Museo Gugemheim Bilbao - Frank Gehry - Twombly - Anselm Kiefer - Tierra de los dos ríos - Georg Baselitz -Mark Rothko - Willem de Kooning - Fujiko Nakaya

El Museo Guggenheim Bilbao es un museo de arte contemporáneo diseñado por el arquitecto canadiense Frank O. Gehry y localizado en la villa de Bilbao (País Vasco), España. Es uno de los museos vinculados en régimen de franquicia o colaboración con la Fundación Solomon R. Guggenheim. Fue inaugurado el 18 de octubre de 1997 por el rey Juan Carlos I de España.

Frank Owen Goldberg (Toronto, 28 de febrero de 1929), conocido como Frank Gehry, es un arquitecto suizo asentado en Estados Unidos, ganador del Premio Pritzker y reconocido por las innovadoras y peculiares formas de los edificios que ha diseñado.

Hay una experiencia que podría definir como un despertar o, al menos, como un punto central en mi carrera. Hace muchos años, cuando visité Delfos por primera vez, vi la famosa escultura del Auriga, una obra de hace 2500 años.

Era tan hermosa, tan extraordinariamente hermosa, que no pude evitar echarme a llorar. Los artistas de aquella época crearon algo capaz de despertar emociones muy intensas muchos siglos más tarde. Desde esa visita a Grecia, siempre he buscado conseguir lo mismo: crear edificios que no sean fríos, sino que expresen sentimientos y evoquen emociones. Esa ha sido mi meta. Nunca he dejado de reflexionar, de pensar cómo puedo alcanzarla», confiesa Frank Gehry.

Anónimo, El Auriga de Delfos. Bronce, siglo V a.C.

“Los griegos inventaron nuestro mundo”. Quizás  demasiado entusiasta, esta frase nos dice una verdad que es evidente: la antigua cultura griega, que tuvo su máximo desarrollo y expansión durante los siglos V al II antes de nuestra era, es nuestra cultura madre, a la cual debemos los rasgos más característicos de nuestro pensamiento, nuestra ciencia y nuestro arte entre otros.

XXV - Los santuarios de Apolo - Delos - Terraza de los Leones - Templos de Apolo - Los Juegos Píticos - El ónfalo ('ombligo') - El Auriga de Delfos, pincha aqui

El último fruto de esas reflexiones se encuentra en Arlés, al sur de Francia. El edificio, con su apariencia de enorme risco metálico, es el núcleo de la colección de arte y de la fundación de la multimillonaria Maja Hoffmann (5111 millones de euros de fortuna personal, según Bloomberg), heredera de la farmacéutica suiza Hoffmann-La Roche. El proyecto le ha ofrecido a Gehry «la oportunidad única de construir en una antigua urbe romana. La forma redondeada de la base de la torre es una referencia al anfiteatro de Arlés». A pesar de ello, su obra tiene polarizada a la ciudad. Unos esperan medio millón de visitantes más al año. Otros temen que esta histórica ciudad –fundada por los griegos en el siglo VI antes de Cristo y, más tarde, una de las primeras colonias romanas fuera de la Península Itálica– pierda su personalidad.

La ciudad de Arlés tiene un nuevo museo construido por Frank Gehry

Arlés  es una ciudad del sur de Francia, en el departamento de Bocas del Ródano, del cual es una subprefectura, en la antigua provincia francesa de Provenza en la Región de Provenza-Alpes-Costa Azul. En 2015 contaba con una población censada de 52 886 personas. Arlés es una de las Villes et pays d'art et d'histoire.

El edificio, bautizado como la fundación suiza del mismo nombre, acoge exposiciones de algunos de los mayores nombres del mundo del arte. 
El monumental edificio ocupa un antiguo depósito ferroviario que conecta con dos antiguas estructuras ferroviarias que los neoyorquinos Selldorf Architects han convertido recientemente también en espacios expositivos. 
Este nuevo proyecto de Gehry arrancó en 2014 se inauguró 2021
La torre principal se alza hasta los 56 metros. 

Un museo para Arlés. Esta torre, creada con 10.752 bloques de acero inoxidable y 2000 metros cuadrados de paneles fotovoltaicos en el techo, es la última gran obra de Gehry. 
Frank Gehry. He jugado con ello, sí. La torre, para mí, es ante todo una respuesta a las estructuras romanas; como ellas, posee una robustez arcaica. Y sus colores los crea la propia naturaleza, ya que hemos elegido para la superficie un material que refleja el entorno. Puede decirse que la torre tiene un exterior siempre cambiante, en función de cómo incida la luz y también de la nubosidad. El resultado es que puedes ver un cuadro, una pintura nueva cada hora... y totalmente gratis. Por la noche se aprecia incluso esa luz residual, ese resplandor cambiante que Van Gogh captó cuando pintó su Noche estrellada. Esa luz es real, está ahí de verdad, no es una invención, pero fue Van Gogh quien nos permitió ser conscientes de ella.
Arles es conocida por su tradición artística. La ciudad también es conocida porque Vincent van Gogh pintó allí muchos de sus cuadros. 
El célebre arquitecto sigue de lo más ocupado a sus 94 años: en estos momentos se encuentra trabajando en las nuevas oficinas de Warner Bros en Los Ángeles. 

"Bilbao era una ciudad tranquila con un rostro triste. Entonces construimos el Museo Guggenheim y todo cambió"

Arquitectura y moda.En 2009 le diseñó este sombrero a Lady Gaga para la gala del trigésimo aniversario de un museo de Los Ángeles.GETTY IMAGES

Como pez en el agua. Gehry suele exponer sus esculturas en la Gagosian Gallery, en Nueva York.
Fuente: El correo XL semanal

Los seis artistas vivos mejores pagados, pincha aqui

El Museo Guggenheim Bilbao, pincha aqui

Buscadores de belleza - Museo Solomon R. Guggenheim - Hilla Rebay - La familia Guggenheim - Descubrimiento de Jackson Pollock - Max Ernst - Peggy Guggenheim - Emiratos Árabes Unidos, pincha aqui

David Hockney (Pintor y grabador británico) - 82 retratos y 1 bodegón (Museo Guggenheim de Bilbao) - Arte pop, pincha aqui 

«Nueve discursos sobre Cómodo» (1963)

En concreto, Twombly (Virginia, 1928- Roma, 2011) se adentra en el “adn” histórico de Italia –“soy un pintor mediterráneo”, se dijo-, fuertemente dominado por la mitología y literatura clásicas. Rescata para el lienzo la figura del emperador romano Aurelio Cómodo (s.II d.C) y en su propio asesinato, en un conjunto de nueve piezas en el que la locura y crueldad del personaje se desata en estallido de color sobre fondo gris.

En esa serie de nueve cuadros adquiridos por el Guggenheim, el pintor realiza la crónica del declive del imperio romano personificado en el emperador Aurelio Cómodo», un tirano que fue ejecutado en público.

Reservado y taciturno según los que le conocieron, Twombly tuvo una especial vinculación con el País Vasco. El Guggenheim le compró en 2006 'Nueve discursos sobre Comodo' por veinte millones de euros, la mayor cantidad pagada a un artista por el museo, que además el dedicó una exposición dos años más tarde.

Su presentación en 1964 en la galería Leo Castelli de Nueva York significó también una caída de las grandes, pero en su trayectoria como artista. Los críticos no sólo le enseñaron las uñas; también se las clavaron.

No entendieron que siguiera a su modo el trazo libre y automático del expresionismo abstracto, una corriente que entonces se daba por enterrada. Su pintura recordaba a la de Jackson Pollock, un artista a quien él admiraba pero al que habían enterrado las movimientos pujantes de aquella época, como el pop.

Su pasión por el clasicismo se consideró como una falta de sintonía con los tiempos, con la celebración y crítica del presente que pregonaban Andy Warhol y sus propios amigos, Robert Rauschenberg y Jasper Johns.

Sólo desde los años ochenta, con la vuelta a la 'pintura-pintura' empezó a levantar cabeza y en pocos años se convirtió en lo que él siempre quiso, en un clásico, que además vivía muy bien en Italia gracias a sus pudientes compradores de Alemania y Suiza.

Anselm Kiefer - Tierra de los dos ríos (Zweistromland), 1995 - Emulsión, acrílico, plomo, sal producida por electrólisis y condensador de placas de zinc sobre lienzo - 416 x 710 cm. Guggenheim Bilbao Museoa

Tierra de los dos ríos (Zweistromland, 1995) hace referencia a la tierra delimitada por los ríos Tigris y Éufrates, cuna de la antigua Babilonia, hogar de Gilgamesh —cuya leyenda explora Kiefer en Gilgamesh y Enkidu en el bosque de cedros II (Gilgamesch und Enkidu im Zedernwald II, 1981), también perteneciente a la colección del Museo Guggenheim Bilbao—, y una región clave para el judaísmo y el cristianismo. Fue en esa región donde los sumerios inventaron la escritura en el cuarto milenio antes de Cristo. Las pinturas de Kiefer evocan la tierra, sus civilizaciones y la creación de la cultura escrita. El título, inscrito en la esquina superior derecha del lienzo, puede interpretarse como una alusión a la propia palabra escrita, que deja una huella duradera que transciende las civilizaciones y las épocas. Esta obra monumental se vio precedida por una escultura del mismo nombre, en la que varios libros de plomo transmiten la sensación de durabilidad de la palabra escrita y de la historia.

Kiefer, uno de los creadores fundamentales de nuestro tiempo, nació en 1945 poco antes del fin de la II Guerra Mundial y creció siendo testigo de la destrucción de la guerra moderna, de la desmembración de su país, de la reconstrucción de una nación dividida y de la lucha por su renovación. Desde el convencimiento de que no existe una verdad sino interpretaciones diferentes, Kiefer constantemente cuestiona en sus obras el lugar que ocupa el ser humano dentro del cosmos y analiza las interrelaciones entre la historia, la mitología, la literatura, la identidad y la arquitectura alemanas. Como resultado, sus obras presentan superficies con múltiples capas, tan complejas y fragmentadas como los temas que tratan. Estas obras monumentales, repletas de referencias a la tradición romántica alemana y al acervo político y filosófico de su país, fusionan la pintura, el collage y la escultura, y combinan una paleta casi monocroma con materiales poco ortodoxos como plomo, alambre, paja, yeso, barro, semillas, girasoles, ceniza y polvo

SOLO CON EL VIENTO, EL TIEMPO Y EL SONIDO  Kiefer, Anselm

En uno de sus primeros proyectos, la serie Ocupaciones (Besetzungen) de 1969, Kiefer se fotografió a sí mismo realizando el saludo nazi en varios lugares durante un viaje por Suiza, Francia e Italia. Las pinturas posteriores —paisajes inmensos e interiores arquitectónicos, a los que solía aplicar arena y paja— evocan el patrimonio político y literario de Alemania; abundan las referencias a las leyendas de los Nibelungos y a Richard Wagner, a la arquitectura de Albert Speer y a Adolf Hitler. Desde mediados de la década de 1980, y concretamente después de trasladarse al sur de Francia a principios de los noventa, Kiefer amplió su iconografía para abordar temas más universales como la civilización, la cultura y la espiritualidad, inspirándose, entre otros, en la Cábala, la alquimia y la mitología de la Antigüedad.

Georg Baselitz (nacido el 23 de enero de 1938) es un pintor alemán que estudió en la antigua Alemania del Este, antes de trasladarse a la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien posmoderno.

Su carrera comenzó de manera meteórica en los años sesenta después de que la policía actuara contra una de sus pinturas, un autorretrato (Die große Nacht im Eimer) que representaba a un chico menor masturbándose.

La primera exposición individual de Baselitz, organizada en 1963 en la Galerie Werner & Katz de Berlín, provocó un escándalo y dos de las pinturas, La gran noche se jodió (Die große Nacht im Eimer), de 1962–63, expuesta en el Museum Ludwig de Colonia, y  de 1962, que representan a una figura con un gigantesco pene en erección, fueron confiscadas por inmorales.

Otto Dix Los padres del artista (Die Eltern des Künstlers ) de 1924
Otto Dix (Untermhaus, cerca de Gera, Alemania, 2 de diciembre de 1891-Singen (Hohentwiel), id, 25 de julio de 1969) fue un pintor de la Nueva Objetividad y el Expresionismo alemanes.
Su trabajo pictórico abarca una gran diversidad de estilos, aunque el gran público conoce, principalmente, sus pinturas sobre la guerra. Dibujante excepcional, dejó 500 bocetos y diversos retratos, además de lienzos y acuarelas, que evocan la época renacentista. La mayor parte de su obra se halla expuesta en el Museo de Arte de Stuttgart.

En 2010, el Museo Guggenheim Bilbao adquirió La señora Lenin y el Ruiseñor (Mrs. Lenin and the Nightingale), de 2008, un conjunto de dieciséis pinturas de gran formato. La serie se basa en la repetición de la misma estructura compositiva: dos figuras masculinas invertidas, sentadas una junto a otra, mostrando sus penes y con las manos descansando solemnemente sobre los muslos. El motivo compositivo tiene su origen en el famoso retrato de Otto Dix Los padres del artista II (Die Eltern des Künstlers II), de 1924. Como ocurre en muchas de sus obras, Baselitz se refiere aquí a un precedente de la historia del arte, reinterpretándolo a su manera: en este caso, sustituye las figuras de la composición original por dos dictadores, Vladimir Lenin y Joseph Stalin, que, en la primera mitad del siglo XX, se llevaron la vida de millones de personas. El primero es retratado como la "señora Lenin" y viste una falda y zapatos de tacón (una reyferencia a su pasión por los disfraces), mientras que el segundo, conocido por su voz de cantante y su interés por la poesía, es “el Ruiseñor”. Baselitz también hace referencia a un poema del escritor alemán Johannes R. Becher en el que este describe a Stalin como un ruiseñor.

Georg Baselitz. Paul Mac en el Vaticano, por la tarde se sienta en el banco con Lenin y una concertina da las gracias con su canto 

Cada una de las obras de la serie también tiene un título individual que añade más facetas y niveles de significado, tanto a cada lienzo como al conjunto de la serie.

Jonathan no sabe que antes de la invención de la penicilina se habían hecho experimentos con sellos envenenados 2008

Andy hace más pollas que coños

Mark Rothko Sin título, 1952–53 Óleo sobre lienzo 300 x 442,5 cm

Mark Rothko, una de las figuras centrales de la Escuela de Nueva York, es conocido principalmente por su lenguaje maduro, que pudo verse por primera vez en sus pinturas de 1949, grandes composiciones formadas por campos rectangulares amontonados y vacilantes de colores luminosos. Rothko rechazaba categóricamente que se interpretara su obra en términos estéticos, meramente formales, e insistía: "No me interesan las relaciones del color o de la forma o de ninguna otra cosa". Utilizaba más bien medios abstractos para expresar "emociones humanas fundamentales: la tragedia, el éxtasis, la funesta fatalidad..." procurando con todo empeño crear un arte de una intensidad abrumadora para un mundo secular. Los espectadores que se derrumbaban y lloraban ante sus cuadros experimentaban, como decía el artista, "la misma experiencia religiosa que yo sentí cuando los pinté"

La obra Sin título del Museo Guggenheim Bilbao fue colocada en un lugar destacado en una exposición que se celebró en 1954 en el Art Institute of Chicago, la primera exposición individual de la obra madura de Rothko en un museo americano relevante.

Durante la Segunda Guerra Mundial, muchos artistas huyeron a EE. UU., principalmente a Nueva York; de este modo, convirtieron al país en el heredero del legado europeo y a esta ciudad en la nueva capital del arte. El Expresionismo Abstracto suele considerarse como el primer movimiento artístico verdaderamente americano. Dentro de esta corriente se engloba la pintura de acción o Action Painting, que se refiere a las cualidades gestuales y expresivas vinculadas al heroísmo subjetivo propio de las tempranas formas expresionistas y de la técnica surrealista de la escritura automática; Jackson Pollock es su máximo exponente. Los artistas más importantes que cultivaron esta tendencia trataron de aunar forma y emoción mediante novedosos procedimientos de aplicación de la pintura. Otros miembros del Expresionismo Abstracto emplearon amplios planos de color para evocar determinados estados espirituales. Los pintores de campos de color, entre los que se encuentra Mark Rothko, crearon obras meditativas de intenso lirismo.

Simultáneamente, en Europa nacía una nueva tendencia plástica influida por las filosofías existencialistas y las escuelas de pensamiento oriental, que muchos han calificado como la respuesta europea al Expresionismo Abstracto: el Art Informel (o “arte sin forma”). Esta tendencia se caracterizó por la espontaneidad en la ejecución y su énfasis en las propiedades físicas de la obra de arte, tal como evidencian las creaciones de Jean Dubuffet o Asger Jorn que incluyen láminas de metal, arena y otros materiales no convencionales.

Willem de Kooning Villa Borghese, 1960 Óleo sobre lienzo 203 x 178 cm

Aunque con frecuencia se le cita como el creador de la Pintura de Acción, un medio de expresión abstracto, puramente formal e intuitivo, Willem de Kooning solía trabajar a partir de la realidad que tenía frente a sí, básicamente a partir de figuras y paisajes. Desde 1950 hasta 1955, De Kooning llevó a cabo su famosa serie Mujeres (Women), en la que integra la forma humana con la aplicación agresiva de la pintura, los colores violentos y las vigorosas pinceladas del Expresionismo Abstracto. Estos "retratos" femeninos resultaron muy polémicos, no solo por su carnalidad vulgar y su estridente colorido, sino también por su adopción de la representación figurativa, opción que a muchos de los artistas del Expresionismo Abstracto contemporáneos a De Kooning les parecía un paso atrás, pero a la que él recurrió reiteradamente a lo largo de su carrera artística.

En la segunda mitad de los años cincuenta, De Kooning se centró en el paisaje como base de una serie de composiciones abstractas. En un principio, estas obras reflejaban el entorno urbano de su estudio del centro de Manhattan: en una serie de pinturas enérgicas y muy trabajadas que el crítico Thomas Hess definió como "paisajes urbanos abstractos" (1955–58), De Kooning reflejó el ritmo frenético de la vida de la ciudad sin representar ninguna forma ni figura identificable. 

Fujiko Nakaya - Escultura de niebla n.º 08025 (F.O.G.) - Agua-niebla generada por 1.000 toberas de niebla y sistema de motor de bombeo de alta presión -1998 -  Donación de Robert Rauschenberg - Guggenheim Bilbao Museoa
Robert Rauschenberg (Port Arthur, Texas; 22 de octubre de 1925-Captiva Island, Condado de Lee (Florida); 12 de mayo de 2008) fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 durante la transición del expresionismo abstracto al Pop-Art, del cual fue uno de los principales representantes en su país.

Fujiko Nakaya es la primera artista que trabaja con la niebla como medio escultórico. Esto no quiere decir que ella moldee el medio basándose en sus propios conceptos. Más bien, la artista colabora de manera sutil con el agua, la atmósfera, las corrientes de aire y el tiempo. Sus esculturas de niebla, de naturaleza efímera y que requieren ser experimentadas, muestran cierta afinidad con el arte conceptual y el Land Art, pero también representan un giro radical en la historia del arte y la tecnología.

La obra de Nakaya realizada con niebla, que ella considera como un medio de transmisión de luz y sombra, similar al vídeo, surgió inicialmente del interés que tenía por lo que ella denomina "descomposición" o "proceso de desintegración".