(VIII). (II). 10 artistas que deberíamos conocer - Jenny Saville - Damien Hirst - Banksy - Lucian Freud - Auerbach, pincha aqui
Por CRISTINA GIMÉNEZ
Todo en la obra de Cristina Iglesias, una de las artistas españolas con mayor proyección internacional, tiene que ver con pensar espacios donde nada es lo que parece, parajes cargados de poesía y belleza que llevan al espectador a confrontar la ausencia y el deseo, la insatisfacción o la imposibilidad de verlo todo. En su casa-estudio en Torrelodones, en la sierra madrileña, ha desarrollado la mayor parte de su obra en los últimos treinta años. La casa familiar que creó con su marido -el también artista desaparecido Juan Muñoz-, donde crecieron sus hijos, inicialmente tenía una sola altura y una sencilla planta rectangular, y fue absorbiendo necesidades familiares y profesionales traducidas en extensiones, pabellones, estudios, oficinas, una nueva planta… Un crecimiento orgánico dictado por el ritmo en el que surgían nuevos proyectos artísticos de mayor escala.
El hábitat donde vivo me influye sin duda pero el lugar de pensar lo he elegido yo. Vivir en esta casa, al principio, fue una oportunidad familiar que podíamos utilizar, pero éste ha seguido siendo mi sitio de pensar porque es un entorno cercano y aislado al mismo tiempo, lo que me permite concentrarme sin las distracciones de la ciudad.
La idea de lo remoto en la ciudad está en tus obras.
Actualmente estoy trabajando en un proyecto que tiene que ver con ello, una obra permanente para el faro de la isla de Santa Clara, en San Sebastián, un lugar único e importantísimo por mi relación con la ciudad y con el mar. El interior del edificio, hogar del último farero y deshabitado desde los 60, está en malas condiciones. Vamos a vaciarlo y restaurarlo y construiremos un gran vaso, un pozo hacia el mar... Aunque sea una ilusión. Es similar a la intervención que hice en la Torre de Agua en Toledo, ambas cuestionan la idea convencional del espacio público.
Has colaborado con arquitectos como Foster, Piano o Moneo. ¿Qué retos has encontrado en esos proyectos?
En mi trabajo todo está conectado. En el caso de la Fundación Norman Foster tenía que crear un espacio de sombra lo que supone un condicionante pero también un punto de partida. Otro ejemplo es el del encargo de Moneo que me pidió diseñar el portón para la extensión del Prado. Había construido pasajes, pasadizos... Me interesa mucho la idea de un espacio entre un lugar y otro. A partir de esa idea se fue formando la obra, invadiendo el umbral, los lados, introduciendo movimiento y secuencia. Estos proyectos y otros me han permitido desarrollar partes no solo del lenguaje sino del pensamiento, de la reflexión sobre qué puede aportar la escultura pública y la no pública hoy en día a la sociedad y sobre como quien se encuentra con la obra, puede relacionarse con ella. Intento que los condicionantes con los que tengo que trabajar en proyectos públicos hagan que los límites que requieren, sean precursores de nuevas ficciones. Que jueguen a mi favor y que pueda hacer de ello una reflexión sobre qué puede ser la intervención pública hoy en día en una ciudad o en la naturaleza.
Obras comentadas: Portón-Pasaje, de Cristina Iglesias, pincha aqui
¿Qué implica para ti vivir con arte?
La mayor parte de las obras con las que convivo tienen un vínculo personal, son de artistas amigos como Roni Horn, Fischli and Weiss, Thomas Schütte o Struth… Muchas otras, también de gente joven que, a veces, me gusta comprar. Rodeando el estudio hay una pieza de Lawrence Weiner, cargada de simbolismo pues formó parte de la última exposición en la galería Marga Paz, una de las pioneras en Madrid en los años 80. Aunque la obra la compramos tiempo después en la galería Mariam Goodman. Weiner vino personalmente a montar la obra y decidió él donde instalarla. Quiso que fuera rodeando la arquitectura de mi estudio.
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| La artista Cristina Iglesias en su estudio - Rocío Ramos (Cristina Iglesias Fernández Berridi; San Sebastián, 1956) Escultora y grabadora, premio Nacional de artes plásticas y una de las artistas españolas más internacionales de las últimas décadas. Nació en el seno de una familia con grandes inquietudes culturales. Con los años, los cinco hermanos serían creadores: Cristina (escultora), Alberto (compositor), Eduardo (escritor), Lourdes (escritora y guionista) y Pepelu (cineasta). Perteneciente a una generación de artistas que desde la década de 1980 ha transformado el concepto de escultura en el ámbito de las instalaciones, sus obras reflejan un vocabulario estético basado en el uso de diferentes materiales (hormigón, alabastro, resina, hierro, cristal, a veces combinados con motivos vegetales como el bambú y la hojarasca) y diferentes técnicas (bajorrelieve, tapiz o serigrafía en gran formato, sobre seda y cobre), y delatan el interés de la artista por el espacio, la arquitectura, la literatura y la geología. El contraste de texturas y materiales, así como la relación que éstos establecen con el espacio, son dos de las constantes en su trayectoria. Sus influencias y motivaciones surgen más del arte y la cultura británicas que de las españolas. “Descubrí conceptos de escultura mucho más abiertos, menos clásicos de los que yo conocía -son los años de la denominada «nueva escultura británica»-. Entonces comenzaban a tener presencia Tony Cragg, Anish Kapoor, y también Reinhardt Mucha y otros artistas en Alemania. |
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| Points of View, en Málaga Tony Cragg, de nombre completo Anthony Douglas Cragg (nacido en Liverpool el 9 de abril de 1949) es un escultor británico. Entre las numerosas e importantes exposiciones a las que ha estado invitado, cabe citar que participó en la documenta de Kassel, expuso en Basilea en 1990 numerosas obras y representó al Reino Unido en la Bienal de Venecia de 1988. Desde 2009 es director de la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf. |
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| Tall Tree and the Eye. Museo Guggenheim, Bilbao Anish Kapoor (Bombay, 1954 ) es un escultor británico nacido en la India. Ha vivido y trabajado en Londres desde que se mudó a esta ciudad para estudiar arte a principios de la década de 1970, primero en el Hornsey College of Art y más tarde en la Chelsea School of Art Design. Anish Kapoor es uno de los escultores más influyentes de la época, creando esculturas abstractas con diferentes materiales tales como concreto (hormigón), tiza, fibra de vidrio, pigmentos, piedra, fieltro y acero inoxidable. Kapoor ve su trabajo como “encarnaciones de mitologías” refiriéndose a la manera en que fueron construidas. |
Reinhard Mucha at Kunstmuseum Basel | Gegenwart, pincha aqui
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| Reinhard Mucha. Düsseldorf, Alemania, 1950 |
La escultora donostiarra Cristina Iglesias, desde su casa-estudio en la sierra madrileña, construye lugares inventados, surgidos de un lenguaje artístico único en el que combina formas de la naturaleza con elementos arquitectónicos y materiales industriales.
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| La vivienda, situada en la sierra madrileña y de planta sencilla, se ha ido transformando y ampliando a la medida de los proyectos artísticos de la escultora, una de las más cotizadas en el ámbito internacional. Javier Salas |
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| Desde la cocina se aprecia una obra suya en el jardín, donde desarrolla elementos a nivel de detalle, aunque muchos de sus proyectos están en una escala que no tiene nada que ver con la de ese espacio exterior. Javier Salas |
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| El jardín y las formas de la naturaleza tienen una presencia constante en su obra. En la imagen, Double Vegetation Room, 2006. Polvo de bronce, resina y acero inoxidable. Javier Salas |
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| En la entrada de la casa, la obra de Juan Muñoz, Three Piggybacks with knives, 2001.Javier Salas |
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| El horizonte de Madrid, desde la terraza de la casa, se siente alejado, pero a la vez está presente. Obra en bronce Conversation piece III, 2001, de Juan Muñoz - Javier Salas Juan Muñoz (Madrid, 16 de junio de 1953-Ibiza, 28 de agosto de 2001) fue un escultor español. Fue el segundo de una familia de siete hermanos. En la década de los setenta viajó a Inglaterra para estudiar en el Croydon College y luego en el Central School of Art and Design. Allí conoció a su esposa, la escultora Cristina Iglesias, con quien tuvo dos hijos. En 1982 viajó a Estados Unidos para estudiar en el Pratt Centre de Nueva York con una beca. Tuvo su primera exposición en 1984 en la galería Fernando Vijande de Madrid. Desde entonces expuso sus trabajos frecuentemente en Europa y otras partes del mundo. |
Actualmente estoy trabajando en un proyecto que tiene que ver con ello, una obra permanente para el faro de la isla de Santa Clara, en San Sebastián, un lugar único e importantísimo por mi relación con la ciudad y con el mar. El interior del edificio, hogar del último farero y deshabitado desde los 60, está en malas condiciones. Vamos a vaciarlo y restaurarlo y construiremos un gran vaso, un pozo hacia el mar... Aunque sea una ilusión. Es similar a la intervención que hice en la Torre de Agua en Toledo, ambas cuestionan la idea convencional del espacio público.
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| Acuarium III, 2001 (Estancias Sumergidas), título de la maqueta que ayudó a Cristina Iglesias a desarrollar el proyecto que realizó en el fondo del Mar de Cortés, en Baja California. Javier Salas |
En mi trabajo todo está conectado. En el caso de la Fundación Norman Foster tenía que crear un espacio de sombra lo que supone un condicionante pero también un punto de partida. Otro ejemplo es el del encargo de Moneo que me pidió diseñar el portón para la extensión del Prado. Había construido pasajes, pasadizos... Me interesa mucho la idea de un espacio entre un lugar y otro. A partir de esa idea se fue formando la obra, invadiendo el umbral, los lados, introduciendo movimiento y secuencia. Estos proyectos y otros me han permitido desarrollar partes no solo del lenguaje sino del pensamiento, de la reflexión sobre qué puede aportar la escultura pública y la no pública hoy en día a la sociedad y sobre como quien se encuentra con la obra, puede relacionarse con ella. Intento que los condicionantes con los que tengo que trabajar en proyectos públicos hagan que los límites que requieren, sean precursores de nuevas ficciones. Que jueguen a mi favor y que pueda hacer de ello una reflexión sobre qué puede ser la intervención pública hoy en día en una ciudad o en la naturaleza.
Obras comentadas: Portón-Pasaje, de Cristina Iglesias, pincha aqui
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| Encajado en el paisaje del jardín, Pabellón Suspendido IV (A Place of Silent Storms), 2004, en hilo de acero inoxidable trenzado y sombra. Javier Salas |
La mayor parte de las obras con las que convivo tienen un vínculo personal, son de artistas amigos como Roni Horn, Fischli and Weiss, Thomas Schütte o Struth… Muchas otras, también de gente joven que, a veces, me gusta comprar. Rodeando el estudio hay una pieza de Lawrence Weiner, cargada de simbolismo pues formó parte de la última exposición en la galería Marga Paz, una de las pioneras en Madrid en los años 80. Aunque la obra la compramos tiempo después en la galería Mariam Goodman. Weiner vino personalmente a montar la obra y decidió él donde instalarla. Quiso que fuera rodeando la arquitectura de mi estudio.
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| Silwan, East Jerusalem, 2009, by Thomas Struth. Courtesy of the artist and Marian Goodman Gallery |
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| Art Institute of Chicago 2, Chicago, 1990 THOMAS STRUTH/ CORTESÍA SCHIRMER/MOSEL La singularidad de las imágenes de Thomas Struth (Geldern, Alemania, 1954) procede de las cuestiones que el autor se formula a sí mismo —y plantea al observador— sobre la importancia del espacio público, el potencial de cohesión de los vínculos familiares, la relevancia de la naturaleza y la cultura, y los límites y posibilidades de las nuevas tecnologías. Struth logra traducir temas fundamentales, como la inestabilidad de las estructuras sociales y la fragilidad de la existencia, en imágenes de gran elegancia formal que requieren de la participación y la empatía del espectador. |
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| Las calles que fotografía Thomas Struth (Geldern, Alemania, 1954) suelen estar vacías. Raras veces hay humanos, bien sea en Nápoles, Düsseldorf o Nueva York. Grandes edificios por cuyos ventanales no se asoma nadie bordean las desiertas avenidas en donde los coches se erigen en figuras protagonistas. Imágenes urbanas en las que no ocurre nada. En ellas se palpa la soledad y el desasosiego del hombre frente a su propia obra. Estas imágenes marcan los inicios de este artista alemán reconocido como uno de los fotógrafos más influyente del momento, cuya cotización bate récords dentro del mercado del arte. Su obra abarca cuatro décadas, durante las cuales no ha dejado de reflexionar sobre las ambiciones, los logros y el discurrir del hombre en la sociedad moderna. |
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| Lawrence Weiner, una de las figuras capitales del Arte Conceptual, nació en 1942 en el Bronx, Nueva York. Tras graduarse en la escuela secundaria, desempeñó empleos de lo más dispar: en un petrolero, en muelles, y en trenes de carga y descarga. Viajó por toda América del Norte antes de regresar a Nueva York, donde expuso en la galería Seth Siegelaub Contemporary Art en 1964 y 1965. Weiner tiene obra en importantes colecciones públicas y privadas como la del British Museum (Londres) el Centro Pompidou (París), el Museo Ludwig (Colonia), el Museo Guggenheim (Nueva York y Bilbao) entre otros muchos. Tendencias del Mercado de Arte ha hablado con el prestigioso artista, que vive y trabaja en Nueva York, con motivo de su próxima muestra que celebra en la galería Lisson de Londres. |
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| Thomas Schütte, nació en Oldenburg, Alemania en el año 1954. Su carrera artística abarca desde la pintura, escultura, arquitectura, instalaciones y el diseño. Estudió arte en Kunstakademie Düsseldorf desde 1973 hasta 1981. Fue alumno de Fritz Schwegler y de Gerhard Richter. Schütte comentó sobre este último que se matriculó en sus clases porque “se sintió atraído por la ambivalente relación de su mentor frente a la pintura y la abstracción”. Heredó de Richter su crítica por la pintura vanguardista y de los seguidores del maestro, como Blinky Palermo y Daniel Buren, lo convencional. En sus proyectos de los años 70 y 80 se refleja la crisis de identidad individual y colectiva que se vivió en Alemania. Sus obras son irónicas y ambivalentes, como "Kirschensäule" que fue instalada en Kassel y Documenta 9 en 1992. Utilizó acuarelas, grabados y cerámicas para reflejar los elementos de la vida diaria, tanto políticos como culturales. Durante los noventa se interesó por la herencia de la cultura romana, creando las enormes cabezas llamadas “Asquerosos Dictadores”, además de las imágenes “Mujeres” esculpidas en acero y otros materiales. Con géneros tradicionales consiguió resultados extraordinarios y modernos. |
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Roni Horn (Nueva York, 1955) es una artista de culto reconocida en todo el mundo desde que hace dos décadas largas dio a conocer sus primeros trabajos, una obra que se mueve entre el conceptualismo y el minimalismo y para la que usa fotografía, dibujo, escultura.No concede entrevistas y se niega a comparecer ante la prensa. Residente medio año en Nueva York y el otro medio en Reikiavik (Islandia), tiene en la Naturaleza y en la Literatura sus dos fuentes constantes de inspiración para su obra.
La mayor de los hijos del matrimonio, Lucía, estudió cine y comunicación en Londres y ha producido varios cortometrajes. El hijo pequeño de Cristina y Juan, Diego, de 24 años, lamentablemente conoció poco a su padre, del que dicen que era un seductor, divertido y tremendamente perfeccionista, ya que el escultor fallecía cuando él apenas tenía cinco años. Los niños crecieron en la casa familiar en Torrelodones, donde Cristina hoy sigue teniendo su estudio. Seis años más tarde, su madre, que es hermana del compositor Alberto Iglesias, comenzaba una relación sentimental con Plácido Arango, que siempre quiso y trató a Lucía y Diego como si fueran sus propios hijos. Cristina es, entre otras cosas, la autora de las puertas del Museo del Prado –un portón pasaje que llevó a cabo en 2007 para la ampliación del museo y que sirve de acceso ceremonial y escultura autónoma–, pinacoteca donde curiosamente conoció a Arango.
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