ORSON WELLES "El niño prodigio" - Ciudadano Kane - La finca Recreo de San Cayetano (Ronda) lugar dónde descansa Welles

George Orson Welles (Kenosha, Wisconsin; 6 de mayo de 1915-Hollywood, California; 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense.

¿Por qué fue un niño prodigio? Sin duda, porque Welles se educó junto a una madre que le llevó por la senda de la cultura, por el camino de la música y del arte. Se cuenta que a los cinco años, tras un concierto de Stravinsky en Nueva York, hasta donde le llevó su tutor, el doctor Maurice Bernstein, el niño Welles disertó con inteligencia delante de un grupo de gente sobre la música escuchada. Entre el citado grupo, estaba Agnes Moorhead, la que sería luego una de las actrices de Ciudadano Kane y de El cuarto mandamiento, mucho tiempo después.

Increíblemente precoz, Orson Welles tiene Hollywood a sus pies con tan sólo 24 años. Pero Hollywood lo rechazará con la misma facilidad con la nque lo acogió. Condenado a errar, va de papel en papel, en películas dirigidas por otros, con lo que obtiene magros recursos para financiar sus propias películas, cuyo montaje irá completando al filo de sus peregrinajes.

Su familia se componía de su padre Richard Head Welles empresario e inventor, su madre Beatrice Ives quien se dedicaba a dar conciertos de piano y su hermano mayor Dickie quien fue recluido en una institución psiquiátrica por múltiples problemas mentales. Beatrice y Richard se divorciaron en 1921

Maurice Bernstein (médico de Chicago interesado sentimentalmente en la madre de Orson) descubrió su genialidad y Beatrice comenzó a instruir a su hijo en todo tipo de expresiones artísticas, tales como la música, literatura, pintura, dibujo.

Beatrice Ives fallecería de ictericia en un hospital de Chicago el 10 de mayo de 1924.

Tras la muerte de su madre, Orson de nueve años de edad, perdería su interés en la música, y pasó a vivir nuevamente con su padre, que se volvió alcohólico.

Maurice Bernstein seguiría sioendo el impulsor de la educación de Welles, quien estudiaría en la Toll School de Illinois. En 1930, con tan solo 15 años, sufre la pérdida de su padre a causa de su adicción a la bebida.

Orson Welles recorre Europa y Estados Unidos con su tutor, forjando su inmensa cultura. Tras mentir sobre su edad, consigue que lo contraten para unb teatro a la edad de 16 años. A los 19 funda y dirige la compañía del Mercury Theatre, que cuenta con numerosos actores mayores que él.

Sus puestas en escena de Shakespeare (un "Macbeth" "vudú" y un "Julio César" "camisa negra" fascista) lo convierten en una personalidad emergente.

Cónyuges:

Paola Mori (1955–1985)

Rita Hayworth (1943–1948)

Virginia Nicholson (1934–1940)

Margarita Carmen Cansino Hayworth (Nueva York, 17 de octubre de 1918-Nueva York, 14 de mayo de 1987), más conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth, fue una de las actrices más emblemáticas y glamurosas de la época dorada del cine estadounidense y la diva máxima de Hollywood de la década de 1940. Ocupa el puesto 19º en la lista del American Film Institute de las grandes estrellas del Séptimo Arte y fue apodada "la diosa del amor" por el periodismo de su tiempo.
Su fama como mito erótico se consolidó con Gilda (1946), de Charles Vidor, una de las grandes películas del cine negro, en la que Rita protagoniza dos escenas ya míticas: primero, una sugerente interpretación musical de «Put the blame on Mame», con un striptease tan explosivo como breve (solo se quita un guante), y después una bofetada.
Fue su primer marido, Edward Judson, con quien se casó a los dieciocho años a pesar de la oposición de sus padres, quien la lanzó al estrellato, convirtiéndola en su mejor inversión personal.(Se casó 5 veces)

Parejas:

Dolores del Río (1938–1941)

Oja Kodar (1966–1985)

Orson Welles junto con Dolores del Río
Dolores Asúnsolo y López Negrete, conocida profesionalmente como Dolores del Río (Durango, México, 3 de agosto de 1904 - Newport Beach, California, Estados Unidos, 11 de abril de 1983) fue una actriz mexicana. Dolores fue la primera estrella femenina latinoamericana en triunfar en Hollywood, con una destacada carrera en el cine estadounidense en los años 1920 y 1930
 Es considerada también como una de las figuras femeninas más importantes de la Época de Oro del Cine Mexicano en los años 1940 y 1950
Dolores es recordada como uno de los rostros más bellos que aparecieron en la industria fílmica de la época.​ Su larga y versátil carrera abarcó cine mudo, cine sonoro, teatro, televisión y radio.

Hijos:

Christopher Welles Feder (1938)

Michael Lindsay-Hogg (1940)

Rebecca Welles Manning (1944–2004)

Beatrice Welles (1955)

Michael Lindsay-Hogg (Nueva York, 5 de mayo de 1940) es cineasta y documentalista. Ha filmado varias películas para la televisión, pero es más conocido por sus numerosas contribuciones a la filmografía de la música rock: ha filmado a varios artistas importantes, la mayoría en concierto, entre los que se cuentan The Beatles, Paul Simon, Neil Young y The Rolling Stones.
Filmó el famoso documental de los Beatles, Let It Be y el concierto de culto Rock And Roll Circus de los Rolling Stones, entre otros.
Aunque el padre biológico de Michael Lindsay-Hoggs fuera (el por aquel entonces actor) Orson Welles, fue adoptado y educado por el Barón Sir Edward Lindsay-Hogg.

Traslada sus actores y sus proyectos a la radio. Para contrarrestar la fuerte competencia radiofónica que debía soportar el programa en el que trabajaba Welles, para la víspera de la fiesta de Todos los Santos de 1938 se programó una emisión de "La guerra de los mundos", la conocida novela de Herbert George Wells, en una versión actualizada en la que los marcianos invadía Nueva Jersey. El truco del guión consistía en que el radioyente que acababa de conectar la radio escuchaba un programa de música de baile en directo que, de tanto en tanto, se interrumpía para dar paso a breves informaciones sobre "un objeto en llamas, al parecer, un aerolito", que había caído en una granja de Nueva Jersey y que resultaba ser la avanzadilla de una invasión marciana de la tierra.

La guerra de los mundos es una novela de ciencia ficción escrita por Herbert George Wells y publicada por primera vez en 1898, que describe una invasión marciana a la Tierra. Es la primera descripción conocida de una invasión alienígena de la Tierra, y ha tenido una indudable influencia sobre las posteriores y abundantes revisiones de esta misma idea. De la novela de Wells se han hecho adaptaciones a diferentes medios: películas, programas de radio, videojuegos, cómics y series de televisión.

Herbert George Wells (Bromley, Kent; 21 de septiembre de 1866-Londres, 13 de agosto de 1946 ), más conocido como H. G. Wells, fue un escritor, novelista, historiador y filósofo británico. Es famoso por sus novelas de ciencia ficción y es considerado, junto a Julio Verne, uno de los precursores de este género. Sus novelas, junto con las de éste, fueron la inspiración del ingeniero aeroespacial Wernher von Braun.​ Por sus escritos relacionados con la ciencia, en 1970 se decidió en su honor llamar H. G. Wells a un astroblema lunar ubicado en la cara oculta de la Luna.

La Guerra De Los Mundos - Orson Welles Sub - Español, pincha aqui

Orson Welles en 1938

Con la emisión de ese programa provocó la histeria de un buen número de personas, que se creyeron al pie de la letra lo que habían escuchado por la radio. Sin duda, fue un efecto maestro de puesta en escena radiofónica.

Este episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir películas.
Dirige "Ciudadano Kane" 1941 con unos medios que no volverá a tener nunca.

El guión original de Herman Mankiewicz presenta una estructura en flashbacks no cronológica totalmente inusual en aquella época.

Un flashback es una técnica narrativa (literaria, cinematográfica…) que retrotrae la narración temporal a un acontecimiento pasado, casi siempre con la intención de situarse en algo importante para la configuración del presente del personaje o situación desarrollada. 

Orson Welles interpretando a Charles Foster Kane (RKO)
La polémica que generó la cinta fue tal que RKO Pictures recibió ofertas monetarias para destruirla antes de su estreno público. Tras una negociación con los abogados de Hearst, la compañía cinematográfica presionó al director para que eliminara algunos fragmentos de la película. Una de las escenas eliminadas hacía referencia a la sospechosa muerte de Thomas Ince, un magnate del cine que falleció durante una fiesta de cumpleaños de Hearst.

Citizen Kane Rosebud, pincha aqui

Trailer Ciudadano Kane, pincha aqui

Hasta ese momento la experiencia de Welles como realizador cinematográfico era casi nula, por lo que comenzó a estudiar la técnica y el lenguaje del cine, manifestando en varias ocasiones que mucho de lo que aprendió lo hizo viendo "La diligencia" 1939 de John Ford.

La suma de los conocimientos adquiridos más sus innovaciones de debutante, forman un estilo visual propio, inédito para la época, como el uso del "documental" dentro de la propia historia.

Pronto se extiende el rumor de que se trata de un retrato encubierto del magnate de la prensa William Randolph Hearst.

El magnate intentó prohibir la proyección, pero se estrenó en 1941 con gran éxito de crítica, aunque no de taquilla, debido a las trabas que tuvo la distribución, promovidas por Hearst.

Con el paso del tiempo se ha considerado en la mayoría de ocasiones "la mejor película de la Historia del Cine", realizada con tan solo 25 años.

William Randolph Hearst y la actriz Marion Davies jugando al croquet (Getty Images)
Rosebud es el gran secreto de la historia, la última palabra que dice Kane antes de morir y ha pasado a considerarse uno de los McGuffin más importantes de la historia del cine. Solo al final de la cinta el espectador conoce que Rosebud (”capullo de rosa” en español) es el nombre del trineo con el que jugaba Kane de pequeño, la imagen de una infancia añorada. Pero Rosebud es mucho más, en realidad era el apodo cariñoso que Hearst daba a las partes íntimas de su amante, la actriz Marion Davies, a la que intentó lanzar en vano al estrellato. En la película, Davies es presentada como una mujer frívola e interesada, pero lo cierto es que cuando Hearst se arruinó, ella le ayudó a superar la crisis vendiendo sus valiosas joyas.

Sobre Rosebud Welles aseguró que se trataba de un recurso para “arrancar” la historia. “El truquito de Rosebud es lo que menos me gusta de la película. No es más que eso, un truquito, y parece sacado de un libro de tercera sobre Freud para principiantes”, dijo.

Steven Spielberg compró el famoso trineo en una subasta en 1982 por 50.000 dólares. Cuando Orson Welles se enteró de esto, dijo: “Pensé que lo habíamos quemado”.

Ciudadano Kane - George Orson Welles - Herman Jacob Mankiewicz - Herbert George Wells - Wernher von Braun - Joseph Raymond McCarthy -  El macarthismo - La Guerra Fría - La guerra de Corea - Arthur Asher Miller, pincha aqui

(II) William Randolph Hearst - Joseph Pulitzer - Monasterio Español de Sacramenia (Miami) - Monasterio de Santa María de Óvila , pincha aqui

(III) William Randolph Hearst -  Castillo Hearst - El Antiguo Monasterio Español: El pasadizo que conecta a Miami con la Europa Medieval -  Hispanic Society of America - Archer Milton Huntington, pincha aqui

(IV) William Randolph Hearst - Arthur Byne (El americano que expolió España), pincha aqui

El 8 de mayo de 1987, tres guardias civiles custodiaban un coche fúnebre en la carretera que va de Ronda a Campillos, una localidad menos conocida de Málaga. Una joven Beatrice Welles llevaba en sus manos una arqueta en uno de los coches, se dirigían a la finca Recreo de San Cayetano, lugar donde tendrían lugar las exequias de Orson Welles, el genio, el autor y protagonista de Ciudadano Kane.

El pozo donde están las cenizas de Orson Welles en El Recreo de San Cayetano

Entre los asistentes al sepelio, que llevaría al director de Sed de Mal a descansar eternamente en la finca del torero pese a que había muerto dos años antes, se encontraba la hija de este, una joven Carmina Ordóñez que parecía compungida ante la despedida a su ‘tito Orson’.

El pozo donde descansaría eternamente el maestro del séptimo arte, siempre recordado por sus excesos, había sido regalado por el Ayuntamiento de Ronda al “maestro de maestros”, es decir, a Antonio Ordóñez. Sin embargo, también podría servir como epitafio para el creador de La dama de Shangai.

Carmina Ordóñez y Orson Welles (Montaje de 'Vanitatis')
El apelativo de Carmina hacia Orson Welles no fue gratuito. Desde que estudiase, siendo una niña, en el Liceo Francés, su vida se convirtió en un cúmulo de privilegios entre los que también estaba el conocer de cerca al director, actor y guionista de cine que, al igual que Ernest Hemingway era un habitual en su casa, mostrando como nadie su querencia por todo lo andaluz.  Welles era un habitual de la plaza de toros de Ronda en los años 50, época en la que visitó nuestro país y rodó alguna que otra película como la shakesperiana Campanadas a medianoche. Esa frecuencia con la que disfrutaba de la España franquista fue la que hizo que forjase una amistad especial con el torero y una cercanía con sus hijas, a las que llegaba a traer regalos de Estados Unidos.

Uno de los elementos más sorprendentes de la amistad entre Antonio Ordóñez y Welles es que este último, consciente de una maestría que le hacía poner la cámara ante cualquier escenario, cogió su objetivo entre 1957 y 1961 para grabar muchas de las corridas en las que participaba su amigo el torero. Así, el mismo genio que creó grandes obras maestras del cine, también fue el responsable de la grabación de algunas de las mejores faenas de Ordóñez.

Antonio Ordóñez y Welles

Cuenta la leyenda que Carmina prefería la personalidad de Orson Welles a sus películas, pero pocos periodistas se atrevieron a preguntárselo. El William Randolph Hearst de la ficción, por su parte, quedaría unido para siempre a una Ronda que  le ha rendido el justificado homenaje a un hombre que, pese a las glorias de Hollywood, siempre prefirió la poesía andaluza del pueblo malagueño que le ofrecieron los Ordóñez.

(II) George Cukor "El director de las actrices"

George Cukor "El director de las actrices" - Katharine Hepburn, pincha aqui

My Fair Lady (1964) fue el éxito de una década en que el director empezó a espaciar sus trabajos. Audrey Hepburn se sumó con éxito a la legión femenina que había pasado por la dirección de Cukor, aunque no apareció entre las doce nominaciones y los ocho Oscar que obtuvo la película, durante cuyo rodaje fue asesinado el presidente Kennedy.

Versión cinematográfica del mito de Pigmalión, inspirada en la obra teatral homónima del escritor irlandés G.B. Shaw (1856-1950). En una lluviosa noche de 1912, el excéntrico y snob lingüista Henry Higgins conoce a Eliza Doolittle, una harapienta y ordinaria vendedora de violetas. El vulgar lenguaje de la florista despierta tanto su interés que hace una arriesgada apuesta con su amigo el coronel Pickering: se compromete a enseñarle a hablar correctamente el inglés y a hacerla pasar por una dama de la alta sociedad en un plazo de seis meses.

"Magistral adaptación de la comedia musical de Lerner y Loewe, que a su vez se inspiraba en el Pigmalión de Bernard Shaw. Gozoso espectáculo en el que todos sus elementos se ensamblan de manera mágica. Elegante, deliciosa, vibrante, una obra maestra más allá del bien y del mal"

1964: 8 Oscars, incluyendo mejor película, director, y actor. 12 nom.
1964: 3 Globos de Oro, incluyendo Mejor película - Comedia o Musical. 5 nominaciones
1964: Premios BAFTA: Mejor película. 2 nominaciones
1964: Sindicato de Directores (DGA): Mejor director
1964: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión musical
1964: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película y actor (Harrison)
1964: Premios David di Donatello: Mejor actor, actriz y producción extranjeros
1964: National Board of Review: Top 10 mejores películas

My Fair Lady - The Rain In Spain, pincha aqui

Audrey Kathleen Ruston (n. Bruselas, Bélgica; 4 de mayo de 1929 — m. Tolochenaz, Suiza; 20 de enero de 1993) más conocida artísticamente como Audrey Hepburn, fue una actriz, modelo, bailarina y activista británica de la época dorada de Hollywood, considerada por el American Film Institute como la tercera mayor leyenda femenina del cine estadounidense y formando parte de la Intenational Best Dressed List Hall of Fame.
En 1935 sus padres se divorciaron, y su padre, simpatizante nazi, abandonó a la familia. Ambos padres eran miembros de la unión británica de fascistas a mediados de los años treinta, según Unity Mitford, amiga de Ella van Heemstra y seguidora de Adolf Hitler. Audrey llamó más adelante a este hecho «el momento más traumático de su vida». Recién mucho más tarde consiguió localizar a su padre en Dublín a través de la Cruz Roja. Desde entonces permaneció en contacto con él y lo apoyó financieramente hasta su muerte.
Durante su juventud, Audrey sufrió la Segunda Guerra Mundial, primero en Bélgica y luego en los Países Bajos, de donde era originaria su madre. Para evitar que sus orígenes ingleses se revelaran, la madre de Audrey la llamaba Edda Van Heemstra, como ella, y la obligó a hablar holandés. Audrey hablaba perfectamente inglés, francés, holandés e italiano, hablaba un poco de alemán y también de español. Estudió para ser bailarina, pero la mala alimentación durante la guerra hizo estragos en su constitución, así que, pese a seguir estudiando y practicando, se vio en la obligación de elegir una nueva profesión, que fue la de actriz.

Reginald Carey Harrison, (n. 5 de marzo de 1908 - m. 2 de junio de 1990), conocido como Rex Harrison, fue un actor de teatro y cine inglés.

De sus últimos cinco títulos, dos fueron trabajos para la televisión, y las otras tres cerraron con broche de oro la fructífera relación que el director mantuvo con las actrices. Viajes con mi tía (1972), basada en la novela de Graham Greene, retomaba la comedia y daba uno de sus mejores papeles a la británica Maggie Smith, que fue nominada al Oscar. En El pájaro azul (1976), un cuento protagonizado por Jane Fonda y Ava Gardner, la búsqueda del "pájaro de la felicidad" se convertía en la principal meta de dos niños campesinos. Y, finalmente, , que Cukor dirigió con ochenta y dos años y que protagonizaron Jacqueline Bisset y Candice Bergen, es un conmovedor y realista retrato de la amistad.

Viajes con mi tía, pincha aqui

Dame Margaret Natalie Smith Cross CH, DBE (Ilford, Inglaterra; 28 de diciembre de 1934),​ más conocida como Maggie Smith, es una consagrada actriz de teatro, cine y televisión británica. Ha grabado más de 50 películas y su extensa carrera, la cual abarca más de 60 años, la ha convertido en una de las actrices europeas de mayor reconocimiento en el mundo. Es considerada una figura importante dentro de cultura británica, fue nombrada «Dama» (Dame en inglés) por la reina Isabel II por su contribución a las artes interpretativas en 1990 y recibió la Orden de los Compañeros de Honor en 2014.

La vida de un empleado de banca metódico y sedentario cambia radicalmente con la llegada de una excéntrica dama que dice ser su tía. Esa peculiar mujer arrastrará a su sobrino a un viaje alrededor del mundo que estará lleno de sorpresas y aventuras. Gracias a esta experiencia el joven cambiará su concepción de la vida. 

El pájaro azul 1976 en español parte 2, pincha aqui

Dos niños, hijos de un leñador, buscan ”El Pájaro Azul de la Felicidad” para curar a una vecinita enferma. En su viaje, los guía la Luz y los acompaña su viejo amigo El Pan y su compañero más fiel, El Perro. En su búsqueda llegan al castillo de La Noche, al engañoso Jardín de los Sueños, al Campo de la Voluptuosidad y al Bosque, de cuyos terrores logran huir ayudados por El Perro. Por fin, encuentran un lugar apacible: el Reino del Futuro, donde esperan su nacimiento generaciones enteras. Allí vive El Padre del Tiempo, que observa cuidadosamente lo que la Tierra puede necesitar. En su viaje, los niños han descrito un círculo completo, porque El Pájaro Azul de la Felicidad estaba donde había estado siempre: en su propia casa. 

Fonda en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 2007.
Jane Fonda (Nueva York, 21 de diciembre de 1937) es una actriz estadounidense de larga y polifacética trayectoria, que ha trabajado también como escritora, editora de libros y realizando videos de aeróbic, y como activista política y blogger.

Ava Lavinia Gardner (Brogden, Carolina del Norte, 24 de diciembre de 1922 - Ciudad de Westminster, 25 de enero de 1990) fue una actriz de cine estadounidense nominada a los Premios Óscar, considerada una de las grandes estrellas del siglo XX y como uno de los mitos del Séptimo Arte. Conocida por su exuberante y fotogénica belleza, se dice de ella que fue "el animal más bello del mundo".

Estados Unidos, años 40. Merry Noel (Bergen) y Liz Hamilton (Bisset), íntimas amigas desde el colegio, donde habían sellado un pacto de fidelidad, se separan cuando Merry se casa. Veinte años después, Merry, prototipo de mujer burguesa, madre y ama de casa, se ha convertido en una popular escritora de best-sellers. Liz, en cambio, como escritora de carácter intelectual, no goza de la misma popularidad. Aprovechando una gira por California, Liz visita a Merry, que parece feliz dentro de un ambiente frívolo y superficial. El reencuentro sacará a relucir lo que ambas han cambiado durante todo ese tiempo. 

Ricas y famosas (1981) de George Cukor, pincha aqui

Jacqueline Bisset (Winifred Jacqueline Franser Bisset) (n. Surrey, Reino Unido, 13 de septiembre de 1944) es una actriz de cine británica. Ganadora de un Globo de Oro por mejor actriz de reparto de serie, miniserie o telefilme por Dancing on the Edge.

Candice Patricia Bergen (n. 9 de mayo de 1946; Los Ángeles, Estados Unidos) es una actriz y productora de cine y televisión estadounidense. Ganadora de dos Globos de Oro y de cinco Premios Emmy. Candidata a los Premios Óscar, BAFTA y los Premios del Sindicato de Actores.​ Conocida por sus intervenciones en películas como Vivir por Vivir (1967), Starting Over (1979), Rich and Famous (1981), Gandhi (1982), Miss Congeniality (2000) o Sweet Home Alabama (2002). También ha participado en series de televisión como la exitosa Murphy Brown (1988-1998) y Boston Legal (2005-2008).

Cukor siempre fue un director muy apreciado por la intelectualidad cinematográfica europea; entre otros, François Truffaut y Eric Rohmer reconocieron su capacidad artística y creativa y se identificaron con su inigualable tratamiento de la clase media.

François Truffaut (París, 6 de febrero de 1932 - 21 de octubre de 1984) fue un director, crítico y actor francés. Fue uno de los iniciadores del movimiento llamado la Nouvelle vague, si bien luego evolucionó de un modo muy personal.
Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.

Éric Rohmer, seudónimo de Maurice Henri Joseph Schérer (Nancy, 4 de abril de 1920 - París, 11 de enero de 2010),​ fue un crítico y director de cine, además de periodista, novelista, guionista y profesor francés. Figura intelectual importante de la llamada Nouvelle vague (Nueva Ola) francesa de posguerra, y editor de la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinéma, es recordado sobre todo por tres series de películas: Seis cuentos morales, las seis Comedias y proverbios y los Cuentos de las cuatro estaciones.

Cukor debió de haber sido el director de "Lo que el viento se llevó", de hecho David O. Selznick le puso al mando en 1937 y Cukor pasó un año en las labores de reproducción de la película, incluso, llegó a ensayar  con las actrices Vivien Leigh y Olivia de Havilland. No obstante, a Cukor le molestaron ciertos cambios de guión y al protagonista masculino Clark Gable le incomodaba la abierta homosexualidad de Cukor, pues el director, aunque discreto, nunca ocultó su sexualidad. Ambas razones llevaron a David O. Seilnick a despedir a Cukor, no obstante, el continuó ayudando en la producción, ya que fue contratado para ensayar con Leigh y de Havilland.

Lo que el viento se llevó (título original en inglés: Gone with the Wind) es una película estadounidense de cine épico, histórico y romántico de 1939, adaptación de la novela de 1936 de Margaret Mitchell del mismo título, producida por David O. Selznick y dirigida por Victor Fleming.

La supuesta homofobia de Gable no era un patrón con el que Cukor se enfrentara a menudo en Hollywood, de hecho, el director contaba con gran cantidad de amigos entre los actores, directores y técnicos que lo visitaban con regularidad. En su casa se celebraban grandes fiestas a las que estos acudían con asiduidad y, ya que no tenía familia propia, esta casa estaba decorada con las fotos de los que Cukor consideraba sus amigos.

George Cukor's Mediterranean-Style Residence in California

Marilyn Monroe ríe en la piscina de la mansión de Cukor durante el rodaje de ‘Something’s Got To Give’ (fotografía de Lawrence Schiller)

¿Fue Clark Gable Homosexual?
Uno de los grandes galanes de la historia del cine. Reunía todas las cualidades que podían presentar por ejemplo Gary Cooper, Cary Grant y Gregory Peck juntos. Era un hombre grande, fuerte, rebelde, atractivo y con personalidad, dentro y fuera de la pantalla. Lo más parecido que podríamos encontrar hoy sería... George Clooney!?
Alcanzó la fama con It Happened One Night (Frank Capra, 1934), y la inmortalidad con el papel de Rhett Butler en Gone with the Wind (Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood, 1939).

Mantuvo romances con algunas de las mayores celebridades de la época, casándose cinco veces. Tal fama, tal reconocimiento no es extraño que hagan despertar rumores sobre su vida privada. Pocas son las estrellas que se libran. En el caso de Gable fue su pasado de chapero en los años 20 con celebridades gays de Hollywood.Todo surgió en los años 30 cuando Gable empezó a coger fama en Hollywood. No era más que un rumor que el mismo actor desmentía cuando la prensa le preguntaba. Pero no fue hasta el rodaje de Lo que el viento se llevó cuando el rumor pasó  a ser cotilleo de primer nivel.Para el papel del galán Rhett Butler la productora no se lo pensó dos veces y contrató a Clark Gable, era la elección perfecta. El director escogido para rodar la épica cinta había sido George Cukor, y ahí empezó el problema. George Cukor era uno de los directores en auge en los años 30, y el contar con él para dirigir la cinta parecía una apuesta segura. Pero aquí viene el dato: Cukor era abiertamente homosexual y como tal, sabía quien lo era y quien no en Hollywood. Él era una de esas personas que sabía sobre el pasado de Gable, o que al menos había oído los rumores de primera mano. De ahí que Gable exigiera que despidieran a Cukor tras un año de pre-producción, ya que le incomodaba la idea de con Cukor airease esos rumores. La productora no tuvo más remedio que aceptar.

 Pedro Almodóvar Caballero (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 25 de septiembre de 1949) es un director de cine, guionista y productor español, el que mayor aclamación y resonancia ha logrado fuera de España en las últimas décadas desde el cineasta Luis Buñuel. Ha recibido los principales galardones cinematográficos internacionales, entre otros dos premios Óscar, en diversas categorías y varios Premios Goya. En 2017 fue el presidente del jurado del Festival de Cannes.

"Yo creo que soy uno de los hombres menos machistas del mundo, más auténticamente feministas (...) Defiendo a las mujeres, pero no creo que sean unos arcángeles". Como Cukor, Almodóvar es un cineasta marcado por el misterio de la complicidad femenina. Por la fuerza de la maternidad, por el poder de su locura de amor, por su fe en la pasión. En sus películas, los hombres no son más que títeres, ausencias o signos de opresión: habrá que esperar hasta una película de madurez, Hable con ella, para encontrar en su obra a dos personajes masculinos que han asumido su lado femenino, su capacidad para llorar reflejados en un espejo de dolor común.
Un cine que se cimenta en influencias tan variopintas como la comedia sofisticada de mujeres de Cukor, el melodrama esteticista y arrebatado de Douglas Sirk, el movimiento underground de transexualidad y drogas de la Movida madrileña e, innegablemente, una educación sentimental, religiosa y manchega, sagrada y profana, que está siempre presente en su trabajo. 

Ostenta la condición de Caballero de la Orden de la Legión de Honor francesa (1997), además de haber obtenido la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1998). Fue investido doctor honoris causa por la Universidad de Harvard en 2009, condecoración que también recibió en junio de 2016 en la Universidad de Oxford.

Cukor murió a los 83 años y sorprendentemente, debido a su homosexualidad, fue su último deseo ser enterrado junto a Francis Howard Goldwyn, viuda de Samuel Goldwyn, de quien dijo, en su testamento, haber estado enamorado toda su vida.

Frances Howard (4 de junio de 19031​ - 2 de julio de 1976) fue una actriz de nacionalidad estadounidense, conocida por ser la segunda esposa del productor ganador de un Premio Oscar Samuel Goldwyn.
Samuel Goldwyn, nacido como Schmuel Gelbfisz (Varsovia, 17 de agosto de 18791​ – Los Ángeles, 31 de enero de 1974) fue un productor de cine estadounidense de origen polaco, ganador del Óscar de la Academia y del Globo de Oro, fundador de varias productoras. Cofundador de la Metro-Goldwyn-Mayer.

George Cukor "El director de las actrices" - Katharine Hepburn

(Nueva York, 1899 - Los Ángeles, 1983) Director de cine estadounidense. Casi desde el principio de su carrera fue descrito como "director de mujeres", fama que se consolidó con el paso de los años por las interpretaciones notables que fue capaz de conseguir de estrellas como Greta Garbo, Katharine Hepburn y Joan Crawford.

Especialista de las formas más brillantes, con fama de ser el más prestigioso "director de actrices" de Hollywood, George Cukor ha elevado el clasicismo a su nivel máximo de perfección. Con su encanto seductor, nos describe una humanidad contrastada, en ocasiones con cruelodad, aunque frecuentemente deje aflorar la emoción

George Cukor estudió derecho en la De Witt Clinton High School de Nueva York, carrera que abandonó por el teatro. Su habilidad como director de actores y su dominio de la técnica comenzaron a formarse en Broadway, donde trabajó como director antes de dedicarse al cine. Esta afición teatral la heredó de su madre, que solía disfrazarse para entretener a sus amistades, imitando a actrices famosas.

El concepto del disfraz, incluso el de transformismo, será recogido y homenajeado por el director en varios de sus títulos, como Historias de Filadelfia (1940), La costilla de Adán (1949) o Luz que agoniza (1944). El extendido rumor sobre su condición homosexual encontró su anclaje en muchos de estos detalles, pero Hollywood suavizó la supuesta "falta" calificándolo de gran director de actrices. Ciertamente consiguió que ocho de sus actrices fueran nominadas al Oscar, pero no es menos cierto que Cukor acabó reduciendo ese calificativo a una mera anécdota gracias a su saber hacer.

La mansión de los Lord se prepara para celebrar la segunda boda de Tracy Lord (Katharine Hepburn) con el rico George Kittredge (John Howard). Para inmortalizar los festejos una pareja de periodistas, Macauley Connor (James Stewart) y Elizabeth Imbrie (Ruth Hussey), son invitados especialmente por C.K. Dexter Haven (Cary Grant), el primer marido de Tracy. 

Cary Grant, Katharine Hepburn, James Stewart y Ruth Hussey en un fotograma del reclamo de la película.
En la elegante Filadelfia, un ex marido aparece en casa de su ex mujer justo un par de días antes de que ésta se case de nuevo. Su llegada revolucionará a toda la familia... Pocos nombres cinematográficos despiertan tantas simpatías como cuando oyes "C.K. Dexter Haven", el personaje interpretado por un Cary Grant en estado de gracia en esta inmortal comedia, protagonizada por tres de las más gloriosas leyendas del cine americano. Una producción de Joseph L. Mankiewicz para la MGM llena de encanto, sonrisas e inteligencia. Imprescindible.

George Cukor comenzó su trayectoria cinematográfica con Grumpy (1930), un melodrama protagonizado por Cyril Maude y basado en una obra de teatro. Durante la década de los treinta comenzó a mostrar interés por todo tipo de historias, desde el drama protagonizado por Tallulah Bankhead, Honor mancillado (1931), o Hollywood al desnudo (1932), cuyo guión fue nominado al Oscar, hasta la comedia romántica Cena a las ocho (1933), protagonizada por Marie Dressler.

Hollywood al desnudo, pincha aqui

Hollywood al desnudo
Mary Evans es una camarera cuya amistad con Max Carey, un director de cine alcohólico, le permite relacionarse con peces gordos. De esta manera llama la atención del millonario Lonny Borden, un productor de Hollywood cansado de la vida de la costa este y de ser un segundón de Max. 

En 1935 dirigió uno de sus mayores éxitos de crítica y público dentro de la década, David Copperfield, basada en la novela de Charles Dickens y protagonizada por Freddie Bartholomew. La película fue nominada al Oscar, así como el montaje. Fue la gran baza para ese año de la Metro Goldwyn Mayer, y la inversión dio sus frutos; pero quienes mayor beneficio obtuvieron de la película fueron sin duda sus actores, ya que David Copperfield se mostró como un vehículo de lucimiento inestimable para nombres como Basil Rathbone, Edna May Oliver o el mismo Lionel Barrymore, que tuvo un pequeño papel.

Charles Dickens -- (Portsmouth, Reino Unido, 1812 - Gad's Hill, id., 1870) Escritor británico. En 1822 su familia se trasladó de Kent a Londres, y dos años más tarde su padre fue encarcelado por deudas. El futuro escritor entró a trabajar entonces en una fábrica de calzados, donde conoció las duras condiciones de vida de las clases más humildes, a cuya denuncia dedicó gran parte de su obra.

Cuando muere su madre (Elizabeth Allan), David (Freddie Bartholomew) queda tutelado por su padrastro, que lo lleva a Londres y lo obliga a trabajar para un supuesto tío suyo bastante excéntrico.

David Copperfield di Charles Dickens, pincha aqui

George Cukor descubrió a Cary Grant como el actor mejor dotado para la comedia romántica a partir de La gran aventura de Silvia (1936), basada en la novela de Compton MacKenzie. Él mismo dirigiría a Grant en dos títulos más, Vivir para gozar (1938) e Historias de Filadelfia (1940), pero también lanzó otras carreras, como la de Jack Lemmon, Anthony Perkins, Katharine Hepburn o Spencer Tracy.

Vivir para Gozar trailer (1938), pincha aqui

Un hombre prometido, poco antes de la boda, se da cuenta de que está enamorado de su cuñada.

Cary Grant
(Archibald Alexander Leach; Bristol, Inglaterra, 1904 - Davenport, Estados Unidos, 1986) Actor cinematográfico estadounidense de origen británico. Mítico galán de la época dorada de Hollywood, fue el gran maestro de la alta comedia americana. Desde 1932, fecha en la que debutó en el cine, hasta 1966, año de su último filme, intervino en un total de 72 películas, muchas de ellas hechas a su medida para explotar su personalidad interpretativa. Cary Grant supo construir un perfecto gentleman, atractivo, seductor, elegante y con un toque humorístico sobriamente británico; tal labor lo convirtió en un referente indiscutible del star-system durante las tres décadas de plenitud del cine norteamericano.

Jack Lemmon --(Boston, 1925 - Los Ángeles, 2001) Actor de cine estadounidense, uno de los grandes talentos de la historia del cine y uno de los más queridos por el público, recordado especialmente por papeles cómicos en películas como El apartamento o Con faldas y a lo loco, pese a que también destacó en el género dramático

Katharine Hepburn -- (Katharine Houghton Hepburn; Hartford, Connecticut, 1907 - Old Saybrook, Connecticut, 2003) Actriz estadounidense, gran dama del teatro y protagonista de grandes títulos clásicos de la historia del cine. Katharine Hepburn nació en el seno de una familia aristocrática que decía descender de un hijo bastardo del príncipe Juan de Inglaterra. Esta alcurnia y el hecho de que sus antepasados hubieran llegado a Estados Unidos en el Mayflower eran referencias que los Hepburn mantenían muy frescas.
«Hay mujeres, y además está Kate. Hay actrices, y además está Hepburn», dijo de ella Frank Capra cuando la dirigía en El estado de la Unión (1948), uno de los títulos que reafirmó la química perfecta de la actriz con Spencer Tracy. Aunque la inconfundible máscara profesional de la Hepburn (la voz que oscilaba entre el tono reposado y el sobreagudo, el elegante acento de Nueva Inglaterra, la réplica veloz, el andar ágil y desenvuelto) establecía químicas insospechadas.

En el verano de 1932 rodó su primera película, Doble sacrificio, nada menos que junto a John Barrymore, y desde el primer día congenió con el director, George Cukor, que enseguida supo que había escogido a una actriz de gran talento instintivo. Cukor la dirigiría en una decena de filmes, entre ellos Mujercitas (1933), basada en la novela de Louise M. Alcott, en la que por supuesto encarnó a la masculina Jo, un papel que contribuyó a cimentar su propia androginia en una época en que imperaban mitos de feminidad como Jean Harlow o Mae West.

 Mujercitas (1949) Trailer Subtitulado, pincha aqui

Las cuatro hermanitas - Mujercitas (1933)  -- Cuatro jóvenes hermanas, Josephine, Margaret, Amy y Beth March, realizan un aprendizaje, a veces doloroso, a veces fascinante, de la vida y del amor al cuidado de su madre mientras su padre lucha en la Guerra Civil Americana (1861-1865). Las cuatro van creciendo y abandonando, una a una, el hogar familiar para casarse y crear sus propias familias. Sólo se queda Jo, que quiere ser escritora. A pesar de que tiene la sensación de que para ella ya no es posible la felicidad, sigue escribiendo y consigue publicar su primera obra. 

El éxito de esta película y de Gloria de un día (1933), de Lowell Sherman, que le valió su primer Oscar, abrió una etapa de auge en su carrera que, contra todo pronóstico, no tardó en declinar, durante la segunda mitad de la década, de forma paralela a la decreciente repercusión comercial de algunas sus películas. Algo que hoy resulta incomprensible, dado que precisamente en esos años rodó títulos del calibre de Damas del teatro (1937), de Gregory La Cava; Vivir para gozar (1938), de George Cukor, o La fiera de mi niña (1938), de Howard Hawks, pero que entonces obligó a la actriz a regresar a Nueva York y retomar su labor en los escenarios.

Vivir para gozar (1938)
Comedia llena de situaciones espléndidas y diálogos inteligentes, llenos de ternura, vivacidad y sentido del humor, que hacen la delicia del espectador y reflejan a la perfección la psicología de los personajes. Pero es, también, la película de las contradicciones. Contradicción entre dos formas de vida, el sueño americano, que antepone el triunfo económico a cualquier otro proyecto vital, y la vida en libertad sin rendir culto al dinero. Contradicción entre los caracteres de Linda, que encarna la libertad, y Julia, que encarna la aceptación del statu quo familiar. Contradicción entre los amigos de Julia, todos ricos y bastante hipócritas, y los de Johnny, profesores despistados (llámeme Potter), honestos y solidarios. 

Su reaparición en Broadway supuso un nuevo auge en su carrera: su trabajo en la comedia de Philip Barry Historias de Filadelfia llegó a las cuatrocientas representaciones y recibió el aplauso unánime de crítica y público. Tras su fracaso en Hollywood (le habían colgado el mote de «veneno de la taquilla» y se había visto rechazada en favor de Vivien Leigh para protagonizar Lo que el viento se llevó), la actriz se sentía tan feliz con este nuevo triunfo que el multimillonario Howard Hughes, con quien había tenido un romance, le regaló los derechos de The Philadelphia Story para que únicamente ella pudiese hacer la versión cinematográfica.

Historias de Filadelfia (1941)
Ganó cuatro oscars, obtuvo 12 candidaturas y fue una de las pocas intérpretes que consiguieron cruzar el campo de minas de la edad. A los 74 años rodó En el estanque dorado. Pero Katharine empezó a convertirse en una actriz cuando no era más que una adolescente. Su hermano Tom, al que ella adoraba, se ahorcó -"La gente es tan complicada que en realidad nunca podemos conocerla"-, y ella aprendió entonces a ocultar sus sentimientos, "a crear una persona que daría la cara al mundo mientras escondía otra que mantendría privada a toda costa", 

Y la Hepburn, tras comprar su libertad a la RKO (cancelar el contrato le costó 220.000 dólares), volvió a la Costa Oeste para ofrecerle la adaptación al zar de la Metro Goldwin Mayer, Louis B. Mayer, quien aceptó, aunque no se plegó a las exigencias de la actriz de que los coprotagonistas fueran Clark Gable y Spencer Tracy. Le proporcionaron a Cary Grant y James Stewart y tuvo a Cukor como director, y la química conseguida prueba que fue la elección perfecta para una película memorable. Esta vez perdió el Oscar injustamente frente a Ginger Rogers, pero ganó con justicia un prestigio que ya no la abandonaría.

Durante los años cincuenta y sesenta rebajó mucho su ritmo de trabajo, lo cual no le impidió cosechar grandes éxitos como La reina de África (1951), que coprotagonizó con Humphrey Bogart, o la citada Adivina quién viene esta noche (1967) y El león en invierno (1968), por los que obtuvo sendos Oscar de forma consecutiva.

Spencer Tracy -- (Spencer Bonaventure Tracy; Milwaukee, 1900 - Beverly Hills, 1967) Actor estadounidense. Católico de ascendencia irlandesa, realizó sus primeros estudios en varios colegios (su rebeldía le llevó a ser expulsado en numerosas ocasiones) hasta que entró en la Academia Marquette, un riguroso centro jesuita. Al estallar la Primera Guerra Mundial sirvió en la Armada y, finalizada la contienda, cuando aún no había cumplido los veinte años, se sintió atraído por el mundo de la interpretación dramática mientras estudiaba en el Ripon College, centro desde el que inició una gira por varias ciudades del país. Esta vocación lo llevó a inscribirse como alumno en los cursos que se impartían en la Escuela de Arte Dramático de Nueva York.

A partir de 1936 llegó una etapa más romántica en la carrera de Cukor. Títulos como Romeo y Julieta (1936), con Leslie Howard y Norma Shearer en los papeles principales; La dama de las camelias (1937), con Greta Garbo nominada al Oscar a la mejor actriz; y Vivir para gozar (1938), explotando de nuevo el filón Grant-Hepburn, mostraron las distintas caras del romance, que Cukor dominaba con maestría. También coqueteó con el cine de aventuras, en películas como El prisionero de Zenda (1937) o Las aventuras de Huckleberry Finn (1938), aunque no figuró en los créditos.

(Leslie Howard Stainer; Londres, 1893 - 1943) Actor de cine británico. Su vida profesional comenzó lejos de las tablas y de los focos: era un administrativo más que trabajaba en un banco londinense, sin nada que pudiera indicar que iba a convertirse en uno de los actores más interesantes de los años treinta. Sirvió en el ejército británico durante la Primera Guerra Mundial, y no fue hasta finalizada la contienda cuando inició su actividad teatral; al poco tiempo debutó también en el cine, en cortos y largos todavía mudos.

(Greta Lovisa Gustafson; Estocolmo, 1905-Nueva York, 1980) Actriz de cine sueca. Hija de una familia humilde, tras estudiar en el Teatro Real de Estocolmo conoció a Mauritz Stiller, quien acuñó su nombre artístico, Greta Garbo, y le dio un papel en la película Gösta Berling Saga (1923). Rodó luego en Alemania La calle sin alegría (1925).

Tras ser unos de los directores que pasaron por el decorado de Lo que el viento se llevó (1939), Cukor inició una serie de títulos que estaban claramente dedicados al mundo femenino: Mujeres (1939), con un reparto de lujo y unos ciento treinta personajes, todos ellos femeninos; Susan And God (1940) y Un rostro de mujer (1941), ambas protagonizadas por Joan Crawford; o La mujer de las dos caras (1941), en donde repitió con Greta Garbo, atestiguan su conocimiento del universo femenino.

Un rostro de mujer, de George Cukor, pincha aqui

Memorable interpretación de Joan Craword en el papel de una mujer acusada de asesinato que se somete a una operación de cirugía estética para cambiar de vida. Remake de un drama sueco de 1938 protagonizado por Ingrid Bergman. 

Lucille Fay Le Sueur, más conocida como Joan Crawford (San Antonio, Texas; 23 de marzo de 1904-Nueva York; 10 de mayo de 1977), fue una actriz de cine y televisión estadounidense ganadora de un Oscar de la Academia en 1945. En 1999 el American Film Institute la situó como la décima estrella femenina del cine de todos los tiempos.

Karin Borg Blake es una instructora de esquí que da clases a Larry blake, un playboy americano. Poco a poco se van enamorando, pero resulta que Larry tiene una novia en Nueva York que espera su regreso.

La Mujer de dos caras(película completa), pincha aqui

En 1944 Cukor abordó el suspense adaptando la obra de teatro de Patrick Hamilton Luz que agoniza, adaptación que protagonizaron Charles Boyer e Ingrid Bergman y en la que Angela Lansbury hizo su debut. Con este filme se acercó al melodrama gótico, compartiendo tema e interés con otros títulos de la década. Producida en el seno de la Metro Goldwyn Mayer, obtuvo ocho nominaciones a los Oscar, alcanzando el premio a la mejor actriz y a la mejor decoración de interiores.

En la Inglaterra victoriana, una bella mujer (Ingrid Bergman) se casa con un famoso pianista (Charles Boyer). La felicidad desaparece cuando en la casa, donde años atrás se cometió un asesinato, la mujer empieza a oír extraños e inexplicables ruidos.
1944: 2 Oscars: Mejor Actriz (Ingrid Bergman), decorado (B&N). 7 nominaciones --1944: Globos de Oro: Mejor actriz (Ingrid Bergman)

Charles Boyer -- (Figeac, 1899 - Paradise Valley, 1978) Actor de cine estadounidense de origen francés. Sin demasiado interés por el cine en un primer momento, la intención de Boyer era ser un buen actor de teatro; aconsejado por el famoso actor Raphaël Duflos, viajó a París, donde simultaneó estudios de filosofía en La Sorbona con los de teatro en el Conservatorio de Arte Dramático, bajo los auspicios del propio Duflos y de Maurice Escande.

Ingrid Bergman -- (Estocolmo, 1915 - Londres, 1982) Actriz sueca. Huérfana de madre a los dos años y de padre cuando sólo había cumplido los doce, Ingrid Bergman pasó gran parte de su infancia y adolescencia bajo los atentos cuidados de un tío suyo. A los dieciocho años se graduó en el instituto y, para entonces, la tímida y solitaria Ingrid había ya decidido ser actriz. Un año antes, en 1932, había participado sin acreditar en una película, Landskamp, hoy perdida. En 1933 consiguió ser admitida en el Swedish Royal Theatre, pero no soñaba precisamente con ser actriz de teatro; quería ser actriz de cine y lo intentaba denodadamente, presentándose a multitud de pruebas.

La comedia romántica de Cukor se fue adaptando a las distintas décadas, y al llegar a la de los sesenta el mito Marilyn Monroe también hizo aparición en su filmografía. En El multimillonario, el propio Arthur Miller revisó el guión para realzar el protagonismo de su mujer, lo que provocó que actores de prestigio rechazaran interpretar el protagonista masculino. El papel fue finalmente aceptado por Yves Montand, que había protagonizado con anterioridad Las brujas de Salem (1957), basada también en otra obra de Miller.

Un multimillonario (Yves Montand) se enamora de una estrella de Broadway (Marilyn Monroe) que protagoniza un espectáculo en el que se ridiculiza a los millonarios. Para conocerla, convence a Milton Berle, Bing Crosby y Gene Kelly (que se interpretan a sí mismos) para que lo instruyan en las artes de la comedia, la canción y el baile, con el fin de incorporarse a la compañía de teatro. La actriz cae bajo su hechizo, pero, ¿cuánto tiempo podrá mantener el engaño?
"No es un musical al estilo tradicional de Fred Astaire, pero lo es según la tradición de George Cukor" La propuesta es una comedia alegre y vitalista, algo absurda pero con unos números musicales memorables: My Heart Belongs to Daddy (1938) de Cole Porter Su titulo: Let's make love(1960) en un principio el guión que le llegó a Cukor a través de Norman Krasna se llamaba The Billionaire- aquí se tituló así; El multimillonario.

(Un multimillonario) En principio ese papel iba a ser interpretado por Gregory Peck, tambien se pensó en Gary Cooper y Jimmy Stewart.. todos ellos tendrían que dar el perfil de "hombres estoicos y aburridos", a Peck le interesó el guión, todo ésto antes de que la propia Marilyn y Cukor entraran en el proyecto. Una vez que convencieron a la estrella (estaba harta de sus papeles de rubia tonta) empezó a poner pegas para cambiar el guión-sus condiciones físicas tampoco eran las mejores en ese momento- y con los retrasos en la producción ...Gregory Peck abandona. En su lugar Ives Montand europeo, cantante y actor, que no se parecía nada a la propuesta inicial, consigue el papel.
El cantante y su mujer Simone Signoret acababan de interpretar la versión francesa de Las brujas de Salem de Arthur Miller, marido de la actriz, a éste la idea de la película le gusta e influye en Marilyn positivamente y reescribe el guión para adaptarlo a su personalidad. Pero serán Hal Kanter & Norman Krasna quienes finalmente trabajen en él y firmen como autores. Tony Randall, Frankie Vaughan, Wilfrid Hyde-White entre otros en el reparto y Gene Kelly, Bing Crosby y Milton Berle aparecen interpretándose a si mismos..¿por qué..?. Hay que verla para saberlo.

El 5 de agosto de 1962, la actriz estadounidense Marilyn Monroe, el gran mito erótico de los años cincuenta, fue hallada muerta en su casa de Hollywood. Aunque el forense dictaminó que la actriz se había suicidado con una sobredosis de somníferos, las causas de su muerte permanecen aún confusas; se apreciaron algunas contradicciones en el informe médico de su trágico fin.
Las dificultades profesionales y su agitada vida sentimental parecieron estar en el origen de su muerte. En cualquier caso, la jovialidad y el vivir desenfrenado y despreocupado que muchas veces había representado en el cine y fuera de él se corresponden poco con el verdadero perfil de su vida, marcada por las contradicciones y los complejos de una niñez y una juventud desgraciadas, seguidas después de un éxito arrollador al que no supo hacer frente, ni siquiera cuando creyó encontrar, junto a personalidades como Arthur Miller, la estabilidad y la seguridad que persiguió durante toda su vida.

Arthur Miller (Nueva York, 1915 - Roxbury, Connecticut, 2005) Dramaturgo estadounidense. Autor de obras emblemáticas como La muerte de un viajante y Las brujas de Salem, y ganador en dos ocasiones del premio Pulitzer, Arthur Miller está considerado como uno de los mejores dramaturgos del siglo XX. Escritor comprometido, Miller supo trasladar a los escenarios el conflicto del ser humano y el espíritu crítico, arremetió contra el masificador antihumanismo estadounidense, se acercó al marxismo, para después criticarlo, se opuso activamente a la “caza de brujas” del senador McCarthy y denunció la intervención estadounidense en Corea y Vietnam. Su nombre fue sinónimo de audacia y de ruptura, tanto temática como estructural.

Yves Montand (Monsummano Alto, 1921 - Senlis, 1991) Cantante y actor francés de origen italiano. Su familia había emigrado a Marsella huyendo del fascismo, tras la subida de Mussolini al poder. Maravilloso cantante desde la adolescencia, dejó muy pronto el colegio y trabajó en variados oficios. Finalizada la segunda guerra mundial, conoció en el Moulin Rouge a Edith Piaf, que se interesó por su carrera y lo ayudó a convertirse en una estrella de la canción, llevándolo a debutar en las salas parisinas. Fue también ella quien le ofreció su primer papel en el cine.