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Janin Lomme de Tournai, (muerto en Viana, 1 de enero de 1449) fue un arquitecto y escultor hispano-flamenco (franco-borgoñón-navarro), proveniente de la ciudad de Tournai, perteneciente al periodo final de la escultura gótica.
Se le identifica con el estilo de la escuela borgoñona de Claus Sluter, especialmente por la escultura funeraria, con el recurso de los encapuchados fuertemente naturalistas, la fina talla y la búsqueda de la individualidad en los retratos.
En 1411 pasó a trabajar para el rey de Navarra Carlos III el Noble, quien lo habría conocido en un viaje que realizó en esas fechas a sus posesiones francesas de Evreux. Pasó a ser el principal escultor de la corte navarra, y ocupó el cargo de maestro de obras que le permitió trabajar en el Palacio de Olite (especialmente en los ventanales) y en el Palacio de Tafalla, dirigiendo un equipo de albañiles procedentes de varias regiones francesas
Sepulcro de Carlos III el Noble
Una de las piezas más importantes del conjunto catedralicio es el sepulcro de Carlos III el Noble y Leonor de Trastámara. Este monumento funerario, está considerado como una obra maestra de la escultura funeraria de principios del siglo XV.
Situado en el centro del segundo tramo de la nave central, presenta forma de lecho sepulcral exento con unas dimensiones de 2,73 metros de largo, 2,12 de ancho y 1,08 de alto. Sobre él, se encuentran las figuras yacentes de los reyes bajo grandes doseles de fina tracería calada, todo ello en alabastro. Los frentes de la cama sepulcral, están cubiertos con 28 figuras de plorantes, cada uno bajo pequeños doseles y separados por columnillas y rematados por pináculos, que a su vez se encuentran sobre un pequeño zócalo. La cama está realizada en mármol oscuro y las figuras tanto de plorantes como de los reyes, así como las arquitecturas, en alabastro
Están finamente trabajados, acompañados de diferentes objetos en los que se repite en gran medida el Libro de las Horas. Están vestidos a la moda y sus ropajes trabajados con un gran realismo.
El rey está representado como un hombre maduro, de gran nariz, pequeños labios, con un rostro bondadoso en el que no faltan las arrugas, y en el que vemos también los músculos como los del cuello. Las manos juntas sobre el pecho en posición orante, robustas y a la vez delicadas, en las que observamos un asombroso trabajo de las arrugas y las venas que las recorren, confiriéndoles un realismo nada común.
El sepulcro fue realizado por Jehan Lome de Tournay entre 1413 y 1419,96 en vida del monarca, por lo que se puede asegurar que es un retrato fiel del mismo. No así de la reina que falleció en 1416, por lo que no se tiene la certeza de lo fidedigno del mismo.
Claus Sluter fue un escultor gótico de origen holandés.
Su fecha de nacimiento se desconoce, pero se calcula en torno a 1350 en Haarlem (Países Bajos). Murió en 1405 o 1406 en Dijon, Francia. Se le considera el principal representante de la escultura borgoñona en la segunda mitad del siglo XIV.
Aunque Sluter ha sido encuadrado dentro de los denominados estilo suave y gótico internacional, su estilo realista apunta al futuro y tiene una gran influencia en el desarrollo la escultura del siglo xv. Fue el más importante escultor de la Europa septentrional de su época y considerado pionero del realismo nórdico. Restauró la escultura figurativa a escala monumental y naturalismos propios de la época clásica.
Sluter fue responsable, en parte, del sepulcro de Felipe el Atrevido, en el que parece que trabajó desde 1385, pero fue acabada con el sucesor de Sluter, Claus de Werve entre 1405 - 1410. La parte alta del sepulcro incluye una imagen idealizada del duque, acompañado por dos ángeles y un león. A su alrededor, cuarenta plañideros en la parte baja, en forma de encapuchados, tema que alcanzó posteriormente gran difusión.
El uso del mármol negro para la caja y el alabastro blanco para la galería de arcos y llorantes, crea una bella bicromía. Y además de su belleza y tiene una calidad artística indudable -- Sluter está dejando atrás muchas de las características del primer gótico y dando las claves para el nuevo estilo del Gótico Internacional, ya que consigue liberar a las figuras de su marco arquitectónico, dotando a cada estatuilla de una autonomía espacial.
El Pozo de Moisés
De sus obras, la más famosa que ha llegado a nuestros días es el Pozo de Moisés (1395–1403), creado para el claustro de la Cartuja de Champmol. En principio, era un calvario monumental para el claustro, con seis figuras de profetas en la base de la fuente: Moisés, David, Jeremías, Zacarías, Daniel e Isaías y, solo como fragmento, la Crucifixión. Parece que la obra se basó en la idea de la fuente de la vida (fons vitae). Las esculturas aparecen totalmente liberadas del marco, además de estar dotadas de un naturalismo extremo. Los tipos humanos son corpulentos, de volúmenes rotundos y gran monumentalidad. Esto se debe en parte a la forma de esculpir los ropajes, que tiene un carácter pesado y voluminoso con pliegues gruesos y profundos, muy peculiar del maestro. Es característica también la forma de captar las expresiones, convirtiendo las esculturas en auténticos retratos.
La Cartuja de Champmol, era un monasterio cartujo en las cercanías de Dijon, la capital del Ducado de Borgoña en el siglo XV (actualmente la ciudad se encuentra en Francia).
El arquitecto responsable fue el francés Drouet de Dammartin.
Champmol en 1686. Les celdas de los monjes, como casas de campo, están rodeando el claustro principal, con el Pozo de Moisés en el centro.
El monasterio fue fundado en 1383 por el duque Felipe II de Borgoña para proporcionar un lugar de enterramiento a los duques de Borgoña de la dinastía Valois, y estuvo en uso hasta que fue disuelto en 1791, durante la Revolución Francesa. Denominado "el proyecto más grande en un reino célebre por la extravagancia", fue enriquecido de manera pródiga con obras de arte, muchas de las cuales son esenciales para la comprensión del arte de ese periodo.
Felipe II de Borgoña y su esposa se arrodillan en el portal de la iglesia del monasterio. Claus Sluter y taller.
Jan van Eyck (Maaseik, c.1390-Brujas, 9 de julio de 1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas. Está considerado como uno de los mejores pintores del norte de Europa del siglo XV y el más célebre de los Primitivos flamencos. Robert Campin, que trabajó en Tournai y los hermanos Van Eyck en Flandes, fueron las figuras de transición desde el gótico internacional a la llamada escuela flamenca. El estilo flamenco que se dio en los Países Bajos en el siglo XV se ha considerado tradicionalmente como la última fase de la pintura gótica.
Los investigadores atribuyeron a la soberanía los dibujos de Van Eyck en el “Libro de relojería de Turín”, un libro litúrgico que contiene oraciones y cantos del círculo diario de adoración. Este hecho, por cierto, habla a favor de la suposición de que el artista en su juventud lo estudió como ilustrador de libros.
Este libro en sí tiene una historia curiosa. Fue ordenado en 1389 por el duque Jean Berrius, quien acudió a Felipe el Bueno, un tío abuelo, el señor supremo del artista. El trabajo duró décadas, su fin se remonta a 1447 años.
El libro ha cambiado repetidamente de propietarios, pasando, incluyendo, a través de las manos de Juan de Baviera, a quien Van Eyck sirvió en los años 1422-25, y, quizás, a Felipe el Bueno.
El manuscrito fue gravemente dañado en 1904 durante un incendio, pero las ilustraciones quemadas nos llegaron en fotografías. Los fragmentos sobrevivientes ahora se guardan en colecciones privadas en París y Turín. Diseñó “Houring” algunos artistas. Tres de las miniaturas sobrevivientes están hechas de la manera característica de Jan van Eyck. Se consideran las obras de él mismo o de su hermano Hubert.
Los temas de estas miniaturas son el nacimiento de Juan el Bautista, la misa fúnebre y la adquisición de la cruz.
Jan van Eyck - Éxito mundano - Las Vírgenes - Retrato del Matrimonio Arnolfini, PINCHA AQUI
EN ITALIA SEGUÍAN FASCINADOS POR EL ARTE DEL GÓTICO INTERNACIONAL:
Museo Nacional de San Marcos (Savonarola - Fra Angelico), PINCHA AQUI
Retablo creado por Fra. Angélico, artista del Quattrocento, que lo pinto para el convento donde vivió; Santo Domingo (Fiesole).
Pintada en temple sobre tabla entre 1425 y 1427 (anteriormente datado entre 1430 y 1432) para la iglesia del convento de Santo Domingo de Fiesole (Italia), actualmente se conserva en el Museo del Prado de Madrid.
Se trata de una obra realizada alrededor del año 1425, es decir, en un momento de transición entre la pintura gótica y el Renacimiento. De la época medieval quedan rasgos como la minuciosidad propia de la miniatura, como puede verse en la flora delante de Adán y Eva, en las detalladas alas del ángel o en su halo dorado. La luz y el color son ya renacentistas, así como la austeridad de la arquitectura.
Fray Angélico, (Vicchio, provincia de Florencia, hacia 1395-Roma, 18 de marzo de 1455), fue un pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982.
Masaccio (21 de diciembre de 1401 - junio de 1428) fue un pintor italiano. Fue uno de los iniciadores del Renacimiento en Florencia, renovando la pintura según una nueva visión rigurosa, que rechazaba los excesos decorativos y la artificialidad del estilo entonces dominante, el gótico internacional. A partir de la síntesis volumétrica de Giotto, reinterpretada a través de la construcción en perspectiva de Brunelleschi y la fuerza plástica de la estatuaria de Donatello, insertó sus "figuras muy vívidas y con hermosa disposición a la semejanza de la realidad" (Vasari) en arquitecturas y paisajes creíbles, modelándolos mediante el uso del claroscuro. Bernard Berenson dijo de él: "Giotto renacido, que reanuda su trabajo en el punto donde la muerte lo detuvo".
La Madonna Casini, también conocida como la Virgen de las Cosquillas, de Masaccio, es una témpera sobre tabla de dimensiones muy pequeñas (24,50x18,20 cm), conservada en los Uffizi de Florencia y fechable en 1426-1427.
Es casi seguro que la pequeña tabla debió ser una pintura de devoción privada que perteneció al cardenal de origen sienés, jurista y canonista, Antonio Casini, cuyo escudo de armas está pintado en la parte posterior de la tabla (de oro, con una banda negra cargada con una cruz de rojo, y acompañada de seis estrellas con ocho puntas de azul, ordenadas en un cinturón)
Un elemento especial es el colgante de coral rojo alrededor del cuello del niño, girado hacia un lado en el juego. Es un amuleto de valor apotropaico de origen antiguo y todavía hoy muy extendido como regalo a los recién nacidos: en el campo de la pintura renacentista.
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