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| Retrato del cardenal Scipione Borghese por Ottavio Leoni, Museo Fesch. |
Scipione Borghese Caffarelli (Artena, 1 de septiembre de 1577 - Roma, 2 de octubre de 1633) fue un cardenal católico, arzobispo de Bolonia (1610-1612). Era sobrino de Camillo Borghese, quien fue elegido papa como Pablo V en 1605.
Procedente de una familia noble de Siena, que en el siglo XVI se estableció en Roma, en esta ciudad el cardenal gastó la mayor parte de su inmensa fortuna, en la construcción y restauración de castillos, palacios e iglesias.
Llegó a ser conocido como el patrón y mecenas de grandes artistas de renombre. Entre 1613 y 1616, construyó la Villa Borghese Pinciana en el monte Pincio, en Roma, donde reunió su famosa colección de arte, de la que procede la Galería Borghese.
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| La Galería Borghese es un museo de arte situado en los jardines de Villa Borghese, Roma. Dentro de la renombrada riqueza artística de la ciudad, es una de las pinacotecas esenciales, de visita obligada. Debido a las reducidas dimensiones del edificio y al enorme flujo de turistas, la visita únicamente es posible con reserva previa por teléfono o internet. Los visitantes que acuden sin reserva tendrán que hacer cola. El amplísimo parque, actualmente bajo gestión municipal, fue en su época tan extenso como todo el centro histórico de Roma. Un pequeño tren lo recorre varias veces al día y tiene su parada a las puertas de la galería. |
El edificio de la Galería se encuentra enclavado en los jardines de Villa Borghese, cuyo conjunto conformaba anteriormente la Villa Borghese Pinciana, propiedad de la familia homónima. La Galería Borghese conserva una parte sustancial de la colección Borghese de pintura, escultura y antigüedades, la cual fue iniciada por el cardenal Scipione Borghese (1576 – 1633), sobrino del papa Paulo V (papado: 1605–1621).
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| Scipione Borghese Bernini produjo una transformación total en el retrato, lo sacó de su inmortalidad renacentista para devolverlo a la vida. Era un prodigioso artesano que había aprendido el oficio junto a su padre, también escultor. Jamás fue al colegio, no sabía latín y desde niño se escapaba de las horas de trabajo en Santa Maria Maggiore hasta la que fue su única escuela: los Museos Vaticanos. Allí observaba el Torso de Belvedere o el Apollo y hacía sus primeros bocetos. Pero además de su talento ejecutor, Bernini tenía el concetto, la idea, metida entre las sienes. Daba igual que fuera para una ópera o una plaza. Uno de los concetti que le obsesionaron era retar a los materiales, sobrepasar sus límites: forzar la blancura del mármol hasta que pareciera de color. Se inventaba melenas furibundas cargadas de sombras, barbas profundas como la espuma del mar, trabajadas con el trépano, manos de dioses que se hundían en la carne de una ninfa, lágrimas que corrían por las mejillas... De manera aún más ambiciosa, dotaba a la piedra fría e inanimada de calor, movimiento y vida. |
Curiosidad Como ejemplo de su maestría con la piedra, durante los trabajos del busto de Scipione Borghese, apareció un defecto en el mármol. Borghese aceptó no posar durante varios días, ignorando que en ese tiempo esculpiría un busto idéntico desde cero. Filippo Baldinucci (1682) cuenta que terminado el trabajo, el escultor se dio cuenta de una imperfección en el bloque de mármol, suficientemente grande para causar el efecto de un grieta, todavía visible en la frente del cardenal. El artista entonces realizó una réplica del busto, que esculpió en tan solo quince noches. Esta anécdota es uno de los pilares sobre los que se basa el mito del virtuosismo de Bernini.
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| El artista italiano Gian Lorenzo Bernini hizo dos Bustos del Papa Paulo V. El primero se encuentra actualmente en la Galería Borghese, en Roma. Se acepta que su fecha de creación fue 1618. En 2015, un segundo busto fue adquirido por el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles. Fue creada por Bernini en 1621, poco después de la muerte de Paulo V, a raíz de un encargo de su sobrino, el cardenal Scipione Borghese. |
Scipione Borghese fue el primer mecenas de Bernini y un ávido coleccionista de la obra de Caravaggio, por lo que ambos artistas se encuentran extensamente representados en el museo. Además exhibe obras destacables de otros autores como Amor sacro y amor profano de Tiziano, el Entierro de Cristo de Rafael Sanzio, el Retrato de Paulina Bonaparte esculpido por Antonio Canova y notables trabajos de Peter Paul Rubens, José de Ribera, Agnolo Bronzino y Federico Barocci.
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| Robert Lefèvre. Retrato de Paulina Bonaparte (estudio), 1806. Óleo sobre lienzo, 65 x 53 cm. Palacio de Versalles. María Paulina Bonaparte, en francés, Marie-Pauline Bonaparte (Ajaccio –Córcega–, 20 de octubre de 1780-Florencia –Gran Ducado de Toscana–, 9 de junio de 1825), también conocida como Paulina Borghese o Borghesse, fue una noble francesa, hermana de Napoleón Bonaparte. Fue retratada en la Venus victoriosa (1805-1808) por el escultor y pintor italiano Antonio Canova. Su estancia en La Española (actuales Haití y República Dominicana) entre finales de 1801 y 1802 fue novelada por el escritor cubano Alejo Carpentier en su obra El reino de este mundo, publicada en 1949. |
El 28 de agosto de 1803 se casa con Camillo Borghese, Príncipe de Sulmona y de Rossano, jefe de una de las familias más poderosas de Italia.Su esposo encarga al escultor más célebre de entonces, Antonio Canova, la realización de una obra para la que ella misma posará como modelo. La escultura, en la que aparece representada desnuda, se conserva en la actualidad en la Galería Borghese (por lo que también es conocida como Venus Borghese), sacude los principios morales de la sociedad romana de la época.
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| Don Camillo Filippo Ludovico Borghese, príncipe de Sulmona y Rossano, duque y príncipe de Guastalla (Roma, 19 de julio de 1775-Florencia, 9 de mayo de 1832) era un miembro de la familia Borghese, más conocido por su matrimonio con Paulina Bonaparte, hermana del emperador Napoleón. Le hicieron Príncipe del Imperio francés en 1804, comandante de la Guardia Imperial en 1805 y poco después en general de división. Se convirtió en el duque de Guastalla en 1806 y en comandante de la 27 y 28 División del ejército francés en 1809 |
Inicialmente apasionado (encargó un retrato de ella desnuda de Canova), el matrimonio más tarde se fue a pique debido a la adopción de Paulina de una serie de amantes y por la muestra de excentricidades, tales como ser llevada a sus baños por sus enormes esclavos africanos y el uso de sus damas de honor de reposapiés. Ellos llevaban vidas separadas pero no se divorciaron y Paulina convenció a su hermano de darle a Camillo la gobernación de Piamonte en 1808 (con las palabras "Camillo es un imbécil, nadie lo sabe mejor que yo. Pero que importa, cuando estamos hablando de administración de un territorio? ") y la tutela del prisionero de Napoleón, el Papa Pío VII.
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| Paulina Bonaparte Antonio Canova (Possagno, 1 de noviembre de 1757-Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un escultor y pintor italiano del neoclasicismo. Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la antigüedad, fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini. Su contribución en la consolidación del arte neoclásico es comparable solo a la del teórico Johann Joachim Winckelmann y a la del pintor Jacques-Louis David, aunque también fue sensible a la influencia del romanticismo. |
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| Johann Joachim Winckelmann (Stendal, 9 de diciembre de 1717-Trieste, 8 de junio de 1768) fue un arqueólogo e historiador del arte alemán. Puede ser considerado como el fundador de la historia del arte y de la arqueología como una disciplina moderna. Resucitó la utopía de una sociedad helénica fundada en la estética a partir del viejo ideal griego de la kalokagathia, esto es, la educación de la belleza y de la virtud con referencia al espíritu neoclásico, siendo así uno de los grandes teóricos del movimiento. |
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| Jacques-Louis David (París, 30 de agosto de 1748-Bruselas, 29 de diciembre de 1825) fue un pintor francés de gran influencia en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos griegos, basándose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima moral de los últimos años del antiguo régimen. Más tarde David llegó a ser un activo participante en la Revolución francesa, así como amigo de Maximilien de Robespierre; en realidad fue el líder de las artes bajo la República Francesa. Encarcelado tras la caída de Robespierre del poder, más tarde se alineó con el advenimiento de otro régimen político, el de Napoleón Bonaparte. Fue en esta época cuando desarrolló su 'Estilo Imperio', notable por el uso de colores cálidos al estilo veneciano. |
Napoleón le obligó a vender 344 piezas de la colección de arte de la familia al estado francés.
Debido a esto, el Gladiador Borghese, reconocido desde el siglo XVII como una de las más admirables estatuas de la colección, puede en la actualidad apreciarse en el Museo del Louvre de París.
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| Gladiador Borghese es la denominación historiográfica de una escultura de mármol de tamaño natural de estilo helenístico que representa un luchador, tallada en Éfeso en el siglo I a.C. Está firmada por Agasio de Éfeso, a quien también se le llamó Agasio, hijo de Dositeo. |
Después de la caída de Napoleón, la alianza de Camillo con él resultó incómoda y se trasladó a Florencia para distanciarse de él y de su hermana; logró evitar que cualquiera de sus tierras fuera requisada por los estados papales (un castigo habitual para las tendencias pro-Bonaparte). Después de diez años con una amante a largo plazo, el papa lo convenció a ragañadientes de que volviera a recibir a Paulina, solo tres meses antes de la muerte de ella. Luego continuó en conspiraciones bonapartistas secretas e inútiles hasta su propia muerte, que tuvo lugar en Florencia en 1832. Fue sucedido en sus títulos no napoleónicos por su hermano Francesco. Fue padrino de bautismo de Camillo Benso, conde de Cavour.
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| Finalmente, en 1902, la familia Borghese, imposibilitada de hacer frente al alto coste de mantenimiento de la villa, vendió la colección al Estado italiano por un total de 3,6 millones de liras. |
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| Nadie como el artista italiano expresó en sus cuadros, en sus mármoles y en su arquitectura, expresó el ideario de una época Autor de una ingente obra, Bernini -también pintor y dibujante- construyó, reformó y/o restauró palacios, iglesias, capillas, puentes, plazas y altares, y erigió y esculpió decenas de bustos, estatuas, obeliscos, fuentes, panteones y ataúdes, siendo, además, el diseñador de no pocos escenarios y ceremoniales de gran y vistosa teatralidad pensados para fiestas, homenajes y funerales. Su prestigio recorrió Europa y recibió encargos de las cortes inglesa y, como se ha dicho, francesa y española, y, en su época, no tuvo más rival que Francesco Borromini (1599-1667). Primero, fueron amigos y colaboradores. Después, enemigos. Borromini, que andaba deprimido, se suicidó arrojándose sobre su espada, si bien, en sus largas horas de agonía, llegó a escribir que había caído sobre su arma accidentalmente, cuando en la oscuridad nocturna de su estancia buscaba una candela para darse luz. |
Galería de obrasLa enemistad con Borromini bien pudo empezar a mediados del siglo, cuando Inocencio X retiró a Bernini la predilección del papado -lo condenó a tres años en el dique seco- y se la otorgó al suizo-italiano. Al ocupar Inocencio X -tan severamente retratado por Velázquez- la silla papal, en 1644, Bernini llevaba cinco años casado con Caterina Tozio, con la que tuvo 10 hijos
Bernini trabajó para ocho papas, los dos primeros, Pablo V y Urbano VIII, pertenecientes a dos poderosas familias -los Borghese y los Barberini, respectivamente- que fueron determinantes, por su protección y encomiendas diversas, de su despegue y preeminencia.
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| Tiziano, Amor sacro y amor profano. Representa una escena con una doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto (planta sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad).2 La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. |
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| Retrato de una joven con unicornio o Dama con unicornio es una pintura de Rafael, fechada por los historiadores del arte en 1505 o 1506 sobre todo debido al amplio escote cuadrado de moda en esos años y también presente en otros retratos contemporáneos del maestro, como el de Maddalena Doni. Se encuentra en la Galería Borghese en Roma. La pintura originalmente un óleo sobre tabla, fue transferida a lienzo durante el trabajo de restauración y limpieza en 1934. Durante este trabajo que eliminó repintes y sobrepintes, se reveló el unicornio, y se retiró la rueda, el manto, y la palma que habían sido añadidos por un pintor desconocido a mediados del siglo XVII convirtiendo a la retratada en una Santa Catalina. |
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| Caravaggio, David con la cabeza de Goliat. |
Michelangelo Merisi Da Caravaggio vió la luz del mundo por primera vez en la ciudad de Milán, región de Lombardía, Italia, el 29 de septiembre de 1571. Su padre Fermo Merisi, laboraba como regente y decorador del Marqués de Caravaggio; su madre Lucía Aratori pertenecía a una familia rica.
En 1576 la familia se trasladó a Caravaggio porque la peste destruía a Milán. El padre de Caravaggio murió en 1577. Cuando Michelangelo iniciaba su interés artístico, llegaba la decadencia del Renacimiento. Caravaggio es reconocido como el primer gran exponente del barroco.En 1584 se inició como aprendiz del pintor Simone Peterzano, quien fuese discípulo de Tiziano. Concluido el aprendizaje, frecuento el eje Milán-Caravaggio, y quizás visitó Venecia, observando las obras de Giorgione y de Tiziano. Caravaggio aprendió el arte de la pintura manierista.
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| Niño con un cesto de frutas es un cuadro de Caravaggio datado en 1593, que se exhibe en la Galería Borghese de Roma. El cuadro muestra a un joven sosteniendo un cesto de frutas, en medio de un panorama tenebrista y desolado. El muchacho es sensual y con unos ojos negros vivos y penetrantes. Este cuadro fue alabado en su tiempo por su viveza y más tarde fue precursor de otros genios universales como Francisco de Zurbarán. |
De las calles de la ciudad se dice que adoptó su particular estilo tenebrista. Fue un joven agresivo, impulsivo y de doble moral. En 1592, arribó a Roma a trabajar con Giuseppe Cesari, pintando obras de frutos y flores, designados por el Papa Clemente VIII.
Caravaggio puso comentarios en la boca de todos debido a su actitud violenta. Incluso se le vincula al liderazgo de una banda callejera. Uno de los momentos más violentos fue cuando, luego de un juego de pallacorda, le mutiló el pene por accidente a Ranuccio Tomassoni.
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| El martirio de Santa Úrsula es la última pintura de Caravaggio. Nuevamente, el estilo de Caravaggio evolucionaba. En el cuadro la santa atraviesa uno de los momentos de mayor intensidad, acción y drama en su martirio, cuando la flecha disparada por el rey de los hunos la hiere en sus senos. Todo esto diferencia especialmente el cuadro de otros, caracterizados por la inmovilidad de sus modelos. La vividez del cuadro abrió una nueva etapa en la carrera del pintor, que ya no pudo desarrollarse debido a su inesperada muerte. |
En otra pelea en la ciudad de Nápoles un individuo de deformó el rostro en la Osteria del Cerriglio; calmada la situación, viaja Caravaggio a la isla de Malta, donde es nombrado caballero de la Orden de Malta, luego expulsado.
A medida que su obra era más tenebrosa, lo refleja en sus creaciones; así se observa en El martirio de santa Úrsula(1610), Caravaggio acrecentaba su gruesa hoja de expedientes: arrestado, demandado por agresión, comprometido en un ataque contra un criado en una taberna.
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| La Muerte de la Virgen es una obra maestra del pintor italiano Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo, en el año 1606, y se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París. El carácter monumental de esta pintura y su concepción fueron determinantes en el nacimiento de la escuela napolitana del Seicento. Se lo considera el cuadro más profundamente religioso del Seicento italiano. Las figuras casi tienen tamaño real. El centro de atención del cuadro es la figura de la Virgen María, representada de manera muy parecida a una mujer del pueblo, sin atributos místicos, evidenciándose su santidad sólo en el halo. Por otro lado, la María de Caravaggio sí está muerta; sus pies, hinchados. No representa una asunción sino su muerte, con la mano apuntando al suelo. Si sintió dolor o no es algo que no se sabe, pero queda claro que es víctima de una enfermedad. Sus contemporáneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta. Alrededor de la Virgen se encuentran María Magdalena y los Apóstoles. En primer plano, María Magdalena llora sentada en una simple silla, con la cabeza entre las manos. Los Apóstoles, a su alrededor, también se muestran entristecidos, pero no mediante expresiones exageradamente emotivas, sino ocultando los rostros. Caravaggio, maestro de los lienzos oscuros y tenebristas, no está interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones. De alguna forma este es un dolor silencioso, no una llamada a los plañideros. |
En 1610, Caravaggio retorna a Roma, con sus pocas posesiones, gracias a una amnistía del Papa. Al llegar a Porto Ercole es confundido con otra persona, encarcelado y el barco se encamina sin él hacia Roma. Resentido de salud y falto de higiene, hay dos versiones de su muerte. Unos indican que ante el desespero de ser abandonado por no alcanzar el barco se ahogó en el mar. Por otro lado, se dice que Caravaggio murió de malaria, enfermedad que ya había sufrido en su juventud. Falleció el 18 de julio de 1610.
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| En la Virgen con el niño y Santa Ana o virgen de los palafreneros, obra de Caravaggio, la escena se resuelve con tres figuras que contemplan la serpiente bíblica. A pesar de no haber tenido mucho éxito, es una representación atípica de la Virgen. La alegoría es bastante simple para su tiempo. Junto a ella se encuentra una serpiente, emblema del mal y del pecado original. El niño está descalzo, se cree que es poco después de su circuncisión. Todo alrededor son sombras, pero varias figuras —como la de Santa Ana—, se erigen majestuosamente en la oscuridad.Esta pintura es concebida como un homenaje a Ana, madre de la Virgen. Ésta la bendice con una mano, y su cuerpo en general es revelador. El niño Jesús se acerca ligeramente a la serpiente, y con su pie da fuerza al pie de la Virgen para aplastar la cabeza de la serpiente. Sin embargo, y a pesar de la innegable calidad de la obra, la representación de las figuras divinas encarnadas en figuras terrenales (basta como ejemplo la desnudez del niño Jesús) causó una fuerte controversia en el seno del Vaticano. La pintura estuvo expuesta en la basílica de San Pedro durante un mes, y tras la polémica suscitada, el Papa Pablo V decidió regalársela a su sobrino y cardenal Scipione Borghese, más famoso por sus labores de mecenazgo que por su contribución a la iglesia. |
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Entierro de Cristo (1507), de Rafael. Se trata de una tabla perteneciente al retablo Baglioni, llamado así porque fue encargado por Atalanta Baglioni para su capilla familiar en San Francesco al Prado (Perugia).
El Palacio Colonna es un bloque de edificios palaciegos en el centro de Roma, Italia, en la base de la colina del Quirinal, y adyacente a la Basílica de los Santos Apóstoles. Está construido en parte sobre ruinas de un antiguo Serapeum romano, y ha pertenecido durante más de veinte generaciones a la prestigiosa familia Colonna, en cuyas manos sigue a día de hoy. Buena parte de su fama se debe a la Gran Galería, imitada por múltiples palacios posteriores.
Con Filippo Colonna (1578-1639) comenzaron a producirse reformas y se creó un complejo unitario alrededor de un jardín central. Arquitectos entre los que se incluyen Girolamo Rainaldi y Paolo Marucelli trabajaron en proyectos específicos.
La galería principal (acabada en 1703) y la magistral colección de arte de los Colonna fue adquirida después de 1650 tanto por el cardenal Girolamo I Colonna y su sobrino el Connestabile Lorenzo Onofrio
El ala antigua del complejo conocido como Apartamentos de la princesa Isabel, pero que albergaron una vez la biblioteca de Martín V y su palacio, contienen frescos de Pinturicchio, Antonio Tempesta, Onofri, Claudio de Lorena, Giacinto Gimignani, y Carlo Cesio. Contiene una colección de paisajes y escenas de género de pintores como Lorena, Gaspar van Wittel (Vanvitelli), y Jan Brueghel el Viejo.
Junto con las posesiones de las familias Doria Pamphili y Pallavacini-Rospigliosi, es una de las más grandes colecciones de arte privadas de Roma.
En la galería principal se rodaron, en 1953, las imágenes finales del célebre filme Vacaciones en Roma, protagonizado por Audrey Hepburn y Gregory Peck.
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