(2) Mi excursión por la Rioja - Museo Würth - Recomendado

El museo Würth La Rioja es un museo de arte contemporáneo emplazado en el polígono industrial El Sequero, en el término municipal de Agoncillo (La Rioja, España), perteneciente a la multinacional industrial alemana Würth. El Museo forma parte del complejo económico-cultural del Grupo Würth en Agoncillo, que incluye el Centro Logístico de la empresa y un edificio social y cultural. Los fondos museísticos pertenecen a las colecciones Würth de España y Alemania.

La Colección Würth de Alemania nació en la década de los años 1960 y comprende actualmente más de 11000 piezas. Gracias a la iniciativa del industrial, coleccionista privado y mecenas artístico Reinhold Würth, dueño del Grupo Würth y apodado informalmente el rey de los tornillos, la Colección se exhibió inicialmente en el museo Würth, en la sede principal de la compañía en la localidad alemana de Künzelsau (estado de Baden-Württemberg), y desde 2001, en la Kunsthalle Würth, ubicada en Schwäbisch Hall.

La construcción del complejo Würth en las parcelas 86, 87 y 88 del polígono industrial El Sequero en la localidad riojana de Agoncillo, próxima a Logroño, se inició el 8 de mayo de 2003 con la celebración del acto de colocación de la primera piedra. El 7 de septiembre de 2005 tuvo lugar la ceremonia de inauguración del Centro Logístico, el mayor de la compañía en España, destinado a la distribución de productos en toda la zona norte del país, y el 16 de marzo de 2007 se presentó oficialmente el edificio social. Finalmente, el 7 de septiembre de 2007 tuvo lugar la inauguración del Museo.

Arquitectura y fondos

El edificio que acoge el museo Würth La Rioja, cuyo proyecto básico correspondió a la firma de ingeniería y arquitectura Master S.A. y su desarrollo a Ingeniería Torrella, es un exponente de la arquitectura de vanguardia característica del Grupo Würth. Destaca la cubierta de vidrio que, con una superficie de 1400 m², emplea un innovador sistema de fijación de la placas acristaladas. El empleo sistemático del vidrio en las cubiertas y las superficies verticales hace del interior un espacio particularmente diáfano y luminoso. El exterior es un entorno ajardinado y acuático jalonado por obra escultórica incluida entre los fondos del Museo, solución paisajística que armoniza con la parte edificada.

Los 6000 m² de superficie útil repatidos entre la planta baja, una subplanta y dos sobreplantas más azotea acogen, además de las salas de exposiciones, salas de reuniones, oficinas, un auditorio, una sala de audiovisuales, un aula didáctica y una tienda-librería-cafetería donde se pueden adquirir los catálogos de las exposiciones temporales, otras publicaciones especializadas y como una amplia oferta de artículos de diseño y regalo.

La Colección Würth España cuenta entre sus fondos actuales con obras de creadores como Richard Deacon, Jaume Plensa, Manolo Valdés, Ramón Cerezo, Darío Urzay, Blanca Muñoz, Koldobika Jáuregui, Miquel Barceló, José Manuel Ballester, Xavier Mascaró y Miquel Navarro. Son piezas artísticas emblemáticas del Museo la monumental escultura, al aire libre, Calibres, Book of Tools, de Navarro (2006), y, en el interior, Lillie, de Valdés (2006). Además de los fondos permanentes, parte de las instalaciones recogen exposiciones temporales.

Lillie, de Valdés (2006)

El programa de actividades culturales y didácticas del Museo Würth están dirigidas exclusivamente a público infantil y con necesidades especiales. Celebra asimismo conciertos musicales.

Doble LIli. Manolo Valdés. Museo Würth Agoncillo

Tatuaje sentado VI - Jaume Plensa - resina, acero inoxidable y luz 231x130x152 cm

Jaume Plensa es un artista plástico español, escultor y grabador. Artista muy polifacético que ha experimentado también con el dibujo, escenarios para ópera, videoproyecciones o instalaciones acústicas. Es conocido por sus grandes esculturas formadas por letras y números.
Nacido en Barcelona en 1955, estudió en la Escuela Llotja y en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi.

The Prophet (El profeta) 2005 Carboncillo y acrílico sobre lienzo
Toni Bevan Bradford (Inglaterra), 1951

Autorretratos
Tony Bevan realiza la mayor parte de sus obras arrodillado en el suelo. Quizás es de este contacto primario de donde obtiene su fuerza. Vuelve sin cesar a los motivos que son los suyos con una energía decidida, propia de este método de trabajo que, contrariamente al trabajo efectuado sobre una pared o sobre un caballete, restringe su campo de visión de tal manera que la imagen que obtiene, arrancándola del espacio de la pintura, absorbe toda su atención. Para él, la creación es más un acto de descubrimiento que de invención.

Keith Allen Haring (Reading, Pensilvania, 4 de mayo de 1958 - Nueva York, Nueva York, 16 de febrero de 1990) fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera de la Nueva York de los años 1980.

Keith Allen Haring

Nacido en Kutztown (Pensilvania) en 1958, desde muy pequeño empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados de la televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburgh y posteriormente continuó sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York.

En 1980 comenzó a hacer grafitis, dibujando con rotulador imágenes similares a dibujos animados sobre anuncios en el metro de Nueva York. Más tarde le siguieron unas historietas dibujadas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad. Fue arrestado en varias ocasiones por dañar la propiedad pública. Su primera exposición individual fue en la galería Tony Shafrazi de Nueva York en 1982.

En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín. En ese mismo año, abrió la boutique Pop Shop, donde vendía sus productos. En 1989 creó la Fundación Keith Haring, cuyo objetivo es luchar por la solución de los problemas sociales. Murió víctima del sida en Nueva York el 16 de febrero de 1990.

Keith Haring - Untitled T.V 1987 - Museo Wurth

Otras obras:

André Derain - paisaje francés "el granero" 1946/47

Joan Miró (Barcelona 1893-1983
Canto del jilguero 1980 - Colección Würth

Gabriele Münter (* 19 de febrero de 1877 en Berlín - † 19 de mayo de 1962 en Murnau am Staffelsee) fue una pintora alemana del expresionismo, fotógrafa y salvadora de las pinturas del movimiento Blaue Reiter durante la Segunda Guerra Mundial.

Self-Portrait,1909

En el verano de 1903 durante una estancia en Kallmünz, Kandinsky se compromete en matrimonio con Münter, a pesar de estar aún casado, hecho que ocultan a los otros miembros de la escuela Phalanx. Münter vive abiertamente con Kandisnky como su amante, a pesar de que él no se divorcia hasta 1911. Vivieron juntos hasta 1917 y emprendieron varios viajes, incluyendo visitas a Túnez, Holanda, Italia y Francia.

Gabriele Münter - Museo Würth

Art Faces (Retratos de artistas en la Colección Würth)

Un retrato es mucho más que la imagen de una persona, mucho más que un rostro, es la plasmación de la personalidad, el carácter, el pensamiento… por eso el retrato es un género fundamental a lo largo de la Historia del Arte universal que tiene una especial relevancia en el origen y el desarrollo de la fotografía. En este contexto, los retratos de artistas tienen un carácter especialmente significativo dado que nos acercan a la persona que está detrás de la obra arte. ART FACES, Retratos de artistas en la Colección Würth supone un revelador “quién es quién” en el arte desde el Expresionismo, pero también un intenso acercamiento a la personalidad e intimidad de los artistas que han protagonizado el desarrollo de la Historia del Arte del siglo XX.

Andy Warhol (1928-1987) & Jean-Michel Basquiat (1960-1988), 1985, New York (EEUU), fotógrafo  Michael Halsband. Colección Würth / Würth Collection, Inv. 7018

La Colección de ART FACES fue iniciada por el fotógrafo suizo Francois Meyer, quien entre 1975 y 1977 visitó los estudios de numerosos artistas en Europa y EE.UU. con intención de fotografiar a los artistas en su propio espacio de trabajo, integrados en su medio. Este proyecto permaneció olvidado hasta que en 1998 Meyer decidió continuarlo para crear una colección de retratos de artistas ampliada con imágenes de otros fotógrafos (independientemente de la relevancia de éstos) que mostrasen la conexión entre el artista representado y su obra. La colección actual, que forma parte de los fondos de la Colección Würth, está compuesta por más de 240 fotografías de 42 fotógrafos.

Pedro Meyer es un fotógrafo español, nacido en Madrid en 1935, inmigrado a México. Es uno de los pioneros y exponentes reconocidos internacionalmente de la fotografía mexicana contemporánea.

"La fotografía es una mentira que nos hace ver la verdad". Palabra de Pedro Meyer, fotógrafo español afincado en México cuya controvertida visión del arte le ha valido el apelativo de 'hereje'. Sus cinco décadas como profesional son un testimonio de innovación y provocación, de interrogantes mudos planteados por un objetivo inquieto y trotamundos. 'Herejías', recién publicado por la editorial Lunwerg, es el libro que recoge las mejores imágenes de su carrera. Un volumen de lujo que se acompaña de la exposición de su obra en 67 museos de todo el mundo, un hito logrado gracias a un proyecto pionero lanzado a través de internet. Cientos de miles de ojos en Singapur o China, en Australia o Brasil, podrán ser testigos de cómo Meyer juega con la tecnología digital para crear imágenes cargadas de una franqueza engañosa, de una mendacidad honrada. (Foto: 'El Hereje', 1975) Por Fran Casillas

De esta colección hemos seleccionado 168 retratos de artistas como Piet Mondrian, Marc Chagall, Le Corbusier, Sonia Delaunay, Hundertwasser, Antonio Saura, Francis Bacon, Roy Lichtenstein, Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Cindy Sherman... Las fotografías están acompañadas por obras originales de la Colección Würth de artistas como Otto Dix, Grabriele Münter, Eduardo Arroyo, Jean Arp, Pablo Picasso, Eduardo Chillida, André Masson, Andy Warhol o Jean-Michel Basquiat entre otros.. La exposición en el Museo Würth La Rioja ha agrupado las fotografías de los artistas y las obras de arte originales atendiendo a los grandes movimientos artísticos del siglo XX, y es por tanto un acercamiento a la Historia del Arte y, sobre todo, a los rostros de aquellas personas que la hicieron posible.(Retratos muy representativos del siglo XX, como Arnold Newman (1918-2006), quien realizó el retrato a Piet Mondrian, una de las joyas de la exposición. También aparecen Michel Sima (1912-1987) con sus retratos de Picasso o August Sander (1876-1964) con la fotografía de Otto Dix, la más antigua de la colección.

Max Ernst - Janus 1974 (bronce)

AUGUST SANDER The painter Otto Dix Dresden 1928

Salvador Dalí

La mirada de Richter habla en la foto de Katz

Man Ray e Marcel Duchamp, 1952 (Fotografo: Michel Sima)

Jean-Michel Basquiat (1960 - 1988) fue un pintor estadounidense que nació en Brooklyn, Nueva York.

Fue a partir de 1980, siendo aún un vagabundo, cuando comenzó a dedicarse principalmente a la pintura. J.M. Basquiat poseía una cierta curiosidad intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto, por los trazos gestuales de Franz Kline, por los primeros trabajos de Jackson Pollock, por las pinturas con figuras de De Kooning y por las caligrafías de Cy Twombly, todo lo cual, junto a sus raíces haitianas y portorriqueñas, le llevó a tener un gran dominio del grafismo expresivamente gestual. Interesado también por las combine paintings de Robert Rauschenberg y por el Art Brut, de Jean Dubuffet, así como por la cultura popular, sus graffitis adquirieron una cualidad plástica y expresiva cada vez más próxima a la de la reciente pintura norteamericana, hasta el punto de que, unos años más tarde, Jeffrey Deitch definió su trabajo como una “chocante combinación del arte de De Kooning y de los garabatos pintados con aerosol en el metro neoyorquino”.

Jean-Michel Basquiat
Un chico de origen haitiano, criado en una familia con recursos económicos, en contra de la creencia general, que buscaba su lugar en el mundo del arte y que pasaba de dormir al raso en Washington Square Park a hacerlo en los cochambrosos apartamentos de sus amigos. Empezaba, eso sí, la fuerza centrípeta de las drogas. En 1988, a los 27 años, moriría de una sobredosis de heroína.

Sus seguidores afirman que en sus obras brilla una sensibilidad intuitiva que seguramente hubiese cuajado en formidable talento, brillan los inicios primarios de un don tremendamente escaso: la genialidad.

En 1996 la vida de Jean-Michel Basquiat fue llevada a la gran pantalla, después de 6 años de rodaje, de la mano de su amigo y colega Julian Schnabel. El cantante David Bowie interpretó a Andy Warhol.

Andrew Warhola (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. 

Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Otro retrato clásico fue el que hizo del famoso compositor Beethoven.

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

 hizo numerosos retratos de famosos como el de Elizabeth Taylor

Fue personaje polémico durante su vida —algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas— y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.

Sinopsis. Valerie Solanas (Lily Taylor) escribe el guion
de una película y quiere que Andy Warhol
 (Jared Harris) la produzca, pero éste se niega.
 Entonces ella toma una drástica decisión: dispararle.

Un museo imprescindible

Me ha  encanta visitarlo, es un museo vivo, que muestra un arte moderno muy cuidado y comunicativo. Art Faces, fotografías únicas, de los grandes artistas unidas muchas a sus obras...volveré al Museo Wurth.

Mi excursión por la Rioja - Reinhold Würth - Museos Würth (1)

Reinhold Würth

Nacido el 20 de abril de 1935 en Öhringen - Alemania, Reinhold Würth se incorpora al negocio mayorista de tornillos de su padre en Künzelsau en 1949 como segundo empleado y primer aprendiz. En 1952, terminó su formación profesional como comerciante mayorista, al pasar con éxito su examen ante la Cámara de Industria y Comercio de Alemania. Después de la prematura muerte de su padre en 1954, Reinhold Würth asumió la administración de la compañía a la edad de 19 años. En las siguientes décadas, Reinhold Würth amplió el negocio regional hasta convertirlo en un grupo de empresas comerciales operativo en todo el mundo. Hoy en día, el grupo WÜRTH está activo en el mercado con más de 400 empresas en 84 países.

Reinhold Würth

En 1994, Reinhold Würth retiró de la parte activa del negocio y asume la Presidencia del Comité Consultivo del Grupo WÜRTH. a partir del 1 de marzo de 2006, su hija Bettina Würth lo sucede en esta posición. Reinhold Würth sigue siendo el Presidente del Comité Supervisor de las Inversiones Familiares. En su carrera profesional, Reinhold Würth se ha centrado intensamente en temas psicológicos tales como la motivación de los empleados, la cultura de gestión y la ética profesional. También ha dedicado mucho tiempo a cuestiones culturales.

" Reflejo de nubes en las marismas / Cloud Reflection in the Marsch / Wolkenspiegelung in der Marsch " - 1935 , acuarela sobre papel japonés . .- EMIL NOLDE .- Exposición " 75/65" - Museo WÜRTH La Rioja-- julio 2011

La compra de una acuarela pintada por Emil Nolde en la década de 1960 marcó el inicio de su pasión para la colección de obras de arte. Mientras tanto, ha adquirido una colección de arte impresionante formada por cerca de 12.000 obras de arte, incluyendo fotografías, dibujos y esculturas de Edvard Munch, Pablo Picasso, Alfred Hrdlicka, Markus Lüpertz y Christo.

Bettina Würth

A finales de 1991, el comprometido patrocinador de las artes y la cultura abrió su colección al público en un museo separado a raíz de la apertura oficial de la nueva sede de la empresa en Künzelsau-Gaisbach. El Museo de arte moderno de los siglos XX y XXI integrado a la sede de la empresa siempre está abierto al personal y público interesado y presenta de tres a cuatro exposiciones distintas cada año. Con la Galería de Arte Würth en Schwäbisch Hall, inaugurado en mayo de 2001, Reinhold Würth había creado otro atractivo foro para su colección. El reconocimiento público de sus éxitos en los negocios, así como su compromiso particular con las artes y la sociedad se refleja en muchos premios y membresías.

Reinhold Würth y su esposa Carmen

Reinhold Würth es un miembro de varios comités asesores, consejos de administración y muchos clubes y asociaciones (entre otras, es Presidente de la sociedad para la promoción del Museo Nacional de Württemberg y es también Presidente del grupo de acción ciudadana "Pro región Heilbronn-Franken"). Es un piloto entusiasta (licencia como un piloto profesional/ATPL), motociclista (Harley-Davidson) y está casado; él y su esposa, Carmen, tienen tres hijos, Marion, Bettina y Markus.

Arte en Würth

El principal rasgo de la identidad de los Museos Würth y, por tanto, del Museo Würth La Rioja es su localización en espacios industriales. Esta idea es fácil de entender si tenemos en cuenta el interés por la psicología laboral del Prof. Dr. h. c. mult. Reinhold Würth, quien durante su carrera como empresario ha buscado mecanismos de mejora de las condiciones laborales de sus empleados y de la actitud de éstos ante el trabajo. Entre las diferentes fórmulas que Reinhold Würth ha promovido hay una que tiene un papel decisivo en la proyección social de su empresa: la iniciativa de crear espacios destinados a la cultura en los lugares industriales de la compañía. Arquitectónicamente, las áreas de actividad cultural de los edificios Würth deben relacionarse de la mejor manera posible con los espacios de trabajo.

Prof. Dr. h. c. mult. Reinhold Würth frente a su retrato realizado por Alfred Hrdlicka

Auditorios, salas de conciertos, bibliotecas y espacios expositivos conviven con el espacio laboral. El objetivo es claro y el Prof. Reinhold Würth lo ha enunciado en diferentes ocasiones: el arte dentro de los espacios de trabajo mejora la calidad de vida de los empleados de la empresa. Al abrir pública y gratuitamente la colección a través de los museos y galerías del grupo, es la sociedad entera la que tiene la oportunidad de beneficiarse de los contenidos de la colección de arte.

El primer Museum Würth se inauguró en Künzelsau (Alemania), en la central del grupo Würth a nivel internacional, en el año 1991; para entonces ya se había puesto en marcha en 1989 la Hirschwirtscheuer para proyectar obra de pequeño formato de la colección así como de artistas locales. La Kunsthalle Würth (Schwäbisch Hall, Alemania) fue inaugurada en 2001 y en 2008 la Johanniterkirche (también en Schwäbisch Hall) donde se expone de manera permanente la colección de arte medieval de los “Antiguos Maestros”.

El modelo ha sido exportado desde 1999 y en la actualidad Würth cuenta con 15 espacios para el arte en Alemania, Austria, Bélgica, Dinamarca, Francia, Holanda, Italia, Noruega, Suiza y España o por los que han pasado exposiciones de la talla de Niki de Saint Phalle, Hundertwasser, Christo y Jeanne-Claude o François Morellet.

Colección Würth

La Colección Würth cuenta en la actualidad con más de 16.000 piezas que incluyen obras de diversas tendencias artísticas desde final del siglo XIX. La colección fue iniciada por Reinhold Würth a mediados de los años ’60, y su crecimiento ha sido exponencial en las últimas décadas. Hoy en día está considerada como una de las colecciones más importantes de arte contemporáneo de Europa. La colección está especialmente centrada en aquello distintivamente individual en los movimientos artísticos del arte moderno y contemporáneo.

La colección incluye artes gráficas, pintura, escultura, fotografía, videoarte e instalaciones de corrientes artísticas como el Expresionismo, el Informalismo, el Expresionismo Abstracto, la Abstracción Geométrica, el Neoexpresionismo, el Arte Pop o el Videoarte; por lo tanto está compuesta por “múltiples centros de gravedad” cuya versatilidad documenta las experimentaciones metodológicas de las artes plásticas del último siglo y medio.

Anselm Kiefer, San Loretto, 1976-2007, óleo, emulsión, acrílico y goma laca sobre lienzo, 190 x 280 cm Colección Würth, Inv. 11541

Así, uno de los centros de interés de la colección en los últimos años lo representan las artes plásticas de comienzos del siglo XX con obras de artistas como Max Beckmann, Max Ernst, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Emil Nolde o Pablo Picasso. Junto a ellos, la colección recorre la Historia del Arte de los siglos XX y XXI a través de obras de David Hockney, Lucio Fontana, Anish Kapoor, Henry Moore, Jackson Pollock, Fernando Botero, Andy Warhol, Eduardo Chillida, Tony Cragg, Alfred Hrdlicka, René Magritte, Anselm Kiefer, Roy Lichtenstein, Robert Jacobsen, Bernar Venet o Markus Lüpertz. Paralelamente, la Colección está creando secciones monográficas de Hans Arp, Horst Antes, Georg Baselitz, Max Bill, Christo and Jeanne-Claude, Anselm Kiefer y Bernhard Luginbühl entre otros.

JOHANNITERKIRCHE

Una de las secciones más interesantes dentro de los fondos de la colección es la sección de “Antiguos Maestros” con obras de Hans Holbein el joven, Tilman Riemenschneider o Lucas Cranach el Viejo, que se centra en el arte de finales dela Edad Media y principios dela Edad Moderna en el sur de Alemania, y que tiene como sede el acogedor espacio de la Johanniterkirche.

Realismo socialista - Viktor Popkov (Realista social, romántico y simbolista) - El deshielo de Jrushchov (Recomendado)

 Viktor Popkov

• Nació en Moscú, entonces Unión Soviética, en 1932.
• Artista gráfico, practicó el retrato, el paisajista y la pintura de género.
• Perteneció a la época artística del realismo socialista, pero se negó a limitar su obra a la ideología soviética.
• Se formó entre 1948 y 1952 en la MVHPU y posteriormente en el Instituto Estatal de de Bellas Artes Surikov de Moscú, donde tuvo como maestro a E.A. Kibrik.
• Inició su carrera artística durante el llamado Deshielo de Krushschev.

Nikita Serguéievich Jruschov , también conocido como Nikita Jrushchov, Kruschev o Khrushchevnota  (Kalínovka, 1894. – Moscú, 1971), fue el dirigente de la Unión Soviética durante una parte de la Guerra Fría. Desempeñó las funciones de Primer Secretario del Partido Comunista de la Unión Soviética entre 1953 y 1964 y como Presidente del Consejo de Ministros, de 1958 a 1964. Jrushchov fue responsable de la desestalinización parcial de la Unión Soviética, para respaldar el progreso del programa espacial soviético y varias reformas relativamente liberales en materia de política interna. Sus colegas del partido lo retiraron del poder en 1964, reemplazándolo Leonid Brézhnev como Primer Secretario y Alekséi Kosygin como Presidente del Consejo de Ministros.

El deshielo de Jrushchov o el deshielo en la Unión Soviética se refiere al período entre 1956 y 1964 en la Unión Soviética, en el que la represión política y la censura fueron parcialmente relajadas debido a las políticas de desestalinización implementadas por el entonces nuevo líder soviético Nikita Jrushchov. Una de las consecuencias más notables de estos cambios fue la liberación de algunos millones de prisioneros políticos que estaban detenidos en los campos de trabajo de sistema Gulag , usualmente ubicados en la fría e inhóspita Siberia. Además, el nuevo dirigente intentó promover una política de coexistencia pacífica con las principales potencias occidentales.

El líder supremo Iósif Stalin junto a un joven Nikita Jrushchov, en el Kremlin, durante 1936.

El deshielo sólo fue posible después de la muerte de Stalin, la cual tuvo lugar el 5 de marzo de 1953. Casi tres años después de haberse producido esta, el 25 de febrero de 1956, Jrushchov denunció a Stalin  en un inicialmente secreto discurso que tuvo lugar al cierre del XX Congreso del Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS). Éste último tenía el revelador título oficial de “Sobre el culto a la personalidad y sus consecuencias”.

El término fue acuñado a partir de una novela escrita en 1954 por Ilyá Ehrenburg, tan sólo un año después de la muerte de Iósif Stalin, en su novela titulada justamente “El deshielo”, la cual fue reveladoramente sensacional para su tiempo.

El deshielo fue acompañado en el frente internacional por la visita oficial de 1954 de Nikita Jrushchov al Pekín del líder comunista chino Mao Zedong (antes de que la “excesiva” desestalinización alejase a la China de la URSS, en lo que luego sería conocido como cisma sino-soviético). Un año después, en 1955, Jrushchov viajó a la capital yugoslava de Belgrado, para intentar normalizar sus relaciones con el mariscal Josip “Tito” Broz, después de la ruptura de 1948 entre éste y Iósif Stalin. Posteriormente tendría un encuentro con el entonces presidente de los Estados Unidos, el general Dwight Eisenhower, que culminaría con la propia visita de Jrushchov a los EE.UU. durante 1959.

Entre 1950 y 1960 viajó por todo su país, visitando entre otras localidades Irkutsk, Bratsk y algunas de Siberia, todos ellos en intenso trabajo de reconstrucción. En este periodo pintó muchos cuadros, entre ellos destaca uno "La construcción de la central hidroeléctrica de Bratsk", de 1961

Sus obras se pueden dividir en tres periodos: románticismo-realismo socialista, su época austera y la simbolista.

En la mitad de la década de 1960 cambió radicalmente su estilo, redescubriendo de alguna forma el estilo del arte oficial de la época stalinista, que fue siempre la expresión de la ideología estatal en su tiempo; ejemplo de este periodo son “Bad Marcos Again” y “Ejercicios de la mañana”.

Su último período estuvo marcado por el simbolismo, aunque estaba en conflicto con las autoridades durante esos años, no fue disidente y nunca tuvo intención de emigrar de su país.

Memories. Widows (1966) by Viktor Popkov 

Con un estilo muy personal, siempre expresó de forma libre lo que opinaba del ser humano y del mundo en general.

De alguna forma vivió inmerso en tratar el tema de aquella generación perdida, que habían llevado una dura vida tras la Gran Guerra de su país, y que se refleja en su serie “Viudas”.

Los cuadros de Popkov propiciaron una estética que fue seguida por numerosos artistas que surgieron en la década de 1970, entre ellos, Tatiana Nazarenko.

Sus pinturas fueron compradas por la Galería Tretiakov cuando tenía sólo tenía 27 años de edad, algo totalmente inusual, siendo hasta la actualidad el más caro artista realista figurativo ruso.

En 1967 ganó un Diploma de Honor en la Bienal de París y en 1975 fue galardonado, a título póstumo, el Premio Estatal de la URSS.

Sólo estuvo activo 18 años, pero en estos pocos años dejó un legado de cerca de tres mil obras.

Viktor Popkov - Spring in the Depot (1958)

Seis meses antes de su muerte, había habido numerosos ataques a repartidores de moneda, el Ministerio de Interior emitió una directiva que permitía usar armas de fuego en caso de peligro. Una noche de 1974,  Popkov y sus amigos 
se encontraban en una calle de Moscú, tratando de parar un taxi, en ese momento se acercaba  un coche de entrega de efectivo, el cual  abrió la puerta y desde allí le asesinaron. 

La Galería Tretiakov organizó una exposición póstuma de sus obras que fue un acontecimiento en el país.

La mayor parte de sus pinturas están albergadas en los grandes museos rusos y en las ex-repúblicas soviéticas, obras que en la actualidad son altamente cotizadas por los coleccionistas.

Una de sus obras alcanzó en Sotheby, la cifra de 800.000 $, y otra por una cantidad similar en Christie’s de Londres, siendo así uno de los artistas soviéticos más caros.

Dejó inacabada una escena de otoño en la que podemos ver a Aleksandr Pushkin.