Da Vinci, el genio que revolucionó el retrato - 'Retrato de un joven músico' - Ginevra de Benci - La dama del armiño - La Belle Ferronière - San Juan Bautista

'Retrato de un joven músico' (1486-87). El joven gira levemente la cabeza, mirando al espectador. Destila pensamiento y voluntad. Sus labios sugieren que acaba de cantar. Capta toda la belleza y fugacidad de la música. 

Este Retrato de un músico es el único retrato masculino atribuido al pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Se trata de una pintura al óleo sobre tabla que mide 43 centímetros de alto y 31 de ancho realizado hacia el año 1485. Se encuentra en la Pinacoteca Ambrosiana), en Milán, donde está al menos desde 1672.
El estilo recuerda más a modelos nórdicos que toscanos, de forma indirecta a través de la obra de Antonello da Messina, quien estuvo en Milán en 1475.
En comparación con la detallada cara del músico, el sombrero rojo, su túnica y el pelo parecen ser obra por completo de otro pintor. Los historiadores de arte han reconocido el arte de Leonardo en el rostro del joven, aunque la mano y la partitura pueden ser añadidos a la pintura original. La principal diferencia entre esta obra y el retrato de Ginevra De' Benci, es el hecho de que en este, las manos y la parte inferior del pecho están dibujadas.

Este Retrato de mujer, llamado de Ginebra de Benci es un cuadro atribuido a Leonardo Da Vinci, datado hacia 1474-76. Está realizado al temple y óleo sobre tabla (madera de álamo). Mide 38,8 cm. de alto y 36,7 cm. de ancho. Fue adquirido por la National Gallery of Art de Washington en 1967 por 5 millones de dólares pagados a la Casa Real de Liechtenstein, un precio récord para ese tiempo.

Ginevra de Benci pincha aqui

La dama del armiño (en italiano, La dama con l'ermellino) es un cuadro del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci, realizado hacia 1490. La modelo ha sido identificada con Cecilia Gallerani, retratada cuando era la amante de Ludovico Sforza, duque de Milán y cuando Leonardo estaba a su servicio. El cuadro es uno de los cuatro retratos femeninos pintados por Leonardo, siendo los otros La Gioconda, el retrato de Ginevra de Benci y La Belle Ferronière.

'Dama con el armiño' (1489-90). "Su perfecta belleza habla con el corazón"
La mujer, con la cabeza ladeada, está escuchando, está pensando, está sintiendo. "El susurro de una sonrisa va dando vida al cuadro"
 Da Vinci escribió que el armiño blanco simbolizaba la pureza y el honor.

La pintura fue adquirida a finales del siglo XVIII por el príncipe Adam Jerzy Czartoryski y desde entonces ha permanecido en posesión de esa familia, que desde 1876 lo exponía en el Museo Czartoryski de Cracovia (Polonia). Desde diciembre de 2016 la obra es propiedad del gobierno polaco, tras su adquisición a los herederos de la familia Czartoryski.

"La Belle Ferronière" fue una de las amantes del rey Francisco I de Francia. Era una burguesa de París, y recibiría su nombre de la profesión de su marido, ferronnier (ferretero, persona que comercia con hierro), o simplemente del nombre de su marido, llamado Ferron. Este hombre fingió tolerar la conducta de su mujer, pero secretamente ideó una forma odiosa de deshacerse de ella y su amante real, contrayendo la sífilis. Ella murió pronto y Francisco I no se curó jamás.

La dama de esta obra de Da Vinci usa esa joya, lo cual dio lugar a un error de catalogación a finales del siglo XVIII. En realidad, se ignora quién es la retratada. Tradicionalmente se la ha identificado con Isabel de Este, Beatriz de Este o incluso con Isabel Gonzaga o una de las muchas amantes de Ludovico Sforza, como Lucrezia Crivelli, de la que Leonardo hizo un retrato.

La belle ferronière es el título con que se denomina a un retrato del Renacimiento: hoy en el Museo del Louvre, posiblemente de la misma modelo que otro en el Museo Czartoryski de Cracovia, ambos atribuidos al pintor italiano Leonardo da Vinci. Este Retrato de una mujer desconocida o Retrato de dama del Museo del Louvre fue pintado hacia 1490-95, y se reputa posterior a La dama del armiño de Cracovia. Es un óleo sobre tabla que mide 63 cm de alto y 45 cm de ancho.
Con este cuadro cerró la evolución hacia el arte moderno
De proporciones reales, Da Vinci nos invita a pensar que es una mujer real. "Parece como ocupada, como si tuviera vida interior"
"Reconoceríamos esta mujer al momento si nos la cruzáramos por la calle".

La obra fue realizada durante los años de la estancia en Milán del artista, y refleja el intenso estudio de óptica de aquel período, evidente en el bellísimo detalle de la reverberación del vestido rojo en la mejilla del enigmático rostro. El modelado de las carnaciones se consigue gracias al juego de luces y sombras.

Son muchas las características que tiene en común este retrato con La dama del armiño. Inclusive, el fondo es oscuro en las dos obras, pero Leonardo aún no experimenta con el esfumado en estos momentos, una de las razones por la cual este retrato no es tan famoso como La Gioconda.

Beatriz de Este en un retrato de Giovanni Ambrogio de Predis y Leonardo da Vinci.

Beatriz de Este, (en italiano: Beatrice d'Este), (Florencia, 29 de junio de 1475 - Milán, 2 de enero de 1497), duquesa de Milán, una de las más hermosas y cultivadas princesas del Renacimiento italiano, era hija de Hércules I de Este y la hermana menor de Isabel de Este y Alfonso de Este.Se desposó pro verba en 1480 con Ludovico Sforza (conocido como el Moro), duque de Bari, regente y más tarde duque de Milán, cuando ella tenía cinco años, y se casó con él en enero de 1491.

"La sombra posee mayor poder que la luz, la luz nunca puede ahuyentar del todo a la sombra. La sombra es el medio a través del cual los cuerpos revelan su forma. Leonardo Da Vinci.

San Juan Bautista es uno de los últimos cuadros del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci, datado hacia 1508-1513, época en que el Alto Renacimiento estaba metamorfoseándose en el Manierismo. Está pintado al óleo sobre tabla que mide 69 cm de alto y 57 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de París (Francia).

Fue una de las últimas pinturas del autor y, sin duda, una de las más debatidas. Hay mucha polémica sobre el significado de la mano del santo apuntando hacia arriba, y su sonrisa enigmática ha provocado discusiones semejantes a las de la Mona Lisa.

El cuadro puede considerarse enteramente autógrafo.
Es uno de los que Leonardo mostró al cardenal de Aragón, Antonio de Beatis, y de su séquito el 10 de octubre de 1517 en el Castillo de Clos-Lucé. A la muerte de Leonardo, fue heredado por Salai, cuyos herederos la vendieron; en 1666 pasó de la colección Jabach a Luis XIV, de donde pasó al Louvre.

Representa a Juan el Bautista en la soledad del desierto. Está representado de medio cuerpo, una variación sobre el tema de la figura construida clásica y monumentalmente en el espacio en directa sugestión de los modelos de la estatuaria antigua.
La mirada es estrábica, pues muestra la embriaguez de amor (Baco); el índice señala hacia el cielo, pues el Amor solo se completa en Dios, según enseña Platón.
Algunos han indicado, igualmente, que la apariencia de san Juan es andrógina o hermafrodita. El gesto de señalar al cielo sugiere la importancia de la salvación a través del bautismo que san Juan representa. 

La proporción áurea en el arte - Luca Pacioli - Fibonacci - Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci (Sigmund Freud) - Los Manuscritos de Nag Hammadi - Leda y el cisne (Leonardo)

Fray Luca Bartolomeo de Pacioli o Luca di Borgo San Sepolcro (Sansepolcro, c. 1445 - 1517) fue un fraile franciscano, matemático precursor del cálculo de probabilidades y economista italiano. Su apellido también aparece escrito como Paccioli y Paciolo.

Pacioli demostrando uno de los teoremas de Euclides (Jacopo de'Barbari, 1495)

Ludovico Sforza se convirtió en duque de Milán y hacia 1496 invita a Pacioli a ir a su corte en Milán para enseñar matemáticas. En Milán Luca Pacioli comenzó a trabajar con Leonardo da Vinci, que era pintor e ingeniero en la corte de Ludovico. En esta época escribió De Divina Proportione, con ilustraciones de Da Vinci.

Entre 1500 y 1506 Pacioli enseñó geometría en Florencia, en la Universidad de Pisa. En estos años trabajó con Scipione del Ferro y fue elegido superior de la Orden franciscana en Romaña. Entre otras obras, escribió De viribus quantitatis, sobre matemáticas y magia (1496–1508), una traducción de los Elementos de Euclides (Geometría, Venecia, 1509) y un manual de ajedrez.

La Proporción Áurea y La Mona Lisa

La divina proporción

Su obra más divulgada e influyente es De Divina Proportione (De la Divina Proporción) término relativo a la razón o proporción ligada al denominado número áureo, escrita en Milán entre 1496 y 1498, y que trata también, en su primera parte, de los polígonos y la perspectiva usada por los pintores del Quattrocento (Compendio Divina Proportione); en su segunda, de las ideas arquitectónicas de Vitruvio (Summa de arithmetica, geometría, proportioni et proportionalita precipitevolissimevolmente); y en su tercera, de los sólidos platónicos o regulares (De quinque corporibus regularibus). Para ilustrarlo encargó dibujos a Leonardo da Vinci, que en la época formaba parte de la corte milanesa de Ludovico Sforza (il Moro).

Relación con el arte renacentista

Letra "A" para De Divina Proportione, edición de 1509, Paganino dei Paganini, Venecia

Letra "R" para De Divina Proportione, edición de 1509, Paganino dei Paganini, Venecia.

Letra "S" para De Divina Proportione, edición de 1509, Paganino dei Paganini, Venecia.

Fibonacci, difundió por Europa el sistema de numeración árabe (1, 2, 3...) con base decimal y con un valor nulo (el cero). Pero el gran descubrimiento de Fibonacci fue la Sucesión de Fibonacci que, posteriormente, dió lugar a la proporción áurea.

La espiral resultante (conocida como Espiral de Oro) está permanentemente presente en la naturaleza: en las semillas de un girasol, en las conchas marinas... Componer una imagen siguiendo esta espiral nos resulta agradable visualmente porque las proporciones que se obtienen nos parecen naturales.

¿Qué es la Sucesión de Fibonacci? Se trata de una serie númerica: 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, etc. Es una serie infinita en la que la suma de dos números consecutivos siempre da como resultado el siguiente número (1+1=2; 13+21=34). La relación que existe entre cada pareja de números consecutivos (es decir, si dividimos cada número entre su anterior) se aproxima al número áureo (1,618034) que se identifica con la letra Phi () del abecedario griego.

Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci

Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci  es una obra de Sigmund Freud de 1910. Se trata de la aplicación de los métodos del psicoanálisis clínico al estudio biográfico de personajes históricos. El presente trabajo sobre Leonardo da Vinci fue la última incursión a gran escala de Freud en el campo de la biografía debido al recibimiento de desaprobación posterior.

Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci es una obra de Sigmund Freud de 1910. Se trata de la aplicación de los métodos del psicoanálisis clínico al estudio biográfico de personajes históricos.

En la obra desempeña un papel fundamental el recuerdo o fantasía de infancia de Leonardo de haber sido visitado en su cuna por un ave de presa introduciéndole la cola en su boca. De ello deriva precisamente el mayor defecto de la incursión de Freud: la traducción errónea del término original milano por buitre. De ahí se abandonará la idea del pájaro oculto en el cuadro Santa Ana, La Virgen y el Niño, así como el nexo con el jeroglífico correspondiente a la palabra egipcia madre, dado que en ambos casos se alude a un buitre y no al milano del cuaderno de anotaciones de Leonardo.

Recreación visual del buitre.

Esta tabla mide 168 cm de alto y 112 cm de ancho. Se encuentra en el Museo del Louvre de París (Francia), donde se exhibe con el título de La Vierge à l'Enfant avec sainte Anne.

La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana
No se sabe con exactitud quién encargó esta obra ni cuándo. Actualmente se la data hacia 1508-1510. Generalmente se considera que fue un encargo para el retablo de la basílica de la Annunziata en Florencia. No obstante, en la página web del Louvre se defiende la tesis de que fue un encargo del rey Luis XII de Francia para agradecer a santa Ana el nacimiento de su hija única, Claude, en 1499, pero que Leonardo tardó mucho tiempo en realizarla.

Otra teoría propuesta por Freud intenta explicar el cariño de Leonardo al representar a la Virgen María con santa Ana. Leonardo, que era hijo ilegítimo, fue criado por su madre biológica antes que ser 'adoptado' por la esposa de su padre, ser Piero. La idea de representar a la Madre de Dios con su propia madre era por lo tanto particularmente cercano al corazón de Leonardo, porque él mismo, en cierto modo, tenía dos madres. Cabe destacar que en las dos versiones, tanto el cuadro del Louvre como el esbozo de Londres, es difícil distinguir a primera vista cuál de las dos mujeres es santa Ana y cuál la Virgen María, cuál de ellas es una generación más vieja que la otra.

Sigmund Freuda (Príbor, 6 de mayo de 1856-Londres, 23 de septiembre de 1939) fue un médico neurólogo austriaco de origen judío, padre del psicoanálisis y una de las mayores figuras intelectuales del siglo XX.

Análisis del cuadro:

La composición presenta a María y Ana (madre de María), con la primera sentada sobre las rodillas de la segunda. María se inclina hacia delante para sujetar al Niño Jesús mientras este juega, de manera bastante brusca, con un cordero, símbolo de su propio sacrificio. Los rostros son dulces y amorosos, apreciándose gran parecido entre madre e hija.

La escena se desarrolla en un paisaje atemporal, rocoso, como ocurre en La Virgen de las Rocas, que delata el interés del autor por la geología. Los picos montañosos parecen evaporarse en una atmósfera azulada que inunda toda la composición.

La estructura piramidal de esta pintura influyó en Rafael y Andrea del Sarto. Leonardo muestra una serie de rasgos que serían adoptados, además, por los pintores venecianos como Tiziano y Tintoretto, así como por Pontormo y Correggio.

La representación de este grupo de figuras proviene del culto a santa Ana, nacido en la Edad Media. Los Evangelios no mencionan a Ana, la madre de la Virgen María. Sí lo hacen escritos apócrifos.

Imagen del códice II de Nag Hammadi, que muestra el final del evangelio apócrifo de Juan y el comienzo del evangelio de Tomás.
Los evangelios apócrifos o extracanónicos son los escritos surgidos en los primeros siglos del cristianismo en torno a la figura de Jesús de Nazaret que no fueron incluidos ni aceptados en el canon del Tanaj judío hebreo-arameo, de la Biblia israelita Septuaginta griega, así como tampoco de ninguna de las distintas Biblias usadas por distintos grupos de cristianos como la Iglesia católica, la Iglesia ortodoxa, Comunión anglicana e Iglesias protestantes. Entre esos escritos se encuentran los Manuscritos de Nag Hammadi.
El término apócrifo (griego: από 'lejos', κρυφος 'oculto'; latín: apócryphus), que originalmente significaba "ocultar lejos", y luego fue derivando en "oculto, obscuro", ha sido utilizado a través de los tiempos para hacer referencia a algunas colecciones de textos y de escritos religiosos sagrados surgidos y emanados en contextos judíos o cristianos. 

Los Manuscritos de Nag Hammadi o Biblioteca de Nag Hammadi, también conocidos como los Evangelios Gnósticos, son una colección de textos, en su mayor parte adscritos al Cristianismo Gnóstico Primitivo, descubiertos cerca de la localidad de Nag Hammadi, a unos 100 km de Luxor, en el Alto Egipto, en diciembre de 1945. Doce códices de papiro encuadernados en piel, y los restos de un décimo tercero, cuidadosamente guardados en una jarra de cerámica sellada y escondidos en unas grutas próximas (en el macizo montañoso de Jabal al-Tarif), fueron encontrados casualmente por un campesino llamado Muhammad Alí al-Samman.
Aunque escritos en copto entre los siglos III y IV e.c., se estima que los originales griegos perdidos de los que provendrían lo fueron entre los siglos I y II.
El hallazgo de la Biblioteca de Nag Hammadi en 1945 constituye, junto con los Manuscritos de Qumrán, el más grande descubrimiento de textos antiguos de la Edad Contemporánea.
Los códices de Nag Hammadi se encuentran en la actualidad en el Museo Copto de El Cairo, Egipto.

Leda y el cisne (Leonardo)

Leda y el cisne es el título de una obra perdida del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci, de la que se conservan distintos bocetos, copias, réplicas y otras versiones.

De todas ellas la Leda col cigno ("Leda con el cisne") conservada en la Galería Borghese de Roma es una de las que más tiempo se atribuyó directamente a la mano de Leonardo. Hoy se asume que es una copia y no precisamente del original, sino una recreación a partir del cartón realizada por un discípulo leonardesco, Cesare da Sesto. Esta copia está documentada en la Galería Borghese desde 1693. Está pintada al temple sobre tabla y mide 112 cm de alto y 86 cm de ancho. El original, heredado en su día por Salai y el que se tasó más alto, desapareció
En la mitología griega, Leda, hija de Testio y esposa del rey Tindáreo de Esparta, fue una de las féminas seducidas por Zeus.

Representa a Leda, reina de Esparta y a Zeus, metamorfoseado en cisne; a los pies de Leda se encuentran los cascarones que ella ha puesto y de los que salen Helena, Clitemnestra y los dioscuros gemelos Cástor y Pólux.

De la Leda y el cisne, tema abordado por Leonardo en al menos dos ocasiones (1504, aparentemente sin llegar a realizar la obra, y 1508, que sí llevó a término, pero que se deterioró tanto con el paso del tiempo que se tomó la decisión de destruirla), se conservan varios bocetos atribuidos al maestro.

Boceto para la Leda arrodillada.

Boceto previo a la Testa di Leda ("cabeza de Leda").

Dibujo atribuido a Rafael Sanzio, que se supone copia de la Leda de Leonardo

Copia de  Leda y el cisne de Miguel Ángel

Plano de Imola - Leonardo, profeta en Noruega - Máquinas Voladoras - El Caballero Robot - La Ciudad Ideal

Dividimos los inventos de Leonardo en 3 bloques principales

• Máquinas Voladoras
• Máquinas de Guerra
• Innovaciones Arquitectónicas

Leonardo trazó planos de las ciudades y regiones toscanas que a César Borgia le interesaban. Las tropas francesas tenían diseñado un plan de ataque y conquista de las posibles posesiones hispano-alemanas en Italia, plan que se vio frenada por la acción fulminante de Carlos V. El plano de Imola es uno de esos mapas que Leonardo facilitó a César Borgia. Está trazado sobre una pieza circular y dividido en sectores. Probablemente se basó en las medidas facilitadas por un astrolabio para realizarlo. Es un vista en planta de toda la ciudad y el artista utiliza una leyenda de cuatro colores para identificar los diferentes elementos de la población y facilitar la lectura: las casas son rosas, las plazas públicas son amarillas, las calles son blancas y las canalizaciones y el río azules. En el mapa podemos comprobar el típico diseño urbano medieval: ciudad amurallada, rodeada por el río, con bastiones defensivos cada pocos metros y el castillo en un lado con una triple línea de murallas. Este modelo hubo de abandonarse porque impedía la expansión de la ciudad y facilitaba los ciclos de epidemias por el hacinamiento interior y la falta de infraestructuras sanitarias (alcantarillado, abastecimiento de agua corriente, desagües...).

Plano de Imola - Leonardo da Vinci - Museo: Royal Library, Windsor Castle - 44 x 60,2 cm - Acuarela - Renacimiento Italiano

Imola es una ciudad de la región italiana de la región de Emilia-Romaña, situada unos 30 km al sureste de la ciudad de Bolonia. Tiene 66.340 habitantes según el censo de 2005. Es conocida sobre todo por el Autodromo Enzo e Dino Ferrari, que solía albergar el Gran Premio de San Marino de Fórmula 1.

La localidad de Imola se remonta a los tiempos de la Roma clásica, siendo un centro agrícola y comercial conocido entonces como Forum Cornelii. Según la tradición, en ella fue martirizado San Casiano de Imola durante el imperio de Juliano el Apóstata, en el siglo IV. Posteriormente fue gobernada por distintos condottieri, como los Visconti y los Sforza, de cuyos tiempos se conservan varias fortalezas.

Leonardo da Vinci - Mausoleo (Sin conocer las pirámides)

Engranaje helicoidal de Leonardo.
Leonardo da Vinci, muerto en Francia en 1519, dejó numerosos dibujos y esquemas de algunos de los mecanismos utilizados hoy diariamente, incluido varios tipos de engranajes de tipo helicoidal.

Bocetos de una máquina de guerra: una enorme ballesta diseñada por Leonardo da Vinci. 

Los diseños de Da Vinci para un vehículo autopropulsado fueron revolucionarios para su época. Su “coche” de madera, se accionaba por la interacción de muelles con ruedas dentadas. Los científicos de un museo de Florencia construyeron una réplica en 2004 y descubrieron que funcionaba tal y como Da Vinci pretendía.

Máquinas Voladoras

Siglos antes de que los Hermanos Wright realizaran el primer vuelo controlado, propulsado y tripulado de la historia en 1903, Leonardo Da Vinci ya había visionado la posibilidad de fabricar máquinas voladoras. Cierto era que Leonardo era un gran amante del mundo de la aviación y la aerodinámica, la más conocida de sus invenciones era la Hélice.

A pesar de que el primer helicóptero moderno no se construyó hasta la década de 1940, se considera que los dibujos de la Hélice de Da Vinci son un precursor de la máquina que conocemos en la actualidad. Junto con los esquemas de su máquina Da Vinci puso la siguiente descripción:

“ Si este instrumento hecho en forma helicoidal se realiza de la manera correcta sobre un tejido de lino donde los poros de almidón detienen el aire, al mover rápidamente este tornillo se creará una espiral que levantará el objeto. “

El Caballero Robot 

Si consideramos que el coche autopropulsado de Leonardo fue el primer diseño para un vehículo robótico, el caballero robot puede considerarse el primer robot humanoide. Bien conocida es la fascinación de Da Vinci por la anatomía humana, tanto era así que pasó largo tiempo estudiando al hombre. Este hecho permitió que da Vinci conociera y entendiera bien como los músculos y los huesos permitían al hombre moverse.

Razonó que los mismos principios se podían aplicar a una máquina. A diferencia de la mayoría de las invenciones de Leonardo, el Caballero Robot sí fue construido pero no se empleaba más que para el entretenimiento de la familia Sforza. El robot no sobrevivió al paso del tiempo y nadie conoce exactamente sus capacidades, aparentemente podía andar, sentarse e incluso mover la mandíbula. Era movido por un conjunto de poleas y engranajes.

La Ciudad Ideal

Mientras Leonardo vivía en Milán, la Peste Negra asoló la ciudad al igual que toda Europa. Las ciudades sufrían mucho más que los pueblos situados en el campo y da Vinci teorizó acerca de por qué las ciudades eran tan vulnerables a la enfermedad. Este estudio de los causantes de la enfermedad es en sí, un estudio innovador que jamás se había planteado antes.

Da Vinci decidió entonces comenzar una de sus invenciones más ambiciosas, una ciudad planeada, diseñada desde cero para que fuera habitable y libre de todo tipo de enfermedades. El resultado fue un plan urbanístico eficaz que sin embargo nunca llegó a construirse.

La Ciudad Ideal de da Vinci estaba dividida en diferentes niveles, donde todo lo que supusiera un germen para la enfermedad se situaba en el nivel más bajo, disponía de una amplia red de canales para recoger y expulsar de la ciudad rápidamente los excrementos y desechos. El agua se distribuiría entre los edificios por medio de sistemas hidráulicos. Todas las ideas para la ciudad de da Vinci eran increíblemente costosas y nunca encontró la financiación necesaria para llevarlas a cabo.

Boceto de Leonardo Da Vinci de la Ciudad Ideal

La búsqueda de la perfección, equilibrio y funcionalidad en las proporciones, por parte de Leonardo, no sólo estuvo circunscrita a la anatomía humana (expresada con maestría en su popular Hombre Vitruviano), sino también a la relación entre las partes y el todo de las ciudades. En uno de sus cuadernos anota, con su escritura especular, junto a una perspectiva urbana: “Por las calles superiores no circularán vehículos ni objetos similares, sino que serán de uso exclusivo de los caballeros. Los carros y las cargas para uso y comodidad de los habitantes deberán utilizar las calles inferiores”.

Leonardo, profeta en Noruega

La obra más sorprendente de Leonardo da Vinci (1452-1519), máximo ejemplo del artista polifacético del Renacimiento, no está en los museos de su Italia natal, ni en el Museo del Louvre, ni en ninguna otra institución dedicada a custodiar el arte antiguo, sino en una pequeña ciudad de Noruega. Los habitantes de Aas -35 kilómetros al suroeste de Oslo- tienen el raro privilegio de poder caminar incluso sobre la última obra del genial artista e ingeniero: un flamante puente de colores, diseñado hace 500 años por el gran Leonardo, que inauguró el miércoles pasado la reina Sonia de Noruega.

Vebjörn Sand, el arquitecto noruego que ha construido el puente, ha confesado que se enamoró del proyecto al contemplar un pequeño modelo del puente que se exhibía en una exposición dedicada al genio florentino en Estocolmo en 1995. Observando la gracia del diseño a escala, el arquitecto pensó que el puente merecía ser realizado en grandes dimensiones. Dicho y hecho. 'Modelos hay muchos', dice Sand, 'pero nuestro puente es la primera obra real'. La capacidad innovadora de Leonardo es uno de los lugares comunes de la historia del arte, y son muchos los críticos que le consideran precursor de no pocos de los inventos de nuestro tiempo, pero la fe de Sand en un diseño con 500 años de historia no deja de ser conmovedora. Sand ha mantenido largas y difíciles negociaciones con el departamento noruego de autopistas antes de hacer realidad el sueño del más visionario artista del Renacimiento.

El Puente Gálata (Galata Köprüsü) atraviesa el Cuerno de Oro y une los barrios de Eminönü y Karaköy, de las zonas más antiguas e históricas a los pies de la parte moderna de la ciudad.  Tiene 490 metros de largo y constituye otro símbolo de Estambul.
En 2001 se materializó la idea de Leonardo en un pequeño puente en Noruega y el pasado 2012 el gobierno turco anunció que el proyecto del florentino se ejecutará, fiel al original, para el sitio en el que fue concebido: el Cuerno de Oro de Estambul.

El proyecto de Leonardo pretendía enlazar Gálata y Constantinopla

Para empezar, el arquitecto noruego ha tenido que conformarse con una versión reducida de la obra de sólo 65 metros de longitud, muy lejos de los 350 metros del proyecto de Leonardo -cuya visión artística y técnica le situaban siempre a muchos años de distancia de su época-, que se habría convertido en el más grande de su tiempo. En lugar de piedra, material elegido por el artista italiano, que encarecía exageradamente el proyecto, el puente ha sido construido con madera y acero, ya combinados con maestría por los arquitectos noruegos en las instalaciones para albergar los Juegos Olímpicos de invierno de 1994.

Tampoco el paisaje que rodea al nuevo puente -bautizado naturalmente con el nombre de Leonardo- está a la altura del proyecto creado por el artista florentino en 1502 para el sultán de Turquía Bajazet II. Fiel a las exigencias de nuestro tiempo, la obra de Sand es en realidad un paso elevado sobre una transitada autopista. Sostenida por tres grandes arcos, que el arquitecto ha pintado en colores vivos, la pasarela peatonal sólo sirve para evitar el tráfico. Pero el modesto emplazamiento no le resta belleza a una obra que, según Sand, 'es una perfecta mezcla de funcionalidad y estética', que ha costado 1,3 millones de euros (216 millones de pesetas).

(Boceto del puente hecho por Leonardo Da Vinci) 

El majestuoso puente que soñó Leonardo debía superar la distancia que separaba dos ciudades, Gálata y Constantinopla, en el llamado Cuerno de Oro, sobre el canal del Bósforo. Leonardo, por entonces 'arquitecto e ingeniero general' de César Borgia (hijo ilegítimo del papa español Alejandro VI), tenía relaciones directas con el país musulmán gracias a los lazos diplomáticos que acababa de anudar el Vaticano con el Imperio Otomano. Su proyecto de puente, extraordinariamente moderno y grandioso, no llegó a hacerse realidad, sin embargo, porque los expertos turcos convencieron al sultán de la 'inviabilidad' del mismo.

El puente peatonal está construido tal como el modelo original de Leonardo Da Vinci, pero en vez de un gran arco de piedras, el de As son vigas de madera donde se puede caminar o bien andar en bicicleta. El largo total del puente es de 108 metros con un ancho máximo de 40 metros, altura de 10 metros y una distancia peatonal de 5 metros. 

El arquitecto noruego ha demostrado que el proyecto era viable 'en madera y en piedra y en cualquier escala'. 'Porque los principios en los que se basa el diseño funcionan', asegura Sand.

Fuente: 3 de noviembre de 2001 (El País) 

(IV) Italia en época del Bosco - Leonardo Da Vinci - Il Salaino («el diablillo») - Últimos años en Francia - Ghiberti - Masaccio - El castillo de Chambord

 Ludovico Sforza -Leonardo Da Vinci - El taller de Verrocchio, pincha aqui

Mi semana por los castillos del Loira - Amboise - La Pagoda de Chanteloup, pincha aqui

El Castillo de Amboise (I parte) - Carlos VIII - Luis XII de Francia -  El sepulcro de leonardo da Vinci, pincha aqui

 El Castillo de Amboise (II) Los apartamentos de los Orleans, pincha aqui

Estudio de un caballo de Leonardo. Los dibujos o bosquejos hechos por él resaltaban su magnífico arte. Este es considerado un predecesor del dibujo del valle Arno.

Se ocupó del estudio para la cúpula de la Catedral de Milán.
En 1490 participó en una especie de congreso de arquitectos e ingenieros, reunidos para debatir algunos aspectos del acabado de la cúpula de la catedral de Milán. Allí conoció a un ingeniero de renombre, Francesco di Giorgio Martini, que le recomendó ir a Parma a consultar con Giovanni Antonio Amadeo y Luca Fancelli, para aclarar determinados aspectos de la construcción de la catedral. En esta época Leonardo reflexionó sobre proyectos técnicos y militares. Mejoró los relojes, el telar, las grúas y muchas otras herramientas. Estudió también el urbanismo y propuso planos de ciudades ideales. Se interesó por la disposición hidráulica y un documento de 1498 lo cita como ingeniero y encargado de los trabajos en ríos y canales. En 1495 una lista detallada de los gastos relativos a un funeral sugieren la muerte de su madre Caterina.

Gian Giacomo Caprotti da Oreno, llamado Salai o Salaino (nacido hacia 1480-Milán 19 de enero de 1524), fue un pintor renacentista italiano, discípulo y ayudante de Leonardo da Vinci.
Salai siguió a Leonardo cuando tuvo que irse de Milán tras la toma por los franceses, y en sus viajes por toda Italia, así como su marcha final a Francia. No obstante, Salai acabó volviendo a Italia en 1518. Regresó a Milán. Leonardo al morir en 1519 le legó una buena parte de su herencia.

Réplica de La Gioconda, posible obra de Salai.

Salaino como Juan Bautista, por Leonardo da Vinci
Cuando Leonardo desea reproducir un tipo físico hermoso acude a los rasgos de Salai, sobre todo a su perfil característico, de nariz recta, frente y mentón redondeados y cabellera rizada y abundante. Es el prototipo de rostro angélico y andrógino, ya que los rasgos del muchacho eran algo femeninos.

Gian Giacomo Caprotti da Oreno, llamado «il Salaino» («el diablillo») o Salai, fue descrito por Giorgio Vasari como «un simpático y bello jovencito de cabellos finos y ensortijados, que encantaba a Leonardo». Salai entró al servicio de Leonardo en 1490 a la edad de 10 años. Su relación no fue fácil. Un año más tarde, Leonardo hizo una lista de las faltas del joven, y lo calificó de «ladrón», «mentiroso», «obstinado» y de «glotón». El «pequeño diablo» había robado dinero y objetos de valor en al menos cinco ocasiones, y había dilapidado una fortuna en ropa, llegando a comprar veinticinco pares de zapatos. Sin embargo, las anotaciones de Leonardo de los primeros años de su relación con el joven contienen numerosas imágenes del adolescente. Salai fue su oficial, sirviente y asistente durante los treinta años siguientes.
En 1506, Leonardo tomó como alumno a Francesco Melzi, de 15 años, hijo de un aristócrata lombardo. Melzi se convirtió en compañero de la vida de Leonardo, y es considerado su alumno favorito.

En 1499 las tropas de Luis XII de Francia conquistaron el Ducado de Milán destituyendo a Ludovico Sforza, que huyó a Alemania con su sobrino Maximiliano I. El 6 de octubre entró en la ciudad Luis XII y reivindicó sus derechos a la sucesión de los Visconti. Leonardo se encontró una mañana con que los franceses estaban usando su modelo de arcilla a escala real del caballo de la estatua ecuestre de Francisco Sforza como blanco para sus entrenamientos de tiro, quedando totalmente destruida. Luis XII consideró la posibilidad de cortar el muro donde se encontraba La última cena para llevársela a Francia, como también lo pensó Napoleón Bonaparte siglos más tarde. Con la caída de los Sforza Leonardo quedó al servicio del conde de Ligny, Luis de Luxemburgo, que le pidió que preparase una relación sobre el estado de la defensa militar de la Toscana. El 14 de diciembre Leonardo hizo depositar 600 florines en el Hospital de Santa Maria Nuova de Florencia, que actuaba como banca. El retorno inesperado de Ludovico Sforza modificó sus proyectos y huyó de Milán con su asistente Salai y el matemático Luca Pacioli.

De Milán a Roma

En 1504, volvió a trabajar en Milán que, en aquella época, se encontraba bajo el control de Maximiliano Sforza gracias al apoyo de los mercenarios suizos.

Maximiliano Sforza (25 de enero de 1493 - 4 de junio de 1530) fue Duque de Milán de la familia Sforza, hijo de Ludovico Sforza. Gobernó entre las ocupaciones de Luis XII de Francia (1500 - 1512), y Francisco I de Francia en 1515. Fue apresado por los franceses que regresaban después de triunfar en la batalla de Marignano.

El mismo año, Leonardo realizó estudios anatómicos e intentó clasificar sus innumerables notas. También es la época en que empieza a trabajar en La Gioconda (1503-1506, y después 1510-1515) obra habitualmente considerada como un retrato de Lisa Gherardini o, por el nombre de casada, Monna Lisa del Giocondo. Sin embargo, hay numerosas interpretaciones sobre este cuadro que aún son motivo de debate y discusión.

En 1505, se dedicó a estudiar el vuelo de los pájaros

Planos para una máquina voladora, 1488, Institut de France, París.

El Códex sobre el vuelo de los pájaros trata del manuscrito de Leonardo da Vinci sobre estudios del vuelo de los pájaros que fue escrito entre el 14 de marzo y el 15 de abril de 1505 en Florencia. Se conserva en la biblioteca Real de Turín.

En 1508, vivió con el escultor Giovanni Francesco Rústica en casa de Piero di Braccio Martelli, en Florencia, pero luego se marchó y se fue a vivir a Milán.

En 1511, murió el gobernador Charles d'Amboise y, en 1512, tras la batalla de Rávena, Francia se marchó del territorio italiano. Este segundo período milanés le permitió a Leonardo profundizar en sus investigaciones de ciencia pura.

La Batalla de Rávena del 11 de abril de 1512, librada en el contexto de la guerra de la Liga de Cambrai durante las guerras italianas, enfrentó a las tropas francesas y ferraresas dirigidas por Gastón de Foix contra el ejército de la Santa Liga liderado por Ramón de Cardona, formado por tropas castellano-aragonesas y papales.
El encuentro, uno de los más cruentos de la guerra, terminó con la victoria de las fuerzas franco-ferraresas. Sin embargo, los franceses no consiguieron afianzarse en el norte de Italia, de donde deberían retirarse en agosto del mismo año.

En septiembre de 1513, Leonardo da Vinci se fue a Roma, donde trabajó para el papa León X, miembro de la rica y poderosa familia de los Médicis. En aquellos momentos, en el Vaticano, Rafael y Miguel Ángel tenían mucho trabajo. Ante el éxito de Sangallo, Leonardo no recibió más que encargos modestos y parece que no participó ni en la construcción de las numerosas fortalezas romanas, poco relevantes, y ni en el embellecimiento de la capital. Tampoco tuvo éxito su pintura y se refugió en otra especialidad, quizá su preferida, la hidráulica, y realizó un proyecto de secado de las Lagunas Pontinas, que pertenecían al duque Juliano II de Médicis.

Las Lagunas Pontinas es una antigua zona de marisma en la región del Lacio en Italia central, al sureste de Roma, dentro de la provincia de Latina.
Se trata de una llanura de anchura variable entre los primeros relieves apeninos de los montes Lepinos y Ausonios y el mar de 16 a 26 kilómetros, y extendiéndose de noroeste al sureste desde Velletri a Terracina junto al mar Tirreno, del que están separadas por dunas de arena.

Por Rafael Sanzio
León X (Florencia, 11 de diciembre de 1475 – Roma, 1 de diciembre de 1521), papa 217.º de la Iglesia católica de 1513 a 1521.

«Los Médici me han creado, los Médici me han destruido», escribió Leonardo, sin duda para subrayar las decepciones de su estancia en Roma.

Últimos años en Francia

En septiembre de 1515, el nuevo rey de Francia, Francisco I, reconquistó Milán tras vencer en la batalla de Marignan. En noviembre del mismo año, Leonardo diseñó un nuevo proyecto sobre la disposición del barrio de Médici en Florencia. El 19 de diciembre, estuvo presente en la reunión entre Francisco I y el papa León X que se celebró en Bolonia. Francisco I le encargó a Leonardo un león mecánico que pudiera andar y con el detalle de que el pecho se abriera para mostrar la flor de lis.

Francisco I de Francia (Coñac, 12 de septiembre de 1494-Rambouillet, 31 de marzo de 1547), conocido como el Padre y Restaurador de las Letras, el Rey Caballero y el Rey Guerrero, fue consagrado como rey de Francia el 25 de enero de 1515 en la catedral de Reims, y reinó hasta su muerte en 1547.
Francisco I está considerado como el monarca emblemático del período del Renacimiento francés. Su reinado permitió un desarrollo importante de las artes y las letras en Francia.
En el plano militar y político, el reinado de Francisco I estuvo plagado de guerras y de importantes acontecimientos diplomáticos. Tuvo un rival poderoso en la figura del emperador y rey de España Carlos I y debió contar con los intereses diplomáticos del rey Enrique VIII de Inglaterra, siempre deseoso de posicionarse como aliado de uno u otro bando. Francisco I registró éxitos y fracasos, pero no le permitió a su enemigo imperial concretar sus planes, cuya realización comprometería la integridad del reino. Sus esfuerzos guerreros acarrearon pesadas consecuencias para el Occidente cristiano al permitir que el imperio otomano se apoderase de la casi totalidad del reino de Hungría y llegase hasta las puertas de Viena.

En 1516 se marchó a Francia junto con su ayudante, el pintor Francesco Melzi, y quizás también con Salai; su nuevo mecenas y protector, el rey de Francia Francisco I, los instaló en la casa donde este vivió en su niñez, el Castillo de Clos-Lucé, cerca del castillo de Amboise. 

Castillo de Clos-Lucé
Más mansión que castillo, el caserón está situado en Amboise, Francia, a sólo 500 metros del castillo de Amboise, con el que además está comunicado por un pasaje subterráneo. Fue construido por Étienne le Loup a mediados del siglo XV, y adquirido en 1490 por el rey Carlos VIII de Francia para su mujer, Anne de Bretaña. Más tarde, fue utilizado por el rey Francisco I, así como por su hermana, Margarita de Navarra, de la que se sabe que empezó a escribir su libro Heptamerón cuando vivía allí
En los sótanos de esta mansión es posible observar los numerosos modelos dibujados por Leonardo, como un tanque, un puente de asedio o el precursor de un helicóptero. En sus jardines, de los que se dice que se conservan casi como en 1519, se han instalado maquetas de algunas de las piezas de ingeniería que, adelantándose hasta en cuatro siglos, Leonardo imaginó.

Castillo Real de Amboise

Castillo Real de Amboise

El rey estaba fascinado con Leonardo y lo consideró como un padre. La casa y el castillo de Amboise estaban conectados por un paso subterráneo que permitía al soberano rendir visita al artista y hombre de ciencia con total discreción. Leonardo proyectó el palacio real de Romorantin, que Francisco I pretendía erigir para su madre Luisa de Saboya: sería una pequeña ciudad, para la cual previó el desvío de un río que la enriqueciera con agua y fertilizase la campiña vecina. En 1518 participó en las celebraciones del bautizo del Delfín y de las bodas de Lorenzo de Médici con una sobrina del rey francés. Ese mismo año Salai abandonó a Leonardo y retornó a Milán, donde más adelante (el 19 de enero de 1524) perecería en un duelo.

Recreación pictórica de la muerte de Leonardo en los brazos de Francisco I. Recreación tradicional de la muerte del genio. Museo de Louvre, Francia.

La tradición cuenta que murió en brazos de Francisco I, pero probablemente esto se basa en una interpretación errónea de un epígrafe redactado por Giorgio Vasari.

Según su última voluntad, sesenta mendigos siguieron su séquito y fue enterrado en la capilla Saint-Hubert, en el recinto del castillo de Amboise. Leonardo nunca se casó y tampoco tuvo hijos; legó el conjunto de sus obras para que fueran publicadas por su discípulo preferido, Francesco Melzi, alumno desde los diez años. Le dio sobre todo sus manuscritos, cuadernillos, documentos e instrumentos. Francesco, después de haberlo acompañado durante su estancia en Francia, se quedó con Leonardo hasta su muerte, y administró su herencia durante los cincuenta años posteriores a la muerte de su maestro.

El famoso Salero de Francisco I de Francia (Kunsthistorisches Museum de Viena).
Benvenuto Cellini (Florencia, 3 de noviembre de 1500 - 13 de febrero de 1571) fue un escultor, orfebre y escritor italiano. Se convirtió en uno de los orfebres más importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y adornos exquisitos. Su autobiografía es un valioso testimonio de la época, aunque no carece de ingredientes fantasiosos.

La muerte de Leonardo es también el comienzo de la dispersión y la pérdida de dos tercios de los cincuenta mil documentos originales multidisciplinarios redactados en viejo toscano y codificados por él. Cada carné, manuscrito, página, croquis, dibujo, texto y nota fue considerado plenamente como una obra de arte. No han quedado más que unos trece mil documentos, de los cuales la mayoría se conservan en el archivo de la Ciudad del Vaticano. Veinte años después de la muerte de Leonardo, Francisco I le confesó al escultor Benvenuto Cellini:

Nunca ha habido otro hombre nacido en el mundo que supiera tanto como Leonardo, no tanto en pintura, escultura y arquitectura, sino en filosofía.

El castillo de Chambord (château de Chambord, en francés), en la región del Centro-Valle de Loira, es uno de los castillos más reconocibles en el mundo debido a su arquitectura renacentista francesa muy distintiva que mezcla formas tradicionales medievales con estructuras clásicas italianas.
Es el castillo más grande de los castillos del Loira, pero fue construido para servir sólo como un pabellón de caza para el rey Francisco I, quien mantuvo sus residencias reales en el castillo de Blois y en el castillo de Amboise.
El diseño original del castillo de Chambord fue hecho por Domenico da Cortona, pero fue cambiado durante los veinte años de su construcción (1519-1539). Aunque se cree que Leonardo da Vinci estuvo implicado en el diseño original siendo invitado por el rey Francisco I.

Escaleras de doble espiral en el Castillo de Chambord
Todo turista que llega a Chambord, se interesa por la escalera central del castillo, ya que resulta sugestivo el hecho de que dos personas no se crucen cuando la una baja al mismo tiempo que la otra sube. A pesar de no cruzarse, las personas pueden verse por las ventanas que dan al centro de la escalera haciendo que ambas parezcan estar en una misma.

El Castillo Real de Chambord - Personajes del castillo (habitantes intermitentes) - Francisco I, pincha aqui 

Relaciones e influencias

En 1466, cuando Leonardo comenzó su aprendizaje con Andrea del Verrocchio, murió el escultor Donatello, a su vez maestro de Verrocchio. El pintor Paolo Uccello -que había experimentado con la perspectiva e influyó en el desarrollo de la pintura de los paisajes- ya era muy viejo, y los pintores Piero della Francesca y Fra Filippo Lippi, el escultor Luca della Robbia y el arquitecto y escritor Leon Battista Alberti tenían unos 60 años. Los artistas más famosos de la generación siguiente fueron Andrea del Verrocchio, Antonio Pollaiuolo y el escultor Mino da Fiesole.

Autorretrato de Ghiberti en la Puerta del Paraíso del Baptisterio de la Catedral de Florencia
Lorenzo Ghiberti (Florencia, 1378 - id., 1 de diciembre de 1455) fue un escultor, orfebre, arquitecto y escritor de arte italiano del Quattrocento.

El trabajo en estas puertas duró más de veinte años (de 1403 a 1424).

La Puerta del Paraíso.

La Puerta del Paraíso.

La Puerta Norte

La juventud de Leonardo se desarrolló en una casa de Florencia en cuyas paredes colgaban las obras de esos artistas y de los contemporáneos de Donatello, Masaccio (cuyos frescos figurativos y realistas están impregnados de emoción) y Lorenzo Ghiberti (cuyas Puertas del Paraíso muestran una gran complejidad compositiva, aunando el trabajo como arquitecto con el esmero en los detalles). Piero della Francesca había hecho un estudio detallado de la perspectiva, y fue el primer pintor en llevar a cabo un estudio científico de la luz. Sus trabajos, así como los tratados de Leone Battista Alberti debieron haber tenido un profundo efecto en los jóvenes artistas, y en particular en el observador Leonardo y en sus obras.

Leon Battista Alberti (Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 - Roma, 25 de abril de 1472) fue un arquitecto, secretario personal (abreviador apostólico) de tres Papas —Eugenio IV, Nicolás V y Pío II—, humanista, tratadista, matemático y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es uno de los humanistas más polifacéticos e importantes del Renacimiento.

Retrato de joven dama (1465), Gemäldegalerie de Berlín.
Antonio Pollaiuolo (Florencia 17 de enero de 1432 o 1433 – Roma 4 de febrero de 1498), también conocido como Antonio del Pollaiolo o Antonio Pollaiolo, fue un pintor, escultor, orfebre y grabador cuatrocentista italiano, que asimismo perfeccionó el arte del esmaltado.

El combate de los hombres desnudos, famoso grabado de Pollaiuolo.

La representación del desnudo de Masaccio en La expulsión de Adán y Eva del Paraíso, con un Adán cuyos genitales no estaban cubiertos con una hoja de parra, crea una imagen muy expresiva de las formas humanas que tendría una gran influencia en la pintura, sobre todo por estar representados en tres dimensiones gracias a un novedoso empleo de la luz y la sombra, que Leonardo desarrolló en sus propias obras. El humanismo del Renacimiento y su influencia a través del David de Donatello puede ser apreciado en las pinturas más tardías de Leonardo, en particular, en su San Juan Bautista.

Santa Maria del Carmine, Brancacci Chapel

La capilla Brancacci (del cardenal Brancacci) es una capilla al final del transepto derecho de la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia (barrio de Oltrarno).
A veces se la llama la "Capilla Sixtina del primer Renacimiento" por su ciclo de pinturas, que se encuentran entre las más famosas e influyentes de la época.

La expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal  es un fresco realizado por el destacado artista del primer Renacimiento Masaccio. El fresco se encuentra pintado sobre la pared de la Capilla Brancacci, en la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia, Italia. Representa una famosa escena en la Biblia, la expulsión del Paraíso que se narra en Génesis 3,  aunque con algunas diferencias en relación con el relato canónico.

Autorretrato
 Masaccio (San Giovanni in Altura, hoy San Giovanni Valdarno, Arezzo, 21 de diciembre de 1401 – Roma, otoño de 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura. Generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.

Si bien suelen citarse juntos a los tres gigantes del Renacimiento, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, no son de la misma generación. Leonardo tenía 23 años cuando nació Miguel Ángel, y 31 cuando nació Rafael. Rafael murió en 1520, un año después de Leonardo. Cuando falleció Miguel Ángel, Leonardo ya llevaba 45 años muerto.