Las pasiones en el arte - (5) - AMOR ÁGAPE - Giovanni Lafranco: Milagro de los panes y los peces - Juan Genovés - Van der Weyden - Jesús sin hogar - Timothy Schmalz -"Los burgueses de Calais", Rodin - Benjamin West - Antonio Gisbert Pérez - El Fusilamiento de Torrijos - El beso de Francesco Hayez

Las pasiones en el arte - (4) - Amor Storge - La Etapa Azul de Pablo Picasso - Dorotea Lange - Otto, el segundo hijo de Klimt - August Sander - La Piedad de Kollwitz - La Piedad del Vaticano - Mohammed Salem, pincha aqui

AMOR ÁGAPE

En la cultura griega antigua, la palabra ágape expresa el amor incondicional. Es un amor que tiene como prioridad el bienestar de los demás, es decir, supone aceptar al otro indistintamente de sus imperfecciones.

Ágape es un amor profundo y generoso, en el que se toma en consideración la dicha del ser amado y de los demás. Es un tipo de amor que no espera nada a cambio y se aleja de la superficialidad.

En el cristianismo el ágape es una comida fraternal cuyo fin es la conexión de amor mutuo entre los miembros de la comunidad.

Giovanni Lafranco: Milagro de los panes y los peces. 1620-1623. Óleo sobre tela. Galería Nacional de Irlanda.

En el arte, el Milagro de los panes y los peces del pintor italiano Giovanni di Stefano Lanfranco, donde se representa este suceso narrado en los Evangelios, es un ejemplo ilustrativo de este tipo de amor. Jesús tomó la pequeña cantidad de alimento que había y consiguió alimentar a la multitud.

Giovanni di Stefano Lanfranco (Parma, 26 de enero de 1582 - Roma, 30 de noviembre de 1647) fue un pintor italiano del periodo de transición del clasicismo romano-boloñés al Barroco pleno.

Juan Genovés - El abrazo' de Genovés, icono de la Transición - Ir y volver (Su última exposición), pincha aqui

Juan Genovés Candel (Valencia, 31 de mayo de 1930-Madrid, 15 de mayo de 2020)​ fue un pintor español cuya obra se considera símbolo de la defensa democrática durante la transición española.

Su obra ha sido reconocida en el ámbito nacional e internacional, formando parte de museos y exposiciones por todo el mundo. Durante la mayor parte de su carrera artística integró el elenco de artistas de la Galería Marlborough. Recibió la Mención de Honor de la XXXIII Bienal de Venecia (1966) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, otorgada por el Ministerio de Cultura (2005).

'El abrazo' de Genovés, icono de la Transición, llega al Congreso cedido por el Reina Sofía

"Ha sido calificado por muchos como la obra de arte más representativa y emblemática de la Transición. No es sólo una pintura bella y atractiva, sobre todo es una obra sugestiva y evocadora", ha valorado el presidente de la Cámara.

Este cuadro recoge la imagen de varias personas de color marrón, sobre un fondo blanco, dándose un abrazo y sin vérseles las caras. En este sentido, Posada ha reconocido que se acordó de El abrazo tras escuchar el mensaje navideño de Felipe VI, en el que afirmó que hace décadas el pueblo español decidió darse la mano y no la espalda.

"Pienso que es lo mismo que quiso transmitirnos Juan Genovés, que el futuro se construye sobre el abrazo y no sobre el enfrentamiento. Que la virtud principal que tenemos que practicar es la comprensión mutua", ha destacado. 

Lo fantástico en el arte - Rogier van der Weyden - El Descendimiento (Prado) - Rolin, Nicolás, pincha aqui

El descendimiento de la cruz  es considerada la obra maestra del pintor flamenco Rogier van der Weyden. Es un óleo sobre tabla, pintado con anterioridad al año 1443, probablemente hacia 1435. Mide 220 cm de alto y 262 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Prado de Madrid. Es conocido, generalmente, como El descendimiento.

Van der Weyden se enfrenta con el problema de encajar un gran número de personajes y una escena de gran complejidad en una tabla de dimensiones no muy grandes estipulada por el comitente.

Jesús sin hogar,​ también conocido como Jesús el sin hogar, es una escultura de bronce del escultor canadiense Timothy Schmalz que representa a Jesús como una persona sin hogar, durmiendo en un banco del parque. La escultura original se instaló en Regis College, Universidad de Toronto, a principios de 2013. Desde entonces, se han instalado otros moldes en muchos lugares del mundo. La escultura es referencia de la cita bíblica del evangelista San Mateo 8,20 donde dice «Las zorras tienen guaridas, y las aves del cielo tienen nidos, pero el Hijo del Hombre no tiene dónde recostar su cabeza.

Timothy P. Schmalz (Canadá, 1969) es un escultor y artista canadiense. Su interés se centra en figuras religiosas y en obras para espacios públicos. Su obra más destaca es Jesús desamparado, un alegato para hacer visibles a las personas sin hogar que viven en la calle.

"Los gaseados"  pintura de John Singer Sargent - "Los burgueses de Calais", pincha aqui

Otra referencia fuente de inspiración del autor fue la valiente historia de "Los burgueses de Calais", que Rodin de manera sublime supo reflejar en una de sus famosas esculturas.

Se conoce como Los burgueses de Calais (en francés: Les Bourgeois de Calais) a la escultura que representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. El escultor Auguste Rodin recibió en 1885 el encargo de crear un monumento conmemorativo de esos hombres en la ciudad. Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 para finalmente ser terminada e inaugurada en 1895.
En la actualidad hay varias copias de esta famosa escultura en todo el mundo.

La historia de los burgueses de Calais

En Septiembre del año 1346, el rey inglés Eduardo III, sabedor de la importancia estratégica de Calais, ordenó sitiar (y conquistar) la ciudad. Fueron pasando los meses, pasó el invierno, llegó el verano. Y las reservas de comida y agua se reducían inexorablemente. En el mes de julio, los ingleses interceptaron un envío de víveres hacia la ciudad. Los habitantes de Calais decidieron expulsar de la ciudad a quinientos ancianos y niños, para que los demás pudieran sobrevivir. Los ingleses les impidieron cruzar el cerco, dejándolos morir de hambre, a las puertas de la ciudad.

 

Los burgueses de Calais - Benjamin West (Springfield, Pensilvania, 1738-Londres, 1820) fue un pintor estadounidense, el primero de tal nacionalidad que alcanzó fama internacional.

Posteriormente, el alcalde de Calais ofreció la ciudad al rey inglés, si dejaba salir con vida a sus habitantes. Pero Eduardo III se negó. Finalmente, impuso una condición: además de lo anterior, seis personajes notables de la ciudad deberían traerle las llaves de la ciudad, vestidos con camisones y con una soga alrededor de sus cuellos. Así pues, el alcalde reunió a los ciudadanos y expuso este requisito. Al poco tiempo, uno de los hombres nobles de Calais se adelantó y se ofreció para esa muerte segura. Finalmente seis nobles se vistieron según los deseos del rey inglés, se despidieron de sus seres queridos y, afligidos, salieron por las puertas de la ciudad, sacrificando sus vidas por el resto de los ciudadanos. Este es el momento mágico que Rodin inmortalizó.

Cuando el rey inglés se disponía a dar la orden de ahorcamiento, uno de los caballeros le hizo ver la enorme valentía de aquellos hombres. Pero el rey no cedió por las palabras del caballero. Entonces habló su esposa, la reina Felipa de Henao, pidiendo lo mismo. A ello, el rey respondió:

Oh, Lady, deseo que estuvieras en algún otro lugar que no éste. Me has suplicado de tal forma que no puedo negarme: Os los entrego, haz con ellos lo que quieras.

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El Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga es una obra de Antonio Gisbert Pérez pintada al óleo sobre lienzo, con unas medidas de 390 × 601 cm. El cuadro está datado entre los años 1887 y 1888, y actualmente se conserva en el Museo del Prado de Madrid.

Antonio Gisbert Pérez (Alcoy, 1834-París, 27 de noviembre de 1901) fue un pintor español de temática histórica, que desarrolló su labor en la época de transición entre el romanticismo y el realismo.

Firmes, morirían por sus ideales - dignidad - valentía - amor por la patria sin buscar nada.

José María Torrijos y Uriarte (Madrid, 20 de marzo de 1791-Málaga, 11 de diciembre de 1831), conde de Torrijos, título concedido de manera póstuma por la reina gobernadora, también conocido como general Torrijos, fue un militar liberal español. Combatió en la guerra de Independencia española y tras la restauración del absolutismo por Fernando VII en 1814 participó en el pronunciamiento de Juan Van Halen de 1817 que pretendía restablecer la Constitución de 1812, por lo que pasó dos años en prisión hasta que fue liberado tras el triunfo del pronunciamiento de Riego en 1820. Volvió a combatir a los franceses cuando los Cien Mil Hijos de San Luis invadieron España para restablecer el poder absoluto de Fernando VII, y cuando aquellos triunfaron poniendo fin al trienio liberal, se exilió al Reino Unido. Allí preparó un pronunciamiento que él mismo encabezó, desembarcando en la costa de Málaga procedente de Gibraltar el 2 de diciembre de 1831 junto a sesenta hombres que le acompañaban, pero cayeron en la trampa que le habían tendido las autoridades absolutistas y fueron detenidos. Nueve días después, el 11 de diciembre, Torrijos y 48 de sus compañeros supervivientes fueron fusilados sin juicio previo en la playa de San Andrés de Málaga, un hecho que quedó inmortalizado por un soneto de José de Espronceda titulado A la muerte de Torrijos y sus compañeros y por un famoso cuadro que pintó en 1888 Antonio Gisbert.  

El beso de Francesco Hayez tiene varias versiones, todas de este mismo pintor, de diferentes años. La primera es la que hemos tratado que sería del 1859, la segunda del 1861 y la tercera de 1867.

AMOR PROFUNDO POR LA PATRIA

En la primera versión de 1859 localizada en Brera, tenemos que destacar que los personajes llevan los colores de las banderas italiana y francesa que simbolizan una unión, como estos dos amantes, para luchar contra el dominio de los austríacos. La pigmentación nos manda un mensaje patriótico.

La segunda versión de 1861 hecha para la familia Mylius. Como esta realizada un poco más tarde y la situación en Italia había cambiado a la reunificación, en la pintura se representa con los colores como el blanco del vestido de la mujer en vez del azul que llevaba en la primera versión. Y el abrazo también simboliza algo diferente que es la unión de los diferentes reinos italianos bajo una misma bandera, y nos da a entender que ya no necesitan a Francia.

La tercera versión de 1867 hecha para presentarse en la Exposición Universal de París, la compró el Gran Duque Vladimir de Rusia hermano menor del futuro zar Alejandro III. Francesco Hayez en este caso cambia el blanco encaje de la manga de la mujer por una túnica o velo blanco que se encuentra a los pies de los amantes.

Francesco Hayez (Venecia, 11 de febrero de 1791 - Milán, 12 de febrero de 1882) fue un pintor italiano, considerado un pintor de transición. Máximo exponente del romanticismo histórico en Italia, también lo es del naciente realismo con una obra cumbre en 1842 titulada Levita Efraín.

Las pasiones en el arte - (4) - Amor Storge - La Etapa Azul de Pablo Picasso - Dorotea Lange - Otto, el segundo hijo de Klimt - August Sander - La Piedad de Kollwitz - La Piedad del Vaticano - Mohammed Salem

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Amor Storge

Este tipo de amor sucede de manera natural. Storge es un término menos recurrente en la antigua Grecia que los anteriores. Se refiere a las relaciones familiares y de amistad, tiene que ver con el afecto por ejemplo entre padres e hijos.

Storge supone un compromiso que perdura en el tiempo y surge de forma sosegada y cautelosa. Es un amor que se transforma y que busca más el compromiso duradero que la satisfacción placentera, tampoco da importancia a la apariencia física.

En el periodo azul de Picasso, donde representa la desdicha de sus protagonistas a través de tonalidades azules, encontramos esta obra que lleva por título Madre e hijo (1901). Los protagonistas quedan aislados por la frialdad tonal, pero se percibe el estrecho vínculo de amor entre ellos. Este podría ser un buen ejemplo de storge.

La Etapa Azul de Pablo Picasso, que se inicia en 1901 tras la trágica pérdida de su amigo Carlos Casagemas, hecho que motiva el inicio de un periodo melancólico e introspectivo en el que los colores fríos, entre ellos el azul, dominan su paleta.

Ballets Rusos - Pablo Picasso - Le Tricorne (El sombrero de Tres Picos) - Serguéi Pávlovich Diáguilev , pincha aqui

Madre migrante

Fueron seis disparos con la cámara. Una vez que las tomó, Lange se retiró.

En 1936, por encargo de la Farm Security Administration, la fotógrafa Dorotea Lange tomó unas fotografías a una madre y sus hijos que se encontraban en un refugio improvisado en la carretera. La imagen se transformó en un ícono sobre los estragos que la Gran Depresión causó en EE.UU. Pero también abrió una inquietud sobre el uso de las imágenes para sensibilizar a la población.

"Vi y me acerqué a la famélica y desesperada madre como atraída por un imán. No recuerdo cómo le expliqué mi presencia o mi cámara a ella, pero recuerdo que no me hizo preguntas. No le pedí su nombre o su historia. Ella me dijo su edad, que tenía 32 años. Me dijo que habían vivido de vegetales fríos de los alrededores y pájaros que los niños mataban. Acababa de vender las ruedas de su coche para comprar alimentos. Ahí estaba sentada reposando en la tienda con sus niños abrazados a ella y parecía saber que mi fotografía podría ayudarla, quizás por ello me ayudó. Había una cierta equidad en el momento", contó la fotógrafa en 1960.

Esperanza I es una pintura al óleo creada por Gustav Klimt en 1903. Sus dimensiones son 189 cm x 67 cm y actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Canadá, Ottawa. 

La escena parece hermosa a primera vista pero una vez los ojos del espectador observan el fondo, repara en unas tétricas figuras y el esqueleto personificación de la Muerte detrás.

Además de las figuras tétricas del fondo, también hay un monstruo marino a la izquierda.​ En su masa oscura el espectador puede notar los ojos redondos, los dientes del monstruo y una garra cerca del vientre grávido de la mujer.

En 1902, un año antes de crear la obra, Klimt tuvo un hijo, Otto Zimmermann, que murió todavía bebé. El boceto original de Esperanza I mostraba una mujer embarazada con un hombre al lado consolándola. Se cree que quizás la muerte de la criatura llevó a Klimt a cambiar la composición por un memento mori. El hombre del boceto original fue sustituido por el esqueleto de túnica azul en la pintura final. Apenas hay documentación sobre la vida personal de Klimt, pero se sabe mucho más sobre su carrera artística. Gustav Klimt nació en Austria en 1862 y a los catorce años recibió una subvención para estudiar en el Kunstgewerbeschule (La Escuela de Arte de Viena). En 1897 Klimt y sus amigos dejaron la Sociedad Cooperativa de Artistas austriacos y desarrollaron un nuevo movimiento artístico denominado Secesión. Se convirtió en el líder de este movimiento en Austria.

Otto, el segundo hijo de Klimt  que murió prematuramente

 Se cree que Klimt mantuvo relaciones sexuales con casi todas sus modelos.​ Sin embargo, se desconoce si el fruto concebido por Herma era suyo.

Mi esposa con alegría y dolor 

August Sander fue un retratista y fotógrafo documental alemán.

Sander murió en Colonia. Su trabajo incluye paisaje, naturaleza, arquitectura y fotografía callejera, pero es más conocido por sus retratos, como lo ejemplifica su serie People of the 20th Century. En esta serie, su objetivo es mostrar una muestra representativa de la sociedad durante la República de Weimar.

Karl Friedrich Schinkel (Arquitecto) - El «Altes Museum»  - Neue Wache - El Museo Histórico Alemán - Konzerthaus Berlin - La iglesia de Friedrichswerder -  La Iglesia San Nicolás de Potsdam - El Palacio de Peterhof - Ieoh Ming Pei -  Caspar David Friedrich, pincha aqui

Madre con hijo muerto, de la artista alemana Kathe Kollwitz - (La Piedad de Kollwitz) .

En ella se muestra la imagen de una madre en cuyos brazos yace su hijo soldado recién muerto.

Esta pintora y escultora alemana, que desarrolló su obra durante la primera mitad del siglo XX (falleció en 1945, nada más terminar la Segunda Guerra Mundial), tuvo una vida muy dramática, por las tempranas muertes de sus hermanos y, posteriormente, de un hijo y un nieto en las dos guerras mundiales.

Uno de los rincones más sorprendentes y estremecedores que puedes ver en la céntrica avenida Unter der Linden de Berlín es el que encuentras en el edificio de la Nueva Guardia (Die Neue Wache).

La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizado por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 1,74 por 1,95 m. Se encuentra en la Ciudad del Vaticano. La escultura representa a la Virgen María sosteniendo a Cristo muerto tras la crucifixión.

La Virgen María, joven, bella , piadosa, cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene a Cristo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la madre, en una composición triangular sosegada, llena de ternura y que muestra el dolor de una madre al ver a su hijo muerto en sus brazos. La juventud de la Virgen María es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una madre eternamente joven y bella.

Esta obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver desde todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal.

Vasari dijo de ella: «Es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatiguen, en fortaleza, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol».

Una mujer palestina abraza el cuerpo de su sobrina, del fotoperiodista de Reuters Mohammed Salem, se ha alzado con el premio World Press Photo del año 2024, después de que el jurado haya quedado "profundamente conmovido por cómo esta imagen evoca una reflexión emocional en cada espectador".

Las pasiones en el arte - (3) - Amor Philia - La Ofrenda de Orestes y Pílades - William-Adolphe Bouguereau - Giuseppe de Ribera - Durero - Rafael Sanzio - Picasso y Carles Casagemas -

 Las pasiones en el arte - (2) AMOR EROS - AMOR ERÓTICO O PASIONAL - Luca Giordano - Rosa Bonheur - Nathalie Micas - Picasso y Dora Maar - Oskar Kokoschka - Alma Mahler, pincha aquí

Amor Philia

Este tipo de amor tiene una acepción semejante al de amistad, implica cariño y afecto por el otro. Philia se caracteriza por ser fraternal y promover el bien del otro. Es un amor que se basa en la admiración.

La palabra filia viene del griego antiguo y significa amor o amistad. Este término también se utiliza como sufijo para referirse al amor por cosas concretas. Por ejemplo, filosofía significa amor, o amistad, por la sabiduría.

En la historia de la filosofía, Aristóteles en obras como Ética a Nicómaco o Ética Nicomáquea indicó que en la amistad “es preciso que tengan los unos para con los otros sentimientos de benevolencia, que se deseen el bien y no ignoren el bien que se desean mutuamente”. Por tanto, este tipo de amor que describe el filósofo también implica alegrarse generosamente por la felicidad del otro.

Aristóteles -  Estagira, 384 a. C.-Calcis, 322 a. C.​ fue un filósofo, polímata y científico griego nacido en la ciudad de Estagira, al norte de la Antigua Grecia. Es considerado junto a Platón, el padre de la filosofía occidental. Sus ideas han ejercido una enorme influencia sobre la historia intelectual de Occidente por más de dos milenios.

La polimatía  es la sabiduría que abarca conocimientos sobre campos diversos de la ciencia, arte o las humanidades. 

La Ofrenda de Orestes y Pílades es un grupo escultórico romano, de la escuela de Praxiteles,​ esculpido en mármol blanco de Carrara que data en torno al año 10 a. C. Sus dos personajes también se han identificado como Cástor y Pólux, y así mismo la obra se conoce como Grupo de San Ildefonso, por su antigua ubicación en un paraje de la provincia de Segovia. Sus dimensiones son 161 cm x 106 cm x 56 cm y un peso de 496 kilos. Se exhibe en el Museo del Prado

Orestes, perseguido por las Erinias que lo acosan por haber asesinado a su madre Clitemnestra, marcha con su amigo Pílades a Táuride (episodio que aparece en Ifigenia en Táuride de Eurípides), en busca de la estatua de Artemisa que Apolo le ha ordenado llevar a Atenas como una forma de purificarse. En Táuride tiene lugar un episodio en el que ambos se ofrecen cada uno a sacrificarse por el otro, lo que se toma como ejemplo de amistad. A su vuelta a Atenas, llevando la estatua de Artemisa, ofrecen un sacrificio a esta diosa, y este es el momento que representaría este grupo escultórico.

Orestes perseguido por las Furias, de William-Adolphe Bouguereau.

Según la historia homérica, Orestes estaba ausente de Micenas cuando su padre volvió de la guerra de Troya y fue asesinado por el amante de su esposa, Egisto, o por la misma Clitemnestra según otras versiones. Según Píndaro, Orestes fue salvado por su niñera Arsínoe o su hermana Electra, que lo sacó del país cuando Clitemnestra quería matarlo. Orestes huyó a Fanote, en el monte Parnaso, donde el rey Estrofio​ se hizo cargo de él.

William-Adolphe Bouguereau (La Rochelle, 30 de noviembre de 1825-La Rochelle, 19 de agosto de 1905) fue un pintor francés, uno de los principales exponentes del academicismo. Alumno de François Édouard Picot en París con 21 años y pensionado en la Villa Médici romana con 25. Hombre fuerte del academicismo francés, primer presidente del departamento de pintura de la Sociedad de Artistas Franceses y gran favorito de la clase adinerada de su época.

La Resurrección de Lázaro -  Giuseppe de Ribera  • Pintura, 1616, 171×289 cm

Cristo, situado en medio de la composición, señala con su brazo extendido a Lázaro, que acaba de volver a la vida. Le acompañan algunos apóstoles, varios testigos y Marta y María, todavía afligidas por la muerte de su hermano. La acción y los personajes proceden del Evangelio de San Juan (11, 33-44), y han sido objeto frecuente de representación pictórica. A diferencia de lo que era habitual, Ribera sitúa la escena en un interior, limita el número de personajes y crea una composición cerrada, sin referencias al exterior.

Ribera, José de Játiva, Valencia, 1591 - Nápoles, 1652

Ribera es, cronológicamente, el primero de los grandes maestros españoles que surgieron en las décadas centrales del siglo XVII. Los comienzos de su educación artística son todavía objeto de conjetura, pero hay constancia de su presencia en Parma en 1611, cuando tenía veinte años. Cuatro años más tarde se encuentra en Roma, en una colonia de pintores extranjeros y llevando quizá una vida bohemia: se cuenta que abandonó la ciudad para escapar de sus acreedores. Para 1616 estaba en Nápoles, donde se casó con la hija de Bernardino Azzolino, un importante pintor local de reconocido prestigio. 

El reino de Nápoles estaba entonces bajo el dominio de España, y Ribera vivió en su capital por el resto de su vida. Además de tener importantes clientes de Roma y otras ciudades aparte de Nápoles, el joven pintor fue pronto descubierto por el virrey español, el duque de Osuna. Por mediación del duque y de todos los virreyes siguientes (el duque de Alcalá, el conde de Monterrey y el duque de Medina de las Torres), su obra entró a España, y en particular a la colección real.

De hecho, Felipe IV llegó a poseer más pinturas de Ribera que de ningún otro artista español (alrededor de cien, distribuidas entre El Escorial y el Palacio Real).

Fuente: Museo del Prado

Retrato de Willibald Pirckheimer 1524 - 1600 - Pintura - 0.12m x 0.18m - Durero

Willibald Pirckheimer (Eichstätt, Baviera, 5 de diciembre de 1470 - Núremberg, 22 de diciembre de 1530) fue un abogado alemán renacentista, autor y humanista, importante figura en la Núremberg del siglo XVI, y miembro del gobierno de la ciudad durante dos períodos. Fue amigo íntimo del artista Alberto Durero, el cual lo pintó en numerosos retratos, también fue amigo del gran humanista y teólogo Erasmo de Róterdam.

Erasmo de Róterdam (28 de octubre de 14663​-Basilea, 12 de julio de 1536), también conocido en español como Erasmo de Rotterdam, fue un filósofo humanista, filólogo y teólogo cristiano neerlandés. Gracias a su vasto número de obras, que incluyen traducciones, libros, ensayos, oraciones y cartas, es considerado como uno de los más grandes eruditos del Renacimiento nórdico, ​y una de las principales figuras de la cultura neerlandesa y occidental.

Alberto Durero​ (en alemán, Albrecht Dürer; Núremberg, 21 de mayo de 1471-ib., 6 de abril de 1528) fue uno de los artistas más famosos del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte.

Famoso en media Europa antes de cumplir los treinta años gracias al éxito de su serie de xilografías del Apocalipsis (1498), ejerció una influencia determinante en los artistas del siglo XVI, tanto alemanes como de los Países Bajos (especialmente en Lucas van Leyden). Llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafael Sanzio y Tiziano; consta además que sostuvo contactos con otros genios como Leonardo da Vinci y Giovanni Bellini.

Medalla retrato de Willibald Pirckheimer

Peter Vischer, también conocido como Peter Vischer el Viejo (h.1455 - 7 de enero de 1529), fue un escultor alemán, hijo de Hermann Vischer, y el miembro más destacado de la conocida familia Vischer de Núremberg.

El Autorretrato con un amigo (también conocido como Doble Retrato) es una obra del artista italiano del Alto Renacimiento, Rafael Sanzio. Se data en los años 1518-1520,  Museo del Louvre en Paris, Francia. (1518 - 1520)

La identidad del hombre ante Rafael es desconocida. Tradicionalmente era identificado como su maestro de esgrima, por la empuñadura de la espada. Los historiadores modernos lo consideran un amigo cercano

Retrato de dos amigos c. 1522 - Colección Cini, Venecia

Jacopo Carrucci (Pontormo, cerca de Empoli, 24 de mayo de 1494-Florencia, 2 de enero de 1557), también conocido como Pontormo, fue un pintor renacentista italiano.

Jacopo no llevaba muchos meses en Florencia cuando Bernardo Vettori lo envía a una estancia con Leonardo da Vinci para más tarde estar a cargo de los maestros Mariotto Albertinelli, Piero di Cosimo, y finalmente, en 1512, con Andrea del Sarto junto con Rosso Fiorentino

Pontormo pinta solamente alrededor y en la misma Florencia, apoyado por el patrocinio de los Médici.

Después de visitar Roma, y ver los trabajos de Miguel Ángel se deja notar la influencia en su obra y posteriormente, mediante la observación de los grabados de Durero por el llamado estilo nórdico. La frecuencia de caras y los cuerpos alargados son característicos de su trabajo. 

Manuel Bartolomé Cossío

Manuel Bartolomé Cossío (Haro, 22 de febrero de 1857-Collado Mediano, 2 de septiembre de 1935) fue un pedagogo krausista e historiador del arte español.

 El krausismo es una doctrina idealista que se funda en una conciliación entre el teísmo y el panteísmo, según la cual Dios, sin ser el mundo (panteísmo) ni estar fuera de él (teísmo), lo contiene en sí y de él trasciende. Dicha concepción se denomina panenteísmo. Debe su nombre al pensador postkantiano alemán Karl Christian Friedrich Krause (1781-1832). Esta filosofía tuvo gran difusión en España

Se trata de uno de los mejores retratos de Sorolla, que destacó especialmente en sus interpretaciones de las efigies masculinas y, dentro de éstas, en las de sus amigos, como el propio Cossío o Aureliano de Beruete. En cada uno de estos retratos, Sorolla se esforzó en rendir homenaje al lado más sobresaliente de la personalidad artística o intelectual del retratado.

Se trata del segundo de los retratos de Manuel Bartolomé Cossío pintados por Joaquín Sorolla. 

Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia, 27 de febrero de 1863-Cercedilla, 10 de agosto de 1923) fue un pintor español. Artista prolífico, dejó más de 2200 obras catalogadas. Su obra madura ha sido etiquetada como impresionista, postimpresionista y luminista.

Gustav Klimt y Egon Schiele, las dos caras de la Secesión de Viena

Considerados ambos como artistas degenerados por los nazis, Gustav Klimt disfrutó de fama y fortuna en vida, aunque no se libró de tener que hacer frente a ataques y críticas feroces a su obra, que chocaba con la moral y las buenas costumbres de la época. A Egon Schiele, en cambio, siempre le acompañó el estigma de pintor maldito, incluso hoy dia, en pleno siglo XXI

Gustav Klimt nació el 14 de julio de 1862 en Baumgarten, cerca de Viena. Su familia era modesta, aunque su padre, orfebre y grabador, y su madre, que intentó hacerse un nombre como cantante lírica, crearon el ambiente necesario para la orientación artística que tomaron Klimt y sus hermanos Ernst y Georg.

Egon Schiele llegó al mundo el 12 de junio de 1890, perdió a su padre con quince años y, en vista de que no mostraba interés alguno por continuar con la tradición ferroviaria familiar, ingresó en 1906 en la Academia de Bellas Artes de Viena. Su nexo de unión con Klimt había comenzado.

El tiempo histórico que vivieron resulta apasionante. Se inicia con el telón de fondo de la Guerra de Secesión Americana, y terminará con el fin de la Primera Guerra Mundial y la ejecución del zar Nicolás II y su familia en Rusia. Múltiples son los conflictos que sacuden al mundo de entonces: la tercera guerra carlista en España y la liquidación de su imperio, la rebelión de los boxers en China, el colonialismo de los países europeos en África y el de los zares en Manchuria, el motín del acorazado Potemkin, la Semana Trágica de Barcelona…

La Secesión de Viena disponía de un lugar donde mostrar al público sus creaciones, un pabellón de exposiciones propio, obra de Joseph Maria Olbrich. Es uno de los edificios más llamativos de Viena, y en el destaca la cúpla dorada, un recuerdo a la cercana Iglesia de San Carlos Borromeo, Karlskirche, aunque Olbrich la diseñó en forma de hojarasca. Bajo la cúpula en letras doradas, se lee el lema de la Secesión: Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit (A cada tiempo su arte, a cada arte su libertad), acuñado por el crítico Ludwig Hevesi.

En 1907, Gustav Klimt y Egon Schiele se conocieron. Egon admiraba a Gustav, que le influyó notablemente. Ambos se respetaban y les unió una buena amistad hasta el final.

"Caminé con Klimt hasta marzo,  ahora soy un hombre diferente" 

La Sagrada Familia Egon Schiele 1913; Viena, Austria

 

Klimt con su bata azul pintado por Egon Schiele en 1913.

A lo divino casi sagrado, lo personal y creativo

(Como S. José, protector)

La ciudad en 1913 era la capital del Imperio Austro-Húngaro, que constaba de 15 naciones y más de 50 millones de habitantes.

Retrato de Carles Casagemas (detalle) (1899-1900) Picasso

Mujer vestida de Blanco Autor: Carles Casagemas

Se instalaron en el antiguo estudio de Isidre Nonell, sin duda el artista que más influencia ejerció en la formación de la personalidad pictórica de Casagemas. Fue allí dónde se enamoró de Laure Gargallo, conocida como Germaine Pichot, una modelo.

Su impotencia sexual hizo que la relación fracasara.

La noche del 17 de febrero de 1901, en el Cafè de l’Hyppodrome de París, seis jóvenes veinteañeros estaban cenando cuando uno de ellos sacó un arma y al grito de “Voilà pour toi!” disparó contra una de las mujeres del grupo, a la que no hirió. Luego, mientras exclamaba “Et voilà pour moi!”, se descerrajó un tiro en la sien derecha. El protagonista de esta sórdida escena fue el artista Carles Casagemas (1880-1901) y el blanco de su ira, Germaine Florentain. “La dueña de mis pensamientos”, según el malogrado creador. Mujer de cuerpo ardiente, Germaine fue también musa y modelo para el resto de jóvenes artistas catalanes residentes entonces en la capital francesa. 

El entierro del conde de Orgaz, del Greco

La composición de las dos obras es similar, con la representación 

del entierro en la parte inferior y la del cielo en la parte superior. 

1901 Evocation (L'enterrement de Casagemas) - Style: Symbolism -  Blue Period

La taberna Els Quatre Gats de Barcelona era un lugar de encuentro de pintores y artistas. Desde su apertura en 1897 fue un centro de atracción y un lugar de referencia para pintores, poetas y bohemios de todo tipo.

No estaba el gran amigo de Casagemas, Pablo Picasso, con el que había compartido juergas y estudio en Barcelona, con el que se fue a París por primera vez en 1900, el mismo que le había abandonado hacía poco más de un mes durante un viaje a Málaga, harto de sus borracheras y su obsesión por Germaine. 

La muerte de Casagemas, París, 1901, Musée National Picasso, París

Tras el suicidio, lleno de dolor y culpa, Picasso inició su triste etapa azul.

Pablo Picasso: Casagemas en su ataúd. Museo Picasso, Barcelona. 

Podemos decir que el azul se transforma en los pinceles de Picasso en el color del llanto y de la desesperación. 

Picasso queda sumido en la tristeza, no exenta de remordimiento, ya que se siente responsable en cierto modo del suicidio de su amigo. A partir de la muerte de Casagemas, Pablo se instala en el antiguo estudio de Casagemas en París, y con el cuerpo de su amigo "todavía tibio" se lía con Germaine (que mientras tanto se había liado con el escultor catalán Manolo Hugué). Una relación que durará cerca de un año. Tal vez por eso quiso borrar el agujero de bala de la sien de Casagemas. 

Pueden verse en la mesa entre otros a Nonell, Picasso, Canals, Casagemas, el mismo Opisso y, frente a ellos, el tabernero Pere Romeu.

Son extraordinariamente representativos los dibujos de Opisso dedicados a los Quatre Gats.

Un viaje por la vida moderna de la mano de Ramon Casas (Júlia, el deseo de Ramon Casas) - Isidre Nonell, pincha aqui

Picasso: Germaine (Retrato de Germaine Gargallo, 1900)

Los tres pintores se hacen amigos de tres modelos que posaban habitualmente para los expatriados españoles: la hija de Pablo Gargallo y una costurera, Laure Gargallo (que todos conocían como Germaine), su medio hermana Antoinette Fornerod y una tercera chica llamada Louise Lenoir (alias la pequeña Odette). El reparto de parejas no se hace esperar: Casagemas con Germaine, Pallarès con Antoinette y Picasso con Odette. Picasso no hablaba francés, ni Odette español, pero esta circunstancia no parece que les supusiera problema alguno.  

Pablo Picasso. Le Moulin de la Galette, un testimonio de las desenfrenadas noches parisinas de Picasso y sus amigos.  Es probable que Germaine,

Antoinette y Odette sirvieran de modelo para pintar las tres muchachas

que aparecen a la izquierda, en primer plano.

Óleo sobre lienzo, (88.2 x 115.5 cm) Solomon R. Guggenheim Museum, New York 

La pandilla vivía intensamente la noche. Frecuentaban los cabarets nocturnos de la ciudad, especialmente el Moulin Rouge. Noches de bohemia, de absenta y de opio, de devaneos amorosos.

Picasso y Casagemas persiguiendo a dos muchachas en París. Museu Picasso. Barcelona. 

La Vie (La Vida) fue pintada en Barcelona en mayo de 1903. Mide 196.5 x 129.2 cm y retrata a dos pares de personas, una pareja desnuda enfrente de una madre con un bebé en sus brazos. En el fondo de la pintura, aparentemente un estudio, hay dos pinturas dentro de la pintura, la superior mostrando una pareja desnuda agachada y abrazándose, mientras que la inferior muestra a una persona desnuda agachada y solitaria muy similar a Dolor de Vincent Van Gogh

La pareja desnuda retrata a Carlos Casagemas, amigo de Picasso en su juventud y a Germaine Pichot, una modelo parisina.

La obra fue pintada en un tiempo en el que Picasso no tenía éxito financiero. Sin embargo, la pintura fue vendida apenas un mes después de acabada a Jean Saint Gaudens, un marchante de arte francés. La venta fue reportada en el periódico barcelonés Liberal. La pintura fue donada al Museo de Arte de Cleveland, Ohio en 1945 y está en su colección permanente desde entonces

El hombre desnudo originalmente era un Picasso autoretratándose, aunque después cambió de opinión y colocó el rostro de Casagemas, quizá como una forma de que su amigo estuviera junto a Germaine de una manera que no pudo en vida.

Las pasiones en el arte - (2) AMOR EROS - AMOR ERÓTICO O PASIONAL - Luca Giordano - Rosa Bonheur - Nathalie Micas - Picasso y Dora Maar - Oskar Kokoschka - Alma Mahler

Las pasiones en el arte - La mirada del amor en la creación artística - Los 4 tipos de amor según los antiguos griegos - AMOR EROS - AMOR ERÓTICO O PASIONAL - Antonio Canova - Girolamo Francesco Maria Mazzola - Annibale Carracci - Tiepolo - Bernini - Marc Chagall - Bella Rosenfeld - Tiziano - Helene Fourment - Rubens -, pincha aqui

Psique honrada por el pueblo 1692-1702 

Esta pintura es la primera de un conjunto de doce en la Colección Real que representa parte de la historia de Cupido y Psique. 

El relato de las muchas tribulaciones sufridas por amantes mal emparejados (uno mortal y otro divino) antes de su feliz matrimonio final, fue interpretado en el Renacimiento como una alegoría neoplatónica del progreso del alma (Psique significa "alma" en griego) hacia la salvación a través del Amor Divino. El resultado de su unión es el placer.

En la historia de Apuleyo, la belleza de Psique, la tercera hija de un rey y una reina, es tan grande que la gente le rinde homenaje a ella en lugar de a la diosa Venus: "mientras caminaba por las calles, la gente se agolpaba para adorarla con guirnaldas y flores". En sus celos, Venus invoca a Cupido, "ese hijo suyo alado, la más imprudente de las criaturas", y le ordena que despierte en ella [Psique] un amor ardiente por un esposo indigno, "maldecido por la Fortuna en rango, en estado, en condición para que Psique se mortifique". En la primera de las pinturas de la serie de Giordano, Venus se muestra señalando a Psique a Cupido quien, contrariamente a lo planeado, se enamora de ella.

Luca Giordano (Nápoles, 18 de octubre de 1634- Nápoles, 3 de enero de 1705), pintor barroco italiano. En España fue también conocido como Lucas Jordán, por la castellanización del nombre.

Hijo de un modesto pintor, Antonio Giordano, la amistad con José de Ribera marcó su vida. Luca empezó pronto a trabajar con Ribera en su taller napolitano, y debido a la gran influencia del artista español y a los numerosos viajes por Roma, Venecia y otras ciudades, en busca de un mayor conocimiento de las diferentes técnicas de la época, se convirtió en uno de los mejores artistas del barroco. 

Rosa Bonheur - (16/03/1822 - 25/05/1899) - Destacada pintora y escultora francesa del siglo XIX, conocida principalmente por sus detalladas y realistas representaciones de animales. Fue la primera mujer en recibir la Gran Cruz de la Legión de Honor.

Entre 1853 y 1855, trabajó en lo que se considera su obra maestra, Marché aux chevaux de Paris (La feria de caballos), que consolidó su reputación y se encuentra actualmente en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

Parejas

Convivió durante más de cincuenta años con la pintora Nathalie Micas, y tras la muerte de esta en 1889, se relacionó durante diez años con Anna Klumpke, también pintora, a la que designó su heredera universal.

Nathalie Micas - Rosa Bonheur

Durante más de cuarenta años, desde la adolescencia Rosa mantuvo una relación amorosa con Nathalie MIcas (1824-1889) también pintora. Tras la muerte de Raymond Bonheur en 1849 Rosa y su hermana Juliette ocuparon el cargo de directoras de la Escuela Gratuita de Diseño para las Jóvenes Mujeres, que su padre había fundado. Además abrió su propio estudio con su compañera Nathalie Micas. 

Su fama de artista traspasó fronteras, viajó a Inglaterra y Escocia donde realizó numerosos encargos para la aristocracia inglesa, más tarde a Estados Unidos donde siguió cosechado éxitos. En 1860 se retiró de Paris y compró una propiedad cerca del bosque de Fontainebleau donde vivió junto a Nathalie y algunos animales de su propiedad. Con gran talento y determinación continuó trabajando en una colección de bocetos y pinturas que incluían osos y leones, mientras recibía en su casa a grandes personalidades.

Nathalie Micas, la pintora excepcional (nacida el 24 de abril de 1824 en París y murió en Thomery el 21 de junio de 1889)

Hizo de su vida un paisaje de amor entre mujeres y de sus cuadros un archivo poderoso de animales y naturaleza. Murió en los brazos de su amada.

“La amistad es un sentimiento divino” 

Ese sentimiento divino no es otro que el amor que la pintora Rosa Bonheur compartió con dos mujeres, con Nathalie Micas primero y con Anna Klumpke después. Desde que Anna murió en febrero de 1942 las cenizas de las tres pintoras comparten suelo y cielo en ese cementerio. Arriba de la tumba dice: “Familia Micas”. Rosa y Nathalie vivieron juntas más de cuarenta años, se conocieron cuando una tenía doce años y la otra catorce y juntas vivieron en un castillo hasta que Nathalie murió. 

Anna Klumpke - Portrait of Rosa Bonheur (1898)

Rosa Bonheur et Anna Klumpke

Anna, la joven pintora californiana, completó el triángulo unos meses después de la muerte de Nathalie y fue quien acompañó a Rosa hasta la suya, quien publicó algunas cartas de amor, algunos bocetos inéditos y su biografía.

Picasso y Dora Maar, una relación de conflicto

La pintura captura el semblante de Maar de una manera que va más allá de una mera representación. Picasso distorsiona y fragmenta los rasgos de Maar, infundiendo al retrato una profundidad emocional que trasciende la superficie. Los colores vibrantes y las formas angulares crean una atmósfera surrealista, reflejando la naturaleza tumultuosa de la vida personal del artista y la amplia inquietud socio-política del tiempo.

El Retrato de Dora Maar emerge como un capítulo único en el viaje artístico de Picasso. Esta obra maestra fue pintada en el año 1937 durante el tumultuoso período de la Guerra Civil Española. Dora Maar, fotógrafa y artista por derecho propio, no solo se convirtió en la musa de Picasso sino también en una figura significativa en su vida. El cuadro encapsula la intensidad emocional de su relación en medio de un mundo en crisis.

1937 Musée Picasso, París

Era diferente: fascinado por ella

Relación Intensa,  turbulenta, trágica y creativa

Dora: Frágil y vulnerable

Picasso: Dominante, Cruel 

Museo Jorge Oteiza - Oteiza, Lekuona, Balenciaga, Picasso.

El renacimiento incompleto, 1930-1936, pincha aqui

(6) QUE SABEMOS SOBRE LA HISTORIA DEL ARTE - Manuela Ballester Vilaseca - Remedios Varo - Maruja Mallo - EL EXILIO DE LAS OBRAS EN LA GUERRA CIVIL - Exposición temporal 'París 1937 -El pabellón español: la primera casa del ‘Guernica’ , pincha aqui

 Un día Pablo Picasso y el poeta Paul Éluard, sentados en uno de los bastidores, observaron a una joven que se sentó unas mesas más allá y comenzó a jugar a la ruleta rusa con una navaja que clavaba entre los dedos abiertos de una mano, sin mucho acierto, pues el guante con el que la cubría comenzó a teñirse de sangre.

Picasso y Éluard se levantaron precipitadamente, se acercaron a aquella mujer y se ofrecieron a prestarle ayuda. Se llamaba Dora Maar y se convirtió en modelo y musa del pintor y en su nueva amante. Dora Maar tenía entonces 29 años. Picasso, 55.

A diferencia de sus mujeres anteriores, Picasso encontró en Dora Maar una interlocutora con la que hablar de arte, poesía, política, música… Ella se enamoró profundamente, hasta el punto de decir «Después de Picasso sólo está Dios».

Las mujeres de Picasso

Picasso tuvo relaciones con más de una decena de mujeres que fueron sus amantes, sus esposas, sus modelos: Olga Koklova, Marie Therèse Walter, Françoise Gilot,Jacqueline Roque. Y Dora Maar.

Dos de ellas terminaron suicidándose: Marie-Thérèse Walter se ahorcó en 1977, y Jacqueline Roque se pegó un tiro en 1986. Otras dos, Dora Maar y Olga Kohkhlova, sufrieron problemas sicológicos. Kohkhlova, su primera esposa, había abandonado la carrera de bailarina para unirse al pintor, quien después de su separación la calificó de loca y castradora. Dora Maar también había dejado la fotografía por Picasso.

Cuando Dora Maar conoció a Picasso ya era una fotógrafa de éxito en círculos vanguardistas, con una carrera prometedora y una obra de gran calidad que quedó eclipsada en su biografía. Se formó como pintora con el cubista André Lhote y nunca renunció del todo a la pintura. Hija del arquitecto croata Josip Markovic y de Louise Julie Voisin, quien tenía una boutique de alta costura, Dora Maar nació en París en 1907 y se educó entre Francia y Buenos Aires, donde estuvo destinado su padre, de ahí su dominio del español.

En política estuvo vinculada a grupos de ultraizquierda 

 «29 Rue d’Astorg», con una figura grotesca que mezcla la escultura de una mujer con la cabeza fálica de un pájaro;  (1936), de Dora Maar

Picasso retrató a Dora Maar en más de treinta ocasiones, primero como una belleza pletórica y luego como un ser dramático y torturado, perturbado, histérico.

[Busto de mujer con sombrero (Dora)], 1939

Esta actitud queda patente en el genérico título que el artista da al lienzo: 

Busto de mujer con sombrero. Picasso no quiere restringir la impresión que 

la obra puede producir en el espectador, de manera que en esa pretendida 

objetividad —en la síntesis de formas o su distanciamiento— también 

participa el título, que refiere a lo obvio. Picasso evita lo contingente o 

singular, que en este caso sería decir “Retrato de Dora Maar”, al reconocer 

su cabellera negra y esos rasgos o estilo morfológico que dominan en el 

abundante número de cabezas que Picasso pintó durante los años en los 

que convivió con la artista francesa y, en particular, el conjunto de dibujos, 

estampas y lienzos que realizó en 1939. No se trata de rendir homenaje a 

Maar, sino de un intenso juego plástico entre un tema y sus variaciones 

(formales, estructurales, cromáticas). En todos esos retratos llama la 

atención el protagonismo que concede al sombrero, como si se tratara de un 

factor de construcción de identidad de la figura, o de su conversión en signo 

a través del cual dialogar con Pierre-Auguste Renoir y Henri Matisse y sus 

respectivas obras en las que tematizaron la mujer con sombrero.

Fotograma del documental de Los estados del Guernica de Dora Maar

La primera semana de enero de 1937 (tres meses antes del bombardeo de Guernica) Picasso había recibido en su estudio de París a una delegación del Gobierno de la República española con Josep Renau, Juan Larrea, Luis Lacasa, José Bergamín y Max Aub, quienes le encargaron un mural para el pabellón republicano de la exposición universal que iba a celebrarse en París.

En plena guerra civil la República necesitaba a Picasso, el artista más famoso del mundo. Picasso ideó una obra de grandes dimensiones y Dora Maar le sugirió como taller el ático del edificio número 7 de la Rue des Grands-Agustins, donde había vivido Balzac y se reunía el grupo izquierdista Contre-Attaque.

Picasso no tenía claro cuál sería el tema de su cuadro. Lo decidió cuando se enteró del bombardeo de Guernica. El primero de mayo Picasso hacía los primeros apuntes y en las cinco semanas siguientes liberó una enorme energía creadora para terminar el cuadro.

Dora Maar tuvo la oportunidad histórica de fotografiar todo el proceso de creación del Guernica, una serie de imágenes que probablemente constituyan el ejemplo mejor documentado del progreso de una obra en toda la historia del arte.

Después de una relación de unos diez años, entre 1936 y 1946, Picasso abandonó a Dora Maar cuando conoció a Françoise Gilot, veinte años más joven que Dora Maar y cuarenta más joven que Picasso. Gilot pasó a ser su nueva musa y modelo, y la única mujer que abandonó a Picasso.

La separación afectó profundamente a Dora Maar, quien fue internada en un hospital siquiátrico y se recluyó en su casa de Ménerbes con una profunda depresión.

Seated Dora Maar, 1941 - Pablo Picasso 

Amor y pasión: pueden ser trágico

OSKAR KOKOSCHKA, el pintor de almas, llega al Guggenheim, pincha aqui

Mi Semana Santa en Viena (VII) - Gustav Klimt y Oskar Kokoschka - Alma Mahler, pincha aqui

Oskar Kokoschka

(Pöchlarn, 1886 - Montreux, 1980) Pintor expresionista y escritor austriaco. Aunque nació en Pöchlam, su familia se trasladó a Viena, donde transcurrieron su infancia y sus años de juventud y de formación.

Después de cursar estudios en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena, donde realizó sus primeros retratos al óleo, Kokoschka pintó una serie de retratos expresionistas e inició una intensa actividad pedagógica. En 1912 su obra empezaba ya a ser conocida fuera de su país.
Durante la I Guerra Mundial fue herido gravemente en el frente del Este. Consagrado luego plenamente a la pintura, viajó por numerosos países y, tras contraer matrimonio con Olda Palkovska (1941), adquirió la nacionalidad británica (1947), si bien en 1975 recuperó la ciudadanía austríaca. Murió en Montreux, Suiza, el 22 de febrero de 1980.

Poster para la Kunstschau. Oskar Kokoschka (1908)

Su obra se sitúa inicialmente bajo la influencia del Jugendstil y, de forma muy directa, del pintor y decorador austríaco Gustav Klimt. Se unió al grupo Die Brücke y participó como ilustrador en la revista "Der Sturm". Entre sus obras destacan Retrato de Adolf Loos (1909), La novia del viento (1914), El torbellino (1917) y El poder de la música (1919), además de retratos de numerosos artistas, intelectuales y personalidades de la alta sociedad. Después de 1945, su pintura mostró los horrores de la guerra.

'Doble retrato de Georg Heise y Hans Mardersteig'

Kokoschka, que es uno de los grandes representantes de la pintura expresionista contemporánea, fue también autor dramático (Asesino, esperanza de las mujeres, 1910; La esfinge y el espantapájaros, 1917) y publicó sus memorias con el título Mi vida.

Venecia

Florencia, vista desde la Torre Mannelli, 1948

Alma Mahler 

Fue una vienesa impresionantemente bella e inteligente, cuyo nombre de soltera era Alma Marie Schindler y vivió de 1879 a 1964. Dedicaba su tiempo a componer música y a rodearse de los mayores intelectuales y artistas de Viena, pero sobre todo fue conocida por sus matrimonios con grandes artistas: el compositor Gustav Mahler, el arquitecto Walter Gropius y el novelista Franz Werfel y por sus amantes, tales como los pintores Gustav Klimt u Oskar Kokoschka, entre otros.

Mahler se crio en un ambiente artístico, ya que su padre era pintor, así que siempre se sintió como pez en el agua rodeada de pintores, escritores, directores de teatro, escultores…
En este ambiente conoció al compositor y director de orquesta Gustav Mahler y se casó con él en 1902, a pesar de que fuera 20 años mayor que ella.

Tuvieron dos hijas, María y Ana, pero María murió a causa de la difteria y Alma se refugió en los brazos del arquitecto Walter Gropius (el creador de la Bauhaus) para paliar su dolor. Gustav Mahler murió de pena por haber perdido a su hija mayor y a su esposa y Alma, ya viuda, rompió con Gropius y tuvo relaciones tortuosas con el biólogo y compositor vienés Paul Kammerer, con el pintor Oskar Kokoschka (el cual quedó tan destrozado tras la ruptura que mandó hacer una muñeca con la cara y el cuerpo de Alma a tamaño real), el compositor Alban Berg, el poeta Franz Werfel y un largo etcétera.

Oskar y Alma Mahler 1912-13

La It girl Podría decirse que Mahler fue una de las primeras It gilrs, es decir, fue una mujer joven y atractiva que recibió una intensa cobertura mediática sin relación o desproporcional a los logros personales. Ella componía, sí, pero no se dedicó con pasión a ello. Alma fue una mujer a la que le gustaba estar rodeada de arte y de artistas y fue la musa de muchos de ellos. Tanto es así, que es la protagonista de El beso de Klimt y de La novia del viento de Kokoschka, dos de los cuadros más importantes de la historia del arte.

ALENTÓ SU CAPACIDAD CREATIVA

BELLEZA Y TRAGEDIA

La novia del viento o La tempestad es uno de los trabajos más conocidos del expresionista austríaco Oskar Kokoschka y representa de forma alegórica la relación de intenso amor con su amante Alma Mahler.

Kokoschka pinta su autorretrato abrazado al gran amor de su vida, la viuda de su gran ídolo Gustav Mahler. El compositor había muerto en 1911 y el joven pintor se hizo amante de su desconsolada esposa de 30 años.

Alma era joven, bella y muy libre. Kokoschka era joven, inmaduro y con nada en los bolsillos. Pero pese a las diferencias, ambos colisionaron como dos trenes y vivieron un amor igual de tormentoso que esta pintura.

Todo acabó 3 intensos años después: Alma se quedó embarazada y abortó justo cuando sucedió el atentado de Sarajevo que inició la I Guerra Mundial.

Kokoschka, con el corazón roto, se enroló y fue herido. En 1915, mientras se recuperaba en un hospital se enteró de que su amante se había casado con Walter Gropius (de la Bauhaus) y que estaba otra vez embarazada.

Nos queda este cuadro a modo de documento de ese amor apasionado: Los dos amantes flotan en una nube tormentosa, quizás refiriéndose a su tormentosa relación llena de celos, peleas y fricciones entre una extrovertida dama de la alta sociedad y un bohemio antisocial y silencioso.

La muñeca de Kokoschka fue una obra creada entre 1918 y 1919 por Hermine Moos a petición del pintor Oskar Kokoschka. La muñeca, representación a tamaño natural de Alma Mahler, fue destruida por el propio Kokoschka poco después de su creación. (En una fiesta la decapitó)