(III) Cinco mujeres importantes coleccionistas y mecenas de Arte - María Asunción Aramburuzabala

(III) Cinco mujeres importantes coleccionistas y mecenas de Arte - Estrellita Brosky (Filántropa, doctorada en Arte), pincha aqui

Fotograma de una entrevista a María Asunción Aramburuzabala en el canal Forbes México
María Asunción Aramburuzabala ha estrenado sus inversiones en nuestro país con la compra de un edificio en el barrio de Salamanca

María Asunción Aramburuzabala (Mariasun para sus más cercanos) (Ciudad de México, 1963,), coleccionista y mecenas nieta de Félix Aramburuzabal inmigrantes españoles vascos  que hicieron fortuna con la cerveza, es hija de Pablo Aramburuzabala Presidenta y directora general del fondo de inversión Tresalia Capital, es dueña de una gran fortuna. En 2012 figuraba en la lista de los 200 mayores coleccionistas del mundo de la revista ArtNews. Se sabe poco de sus gustos, pero entre sus favoritos están Takashi Murakami, Christopher Wool y Paul McCarthy. Pertenece a una docena de consejos de adminstración.

La mujer más rica de México desembarca en el mercado inmobiliario español

Fuente: El mundo - Pablo Sánchez Olmos

Como tantos otros grandes herederos, María Asunción Aramburuzabala debe su privilegiada posición a la gran fortuna que le dejó su padre. No obstante, su gran mérito ha sido no solo haberlo sabido conservar, sino también haber diversificado y ampliado el negocio más allá de lo que sus predecesores pudieron imaginar. Según confirmó la revista Forbes en su tradicional listado del 2019, esta mexicana posee un patrimonio que ronda los 6.000 millones de dólares, lo que la convierte en la sexta fortuna más importante del país y la mujer más rica de México.

Mariasun una mujer de gran carácter que asegura “Niña bien sí, corrupta jamás”. (Foto: Revista Forbes).

Aramburuzabala ahora desembarca en España para expandir sus inversiones inmobiliarias. En México todos conocen su historia, cuyo origen tiene (curiosamente) mucho que ver con nuestro país. Su abuelo, Félix Aramburuzabala Lazcano-Iturburu, forma parte de esa generación de emigrantes españoles que decidió cambiar de aires en busca de nuevas oportunidades. En los años 20, abandona su natal Eskoriatza (Guipúzcoa) para trasladarse a México, donde llegó sin dinero pero donde encontraría una oportunidad laboral en el incipiente Grupo Modelo.Tras una vida dedicada al negocio cervecero, Aramburuzabala se ganó la confianza de los dueños, se hizo con una importante participación en la empresa y formó parte de un Consejo de Administración, cuyo asiento heredarían su hijo Pablo y, posteriormente, María Asunción.A lo largo de su dilatada trayectoria empresarial, la heredera de los Aramburuzabala siempre ha destacado que su labor más importante ha sido "romper el techo de cristal en México, inspirando a otras mujeres a continuar con sus estudios y lograr sus metas profesionales". Los que mejor la conocen destacan de ella su "gran olfato para los inversiones, su talento innato para cerrar negocios y su vasta experiencia y formación".

Pablo y Alessandra con amigas
El hijo de la empresaria María Asunción Aramburuzabala contrajo matrimonio en la Ciudad de México - La boda se realizó en el Colegio de las Vizcaínas

Actualmente María Asunción compagina la vicepresidencia del Consejo de Administración del Grupo Modelo (propietario de marcas tan reconocidas como Corona), con participaciones importantes en grupos empresariales como Televisa, América Móvil y Banamex. Además, tiene su propia empresa, Tresalia, desde la que gestiona sus inversiones en sectores muy variados: moda, educación, tecnología y desarrollos inmobiliarios.Precisamente este último campo es el que más ha priorizado en sus inversiones de los últimos años, con proyectos desarrollados -o en construcción- que superan los dos millones de metros cuadrados de extensión. En busca de ampliar este tipo de inversiones, María Asunción ha puesto los ojos en el parque inmobiliario madrileño, concretamente, y según adelanta El Confidencial, ha adquirido un edificio en el número 11 de la calle Claudio Coello, en pleno corazón del barrio de Salamanca. La alta rentabilidad que está dejando a los inversores el aumento de los precios del alquiler en la capital española habrían motivado esta decisión sobre la que Aramburuzabala aún no se ha pronunciado.

Se casaron por lo civil en la residencia que la empresaria posee en Valle de Bravo. Aquí Mariasun Aramburuzabala eligió un vestido naranja mientras Tony un traje azul oscuro. (Foto: revista Caras).

DIVORCIADA Y CON DOS HIJOS. A pesar de que su nombre sea más habitual encontrarlo en la prensa económica y de negocios, su intensa vida social también la ha llevado a ocupar importantes titulares en la prensa del corazón. A sus 57 años, y tras dos matrimonios fallidos, Aramburuzabala afronta soltera su madurez. Su primer marido, y padre de sus dos hijos Pablo y Santiago, fue el empresario Paulo Patricio Zapata, de quien se divorció en 1997 tras quince años de matrimonio. Aunque, sin duda, su relación más conocida fue la que mantuvo con Antonio Garza, ex embajador de Estados Unidos en México.En el año 2005 su enlace fue considerado en México como la boda del año. A ella acudieron más de 800 invitados entre los que destacaron Laura Bush, esposa del ex presidente de Estados Unidos; el entonces gobernador de Texas, Rick Perry, así como importantes empresarios como el mexicano Carlos Slim. El matrimonio duró poco. En 2010 oficializaron su divorcio por una presunta infidelidad del estadounidense que nunca fue desmentida por la pareja. Desde entonces a María Asunción se le ha vinculado con varios pretendientes, aunque nadie ha sido capaz de confirmarlo. Enfocada en su brillante trayectoria profesional, la heredera de los Aramburuzabala parece ceder los focos a sus dos hijos, Pablo y Santiago, quienes ya han empezado a ocupar cargos de responsabilidad en el multimillonario negocio que algún día heredarán y que ya ha puesto sus ojos en España.

Mariasun Arambuzabala con sus dos hijos Pablo y Santiago Zapata Aramburuzabala, los dos amores de su vida

Félix Aramburuzabala Lazcano-Iturburu (Eskoriatza, País Vasco, España,1886- México, 1972) fue un empresario español y fundador de una conocida estirpe de empresarios mexicanos.

Nació en la pequeña localidad de Eskoriatza, en la provincia vasca de Guipúzcoa (España) en 1886. Siendo joven y pobre emigró a México, donde transcurriría la mayor parte de su vida y donde se desarrollaría su carrera profesional al frente de la Cervecería Modelo, empresa cervecera de la que sería uno de los pilares.

Desde la década de 1920 trabajó en la empresa Levaduras Leviathan y en la Cervecería Modelo. Fue uno de los hombres de confianza de Pablo Díez, el segundo presidente de la compañía Cervecería Modelo y sucesor del fundador Braulio Iriarte en 1932.

Escoriaza (en euskera y oficialmente: Eskoriatza) es un municipio español de la provincia de Guipúzcoa, País Vasco. Tiene una población de 4087 habitantes (INE 2018).

Su hijo Pablo Aramburuzabala y su nieta María Asunción Aramburuzabala han seguido al frente de la principal compañía cervecera mexicana. 

Grupo Modelo, fundado en 1924, es una cervecería en México que exporta cerveza a la mayoría de los países del mundo. Sus marcas de exportación incluyen Corona, Modelo y Pacífico. Actualmente produce 17 marcas nacionales, entre las que destacan Corona Extra (la cerveza mexicana de mayor venta en el mundo), Modelo Especial, Victoria, Pacífico, Negra Modelo, Montejo y León. También exporta siete marcas, Corona Extra, Corona Light, Modelo Especial, Negra Modelo, Pacífico, Montejo y Estrella Jalisco, estando presente en más de 180 países. Las marcas artesanales Cucapá, Bocanegra, Tijuana, Mexicali y otras forman parte de su portafolio desde el año 2014.
La empresa tiene una capacidad instalada anual en México de 90,5 millones de hectolitros de cerveza y es el importador en México de las marcas Budweiser, Bud Light, Stella Artois, Michelob Ultra, O’Doul’s, así como cervezas de especialidad de las marcas Leffe, Hoegarden, Becks y Goose Island producidas por Anheuser-Busch InBev en diversas partes del mundo.

(III) Cinco mujeres importantes coleccionistas y mecenas de Arte - Estrellita Brosky (Filántropa, doctorada en Arte)

(II) Cinco mujeres importantes coleccionistas y mecenas de Arte - Elena Ochoa Foster,  pincha aqui

Daniel y Estrellita Brodsky, Premio Iberoamericano de Mecenazgo 2019

Estrellita Brodsky, en Another Space, núcleo de la 'Daniel and Estrellita B. Brodsky Family Foundation', en Nueva York. Eileen Travell

La profesión del curador es una labor ardua, ya que es la persona que organiza y desarrolla toda la producción de una exposición de arte.
El curador de arte es el profesional capacitado en el conjunto de saberes que posibilitan la exposición, valuación, manejo, preservación y administración de bienes artísticos.

Fuente: Expansión

Daniel y Estrellita Brodsky reciben el Premio Iberoamericano de Mecenazgo 2019 por trascender barreras en el Metropolitan Museum de Nueva York y en el reconocimiento del arte latinoamericano.

Hay en la calle 23 de Manhattan, entre las avenidas 7 y 8, en pleno Chelsea, un emblemático edificio de apartamentos. Es contiguo al histórico Chelsea Hotel, donde se hospedaron Robert Mapplethorpe, Frida Kahlo, o Willem de Kooning, entre tantos. Se trata de una de esas construcciones de estilo neogótico con almenas, rosetones y ventanas en arco de medio punto que son la esencia de la ciudad, en su contraste con los infinitos rascacielos de cristal. El Carteret -las letras de bronce de su antiguo nombre aún están sobre la entrada- fue en su día un hotel adquirido en 1968 por un promotor llamado Nathan Brodsky. La compra de hoteles emblemáticos fue uno de sus movimientos visionarios.

Lo dejo atrás mientras me dirijo al oeste, a mi cita en Another Space, uno de los focos de difusión del arte latinoamericano más importantes en EEUU. Curiosamente, entre ambos lugares hay una íntima conexión.

Los padres de Nathan Brodsky llegaron a Nueva York procedentes de Rusia. Al terminar la II Guerra Mundial, Nathan había comenzado a invertir en apartamentos que renovaba y alquilaba. Con los años se asociaría con su hijo y fundarían The Brodsky Organization, firma que hoy gestiona 8.000 apartamentos en 80 edificios de la ciudad y que se caracterizaba, según el New York Times, por unos precios "razonables para el mercado de Manhattan". Para el hijo había una explicación sobre la política de su padre, fallecido en 2006: "Vivió la Gran Depresión, y le asustaba el superlujo, lo veía un mercado limitado".

Daniel y Estrellita Brodsky, en su jardín. Se casaron en 1975.

Ese hijo se llamaba, se llama, Daniel Brodsky. A sus 73 años sigue siendo uno de los grandes empresarios inmobiliarios de Nueva York, pero en los círculos artísticos es sobre todo conocido por ser el presidente del Consejo del Metropolitan Museum, el mayor de EEUU, y por su labor filantrópica. En 2011 creó junto a su esposa la Daniel and Estrellita B. Brodsky Family Foundation, que en 2015 lanzó el programa Another Space, ese lugar hacia el que camino. Su propósito, "ensanchar el conocimiento internacional del arte de América Latina", a través de subvenciones a museos y universidades para financiar investigaciones y exposiciones, además de servir de foro para muestras y programas educativos.

Tengo para mí que el matrimonio formado por Daniel y Estrellita Brodsky, que reciben este año (2019) el Premio Iberoamericano de Mecenazgo de la Fundación Callia, es uno de esos ejemplos de conmoción cósmica en el que las leyes del arte, como las de la física, sufren una alteración. De la misma manera que en mecánica cuántica existe el efecto túnel, un fenómeno por el que una partícula viola los principios de la mecánica clásica penetrando una barrera, en el mundo del arte el efecto Brodsky ha penetrado, por un lado, la barrera que mantenía al arte latinoamericano fuera del flujo del arte Occidental y de los grandes museos -llamémosle efecto Estrellita- y ha logrado, por otro -llamémosle efecto Dan-, reestructurar el Metropolitan, con sus 300 millones de dólares de presupuesto anual y sus 2.200 empleados, ampliando su formato enciclopédico al arte contemporáneo.

Maniobra gigantesca

El 4 de febrero de 2017, el New York Times titulaba "¿Es el Met Museum 'una Gran Institución en Decadencia'?". En pocos meses había despedido a 90 personas, su déficit se aproximaba a los 40 millones de dólares y acababa de cancelar el proyecto de una nueva ala presupuestada en 600 millones. En realidad, ese enorme transatlántico que es el Metropolitan había iniciado una maniobra gigantesca con la apertura en 2016 de un nuevo espacio dedicado al arte contemporáneo -la gran carencia del museo, que hubiera significado su ausencia de las grandes corrientes del presente- en el edificio diseñado por Marcel Breuer antigua sede del Whitney Museum.

Martes 13 de junio de ese año. Sólo cuatro meses más tarde del tremendo titular, el rotativo anunciaba una "sorprendente" reorganización de la estructura directiva del museo. En una reunión especial del Consejo los fideicomisarios habían votado por unanimidad que Daniel H. Weiss, un académico medieval, asumiera el liderazgo del museo "con efecto inmediato". Weiss, presidente y director de operaciones con sólo dos años en la institución, pasaba a ser director ejecutivo. Por primera vez quien programa, el director del museo -cargo para el que finalmente sería elegido Max Hollein, de 49 años-, rendiría cuentas a quien cuadra las cifras, el director de operaciones, y no al revés.

Es obvio que para Daniel Brodsky, vinculado al Met desde 1984, miembro del Consejo desde 2001 y presidente desde 2011, la solución bicéfala es la mejor. "Realmente se necesitan dos personas para dirigir esta institución", sentencia. "Si alguien tiene miedo de informar a otra persona puede que no sea la persona adecuada", añade sobre el hecho de que el director tenga que rendir cuentas. En abril de 2018, con el nombramiento de Hollein como director, lo que el New York Times había visto un año antes como "una institución en decadencia" había dado un giro que lo incorporaba al flujo del presente sin abandonar sus enormes, profundos y preciosos vínculos con la antigüedad. El efecto túnel se saldaba con no una, sino muchas barreras traspasadas.

De izquierda a derecha, Daniel Weiss, presidente del Metropolitan Museum de Nueva York, Daniel Brodsky, presidente del Consejo, y Max Hollein, director del Metropolitan Museum. Eileen Travell

Pero habíamos hablado de un doble efecto Brodsky. Y para advertir el alcance de su segunda dimensión hay que remontarse a 1995. Estrellita Brodsky había nacido en Manhattan en 1951, pero sus padres procedían de Uruguay y Venezuela. "Nos sentíamos básicamente uruguayos", cuenta sentada en Another Space, convertido en el centro físico y de coordinación de la Brodsky Family Foundation. El suelo de madera oscura contrasta con el blanco nuclear pero roto de las paredes. "Cuando era pequeña, en la escuela algunas compañeras nos preguntaban si nuestros padres iban vestidos...", relata para dar cuenta del desconocimiento que había de la cultura latinoamericana.

Grupos taínos a la llegada de los europeos, al final del siglo XV. En verde, ubicación de los caribes, pueblos belicosos de origen arahuaco como los taínos.
Los taínos fueron los habitantes precolombinos de las Bahamas, las Antillas Mayores y el norte de las Antillas Menores. Se trata de un pueblo que llegó procedente de América del Sur, específicamente de la desembocadura del río Orinoco, pasando de isla en isla, reduciendo o asimilando a los pobladores más antiguos

Interesada en el arte, aquel 1995 Estrellita, que se había casado con Dan 20 años antes -hoy son padres de una hija y dos hijos de 41, 39 y 36 años, respectivamente- colaboró en una exposición en El Museo del Barrio -museo de arte latinoamericano en East Harlem-, sobre la cultura Taíno, un pueblo precolombino del Caribe. En el libro de visitas un niño escribe: "Me llamo Taíno y estoy muy contento de saber ahora de dónde viene mi nombre", y algo hizo click.

Comisariados y adquisiciones

Tras aquella exposición Estrellita decide implicarse más y entra en el Consejo del Museo del Barrio en 1997. Pronto se convierte en su presidenta y organiza una gala anual para captar fondos. Cuando deja el cargo, en 2003, la gala anual recauda medio millón de dólares. En 2005 se incorpora al Comité de Adquisiciones de la Tate de Londres. Y en 2008 la American Society de Nueva York inaugura la primera exposición en EEUU del venezolano Carlos Cruz-Díez (In)Formed by Color. La comisaria no es sino Estrellita, que va dando pasos de gigante en su propósito: "Incorporar el arte latinoamericano al relato del arte en Occidente, en el lugar que le pertenece".

Vitral, el vino más exclusivo de España impulsa el arte
Instalación Vitral Carlos Cruz-Diez en el Museo del Vino
La bodega Otazu y el artista venezolano Carlos Cruz-Díez, uno de los mayores representantes del arte cinético-óptico a nivel mundial, se han unido para crear un proyecto único: el diseño de la botella y de la caja del vino Vitral, de Otazu. Una experiencia que trata de fusionar el vino con el arte contemporáneo en un proyecto que trasciende a sus protagonistas y se enmarca en el tiempo durante 30 años para dar lugar a una pieza final que se verá en el año 2042.
Carlos Eduardo Cruz-Diez (Caracas, Venezuela, 17 de agosto de 1923-París, Francia, 27 de julio de 2019)​ fue un artista venezolano del arte cinético. Vivió y trabajó en París desde 1960 hasta su muerte.​ Cruz-Diez propuso concebir el color como una realidad autónoma que se desarrolla en el tiempo y en el espacio, sin ayuda de la forma o necesidad de soporte.

Ese mismo año se doctora en la Universidad de Nueva York con una tesis sobre el venezolano Jesús Soto y el argentino Julio Le Parc. El estado energético del efecto Brodsky se incrementa y se concentra. Estrellita patrocina tres comisariados de arte latinoamericano en el MoMa, la Tate Modern y el mismísimo Metropolitan. "Los comisariados son importantes", puntualiza, "pero más aún lo son las adquisiciones". Y pone el ejemplo del Grupo de Adquisiciones que fundó Tiqui Atencio en la Tate y al que ella pertenece, con cuyos fondos "se han ido adquiriendo piezas de forma muy inteligente, lo que ha permitido estudiar la obra de artistas clave como Sérgio Camargo o Gego".

Esfera Japón
Jesús Rafael García Soto (Ciudad Bolívar, 5 de junio de 1923 - París, 14 de enero de 2005) fue un artista venezolano y uno de los máximos exponentes del arte cinético. Es junto a Carlos Cruz Diez y Alejandro Otero uno de los grandes representantes del cinetismo en Venezuela.
Autor de monumentales instalaciones, se destacan las de los Juegos Olímpicos de Seúl 1988, la Exposición Universal de Montreal de 1967, el diseño de la Torre BBVA o la Esfera Caracas (ícono cultural de Caracas). En 1968 el gobierno francés lo distingue con la Orden de las Artes y las Letras y en 1990 la Unesco le otorga la Medalla Picasso por considerar que su obra ha servido para acercar a los países del mundo.

"Esfera roja", escultura del artista argentino del que Estrellita impulsó una celebrada muestra en el PAMM de Miami.
Julio Le Parc (Palmira, San Martín, Mendoza, Argentina, 23 de septiembre de 1928) es un escultor y pintor argentino.
La obra de Le Parc fue para su momento aún vanguardista, innovadora, audaz; en ella se utilizan como elementos de la plástica principalmente aquellos que sorprenden o que sugestionan a la mirada -y, a través de ella, al sujeto todo-. Por otra parte, Le Parc busca involucrar absolutamente al espectador dentro de la obra; para ello recurre a iluminaciones artificiales, efectos especulares, reflejos y movimientos; por ejemplo con bandas mecánicas que se mueven por dispositivos mecánicos ocultos, el fluir de líquidos fosforescentes, el movimiento de hilos de nylon, sus esculturas en ciertos casos son genuinas instalaciones que envuelven a los espectadores. Es en los 1960 que Le Parc puede ser considerado tanto dentro del conjunto llamado Op-art como del arte cinético, e incluso del arte conceptual, aunque él intenta transcender tales movimientos y hace, principalmente, un arte experimental.

Incubadora de grandes mecenasLos Premios Iberoamericanos de Mecenazgo nacen con el fin de reconocer la figura del mecenas, hoy en día más necesaria y relevante que nunca por su labor en la conservación, promoción y difusión del patrimonio y el talento artístico de Iberoamérica. Constituyen una iniciativa social de la Fundación Callia, impulsados por Carmen Reviriego, que reconocen cada año la labor de dos grandes mecenas, uno español y otro latinoamericano, que desde la generosidad y la humildad aceptan este reconocimiento, ayudando así a los propios premios a inspirar con su ejemplo a que otros hombres y mujeres se apliquen con su misma convicción en esta empresa. Un jurado excepcional formado por personalidades de la cultura como Miguel Falomir, director del Museo del Prado, o Carmen Iglesias, directora de la Real Academia de la Historia, han reconocido en ediciones anteriores a prestigiosos mecenas como Carlos Slim, Carmen Thyssen-Bornemisza, Patricia Phelps de Cisneros y Carlos Fizt-James Stuart, entre otros.

(II) Cinco mujeres importantes coleccionistas y mecenas de Arte - Elena Ochoa Foster (Psícologa, editora, comisaria y fundadora de Ivorypress)

(I) Cinco mujeres importantes coleccionistas y mecenas de Arte - Ramón Fernández Palmeral - Patricia Phelps de Cisneros​ - Ella Fontanals-Cisneros, pincha aqui

Elena Ochoa Foster: De Francisco de Goya a Francis Bacon: inspiraciones (Goya, Velázquez), pincha aqui

Elena Ochoa Foster, lápiz de Palmeral.

Elena Ochoa Foster, nacida en Ourense (España), psícologa, editora, comisaria y fundadora de Ivorypress, es una de las coleccionistas y mecenas más activa en el mercado internacional. Elena Ochoa Foster ha recibido el premio Iberoamericano de Mecenazgo en Arte 2016, junto a su marido, el arquitecto Norman Foster una iniciativa social que reconoce a personalidades de Iberoamérica y España por su promoción del mecenazgo y coleccionismo de arte. Realiza un importante trabajo a favor de la promoción de los artistas españoles en foros internacionales.

Educada en: Universidad Complutense de Madrid - Universidad de California en Los Ángeles - Universidad de Cambridge

Durante más de veinte años desempeñó el cargo de Profesora Titular de Psicopatología en la Universidad Complutense de Madrid y hasta 2001 fue Profesora Honoraria del King’s College de Londres. Además de obtener una beca Fulbright para realizar estudios postdoctorales en la Universidad de Illinois (Chicago) y en la Universidad de Los Ángeles (UCLA), a lo largo de su carrera ha sido Profesora Visitante y ha ejercido una labor de investigación en varias universidades tanto en Europa como en Estados Unidos. Ha trabajado en RNE y Televisión Española y ha sido colaboradora habitual de varios periódicos.

En 1990 fue conductora del programa de televisión Hablemos de sexo de Televisión Española, siendo este el primer programa televisivo español que abordaba de manera clara y abierta el tema de la sexualidad.

En 1996 fundó Ivorypress, una iniciativa privada que desarrolla su actividad en la edición y comisariado de arte contemporáneo y que comprende una galería de arte, una editorial especializada en libros de artista y una librería especializada en libros de fotografía, arquitectura y arte contemporáneo.

Es miembro del MoMA's Library Council, de la Junta de Directores de Arte del Mutual Art Trust y miembro del Advisor Board del Prix Pictet de Fotografía. 

En 1996 se casó con Elena Ochoa (a quien le lleva 23 años) con quien tiene una hija e hijo, Paola y Eduardo

Elena Ochoa Foster ejerce como directora general de Ivorypress, colaborando actualmente en proyectos editoriales y artísticos con artistas tales como Ai Weiwei, William Kentridge, Maya Lin, Thomas Struth, Cristina Iglesias, Los Carpinteros y Anselm Kiefer entre otros.

(2017) Paola, la nueva generación de los Foster, rumbo a Harvard
Tras la elegancia de esta joven, primogénita de Sir Norman y Lady Elena, encontramos a alguien con las inquietudes artísticas que sus padres han sabido inculcarle muy bien prácticamente desde la cuna. Ya cuando era pequeña Paola acompañaba a sus padres a visitar museos y exposiciones, y ahora que ha llegado a la edad adulta es precisamente este ámbito hacia donde ha decidido encaminar sus pasos.
Tal y como publicó La Otra Crónica de El Mundo, Paola ha conseguido una plaza para estudiar Historia del Arte en la Universidad de Harvard. Ella misma mostró por ello su alegría recientemente en las redes sociales: "¡Clase de Harvard 2020!", escribió en Facebook, en referencia al año en el que estaría previsto que finalizase su carrera. 

Elena Ochoa Foster es Presidenta del Consejo de las Serpentine Galleries (Londres, RU) y Académica Corresponsal en Suiza para la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid, España)

La fundadora de Ivorypress, frente a la fachada del Guggenheim Bilbao. Luis de las Alas
Elena Ochoa: "Vendo libros cada día y cada vez más"

En 1996 Elena Ochoa fundó Ivorypress, desde donde ha compaginado las labores de editora de libros de artista, comisaria, librera y galerista. El Premio Montblanc de la Culture Arts Patronage reconoció su labor de mecenazgo.

 Icónica rampa. A espaldas del complejo AZCA, lejos de galerías, museos y espacios similares, en la calle del Aviador Zorita, 46-48 se encuentra este lugar que conocen bien los más relevantes protagonistas del arte contemporáneo. Artistas, comisarios, galeristas y coleccionistas lo frecuentan desde hace 12 años. Todos han bajado su ya icónica rampa, trazada por Norman Foster, que conduce a la galería de 800 m², Ivorypress Space, donde han expuesto Gilbert & George, Olafur Eliasson o Ai Weiwei. Otro espacio contiguo, Space II, donde se celebran numerosas actividades y se inauguró con una exposición de dibujos de Andy Warhol, y una imponente librería completan un think tank que podría estar en Londres, Nueva York, París o en cualquier otra gran ciudad, pero la editora y comisaria de arte siempre quiso que estuviese en Madrid. “Madrid es mi ciudad. Es donde yo estudié, es el sitio al que siempre vuelvo. Madrid es mi lugar, mi nido”, compartía Elena Ochoa Foster durante un receso en su intensa agenda de estos días.

Apasionada por su trabajo, la directora de Ivorypress lidera un sólido equipo que siempre está pensando en lo siguiente. “Todavía hay muchísimas cosas por hacer. Cada proyecto es un reto nuevo. No suelo pararme a pensar en lo que ya hemos hecho, pienso en lo que vamos a hacer mañana”. Todo comenzó hace casi 25 años, en una habitación en Londres, su primera oficina. “Era una pequeña habitación con un ordenador y un teléfono”. Allí las horas le pasaban sin darse cuenta persiguiendo su deseo: crear una editorial especializada en libros de artista. Convenció a Eduardo Chillida para el primero. Después a Anthony Caro, Anish Kapoor, Richard Long, Cai Guo-Qiang, Isidoro Valcárcel Medina o Anselm Kiefer, entre otros inaccesibles nombres con los que ella ha logrado trabajar estrechamente. “Un privilegio”. Libros únicos, en ediciones limitadísimas, que han viajado por todo el mundo, mostrándose en incontables exposiciones. Sólo hay un lugar donde se pueden descubrir todos: la sede madrileña de Ivorypress.

Febrero 2020 - Elena Ochoa Foster y Hans Ulrich Obrist.CARLOS PINA
Hans Ulrich Obrist (n. Zúrich, Suiza; 1968) es crítico y curador de arte.
Actualmente es Codirector de Exposiciones y Programas y Director de Proyectos Internacionales en la Serpentine Gallery, Kensington Gardens, en Londres.
Su laboratorio de ideas siempre está abierto a lo inesperado. Cualquier cosa puede ocurrir en Ivorypress, donde durante todo el año la actividad es incesante. Su fundadora, Elena Ochoa Foster, abre las puertas de su espacio tanto a la élite artística mundial como a novísimos talentos a los que aúpa con su apoyo. “La vida es un bumerán. Lo que das vuelve a ti multiplicado”, cree firmemente. Esta semana Hans Ulrich Obrist, tótem entre tótems del arte actual, ha participado en una charla y Blanca Miró Skoudy ha inaugurado su primera exposición individual en Madrid. “Como sostiene Jenny Holzer, todas las cosas están delicadamente interconectadas”. La frase de la artista se proyecta sobre una de las paredes en el sótano de la antigua imprenta.

Fuente: El País

Diciembre 2010
Elena Ochoa muestra la maleta de Bacon

'Detritus' es un libro que recopila 76 objetos del estudio del pintor

Detritus, el libro de autor con forma de maleta, que recopila 76 objetos -fielmente reproducidos- del estudio de Francis Bacon, se expone desde ayer en el centro de Madrid, en la galería Ivorypress Art + Books Space II.
La española Elena Ochoa, fundadora de la editorial Ivorypress, presentó ayer la exposición de Detritus, un libro valorado en 102.000 euros con forma de maleta vintage hecha con piel de color camel y broches metálicos dorados, que contiene objetos escogidos por representar y "definir el proceso creativo de Bacon", dijo.

Un centenar de expertos de las disciplinas más diversas y artesanos de los cinco continentes han trabajado en este proyecto editorial y expositivo bautizado como 'Detritus'. Curtidores, impresores, cerrajeros, tipógrafos, fotógrafos, grafólogos, papeleros, y un inacabable etcétera de especialistas aportaron sus saberes específicos. Elena Ochoa detalló la compleja elaboración es este valioso 'Detritus'. Relató cómo cada elemento se creó a mano y con técnicas especiales «para hacer de cada uno un nuevo original». «Fue una larga experiencia de investigación y de edición», relata la fundadora de Ivorypress. «Desde su casa-estudio en Londres hasta los archivos posteriores en Dublín, la presencia de Francis Bacon era palpable y tangible en sus libros, dibujos, diarios, utensilios, restos de pintura o lienzos».

Del elenco de los 76 elementos seleccionados y reproducidos fidedignamente en Detritus -se han hecho en total 25 copias facsímiles- forman parte, entre otros, restos de una pernera de pana con óleo, dibujos del artista, sobres de carta escritos y la carta de felicitación por una exposición del español Carlos March. También recortes de libros y fotos de medicina sobre alteraciones dermatológicas, de heridos de guerra o personas torturadas; estampas "que le fascinaban" y que formaban parte de "su inspiración y su mundo", porque "el dolor con sangre es protagonista" en su obra, explicó Ochoa.

El desorden y el desbarajuste del estudio londinense de Francis Bacon (1909-1991) en su casa de Reece Mews es tan mítico como el talento del pintor irlandés, fallecido en Madrid hace 18 años.

Asimismo, copias de "fotomatón", recortes y copias originales de su ex amigo el pintor Lucian Freud, de amantes, de amigos y de su último compañero sentimental y único heredero, John Edward, con el que Ochoa dijo haber hablado extensamente sobre Bacon.

Fuente: La opinión - Belén Palanco Madrid 

Elena Ochoa Foster, una casa con mucho arte (2017)

Tan enigmática en la distancia como apasionada conversadora cuando ‘rompe’ el cristal de sus ya sempiternas gafas de sol, Elena Ochoa Foster nos recibe en exclusiva en su casa de Madrid. Puro arte.

Explosión de color. Elena con un vistoso conjunto como contraste absoluto a Piz Ajüz, de Not Vital (2011), obra de especial valor para ella y su familia porque representa la montaña que se ve desde su residencia en Suiza.

Nunca antes había abierto las puertas de su residencia madrileña para un medio. Y quienes allí estuvimos nunca antes habíamos sentido que una casa tuviera tanto arte. Arte mayúsculo contemplado a través de un fascinante viaje entre habitaciones y recovecos guiado por ella, Elena Ochoa Foster, Lady Foster of Thames Bank, una de las grandes mecenas internacionales y –esto quizá debiera quedarse off the record– perfecta anfitriona que convirtió el encuentro en una clase magistral. 

(2017) el próximo 1 de junio abrirá sus puertas la Norman Foster Foundation en el Palacete del Duque de Plasencia, en el corazón de Chamberí y muy cerca del que cada vez es más su hogar a pesar de que los Foster son una familia “nómada” que reparte su vida entre España, Suiza y Reino Unido. La fundación dará el pistoletazo de salida con el fórum Future is Now, que, nos detalla Elena, contará con ponentes como el ex alcalde de Nueva York y filántropo Michael Bloomberg, los artistas Olafur Eliasson y Cornelia Parker, los arquitectos Neri Oxman, Patricia Urquiola o Maya Lin y Jonathan Ive, jefe de diseño de Apple, entre muchos otros. 

La palabra “mecenas” lleva –a los menos cercanos a este mundo– a los Médici, a intrigas palaciegas y, en cierta forma, a un modus operandi de otro tiempo. Sin embargo, en el siglo XXI el mecenazgo es igual o más necesario. ¿Cómo crees que evolucionará este apoyo en un mundo que parece mirar cada vez menos a nuestro legado y más a lo efímero? ¿Sabremos dejar el arte en buenas manos?

• Aunque se supone que el mecenas es un visionario, y que utiliza cualquiera que sea su plataforma  –social, económica o cultural–, para descubrir y “crear creadores”, hay una cualidad que debe de estar presente en el mecenazgo: la generosidad. Un mecenazgo sin generosidad termina anquilosado, se agota y muere en sí mismo. Un mecenazgo basado en la vanidad y el reconocimiento del ego no funciona a largo plazo; es un suspiro ronco y bastante desagradable en la historia del arte… y siempre finaliza en una tumba olvidada. Un mecenazgo imbricado solo en intereses financieros termina también por ahogar el espíritu creador y se convierte en una burocracia muy aburrida. 

Blanco roto. ‘Wound’, de Anish Kapoor (2005), uno de los artistas favoritos de Lady Foster y protagonista de un libro realizado a mano para Ivorypress en 2005.

En una entrevista reciente hablabas sobre el intento fallido de Lucian Freud de pintar un retrato tuyo embarazada. En realidad, habría sorprendido que lo aceptases, dado tu discreto lugar dentro del arte. ¿Algún otro artista te ha intentado convencer para retratarte?

• «Me fascinan los retratos. Acumulo cajones de ellos con fotos que adquiero aquí y allá, en mercados o en tiendas escondidas».

Bajo la escalera. ‘Cromo Once’, de Los Carpinteros (2011), recibe tras el último peldaño de la escalera que vertebra la casa. Elena Ochoa Foster prologó ‘Los Carpinteros, Drama Turquesa’, libro clave para entender la carrera artística de Marco Castillo y Dagoberto Rodríguez, que crearon Los Carpinteros junto a Alexandre Arrechea en la Cuba de comienzos de los 90.

(2015)Los artistas Dagoberto Rodríguez (izquierda) y Marco Castillo, ante la acuarela Pabellón polen durante la pasada Bienal de La Habana.
El éxito de Los Carpinteros como colectivo artístico empezó a gestarse en la isla caribeña durante la década de los noventa. En 2009 asaltaron Madrid. Desde allí cosecharon el reconocimiento internacional. Ahora, Dagoberto Rodríguez y Marco Castillo han vuelto a instalarse en La Habana mientras se restablece la relación diplomática entre Estados Unidos y Cuba.

(2015)Noche de inauguración de su nuevo estudio, ubicado en una casa de cuatro plantas de estilo modernista del barrio habanero de Nuevo Vedado. Asistieron galeristas y coleccionistas de todo el mundo, además de numerosos artistas cubanos. Fue todo un acontecimiento en la ciudad. En la terraza, una obra del artista mexicano José Dávila expuesta durante la última edición de la Bienal.

Damos vueltas alrededor de lo contemporáneo, pero ¿ante qué obras de cualquier tiempo –arquitectónicas o pictóricas– sigues quedándote boquiabierta?

• Te resumiré las últimas experiencias que me han impactado: un pequeño retrato de Isabel Peyton que vi en casa de un amigo en París hace dos meses o un imponente autorretrato a lápiz y tiza negra de William Kentridge a la entrada de la colección permanente del San Francisco MoMA. Lo opuesto a los dibujos de retratos sublimes, poéticos, frágiles y seductores de Yves Berger que este joven artista realizó de su madre en el lecho de muerte y de su padre, John Berger, cuando falleció hace unos pocos meses. Son profundamente conmovedores. El edificio monumental circular de Apple en Cupertino. Un desafío a los materiales y al espacio. Una estructura arquitectónica visionaria concebida por Steve Jobs con Norman Foster al unísono y diseñada por Norman con ayuda posterior de su estudio. La obra de Richard Serra en su última exposición este invierno en la galería Gagosian de Londres. Poética y dura, brutalmente bellísima. La edición de nueve libros de artista creados por William Kentridge en colaboración con Ivorypress durante los últimos cinco años...

Fuente:  DAVID MORALEJO

Elizabeth Peyton Self Portrait
Elizabeth Joy Peyton (Danbury, Connecticut, 20 de diciembre de 1965)​ es una artista estadounidense, pintora, dibujante y fotógrafa, reconocida por sus retratos estilizados, por lo general a pequeña escala, que, si bien ocasionalmente son fruto de sesiones con modelos vivos, suelen derivar con mayor frecuencia de fotografías, cuyas fuentes pueden ser imágenes de revistas gráficas de actores conocidos, músicos o personajes de la realeza, así como fotografías históricas de escritores o artistas; pero también de fotografías que ella misma ha tomado de sus amigos íntimos.​ Peyton vive y trabaja en Nueva York, Estados Unidos.

William Kentridge (n. Johannesburgo, el 28 de abril de 1955) un artista sudafricano, muy conocido por sus collages, dibujos, grabados y películas animadas. Atrajo fama internacional después de participar en 1997 en la Bienal de Johannesburgo y la Bienal de La Habana al igual que en Documenta X. Explorando el uso de video a través de sus dibujos, Kentridge presenta una vista representativa del estado actual de Sudáfrica.

Yves Berger (Alta saboya, Francia, 1976) creció entre los aldeanos y campesinos de los alrededores de su hogar y los numerosos artistas que visitaban regularmente a su padre, John Berger. Este específico contexto es la base en la que su obra ha crecido y se ha desarrollado durante los últimos veinte años. Emergiendo de una misma raíz su obra se divide en diferentes medios visuales como el dibujo, la pintura, el monotipo, el grabado y la escultura. Esta observación sensible y empírica del mundo también se refleja en muchos de sus escritos, ensayos y libros de poemas. Su obra se ha expuesto en varios países a través de europa y se alberga en numerosas colecciones privadas. En 2001 fue galardonado con el Theodore strawinsky Prize de pintura.

El Apple Park es la sede de la empresa multinacional de tecnología Apple, ubicada en el número 1 de la Apple Park Way en la localidad de Cupertino (California), Estados Unidos. El complejo se abrió a los trabajadores de la empresa en abril de 2017, cuando las obras no habían terminado. Sus instalaciones de investigación y desarrollo son el lugar de trabajo de unas 2000 personas y reemplazan al cuartel general de la compañía en el Apple Campus de la misma localidad, que abrió en 1993.
La planta circular del edificio principal y sus enormes dimensiones han llevado a que popularmente se lo conozca como la «nave espacial».
El proyecto del Apple Park fue anunciado por Steve Jobs a las autoridades de Cupertino en 2006.
 El edificio fue concebido por el propio Jobs y por el arquitecto británico Norman Foster. El proyecto fue aprobado por el ayuntamiento en noviembre de 2013
El 22 de febrero de 2017 la compañía anunció el nombre de su nueva sede4​ y el primer evento público se celebró en el Teatro Steve Jobs el 12 de septiembre de 2017.

Richard Serra - London Cross, 2014, Gagosian Gallery en 2020 ...
Richard Serra (San Francisco, Estados Unidos; 2 de noviembre de 1939) es un escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten. Considerado uno de los mejores escultores vivos, Serra obtuvo el Premio Príncipe de Asturias 2010.
De padre español —mallorquín—, y madre ucraniana —de Odesa— (se suicidó en 1979),Serra nació en San Francisco y estudió Literatura en la Universidad de California en Berkeley y Santa Bárbara (1957-1961).

(I) Cinco mujeres importantes coleccionistas y mecenas de Arte - Ramón Fernández Palmeral - Patricia Phelps de Cisneros​ - Ella Fontanals-Cisneros

Autorretrato de Ramón Fernández Palmeral
Ramón Fernández (Piedrabuena, Ciudad Real, 7 de mayo de 1947), conocido como Ramón Palmeral o, simplemente, Palmeral, es un pintor y escritor español, además de poeta, ensayista y editor.
Después de haber residido en distintas ciudades de la geografía española, acabó afincándose en Alicante en 1990. También ha viajado por varios países Europeos.

Manchego de nacimiento, andaluz de origen y alicantino de adopción, su obra literaria y plástica tiene múltiples referencias a Castilla, Andalucía y el Levante, así como a sus personajes ilustres: Cervantes, Antonio Machado, Lorca, Picasso, Miguel Hernández, Azorín. La obra de Palmeral supone una simbiosis entre la expresión poética y la artística. Prueba de ello son sus trabajos de ilustración de poemarios, su poesía de cualidad visual y su revista PERITO (Literario-Artístico) y actualmente el blog Nuevo Impulso, donde dio cabida a pintores y poetas.
Su extensa y variada obra le ha valido distintos reconocimientos. Ha trabajado e investigado en el "Intelectualismo", "Seres geométricos inteligentes", "abstracción reticular" y por último en "paroxismo de masas".

"La muñeca de porcelana rota", autor Palmeral 2019
Hay que aprender a diferenciar entre arte y pintura.El arte es creación, originalidad, estilo propio, obra única. La pintura es copiar la realidad sin interpretarla, copiar fotos, hacer retratos realistas, diferente seria un autretrato de Van Gogt. ¿Entendéis los conceptos? Para ser artista hay que ser trasgresor. No cobra por horas, sino por obras.

14 de diciembre de 2018 

Cuatro mujeres importantes coleccionistas y mecenas de Arte 
FIRMA Ramón Palmeral

El arte, desde los tiempos clásicos griegos y latinos se ha sustentado por mecenas, de hecho, el sustantivo de mecenas tiene su etimología del noble romano Cayo o Gayo Mecenas, y de origen etrusco nacido el año 70 antes de Cristo impulsor de las artes y protector de jóvenes talentos de la poesía y amigo de destacados autores como Virgilio y Horacio a quien le comprara una casa de campo cerca de Roma para que pudiera componer sus poemas, conocida hoy como villa Horaciana, en los montes sabinos donde compusiera su Beatus ille (dichoso aquel). La dedicación artística de Cayo Mecenas acabó por hacer de su nombre, Mecenas, un sinónimo de aquellos que fomentan y patrocinan las actividades artísticas, altruistamente.

Cayo Cilnio Mecenas

(II) El placer de coleccionar arte - Mecenas, el amigo de Augusto y de los poetas - Los Horti de Mecenas - Auditorium de Mecenas - Periégesis, pincha aqui

Auditorium de Mecenas

En la Edad Media fueron reyes, la Iglesia y la nobleza sus principales protectores. Porque el arte hay que entenderlo como un lujo para unos cuantos, de lo contrario no sería arte, serían artes decorativas de consumo.

Hoy, en los tiempos actuales, son empresarios y grandes fortunas los que coleccionan Arte, y patrocinan a jóvenes talentos con becas y compras en galerías, subasta o en ferias como en Arco. Destacan entre estos coleccionitas cuatro mujeres: dos herederas y dos por matrimonio casadas con fortunas.

Las pretensiones de los grandes coleccionistas, no consiste en almacenar obras para su propio disfrute, o construir un museo, sino en donar sus colecciones a museos importantes del mundo, o que sus colecciones se exhiban  en los más importantes museos del mundo como hiciera Patricia Phelps de Cisneros en el Reina Sofía de Madrid.

Patricia Phelps de Cisneros, fundadora de la Fundación Cisneros y la Colección Patricia Phelps de Cisneros. ÁLVARO GARCÍA
Patricia Phelps de Cisneros es, sin duda, una de las personas más influyentes del mundo del arte. Año tras año, su nombre no se apea de las primeras posiciones de ArtReview, la lista Forbes del sector. Es bisnieta del ornitólogo, explorador y empresario de origen estadounidense William H. Phelps, de quien se cuenta que llegó a Venezuela deslumbrado por la riqueza de su fauna. A los 20 años fundó y dirigió el departamento de idiomas de la Universidad Simón Bolívar en Caracas y a los 23 se casó con el magnate de la comunicación Gustavo Cisneros.
Ella misma ha contado que su nacimiento como coleccionista se produce durante los viajes de negocios de su marido tanto dentro del país como por toda Latinoamérica.
Alérgica a los números, nunca ha querido precisar el número de obras que posee ni su valoración económica. Las colecciones se encuentran en diferentes depósitos perfectamente clasificadas y ni ella ni su marido ambicionan tener un museo con su nombre. Su objetivo es conseguir que el arte latinoamericano tenga la visibilidad que le corresponde en el mundo. Ligada al patronato de museos como el MoMA o el Reina Sofía, Patty, como se la conoce en el mundo del arte, ha conseguido su objetivo con creces

Patricia Phelps de Cisneros​ es una coleccionista de arte venezolana y filántropa enfocada en Arte contemporáneo y modernismo latinoamericano de Brasil, Venezuela, y el Río de la Plata región de Argentina y Uruguay. Desde 1970, Cisneros ha apoyado en materia de educación y artes, especialmente en Latinoamérica. Junto a su esposo, Gustavo Cisneros, creó la Fundación Cisneros con sede en Caracas y Nueva York. En 1990 se creó Colección Patricia Phelps de Cisneros, programa de arte principal de la Fundación Cisneros. En 2016, Cisneros donó 102 obras de arte contemporáneo y moderno desde las décadas de los 40 a los 90 al Museo de Arte Moderno, estableciendo el instituto de investigación "Patricia Phelps de Cisneros" para el estudio del arte de Latinoamérica en el MoMA (Museo de Arte Moderno).

Gustavo Alfredo Cisneros Rendiles (Caracas, 1 de junio de 1945) es un empresario e inversionista venezolano, es el presidente de la Junta Directiva de Cisneros, (anteriormente denominada Organización Cisneros),​ empresa de medios de comunicación y entretenimiento en español, que abarca empresas tales como Venevisión, el canal de televisión uno de los más visto en Venezuela, Cisneros Media, una empresa global de entretenimiento en español, Cisneros Studios, empresa proveedora y productora de telenovelas, y la Organización Miss Venezuela, entre otros.
Ha recibido las órdenes de Venezuela del Libertador, de Andrés Bello y la Francisco de Miranda. En la actualidad posee también la nacionalidad dominicana y española. Tienen tres hijos

A sus veinte años, Cisneros se convirtió en fundadora y directora del departamento de idiomas de la Universidad Simón Bolívar, en Caracas. Allí, desarrolló un innovador enfoque audiovisual para enseñar lenguas extranjeras. También trabajó con Acción Internacional y fue colaboradora fundadora de AVEPANE (Asociación Venezolana de Padres y Amigos de Niños Excepcionales).

Patricia Phelps de Cisneros y el director del Moma, Glenn D. Lowry. S. RUDD / EPV

El Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York es hoy un poco más latinoamericano, pincha aqui

Cisneros ha mantenido una relación a largo plazo con el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La donación de 201 obras de arte latinoamericanas modernas y contemporáneas de los años 40 a los 90 al Museo de Arte Moderno, que establece el Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros para el Estudio del Arte de América Latina en el MoMA, se une a la donación anterior de Colección Cisneros por más de 40 obras donadas previamente.

En diciembre del 2018, Patricia donó al Museo Universidad de Navarra, con el que colaboraba desde antes de su inauguración en 2015, 49 obras fotográficas de la CPPC. Las obras son de autores principalmente iberoamericanos de los siglos XX y XXI, entre otros: Juan Uslé, Roberto Obregón (Colombia-Venezuela, 1946-2003), Héctor Fuenmayor (Venezuela, 1949), Mariana Castillo Deball y Miguel Rio Branco. Las obras se han donado con la petición empresa de que sean estudiadas por los alumnos del Master in Curatorial Studies.

Patricia Phelps de Cisneros y su colección
Con la inclusión de jóvenes, como Osías Yanov, Mathias Duville y Federico Herrero, la donación realizada el Museo Reina Sofía afianza el proyecto recientemente abierto en el Museo que enfoca la contemporaneidad como un campo fértil para reflexionar sobre la intersección de las prácticas artísticas y la producción de relatos sobre el momento que vivimos. A la vez, con artistas de una generación anterior, como Claudio Perna, Luis Fernando Benedit y Waltércio Caldas,  se va a poder trazar nuevas conexiones entre los diversos conceptualismos de esta región.

En 2018 Patricia Phelps de Cisnero donó al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía 39 obras de artista latinoamericanos, especialmente brasileños y venezolanos, de la década de los noventa y de los primeros años del siglo XXI. 

José Díaz, Nora Aurrekoetxea y Osías Yanov, Premio ARCO Comunidad de Madrid 2020

Osías Yanov. De la serie Escaleras. 

Los huesos del mundo - Bienal de Berlín 2020 Osías Yanov

Osías Yanov (Buenos Aires – Argentina, 1980)
Artista multidisciplinario. Sus  trabajos y proyectos incluyen performances, eventos, instalaciones, esculturas y vídeos.
Sus obras indagan cómo crear campos de resistencia conceptual y sensible ante el control estereotipado de la subjetividad. Las fiestas, rituales nocturnos, las teorías de género, el sudor, las filosofías esotéricas y la amistad con la naturaleza son el material vivo y de reflexión que se vuelcan en sus proyectos.
Sus últimos trabajos han sido exhibidos en MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires), Museo Precolombino Casa del Alabado (Quito), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires,  Museo Amparo (Puebla),  Gasworks, (Londres), Tabakalera (San Sebastián), Galería Nora Fisch (Buenos Aires), Bienal de Gwangju (Corea del Sur) y Nottingham Contemporary (Gran Bretaña)

Espíritu guardián, 2008. Acrílico sobre aglomerado. 244 x 366 cm
Matías Duville (Buenos Aires, 1974) trabaja con objetos, videos e instalaciones aunque su obra se desarrolla principalmente a partir del dibujo.  Sus obras evocan escenas desoladas con atmósferas enrarecidas y atemporales como las que preceden un cataclismo: huracanes, maremotos o situaciones de abandono en el bosque, funcionan como la visión onírica de un explorador errante, como un paisaje mental. Referente del dibujo local, su trabajo se caracteriza por la experimentación de soportes y materiales. Mediante trazos expresivos y procedimientos de cierta brutalidad, impacta la superficie dejando sus huellas en la representación, marcas en las que se mezcla la naturaleza de la materia y el paisaje. 
Entre sus proyectos recientes se destacan The Valise Project (MoMA, Nueva York, 2017),Arena Parking (Art Basel, 2016), Arena Parking (Centro Cultural Recoleta, 2015), Mutações (MAM, Río de Janeiro, 2015), Precipitar una especie (Barro, Buenos Aires, 2014); Discard Georgaphy (Ecole de beaux arts, Chapelle des Petits-Augustins, París, 2013), Safari (Malba, Buenos Aires, 2013) y Alaska (Drawing Center, Nueva York, 2013).

Búho  2008
Federico Herrero nació en 1978. Vive y trabaja en San José, Costa Rica. Ganó el premio especial para los jóvenes artistas en la 49 Bienal de Venecia en 2001.

Claudio Perna (1938-1997) figura clave del conceptualismo en Venezuela. Desarrolló una obra inscrita en el arte conceptual y las tendencias vanguardistas que se destacaron a finales de los años sesenta. Renovador de lenguajes, experimentó con los medios fotográficos, entre ellos la fotocopia, la polaroid y las tomas intervenidas, realizó proyecciones de diapositivas y películas en experiencias en vivo a la manera de Fluxus y escribió reflexiones sobre los problemas del arte contemporáneo y el papel del artista.

Claudio Antonio Perna Fermín nació en Milán el 20 de diciembre de 1938, hijo de padre italiano y madre venezolana. Pasó su infancia y adolescencia en la Italia sacudida por los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial y los duros años que la siguieron. Terminó sus estudios primarios en Brescia y a finales de 1955 llegó a Venezuela. En 1958 concluye la secundaria e ingresa a la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela, donde estudió hasta 1961. Al año siguiente viaja a Estados Unidos en un momento en que la obra de Marcel Duchamp se ramificaba en las tendencias vanguardistas de la época, y en 1963 comienza sus estudios de geografía en la UCV, que concluye con honores en 1968. Gran parte de su obra creativa girará en torno a las relaciones del arte con esta disciplina, de la cual fue profesor e investigador.

Claudio Perna - In Memoriam Margarita D'Amico

Luis Fernando Benedit (Buenos Aires, 1937 - 12 de abril de 2011) fue un artista plástico y arquitecto argentino. Su obra se sitúa en los orígenes del informalismo y las manifestaciones más recientes del arte experimental. Su primera etapa la centra en la pintura como modo de expresión, entre los años 1959 y 1962.

Tiene influencias del informalismo y particularmente en el art brut (tendencia dentro del informalismo) el creador del cual fue: Jean Dubbufet; éste define al art brut como "Dibujos, pinturas, labores de arte de todo tipo que emanan de personalidades oscuras, de maníacos, que provienen de impulsos espontáneos, animados por la fantasía, por el delirio incluso y extraños a los caminos trillados del arte catalogado". Estas personalidades serían personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como internos de hospitales psiquiátricos, niños, autodidactas, solitarios, inadaptados o ancianos. En 1963 viaja a España, donde se especializa en arquitectura. Surge, en forma simbólica, la temática del campo, generándose una visión narrativa de la imagen.

Waltercio Caldas nació en Río de Janeiro en 1946, donde aún vive y trabaja. Su primera exposición individual tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro en 1973 cuando solo tenía 27 años. En 1990, recibió el Premio de Arte Brasilia en el Museo de Arte de Brasilia. Desde entonces, numerosos museos e instituciones de arte han dedicado exposiciones con su trabajo

Waltercio Caldas comenzó su práctica artística en la década de 1960, un período marcado por el movimiento Neo-Concreto. Los artistas neoconcretos rechazaron el enfoque racionalista puro del arte concreto, adoptando un arte más fenomenológico y menos científico. Caldas forja la paradoja entre presencia y ausencia, y entre transparencia y opacidad, hasta el extremo. Esta paradoja se refuerza a través de un juego de espejos, una técnica recurrente en su trabajo. Al mismo tiempo, el artista desarrolla la idea de la reflexión sin emplear realmente espejos. Al crear varios planos donde las líneas y los objetos reemplazan los reflejos entre sí, el artista revela un espejo tridimensional y materializa la idea de la reflexión, un proceso que considera como un «desmantelamiento funcional del espejo». Así, Caldas va más allá de la dualidad entre presencia y ausencia, entre positivo y negativo, y logra alcanzar una fusión paradójica entre una realidad tangible y el pensamiento.

Las dos se mueven por el mundo con el apellido Cisneros. Ambas son coleccionistas y mecenas de arte latinoamericano y en su pasado y presente se cruzan Cuba, Venezuela, Estados Unidos y España. Pero en realidad el único vínculo familiar que existe entre Patricia Phelps de Cisneros (Caracas, 1947) y Ella Fontanals de Cisneros (La Habana, 1944) es el matrimonio con dos primos hermanos multimillonarios, los venezolanos Oswaldo y Gustavo Cisneros, un vínculo formal que se rompió en 2001 con el divorcio entre Ella y Oswaldo, el hombre Pepsi-Cola en Venezuela. Sus colecciones tienen orígenes y dimensiones bien diferentes y no consta que sus vidas se crucen pese a que ambas tienen residencia en Madrid y visitan la capital muy a menudo.

Ella Fontanals-Cisneros, coleccionista de arte, en la Feria Arco de Madrid en 2018. CLAUDIO ÁLVAREZ

(2019) La aclaración viene a cuento porque son muchos los que confunden a las dos coleccionistas en estos días en los que ambas han sido noticia en las páginas de cultura de los periódicos. Patricia Phelps de Cisneros ha agrandado su donación al Reina Sofía con la entrega de 45 obras de 33 artistas contemporáneos, la mayoría de Brasil y Venezuela que se suman a las 39 piezas regaladas hace solo un año. Mientras que unos días antes, Ella Fontanals de Cisneros recordó al Ministerio de Cultura que su intención de depositar parte de su colección (unas 3.200 obras cuyo eje central es la abstracción latinoamericana) en el edificio de Tabacalera en Madrid estaba en peligro porque no ve ningún avance en las gestiones formales.

La familia de Ella Fontanals de Cisneros, la otra millonaria y coleccionista de arte venezolana, abandonó Cuba y se instaló en Caracas tras el triunfo de la revolución castrista. En la capital, Ella trabajó como profesora de inglés o natación hasta que en 1968 conoció y se casó con Oswaldo Cisneros, propietario de Pepsi y de Digitel, entre otras muchas cosas.

(2019)Oswaldo Cisneros: El audaz empresario que hizo alianza petrolera con Maduro (Fuente TalCual)
De bajo perfil mediático, Oswaldo Cisneros Fajardo es un empresario venezolano de padres con raíces cubanas que ha incursionado en diferentes áreas de negocios, entre ellas el de bebidas (Pepsi Cola Venezuela), telecomunicaciones (Digitel) y el sector petrolero. En noviembre de 2016, Cisneros Fajardo, presidente de la empresa Delta Finance BV, firmó con Petróleos de Venezuela (Pdvsa), un convenio por $ 1.130 millones para potenciar el aumento de la producción de Petrodelta, una de las concesiones cedidas en el bloque Junín de la faja petrolífera del Orinoco que pasaría de 420 mil a 855 mil barriles diarios.
De acuerdo con información divulgada en octubre de 2016 por el diarios estadounidense Wall Street Journal (WSJ), el empresario invirtió $ 800 en la actividad petrolera venezolana mediante la empresa mixta Petrodelta, en sociedad con Pdvsa. Para sustentar la operación, Cisneros manifestó a través de un comunicado su confianza en que el petróleo subirá de precio en los próximos años y esta es su apuesta. «Es un buen momento para invertir”, dijo entonces.
En octubre de 2019, el periodista venezolano Casto Ocando aseguró a través de su cuenta en twitter que el gobierno de los Estados Unidos suspendió la visa al empresario Oswaldo Cisneros Fajardo, luego de diversas denuncias y en medio de investigaciones sobre comercialización de crudo venezolano.

No consta que en aquellos años las entonces primas políticas tuvieran una relación estrecha. Gente conocedora de ambas aseguran que la comunicación nunca fue muy fluida. Eso sí, también Ella Fontanals ha contado que comenzó a adquirir obras de arte durante los viajes de negocios en los que acompañaba a su marido. A veces con asesores y otras guiada por su intuición fue haciendo acopio de piezas que los expertos consideran importantes.

(2018) LE SALE UNA DURA COMPETIDORA A TITA THYSSEN -- JORGE MONEDERO / VANITY FAIR
Según el memorando de entendimiento redactado –y aún no firmado por Ella Fontanals y el ministro Iñigo Méndez de Vigo–, Ella donará la mayor parte de su colección de arte latinoamericano a un fondo compartido por el Estado español y otra institución, acaso un gran museo norteamericano.
En España las obras se expondrán en el edificio de la Tabacalera, en la plaza de Embajadores de Madrid. En la actualidad, ese inmueble ya alberga un centro de arte, y recientemente llegó a un acuerdo con el Reina Sofía para complementar la programación expositiva de contemporáneo del museo, a la manera del PS1 del MoMA de Nueva York.
De esta manera se suma un nuevo y poderoso jugador al eje artístico de la capital española, hasta ahora determinado por el triángulo Prado-Thyssen-Reina Sofía y algunos satélites.
Vive entre La Habana, Miami y Madrid, donde posee un piso en el barrio de Chamberí. 

La totalidad de la colección Ella Fontanals Cisneros podría incluir unas tres mil piezas y, según ella misma nos contó, sus fondos latinoamericanos ascienden a unas mil seiscientas. Abarca todo tipo de tendencias, aunque poseen un gran peso la abstracción geométrica, el conceptual y la fotografía y vídeo. Entre los nombres que incorpora (piense en un artista latinoamericano relevante del último medio siglo: lo más probable es que esté representado) podemos citar a Lygia Clark, Jesús Rafael Soto, Mira Schendel, Ana Mendieta o los pintores concretos de su país natal, Cuba.

Vista de la antigua Fábrica de Tabacos de Madrid (España) desde la Glorieta de Embajadores (distrito Centro). El edificio fue proyectado por el arquitecto Manuel de la Ballina y construido entre 1781 y 1792. Actualmente está en restauración, y será la sede del Centro Nacional de las Artes Visuales.
Tabacalera es un centro cultural y de arte localizado en la Antigua Fábrica de Tabacos de Madrid. En la actualidad sus espacios de la planta baja y sótanos han sido divididos en dos áreas: Promoción del Arte, gestionado por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte desde el año 2003 con exposiciones temporales y actividades relacionadas con la fotografía, el arte contemporáneo y las artes visuales y La Tabacalera de Lavapiés, cedido por el Ministerio, donde se llevan a cabo diversos talleres, actuaciones de teatro, mercadillos de artesanía, Poetry Slam Lavapiés y que cuenta con varias galerías de exposición, taller de pintura, biblioteca, la mayor galería de arte urbano de Madrid y programación cultural de diversa índole. El espacio está ubicado en la Calle Embajadores 51 y 53 de Madrid respectivamente.