra de Ignazio Danti y Stefano Buonsignori.

Sala de los Lirios en el Palazzo Vecchio de Florencia
Palazzo Vecchio; Capilla del Prior
Vasari, Giorgio (1511-1574) Sala di Leone X