Las pasiones en el arte - (3) EL DESEO - ROMA - Carlo Saraceni - Caravaggio - Alessandro Leone Varotari - Angelo Caroselli - Israel y Palestina, iguales y distintos - Agostino Tassi - Nicolas Poussin , pincha aqui
BOLONIA
San Petronio. La plaza Mayor y el palacio de Accursio, desde lo alto la torre degli Asinelli
Bolonia o Boloña es una ciudad del norte de Italia, capital de la ciudad metropolitana homónima y de la región de Emilia-Romaña, situada entre los ríos Reno y Savena, cerca de los Apeninos. Es una de las ciudades históricas mejor conservadas y tiene el segundo casco antiguo medieval más grande de Europa, después del de Venecia.
Piazza Maggiore; de izquierda a derecha: Palazzo dei Banchi, Basílica de San Petronio, Palazzo dei Notai, y Palazzo d'Accursio
La Piazza Maggiore es la plaza principal de Bolonia, Italia. Tiene 115 metros de longitud y 60 metros de anchura, y está rodeada por los edificios más importantes de la ciudad medieval. El más antiguo es el Palazzo del Podestà, que cierra la plaza por el norte; data del 1200 y está coronado por la Torre
Fue también un importante centro político, ya que el 24 de febrero de 1530, Carlos V fue coronado en la basílica de San Petronio (patrón de Bolonia) por el papa Clemente VII. El suceso sería pronto mitificado, al ser la última vez que un emperador del Sacro Imperio Romano Germánico era coronado por un pontífice.
En 1361 comenzó el largo dominio pontificio, turbado por algunas rebeliones y tentativas externas de ocupación pero que, a pesar de estas, duró hasta el 1796, año en que entraron en Bolonia las tropas de Napoleón Bonaparte.
En el Renacimiento, Bolonia se convirtió en un centro de cultura y una de las mayores ciudades de los Estados Pontificios. Bolonia fue también uno de los centros de comercio más importantes de Italia, gracias a sus numerosos canales por los que circulaba la mercancía, canales que hoy en día se encuentran soterrados a excepción de uno.
Éxtasis de Santa Catalina de Siena. Galleria Borghese, Roma.
Seguía como ideal la naturaleza, y fue, con su hermano Annibale y su primo Ludovico, el fundador de una escuela que buscaba una visión más particularizada de ésta, y en cierto modo rival al estilo preconizado por Caravaggio. Este estilo pictórico, que encontró gran eco en el ambiente religioso de la Contrarreforma, se denomina clasicismo boloñés.
Agostino Carracci, Unión de sátiro y ninfa, grabado calcográfico, 1582, fechado falsamente en 1559, Roma, Instituto Nazionale por la Gráfica
Guido Reni (Bolonia, 4 de noviembre de 1575-Bolonia, 18 de agosto de 1642) fue un pintor y grabador italiano perteneciente a la Escuela Boloñesa y famoso del clasicismo romano-boloñés.
A finales de 1601, Reni y Albani se habían trasladado a Roma1 para trabajar en los equipos a las órdenes de Annibale Carracci en decoraciones al fresco del Palacio Farnesio. Durante el período 1601-1604, su principal mecenas fue el cardenal Sfondrato. Para los años 1604-1605, recibió un encargo independiente para un retablo que se colocaría en la Basílica de San Pedro de la Crucifixión de San Pedro. Después de un breve viaje a Bolonia, regresó a Roma para convertirse en uno de los primeros pintores durante el papado de Paulo V (Borghese).
Atalanta e Hipómenes es una obra de Guido Reni (hay dos ejemplares)
En 1827 pasó a formar parte del nuevo Museo de Pintura y Escultura (el Prado)
pero, al catalogarse como copia, no se consideró de interés exhibirlo junto a las obras principales, y se cedió a la Universidad de Granada. En 1963, tras un nuevo estudio, pasó a considerarse sin duda original y se precisó su cronología, establecida por comparación con la serie Los trabajos de Hércules y el Sansón victorioso. En junio de 2023, el Museo del Prado publicó un documental que muestra el proceso de restauración integral de la obra.
Se representa la historia de Atalanta e Hipómenes. La ninfa Atalanta, invencible en la carrera, desafiaba a cualquier hombre que la pretendiera, siendo la muerte el castigo de los que perdían. Fue vencida por Hipómenes gracias a una estratagema facilitada por Afrodita: arrojarle manzanas de oro del jardín de las Hespérides para que se detuviera a recogerlas.
El cuadro del Prado perteneció inicialmente al marqués Giovan Francesco Serra, y en 1664 fue comprado, con otros diecisiete cuadros de la colección de éste, por el virrey de Nápoles para Felipe IV, que lo dispuso en la galería del cierzo del Alcázar de Madrid.
Carlos III la desplazó, junto con otros cuadros considerados "lascivos", a la casa de Rebeque (el estudio del pintor de cámara Andrés de la Calleja). Se consideró incluso quemarlos, pero se decidió asignarlos a la Real Academia de San Fernando en 1796, aunque debieron permanecer ocultas al público.
Giovan (Giovanni) Francesco Barbieri (Cento, 8 de febrero de 1591-Bolonia, 9 de diciembre de 1666), más conocido con el apodo Guercino o Il Guercino, fue un pintor barroco italiano. Es un representante del periodo de transición del clasicismo romano-boloñés al barroco pleno. Padecía estrabismo, de ahí su sobrenombre (guercino es el diminutivo de guercio, bizco en italiano).
Destaca en Guercino su gran facilidad y rapidez para completar sus cuadros; realizó nada menos que 106 grandes obras de altar para iglesias, y 144 pinturas de otros temas y formatos. En 1626 empezó sus frescos en el Duomo de Piacenza. Guercino continuó pintando y enseñando hasta su muerte en 1666.
Susana y los viejos 1617 - Guercino Museo del Prado
El asunto representado es narrado en el Antiguo Testamento (Daniel 13:) Arquián y Sedequía eran dos ancianos jueces que acudían asiduamente a casa del rico Joaquín, esposo de Susana, para dirimir algunos pleitos. Un día de mucho calor Susana quiso bañarse en una de las fuentes de la casa sin percatarse de que los ancianos, que desde hacía tiempo la deseaban con pasión, se habían escondido para observarla. Trataron después de forzar su voluntad y, al resistirse ella, la calumniaron acusándola de adulterio. El juez Daniel demostró su inocencia y la sentencia a muerte que pendía sobre Susana acabó recayendo en los ancianos. Fue una historia muy frecuentada por los artistas de los siglos XVI y XVII porque les brindaba la oportunidad de abordar una escena cargada de erotismo y les permitía mostrar sus dotes en la representación del desnudo.
¿Por qué no tenían censura?
Guercino, José y la mujer de Putifar, hacia 1630-1666, dibujo 165x137mm. Boston,
Fine Arts Museum
Es evidente que estas obras estaban destinadas a un ambiente profano. Los temas bíblicos han perdido su carga dramática, apenas son un pretexto para mostrar trajes exóticos, ceremonial cortesano y carnes desnudas.
José y la mujer de Putifar es un cuadro del pintor italiano Tintoretto realizado en óleo sobre lienzo. Mide 54 cm de alto por 117 cm de ancho. Pintado hacia el año 1555, se encuentra actualmente expuesto en el Museo del Prado en Madrid, España. Este cuadro fue comprado por Diego Velázquez, durante su segunda visita a Venecia, para Felipe IV junto con otras cinco pinturas de temática bíblica.
Aparece en primer plano la mujer de Putifar, tendida en la rica alcoba, invitando a José a unirse a ella, proposición que éste rechazó y por lo que fue encarcelado injustamente. (Museo del Prado)
Tintoretto, cuyo nombre era Jacopo Comin (Venecia, 29 de septiembre de 1518-31 de mayo de 1594), fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y representante del estilo manierista.
Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado Il Furioso, y su dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de él un precursor del arte barroco. Sus trabajos más famosos son una serie de pinturas sobre la vida de Jesús y la Virgen María en la Scuola Grande di San Rocco de Venecia.
FLORENCIA
Florencia es una ciudad situada en el norte de la región central de Italia, capital y ciudad más poblada de la ciudad metropolitana homónima y de la región de Toscana, de la que es su centro histórico, artístico, económico y administrativo. Cuenta con unos 363 837 habitantes (ISTAT 2024) y es el centro de un área metropolitana de aproximadamente un millón y medio de habitantes.
Florencia hacia la segunda mitad del siglo XVI (Civitates orbis terrarum)
Francesco Furini (Florencia, entre 1600 y 1603-Florencia, 19 de agosto de 1646) fue un pintor barroco italiano, uno de los más relevantes de Florencia en el siglo XVII. Es un artista peculiar, pues produjo cuadros de un atrevido erotismo aún después de hacerse sacerdote.
La obra de este pintor refleja la tensión entre el manierismo de Florencia, ya un tanto conservador, y las novedades del barroco. Abordó temas bíblicos y mitológicos con un sfumato muy efectista. Presenta ciertos paralelismos con Guido Reni.
«Lot y sus hijas» (Museo del Prado)
Huyó de Sodoma antes de su destrucción, avisado por ángeles de Yahveh. La mujer de Lot al darse la vuelta (desobedeciendo el mandato de Yahveh) se convirtió en estatua de sal, en castigo divino por su falta de fe y apego a su pasado (la ciudad), quedando ahí mientras el resto de su familia abandonaba el lugar.
Cuando escapó de Sodoma, pidió a los ángeles enviados por Yahveh que pudiera huir a la pequeña ciudad de Zoar, y estos le dijeron que no se destruiría esa ciudad y que él la utilizaría como ruta de escape.
Finalmente, Lot tuvo miedo de vivir en Zoar (quizás por ser la única ciudad superviviente) y se fue al monte a vivir con sus hijas y habitaron en una cueva.
Ocurre ahí que sus hijas, preocupadas al no encontrar varones con los que asegurar su descendencia en la tierra en la que habían entrado, emborracharon a su padre y copularon con él, la mayor la primera noche y la menor la segunda, sin que aquel se diese cuenta.
De esa manera, las dos concibieron de su padre y tuvieron descendencia incestuosa. El primero de los hijos fue llamado Moab (del hebreo ‘del padre’), cuya descendencia daría lugar a los llamados moabitas (Génesis 19:30-38). La tierra de Moab se hallaba en el lado suroriental del Mar Muerto y forma parte de la llamada península de Lisán. El segundo recibió el nombre de Ammon o Ben-Ammi (en hebreo, ‘hijo de mi gente’). Fue el patriarca de la nación de Ammon, los amonitas.
Desnudo femenino, posiblemente Cleopatra con el áspid, dibujo de Furini.
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