(II)Vik Muniz despliega sus juegos de percepción en el Museo Universidad de Navarra

(I)Vik Muniz despliega sus juegos de percepción en el Museo Universidad de Navarra, pincha aqui

La exposición resulta completísima y exhaustiva, atendiendo además a series y trabajos que hemos de considerar capitales e ilustradores de su estrategia y que, debido a las continuas variaciones en la trayectoria de Muniz, habían quedado ocultados o eclipsados especialmente por las series en las que reproduce obras de arte. 

Arte Microscópico: Un Castillo En Un Grano De Arena
Esta obra de arte miden menos de 1 milímetro de ancho y están grabadas en granos de arena.
Muniz primero dibujó cada castillo utilizando una cámara lúcida, cámara lúcida, un dispositivo de superposición óptica creada en 1807 que convierte las imágenes en frente del espectador en una proyección en un pedazo de papel, lo que le permitió trazar los pequeños castillos.
Los dibujos fueron enviados a Coelho quien trabajó con una serie de procesos de dibujo microscópicos durante varios años, como por ejemplo la inscripción láser que a menudo destruía la arena blanda, o no parecía lo suficientemente clara en granos más duros.
Al final se decidieron a utilizar un haz de iones focalizados (FIB), dispositivo utilizado normalmente para la fijación de los circuitos integrados en microchips, a niveles altamente sensibles para producir la forma de un castillo en una escala microscópica.
El FIB tiene la capacidad de crear una línea de sólo 50 nanómetros de ancho (un cabello humano tiene aproximadamente 50.000 nanómetros de ancho).
Por último, Muniz fotografió los aguafuertes definitivos y los amplió para impresiones de gran tamaño.
Muniz comenta: “Cuando alguien te dice que es un grano de arena, hay un momento en que tu realidad se desmorona y tienes que reconstruirla. Tienes que dar un paso atrás y preguntarte lo que la imagen es y lo que significa”.

La exposición de Vik Muniz abre caminos a 'lo fotográfico': no se trata (sólo) de aprisionar el instante, sino de reflexionar sobre la imagen y su implicación colectiva

Narciso es el último cuadro de la segunda etapa de Caravaggio, que data de 1597-1599 y se conserva en Roma. Retrata el mito de Narciso.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571-Porto Ércole, 18 de julio de 1610), conocido como Caravaggio, fue un pintor italiano, activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre 1593 y 1610. Su pintura combina una observación realista de la figura humana, tanto en lo físico como en lo emocional, con un uso dramático de la luz, lo cual ejerció una influencia decisiva en la formación de la pintura del Barroco

Narcissus, after Caravaggio (2005)

Vik Muniz - Harmony in Red, after Matisse

Armonía en rojo o La habitación roja es un óleo del artista Henri Matisse (1869-1954) de 1908. Se trata de una obra de grandes dimensiones –180'5 x 221– cm, y fue pintada por encargo del millonario ruso Sergei Shukin, coleccionista de la obra del pintor. Al parecer, Matisse pintó todo el fondo de color azul claro (como aún puede verse en los bordes), pero finalmente lo sobre-pintó de rojo intenso.

Henri Émile Benoît Matisse (Le Cateau-Cambrésis, 31 de diciembre de 1869-Niza, 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo.

Heat Spell, after Weegee, from Pictures of Paper 2008

Atlas/Carlao - Pictures of Garbage by Vik Muniz

George Stinney jr from album 2015 Vik Muniz

George Junius Stinney Jr. (21 de octubre de 1929 - 16 de junio de 1944) fue a la edad de 14 años, la persona más joven ejecutada en los Estados Unidos en el siglo XX y el último menor de 16 años; y 70 años después se declaró al joven inocente.
Más tarde fue descubierto que la viga con la cual las dos niñas fueron asesinadas, pesaba más de cuarenta y dos libras (19,07 kilogramos).​ Se decretó que Stinney no era capaz de levantar la viga, mucho menos ser capaz de golpear con fuerza suficiente como para matar a las dos niñas.

Vik Muniz | Boy with Pipe, After Picasso (2006)
Al ver muchas de sus fotografías, surge la distinción entre la imagen y el objeto (también la imagen y la materia), esto es, entre la imagen plana que todos reconocemos, porque además Muniz se apropia de verdaderos iconos de la cultura visual, y los materiales que la conforman u originan. Sucede algo parecido a cuando nos situamos ante una obra del pintor manierista Arcimboldo: distinguimos entre la imagen y su naturaleza material, los fragmentos que componen esa una unidad icónica. En otros casos, la imagen es el material, como en su serie de nubes de algodón (Equivalents) o cualquiera de sus imágenes de chocolate, azúcar o polvo.

Las obras de arte que reproduce usando distintos elementos y sustancias, para después ser fotografiadas, tanto como esas sustancias, no suelen ser arbitrarias. Los materiales tienen un claro sentido semántico que refuerzan y connotan las imágenes, ya que poseen un profundo simbolismo y relación con el referente que hacen visible. Como el azúcar con el que reproduce los retratos de niños que son explotados en la recolección de la caña, la basura que recogen los meninos da rua en su Brasil natal, soldaditos de juguete que componen el rostro de niños-soldados africanos, o las revistas cortadas en jirones que recuerdan a las expresionistas y matéricas pinceladas de Van Gogh en la versión de Campo de trigo con cipreses. Por su parte, las imágenes actúan como metáforas o se asocian a los materiales. No parece gratuito la elección del Narciso de Caravaggio (alegoría de la vanidad) o la de Saturno devorando a sus hijos de Goya (entre otras cosas simboliza la autodestrucción), las cuales realiza con desechos que caracterizan nuestra -¿agonizante?- sociedad de consumo.

Saturno devorando a un hijo es una de las pinturas al óleo sobre revoco que formaron parte de la decoración de los muros de la casa que Francisco de Goya adquirió en 1819, llamada la Quinta del Sordo. Por tanto, la obra pertenece a la serie de las Pinturas negras de dicho artista.
Francisco José de Goya y Lucientes (Fuendetodos, 30 de marzo de 1746-Burdeos, 16 de abril de 1828)a​ fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. Su estilo evolucionó desde el rococó, pasando por el neoclasicismo, hasta el prerromanticismo, siempre interpretados de una forma personal y original,​ y siempre con un rasgo subyacente de naturalismo, del reflejo de la realidad sin una visión idealista que la edulcore ni desvirtúe, donde es igualmente importante el mensaje ético. Para Goya la pintura es un vehículo de instrucción moral, no un simple objeto estético.

Jerusalem, from Postcards from Nowhere 2015

Paris from Postcards from Nowhere 2014

Vik Muniz despliega sus juegos de percepción en el Museo Universidad de Navarra

Ha dibujado la 'Gioconda' con crema de cacahuete, movido toneladas de basura tecnológica para construir un gran mapamundi y experimentado con el arte abstracto. Llegan las series más conocidas de Vik Muniz al Museo Universidad de Navarra. Hasta el 21 de marzo

Vik Muniz, el artista que reutiliza materiales cotidianos para sus obras
Aprendió en la calle y salvó en una riña a un hombre rico que le pagó los estudios en Estados Unidos
Con 22 años, recibió un disparo fortuito en una pierna y con la indemnización viajó a Estados Unidos, donde se quedó a vivir, aunque nunca ha perdido la conexión con su país; es más, ahora vive a caballo entre Nueva York y Río de Janeiro.

Se inició en la escultura para, progresivamente, zambullirse en el juego con objetos e imágenes a la hora de proponer a los espectadores lecturas nuevas sobre la percepción de lo real y su representación, formas distintas de mirar. El trabajo de Vik Muniz nos llega, en sus exposiciones, siempre en forma de fotografías, pero estas son imágenes vivas que plantean interrogantes muy diversos y que nacen de procesos de trabajo con materiales que no vinculamos específicamente a lo artístico pero que él emplea con absoluta naturalidad por servir a sus fines expresivos, como comida, basura u objetos desechados: No pienso en términos de materiales no convencionales. No creo que eso exista. Si un material es capaz de transmitir una idea, es mi esencia artística.

Doble Mona Lisa (mantequilla de maní y mermelada). Serie: Después de Warhol, 1999

Han pasado más de dos décadas de aquella Gioconda dibujada con crema de cacahuete y mermelada, multitud de investigaciones, experimentos con polvo de pigmentos, trozos de revistas y hasta diamantes. Los materiales no dejan de ser anecdóticos, pero posiblemente sea esa familiaridad que despiertan en el espectador lo que hace que sus obras se reciban con curiosidad. Vik Muniz (São Paulo, 1961) sabe jugar con ellas, busca atrapar ideas y hace constante guiños a la historia del arte.

Marlene Dietrich (from Pictures of Diamonds)

Guernica, Velázquez, Pollock, Van Gogh…, ¿qué le lleva a recurrir a la historia del arte en sus trabajos?

Guernica, después de Picasso
Llegará el 'Guernica'. En el capítulo de recreaciones de obras emblemáticas de la historia del arte,  Su propietario ha reclamado esta pieza, de manera que ahora no puede verse. Sin embargo, el MUN la está reproduciendo con altos niveles de calidad y dentro de poco podrá verse en la exposición.

Paul Jackson Pollock (/ˈpɒlək/ Cody, 28 de enero de 1912-Springs, 11 de agosto de 1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y principal artista del Expresionismo abstracto. Pollock alcanzó reconocimiento por su estilo de chorrear pintura (dripping).

Un autorretrato de Van Gogh en la versión de Vik Muniz

Vik Muniz: La historia del arte ha trazado la evolución de nuestra mirada. Las meninas, La Gioconda, El grito son imágenes que, por cierto motivo, han sobrevivido al paso del tiempo y se han convertido en referentes en esta evolución. Tiendo a mirar la historia del arte como una guía para el consumo visual.

El espectador puede seguir mis huellas y preguntarse cómo se ha hecho una fotografía. Hemos sido capaces de llegar a ser muy buenos a la hora de asimilar fotografías y de entenderlas con gran rapidez, pero cada vez somos más lentos a la hora de discernir la forma en la que miramos las fotografías. Cuando estás en un museo o una galería, debes tomarte tu tiempo, disfrutar del hecho de tratar de averiguar cómo se hizo la fotografía.

Jacques-Louis David fue coetáneo a Goya (vivió entre 1748 y 1825) y tuvo en común con él su fallecimiento en el exilio; forzado en el caso de David e inducido en el de Goya. Hay que recordar que la noción del compromiso político de los artistas, en Francia y no solo, tuvo mucho que ver con la Revolución Francesa: David y otros se comprometieron con ella como ciudadanos y reconocemos sus creencias en su pintura. Fue diputado jacobino, amigo de revolucionarios y partidario de Robespierre; también intervino de forma muy directa en la supresión de las Academias y fue cronista, a través de sus imágenes, de los hechos revolucionarios.

La muestra del MUN es una oportunidad única para recorrer 25 años de carrera de este creador, ya que el de Pamplona será el único museo europeo en albergar esta propuesta cuyo viaje desde Estados Unidos ha sido propiciado por Gabriela Wilson, mecenas y patrona de la entidad navarra, coorganizadora de la exposición junto con la Foundation for The Exhibition of Photography (Minneápolis/Nueva York/París/Lausana) y el High Museum of Art (Atlanta). La galería Elba Martínez de Madrid también ha colaborado, al igual que el Ayuntamiento de Pamplona, que ha cedido la obra de Muniz propiedad de la Colección Municipal de Arte Contemporáneo. 

Un bar del Folies-Bergère, pintado y expuesto en el Salón de París en 1882, fue la última gran obra del pintor francés Édouard Manet. 
Édouard Manet (París; 23 de enero de 1832-Ibídem; 30 de abril de 1883) fue un pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo.

Betty, 1988 de Gerhard Richter 

  

La sombra del pasado - Lothar Wolleh.- Joseph Beuys - Gerhard Richter, pincha aqui:

Tal y como explicó  el director artístico del MUN, Valentín Vallhonrat, la exposición culmina un proceso de trabajo de cuatro años con Vik Muniz, que no ha podido viajar a Pamplona y lo hará a comienzos del mes de marzo del año que viene con motivo de su participación en el proyecto Tendiendo puentes. De hecho, esta muestra tenía que haberse inaugurado en primavera, pero la pandemia la ha aplazado hasta ahora, lo cual, a juicio de Vallhonrat, tampoco está mal, porque permitirá disfrutar al público de esta "rica, abundante, hermosa y gloriosa" muestra durante el otoño y el largo invierno. Una propuesta "para todos los públicos" que comparte con el Museo Universidad un mismo interés, un concepto que es también un interrogante: ¿Cómo se construye la imagen del mundo y del arte? O, lo que es lo mismo, "cómo los relatos que plantea el arte nos ayudan a comprender el arte mismo, pero también nuestra psique y nuestra percepción del mundo".

Alice Liddell, afdter Lewis Carroll

Alice Liddell cuando tenía 6 años, en una de las fotos más que le tomó Lewis Carroll y que causa controversia. Foto: Getty Images vía BBC
 La trágica vida y crisis económica de Alice Liddell la obligó a vender el manuscrito de "Alicia en el país de las maravillas" que Lewis Carroll le había obsequiado

La novela fue traducida a un centenar de idiomas, tuvo adaptaciones para radio, televisión, teatro, cine, juegos y hasta videojuegos.
Tan conocida y popular es esta historia que cada 4 de julio se celebra el Día de Alicia en Oxford, Reino Unido, ciudad donde Carroll creó su obra maestra.
Charles Lutwidge Dodgson (Daresbury, Cheshire, Reino Unido; 27 de enero de 1832-Guildford, Surrey, Reino Unido; 14 de enero de 1898), más conocido por su seudónimo Lewis Carroll, fue un diácono anglicano, lógico, matemático, fotógrafo y escritor británico. Sus obras más conocidas son Alicia en el país de las maravillas y su continuación, A través del espejo y lo que Alicia encontró allí.

Como indicó Ignacio Miguéliz, director curatorial y de colecciones del MUN, Muniz defiende que la fotografía está en el mismo punto en el que estaba la pintura en el siglo XVIII, precisamente cuando apareció la nueva técnica, sobre todo debido al ingente tráfico actual de imágenes digitales. "Tiene claro que hoy hay que replantearse la representación de la realidad"

‘Los borrachos. After Velázquez’, 2018

A lo largo de las 115 obras que exhibe en esta exposición, se aprecia cómo ha ido investigando diferentes formas de representación. de entre las que cabe subrayar su trabajo traduciendo obras icónicas de la historia del arte –Mona Lisa, de Da Vinci; Los borrachos, de Velázquez; Un bar aux Folies Bergére, de Manet, etcétera–, que en ningún momento considera copias. Más bien plantea en estas piezas un diálogo con el original, "al que rinde homenaje recreándolo con materiales no convencionales". Como señala Arthur Ollman, comisario de la muestra, Muniz "actualiza nuestra percepción de la imagen cambiándola. En sus obras vemos cuál es su inspiración, ya que, al contrario que otros artistas, no lo oculta, sino que lo resalta, de forma que somos conscientes de ello a simple vista". En ese sentido, "juega con la realidad, su percepción y los materiales" y, en palabras de Ollman, también "juega con el sentido de memoria colectiva vinculado a la percepción del espectador". "Le interesa que se reconozca tanto la imagen de la obra de arte como el modo en que está hecha su traducción", y tiene claro que el público "diferencia entre ambas cosas, el icono y los materiales con los que lo ha recreado, la forma del contenido, "de tal manera que los disocia y no los percibe como un todo, alterando la materialidad de la obra de arte". Para conseguir ese efecto, es fundamental contemplar las piezas desde distintas distancias. Y es que al brasileño le gusta sorprender a los observadores, lograr su atención e "implicarle en la resolución de la pieza", siempre con un sentido lúdico, no exento de ironía. Y es consciente de que cada una de sus obras tiene diferentes estratos, "y cada persona percibirá significados diferentes".

‘Mahana no atua (Día del señor). After Gauguin’. De la serie ‘Pictures of Pigment’, 2005
En un primer vistazo, el público encontrará en estos trabajos algo familiar; en una segunda contemplación más detenida, las obras nos aportarán otra información. Para Muniz, esa es la diferencia entre mirar y ver, y la elección de obras maestras y reconocibles tiene que ver con lo que estas dicen de nosotros: Tomamos esas obras de arte como marcas de nuestra evolución. Han sobrevivido a la prueba del tiempo y están aquí para decirnos cómo hemos evolucionado en la forma en la que nos relacionamos con las imágenes.

Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848-Atuona, Islas Marquesas, 8 de mayo de 1903) fue un pintor posimpresionista reconocido después de su fallecimiento. El uso experimental del color y su estilo sintetista, fueron elementos claves para su distinción respecto al impresionismo. Su trabajo fue gran influencia para los vanguardistas franceses y muchos otros artistas modernos como Pablo Picasso y Henri Matisse.

Fuji Del Mar De Satta, Golfo De Suruga, Número 23 Después De Hiroshige, Por Vik Muniz

Vista del monte Fuji desde el punto de Satta en la Bahía de Suruga (1858), grabado de Hiroshige,(xilografía)
Treinta y seis vistas del monte Fuji es el título de dos series de grabados en madera (ukiyo-e) por el artista japonés Ando Hiroshige, que representa el Monte Fuji en condiciones climáticas y de temporada diferentes, y de una variedad de diferentes lugares y distancias. La serie 1852 está en posición horizontal, la serie 1858 tienen orientación vertical. El mismo tema había sido tratado por Hokusai en dos de su propia serie, Treinta y seis vistas del monte Fuji y Cien vistas del monte Fuji.
Utagawa Hiroshige, seudónimo artístico de Andō Tokutarō  (Edo, actual Tokio, 1797-ibídem, 1858), fue un pintor japonés. Perteneció a la Escuela Utagawa, una de las más reputadas del estilo ukiyo-e. Hiroshige fue uno de los principales exponentes del paisajismo japonés, llevando esta disciplina a un nivel artístico y de estilo de gran calidad.

Wanderer above the Sea of Media, after Caspar David Friedrich

El caminante sobre el mar de nubes (1817-1818)
Caspar David Friedrich (Greifswald, 5 de septiembre de 1774-Dresde, 7 de mayo de 1840) fue un pintor paisajista del romanticismo alemán del siglo XIX, generalmente considerado el artista alemán más importante de su generación. ​Es conocido por sus paisajes alegóricos de su periodo medio que muestra figuras contemplativas opuestas a cielos nocturnos, nieblas matinales, árboles estériles o ruinas góticas.

Fuentes: Diario de Noticias, El cultural, Wikipedia